Описание (клик - развернуть/свернуть):
Двое бандитов колесят по американской провинции, оставляя после себя многочисленные трупы. Однажды они оказываются в тихом городке Миллбрук, штат Индиана. В этом городе живёт Том Столл, уважаемый всеми владелец небольшой закусочной, и его семья — жена Иди и двое детей. При попытке вооружённого ограбления своей закусочной Том Столл убивает бандитов и становится местным героем, о его подвиге упоённо рассказывает телевидение. Вскоре в Миллбруке появляются загадочные люди, которые почему-то называют Тома именем Джоуи и расспрашивают его о Филадельфии.

Дэвид Кроненберг сказал, что название его фильма «A History of Violence» имеет три аспекта, которые не совсем точно отражают переводы «История насилия» или «Оправданная жестокость». Первый аспект названия этой ленты заключается как раз в предыстории конкретного человека, в частности, Тома Столла. Второй указывает на историческое использование инструмента жестокости в разрешении споров. А третий — на врождённую жестокость человека, которая, согласно теории эволюции Дарвина, является определяющим фактором в борьбе за существование. Третий аспект больше всего подходит к фильму Дэвида Кроненберга, который во многом о том, как человек приспосабливается к нормальным условиям существования, преодолевая возникающие на его пути преграды путём жестокости и насилия.

Дэвид Кроненберг рисует счастливую жизнь человека, у которого двое прекрасных детей, страстные отношения с женой и… смутное прошлое. И вот, в один прекрасный день жизнь Тома Столла переворачивается с ног на голову, а в тихую гавань бесцеремонно врываются кошмарные образы из прошлого, которые он и рад бы забыть, словно герой Кристофера Уокена из кроненберговской экранизации романа Стивена Кинга «Мёртвая зона», да ничего не получается, потому что бумеранг прошлого, запущенный нами когда-то вдаль, всегда возвращается назад.

Дэвид Кроненберг провёл кропотливое исследование двойственности человеческой души, создав напряженную картину не столько о жестокости, сколько о человеческом характере, в котором всегда борются две противоположные сущности. И одна из них всегда оказывается сильнее другой. Это и отражено в характере Тома Столла, который решил порвать не только со своим прошлым образом жизни, но и со своей прошлой личностью, создав оплот в крепких семейных отношениях. Однако Том также самоотверженно готов пойти на всё, лишь бы обезопасить свою семью от взбушевавшихся призраков своего прошлого и сохранить нажитое благополучие. Здесь-то и оказывается оправданным перевод «Оправданная жестокость» (уж простите за тавтологию), ибо всё, что делает Том, он делает ради сохранения себя и своей семьи. Чем не дарвинизм? Дэвид Кроненберг ставит перед семьёй Тома Столла моральную дилемму. Что сделают жена и дети Тома, когда узнают о нём всю правду? Отвернутся от него? Или примут правду о нём со смирением? Чувства всех персонажей кроненберговской истории жестокости проходят проверку на прочность: продолжит ли жена Тома любить его таким, какой он есть, или отвергнет его, не выдержав натиска истины? Уверяю, вам интересно будет это узнать. Ну а неопровержимым доказательством того, что Кроненберг является чистейшим дарвинистом, является наследственная склонность сына Тома к жестокости, которую он оправданно проявляет по отношению к своему однокласснику.

Сложно ли убить человека? Вопрос тяжёлый лишь до определённого момента. До наступления непреодолимых обстоятельств. А после их наступления, это всего лишь вопрос техники. Нет, вы конечно можете прислушаться к голосу разума, совести или пацифизма. Но в следующее мгновение, вы уже будете лежать на полу медленно остывая. Все высокопарные слова бессильны перед дулом пистолета или лезвием ножа. И только от нас зависит конечный выбор. Быть безропотной дичью, не способной защитить себя и окружающих, и ждущей своей участи или «уделать» охотника, возомнившего себя лучше вас. Вы всё ещё сомневаетесь?

Дэвид Кроненберг продемонстрировал насилие не как нечто из ряда вон выходящее или противоречащее здравому смыслу. Выстрелить в голову, забить нос в мозг, сломать шею каблуком ботинка здесь так же просто и обыденно, как выкурить сигарету или выпить чашку кофе. Никаких эмоций. Ни отвращения, ни удовольствия. Действия доведены до автоматизма. Только рефлексы и инстинкты. Это лишь чуть более нетривиальный способ устранения препятствий на своём пути.

Вигго Мортенсен идеально подошел на эту роль, органично воплотив в своём образе две совершенно разные личности. «Переключение» между которыми происходит интуитивно, мгновенно и без колебаний. Второй звездой здесь был конечно же Эд Харрис. Прекрасная игра и удивительно проработанный характер персонажа, даже несмотря на малое экранное время.

Жестокость Тома имела свою историю. А близкие… они просто были жестоки, сами по себе. И здесь нам показана совершенно иная жестокость: жены, еще недавно утверждавшей, что ее муж — лучший мужчина на свете, а после всего произошедшего ставшей для него совершенно чужой. Сына, такого похожего на своего отца — кроткого и смиренного, пока вдруг не выплеснется наружу долго копившийся гнев. Похожего и — не желающего понять и простить отца. Дочери, которую Том так любовно успокаивает ночью, когда она плачет, напуганная приснившимися ей чудовищами. И которая замирает, отгораживается от отца, когда эти чудовища из ночного мрака настигают так неожиданно его самого.

И все они — и жена, и сын, и дочь — гораздо хуже, чем Том. Жестоким и страшным его сделала жестокая и страшная жизнь. И через что он прошел для того, чтобы стать другим? Как он говорит сам — пришлось умереть и родиться снова, так что до встречи с будущей женой его даже и не было…

А что сделало такими жестокими их? Маленький, но говорящий эпизод. Том пытается поговорить с женой, когда его прошлое уже открылось, объясниться с ней. Он как всегда предельно вежлив. Но она… Она вырывается и бьет его. И тогда в нем оживает на мгновение зверь. Он валит ее с ног и уже готов совершить насилие. Однако секунда, и взгляд Тома становится совершенно другим — он ужасается от того, что делает, и хочет встать… Только жена не отпускает его — она хочет насладиться совокуплением с этим зверем… Так кто же из них по-настоящему жесток? И в ком больше звериного?

Финальная сцена как бы тонет, растворяется во взгляде Тома. Во взгляде, полном страха и надежды. Страха быть отвергнутым. Надежды на прощение.

Мрачная и жестокая история. Чудовищно реалистичная в своей обыденности и столь же притягательная в своём драматизме. Кроненберг как всегда оставляет зрителя один на один с собственными мыслями.

Фильм идет полтора часа, но возникает чувство, что целых три. Очень медленно поставлен, отлично отыгран, напряжен и бьет по нервам. Что действительно поражает - это игра Вигго Мортенсена, его перевоплощение из законопослушного гражданина в опасного убийцу вне всяких похвал.

В заключении можно сказать, что «A History of Violence» фильм на любителя, кому-то может показаться, что это шедевр с отличной идеей, что насилие может быть оправданным, когда это нужно, что человек может исправиться, но в душе остаться таким же опасным и жестоким. А кому-то фильм может показаться только очередной попыткой достучаться до человеческого понимая насилия и жестокости.

Интересные факты:

Фильм основан на графическом романе Джона Вагнера и Винса Локка "A History of Violence" 1997 года.

Съёмки картины проходили на родине режиссёра Дэвида Кроненберга в Канаде. Роль вымышленного американского города Миллбрук, штат Индиана, сыграл город Миллбрук в провинции Онтарио; сцены фильма, происходящие в Филадельфии, снимались в Торонто.

Одна из самых затратных и жестоких сцен ленты — сон Тома Столла, в котором он убивает Карла Фогарти, — в фильм не попала. Режиссёр счёл её неуместной ссылкой на свои предыдущие работы.

Все эпизоды в закусочной Тома были отсняты в павильоне студии «Торонто Филм». Таким образом, и сама закусочная, и улица, которая видна за окнами и стеклянной дверью, — всё это декорация.

Дэвид Кроненберг решил пригласить на роль Тома / Джоуи Вигго Мортенсена, после того как увидел его в роли Арагорна в трилогии Питера Джексона «Властелин Колец» и в дополнительных материалах к этим фильмам. Режиссер был просто поражен несоответствием заурядно-безобидной внешности актера в жизни и мощного образа хладнокровного бойца, созданного им в кино.

Вигго Мортенсен сам купил большую часть реквизита для закусочной и дома Столлов во время своей поездки по американскому Среднему Западу. Это помогло ему лучше проникнуть в суть своего героя.

Чтобы освоить филадельфийское произношение Джоуи, Вигго Мортенсен часами общался с дядей и братом Марии Белло, жителями Филадельфии.

Уильям Хёрт присутствовал на съемочной площадке всего 5 дней.

Стивен МакХэтти и Грег Брик, сыгравшие бандитов Лиланда и Билли, будучи большими поклонниками системы Станиславского, сами придумали себе предысторию своих героев.
Согласно ей, Лиланд и Билли — соответственно родные дядя и племянник. Лиланд вышел из тюрьмы года полтора назад, поехал навестить свою семью, встретился с Билли и решил, что должен показать ему мир.

На футболке Билли мы видим рекламу бильярдной «Ночная сова». Это — отсылка к знаменитому криминальному триллеру Кёртиса Хэнсона «Секреты Лос-Анджелеса» (1997), сюжет которого вращается вокруг убийств в кафе «Ночная сова».

Эпизод, в котором Билли направляет пистолет на маленькую девочку, — это цитата из легендарного вестерна Серджо Леоне «Однажды на Диком Западе» (1968). Сцена копирует знаменитый эпизод, в котором Фрэнк направляет револьвер на последнего оставшегося в живых члена клана Макбэйнов, тоже ребенка, только сразу после этого вместо свистка паровоза раздается пронзительный крик дочери Столлов.

В оригинальном сценарии гангстеры — представители итало-американской мафии. Однако после того как на роли Карла Фогарти и Ричи Кьюсака были утверждены соответственно Эд Харрис и Уильям Хёрт, Дэвид Кроненберг решил сделать гангстеров ирландцами, так как чувствовал, что Харрис и Хёрт не смогут убедительно сыграть итальянцев.

В оригинальном сценарии, как и в оригинальном романе-комиксе, Джоуи и Ричи были всего лишь старыми друзьями. Однако Дэвид Кроненберг решил усилить драматизм ситуации и сделать их родными братьями.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Лас-Вегас, семидесятые годы прошлого столетия. Влиятельные персоны итальянского происхождения владеют сетью игорных заведений, приносящих им огромные барыши. Несмотря на то, что престарелые доны одной ногой уже находятся в землянке, которая носит название «могила», им все равно хочется денег. Чем больше, тем лучше. Доны купили всю администрацию Вегаса, везде протянули свои щупальца — и, можно сказать, что именно они являются истинными хозяевами города. Как говорится, «все схвачено, за все заплачено».

Одно из самых прибыльных игорных заведений носит название «Танжер». Туда назначается управляющим некто Сэм Ротстин — человек, буквально живущий Игрой. Он одержим ею, он знает все тонкости, все нюансы Игры, и именно его боссы видят в качестве человека, способного еще больше разработать и без того богатую плодоносящую золотую жилу. А чтобы Сэму не было скучно, да и кому-то надо охранять столь важного випа, доны отправляют к нему старого приятеля — Никки Санторо. О характере этого человека лучше всего сказал сам Сэм: «Если Никки ударить кулаком, он вернется с дубиной. Если треснуть его дубиной, он вернется с ножом». Редкостная, живучая гадина этот Никки…

Мартин Скорсезе снял очень сильную криминально-психологическую драму. В фильме безукоризненно представлены обе его основные составляющие - криминальная и психологическая.

Криминальная часть фильма изобилует подробностями внутреннего устройства теневого бизнеса. Коррумпированность, бандитские разборки, борьба за сферы влияния, контрабанда, аферисты, шулеры и прочая, и прочая… Показано все это настолько качественно и откровенно, что просто диву даешься.

Психологическая часть, на мой взгляд, получилась даже чуточку сильней. Наверное, потому, что на этом фронте всегда есть где развернуться, тогда как криминальная составляющая так или иначе заключена в определенные рамки, переходить за которые нежелательно, чтобы фильм не превратился в обычный боевик. И вот здесь на первый план выходят характеры основных героев фильма и взаимоотношения между ними.

Сэм Ротстин / Роберт Де Ниро / по прозвищу «Туз». Этот человек — гений своего дела, человек, не только любящий свое дело, но и умеющий. Он живет Игрой, он ею дышит, он знает, как сделать так, чтобы казино, которым он управляет, приносило максимальный доход. У него железная рука и свои принципы, которыми он никогда не поступится, как бы сильно на него ни давили. Линия этого персонажа — центральная в фильме, именно вокруг него строится сюжетная канва.

Никки Санторо / Джо Пеши / — яркий представитель криминальной сферы. Этот человек не остановится ни перед чем, когда затрагиваются его интересы. Алчный, жестокий, далеко не глупый, но живущий в основном низменными инстинктами и пристрастиями. Он очень вспыльчив и неуравновешен, руководствуется по преимуществу эмоциями, а не рассудком, что делает его чрезвычайно опасным асоциальным типом. В фильме по степени значимости ему отведена вторая, но далеко не последняя роль.

Джинджер / Шерон Стоун / — элитная проститутка, которая знает тысячу и один способ вытягивания денег из клиента. Все, что интересует эту женщину — деньги. Для нее нет ничего святого, самое большое удовольствие для Джинджер — это шмотки, драгоценности и, разумеется, хруст долларовых банкнот в кошельке. Однако и у нее есть свои тайные пристрастия, и где-то в глубине души эта женщина — по своему трагический персонаж. Одна из лучших ролей в карьере Шэрон Стоун, определенно.

Мартин Скорсезе сумел создать удивительную атмосферу фильма по реальным событиям, и в своём особенном стиле. Интересный сюжет, неординарный подход режиссера и невероятно удачный кастинг делают «Казино» безусловной классикой жанра.

Интересные факты:

Прототипом Никки Санторо (Джо Пеши) послужил Энтони «Тони Муравей» Спилотро, головорез «Чикагского синдиката», убитый по приказу боссов в 1986 году.

Персонаж Роберта Де Ниро имел реального прототипа Франка «Левшу» Розенталя, который управлял с 1970-х до начала 1980-х казино «Звёздная пыль» (Stardust), «Фримонт» и «Хасьенда».

«Казино» — фильм, основанный по одноименной книге Николаса Пиледжи и Ларри Шандлинга.

Слово «Fuck» и его производные, употребляются в фильме 422 раза - что в среднем, составляет примерно 2,4 раза в минуту.

Съёмки фильма проходили в одном из старейших действующих отелей-казино Лас-Вегаса Riviera, который выбрали благодаря нейтральной тематической окраске заведения.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Лас-Вегас, семидесятые годы прошлого столетия. Влиятельные персоны итальянского происхождения владеют сетью игорных заведений, приносящих им огромные барыши. Несмотря на то, что престарелые доны одной ногой уже находятся в землянке, которая носит название «могила», им все равно хочется денег. Чем больше, тем лучше. Доны купили всю администрацию Вегаса, везде протянули свои щупальца — и, можно сказать, что именно они являются истинными хозяевами города. Как говорится, «все схвачено, за все заплачено».

Одно из самых прибыльных игорных заведений носит название «Танжер». Туда назначается управляющим некто Сэм Ротстин — человек, буквально живущий Игрой. Он одержим ею, он знает все тонкости, все нюансы Игры, и именно его боссы видят в качестве человека, способного еще больше разработать и без того богатую плодоносящую золотую жилу. А чтобы Сэму не было скучно, да и кому-то надо охранять столь важного випа, доны отправляют к нему старого приятеля — Никки Санторо. О характере этого человека лучше всего сказал сам Сэм: «Если Никки ударить кулаком, он вернется с дубиной. Если треснуть его дубиной, он вернется с ножом». Редкостная, живучая гадина этот Никки…

Мартин Скорсезе снял очень сильную криминально-психологическую драму. В фильме безукоризненно представлены обе его основные составляющие - криминальная и психологическая.

Криминальная часть фильма изобилует подробностями внутреннего устройства теневого бизнеса. Коррумпированность, бандитские разборки, борьба за сферы влияния, контрабанда, аферисты, шулеры и прочая, и прочая… Показано все это настолько качественно и откровенно, что просто диву даешься.

Психологическая часть, на мой взгляд, получилась даже чуточку сильней. Наверное, потому, что на этом фронте всегда есть где развернуться, тогда как криминальная составляющая так или иначе заключена в определенные рамки, переходить за которые нежелательно, чтобы фильм не превратился в обычный боевик. И вот здесь на первый план выходят характеры основных героев фильма и взаимоотношения между ними.

Сэм Ротстин / Роберт Де Ниро / по прозвищу «Туз». Этот человек — гений своего дела, человек, не только любящий свое дело, но и умеющий. Он живет Игрой, он ею дышит, он знает, как сделать так, чтобы казино, которым он управляет, приносило максимальный доход. У него железная рука и свои принципы, которыми он никогда не поступится, как бы сильно на него ни давили. Линия этого персонажа — центральная в фильме, именно вокруг него строится сюжетная канва.

Никки Санторо / Джо Пеши / — яркий представитель криминальной сферы. Этот человек не остановится ни перед чем, когда затрагиваются его интересы. Алчный, жестокий, далеко не глупый, но живущий в основном низменными инстинктами и пристрастиями. Он очень вспыльчив и неуравновешен, руководствуется по преимуществу эмоциями, а не рассудком, что делает его чрезвычайно опасным асоциальным типом. В фильме по степени значимости ему отведена вторая, но далеко не последняя роль.

Джинджер / Шерон Стоун / — элитная проститутка, которая знает тысячу и один способ вытягивания денег из клиента. Все, что интересует эту женщину — деньги. Для нее нет ничего святого, самое большое удовольствие для Джинджер — это шмотки, драгоценности и, разумеется, хруст долларовых банкнот в кошельке. Однако и у нее есть свои тайные пристрастия, и где-то в глубине души эта женщина — по своему трагический персонаж. Одна из лучших ролей в карьере Шэрон Стоун, определенно.

Мартин Скорсезе сумел создать удивительную атмосферу фильма по реальным событиям, и в своём особенном стиле. Интересный сюжет, неординарный подход режиссера и невероятно удачный кастинг делают «Казино» безусловной классикой жанра.

Интересные факты:

Прототипом Никки Санторо (Джо Пеши) послужил Энтони «Тони Муравей» Спилотро, головорез «Чикагского синдиката», убитый по приказу боссов в 1986 году.

Персонаж Роберта Де Ниро имел реального прототипа Франка «Левшу» Розенталя, который управлял с 1970-х до начала 1980-х казино «Звёздная пыль» (Stardust), «Фримонт» и «Хасьенда».

«Казино» — фильм, основанный по одноименной книге Николаса Пиледжи и Ларри Шандлинга.

Слово «Fuck» и его производные, употребляются в фильме 422 раза - что в среднем, составляет примерно 2,4 раза в минуту.

Съёмки фильма проходили в одном из старейших действующих отелей-казино Лас-Вегаса Riviera, который выбрали благодаря нейтральной тематической окраске заведения.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Журналист Брайан пишет книгу о знаменитых убийцах и убийствах, хотя ни разу не видел ни одного убийства в живую. Его подруга Кэрри работает фотографом. Они решают объединить свои усилия и совершить путешествие с остановками в местах, где совершались убийства, чтобы сделать фотографии, проникнуться атмосферой. Конечная остановка Калифорния. Однако, они не слишком богаты, поэтому решают найти попутчиков, чтобы платить за бензин и еду в складчину. Откликается парочка типичных деревенщин — лохматый парень Эрли и его глуповатая подруга Адель. Но Брайану и Кэрри неведомо что за попутчиком тянется след кровавых убийств, которых он не намерен обрывать. Незадачливые криминологи на своей шкуре опробуют «поведение» изучаемого контингента.

Дебют и одновременно лучший фильм под названием «Калифорния» Доминика Сены — режиссера небезызвестных «Угнать за 60 секунд» и «Пароль рыба-меч» — представляет из себя своеобразный микс из драмы, триллера и черной комедии. Фильм о четырех (2х2) путешественниках, у которых одна цель — добраться до солнечной Калифорнии, одно средство — машина, но разные представления о жизни. К счастью для зрителя поездка не обойдется без кровавых приключений.

Сюжет у картины прост и одновременно интересен, лихо не закручен, предугадать концовку особого труда не составляет. Но соль то в другом. История кажется реальной, и от этого становится еще интереснее. Фильм сдобрен отличными диалогами со смыслом, живыми персонажами и великолепно сыгравшими актерами. У Питта ярчайшая (с переигрываниями, конечно, но они здесь дико в тему) роль маньяка - гопника Эрли Грэйса, убивающего без всяких угрызений совести. Питта обгонять здесь просто некому, но вот нудный начинающий писатель Брайн Кесслер (Дэвид Духовны) с лицом чрезмерно толерантного интеллектуала очень удачно контрастирует с беспощадной тварью за авторством небритого, немытого, постоянно говорящего всякую полуматерную ерунду мистера Питта.

Джульетт Льюис в роли чокнутой подружки Эрли просто идеальна в своем амплуа. Персонаж вышел очень необычным и честным. Искренность и наивность слышались в каждом слове, произнесённым из уст актрисы. Натурально и живо. Стоит отметить, что во многом благодаря её игре, получились такие шедевральные фильмы как "Мыс страха" (1991), "Прирожденные убийцы" (1994), "От заката до рассвета" (1995).

Описание (клик - развернуть/свернуть):
…В уютном доме в Вермонте капитан Ричард Филлипс (Том Хэнкс), морской трудяга- «дальнобойщик» в последний раз уточняет маршрут своего сухогруза вдоль Сомалийского побережья из Омана в Кению, едет в аэропорт, прощается с женой Андреа (Кэтрин Кинер) и как бы вскользь говорит об очень важном. О том, как стремительно меняется мир, как трудно теперь найти в нем свое место; о том, что профессионализм, к примеру, ничего не решает, а их детей ждет совсем другая, чем прожитая родителями, и очень нелегкая жизнь.

В это же время на другом конце Земли на свое задание отправляется четверка чернокожих парней. Командовать у них будет Муса (Бакхад Абди) по прозвищу Тощий. У этого дистрофика, одного из сомалийских рыбаков, которых промышленный улов лишил своей доли рыбы, нелегкая жизнь началась уже давно, и с тех пор обитателям побережья ничего не остается, как брать на абордаж проходящие суда и требовать выкуп. При этом, от добытых рискованным промыслом денег самим пиратам достаются крохи; дают им наводку и отнимают барыш «большие ребята» откуда-то издалека, так что идти на дело приходится снова и снова. (После того, как судам разрешили иметь вооруженную охрану, оно стало особенно опасным. Но в 2009 году команды выходили в эти воды совершенно безоружными; в распоряжении торгового судна капитана Филлипса Maersk Alabama были разве что пожарные шланги – как выясняется, практически бесполезные).

Два человека с разных концов света сойдутся в этой истории, чтобы бороться за свое выживание за пределами возможного. Они очень разные, но их роднят два обстоятельства. Одно как будто внешнее, но на самом деле существенное: и Ричарду, и Мусе приходится иметь дело с людьми, им раньше незнакомыми, стало быть, неизвестно, можно ли на них положиться и как они поведут себя в решающую минуту. Второе обстоятельство – психологического свойства. Тот и другой попадают в экстримальную ситуацию и испытывают отчаяние, которое, тем не менее, стараются перебороть, чтобы выжить. В их столкновении важно вот что: Муса надеется на свою удачу, его отчаянность – от отчаяния, потому что терять ему нечего; взятый же в заложники Ричард почти наверняка знает, что погибнет, потому что командование вооруженных сил ни за что не допустит, чтобы его пленником доставили в Сомали, и главное, что его мучает – страх за будущее семьи и чувство ответственности за вверенную ему команду.

«Капитан Филлипс» — это экранизация реальных событий произошедших с Ричардом Филлипсом и экипажем его корабля в 2009 году. Во время своей миссии, в международных водах недалеко от Сомали, его корабль подвергся нападению со стороны местных пиратов. Хочется отметить оригинальность выбора сюжета. Мы довольно часто слышали в новостях про захваты кораблей сомалийскими пиратами, но никто еще не додумывался перенести это на большой экран.

В последствии капитан Ричард Филлипс напишет книгу, которая называется «Долг капитана: сомалийские пираты, морские котики и опасные дни в море». В сущности, это краткая аннотация фильма, с завязкой, кульминацией и главной темой. Тема, конечно, – долг капитана: быть самым знающим, самым проницательным, самым смелым и, оказывается, самым хитроумным на своем судне. (Замечу в скобках, что одному из самых известных в мировой истории капитанов – Одиссею – прибавляли эпитет «хитроумный»: это свойство и помогло ему вернуться на Итаку). Ричард Филлипс, немолодой человек, лишенный внешней бравады, погруженный в мысли о доме, в чрезвычайных обстоятельствах ведет себя как будто обыденно. Том Хэнкс лаконичными, но выразительными штрихами отмечает в его поведении досадливую озабоченность при появлении первых признаков угрозы; опасение за поведение команды и в то же время почти отеческое к ней отношение; обреченную готовность стать жертвой вместо другого, потому что он капитан и отвечает за все, что происходит на его корабле, и, наконец, – эмоциональный пик, отчаяние, в котором Ричард берется писать письмо жене и детям.

«Капитан Филлипс» был обречен стать фильмом грандиозным, как американский линкор, и надежным, как сомалийский калашников, еще до того, как сошел со стапелей Голливуда. В основе — душераздирающая история реального капитана. Тем, кому повезло пропустить ее в 2009 году, предстоит сегодня нервно ерзать на кресле до самых титров.

Том Хэнкс — великий актер, десять лет просидевший без адекватных его возможностям ролей. После этого фильма шансы Хэнкса догнать Дэниела Дэй-Льюиса, единственного в мире актера с тремя «Оскарами», велики как никогда. «Капитан Филлипс» — это перерождение карьеры Тома Хэнкса и напоминание зрителям, почему он великий актер. Его игра показывает всю силу характера реального человека прошедшего через насилие и страх. На протяжении всего фильма я ни разу не усомнился в его таланте. В самой последней сцене (медицинский осмотр капитана) слеза сама наворачивается от правдоподобности игры Тома Хэнкса. Создается ощущение, как будто актер реально пережил эту ситуацию и перенес все эмоции на камеру.

Английский режиссер Пол Гринграсс — не только реаниматор серии про Джейсона Борна, но и мастер сводить в одном кадре художественное и документальное. Его «Кровавое воскресенье» — драма про расстрел ирландских демонстрантов британскими войсками в 1972 году — один из самых суггестивных фильмов нового века. Его «Рейс 93» — лучшее высказывание об 11 сентября, о котором говорил и Оливер Стоун, и многие другие. Наконец, снимавший почти все фильмы Гринграсса и Кэтрин Бигелоу оператор Барри Экройд — идеальный для зрителей экскурсовод по коридорам больших кораблей, умеющий сбить с толку, нагнать страху и заглянуть своим экспонатам в душу.

Фильм смотрится на одном дыхании — режиссеру удалось держать напряжение с самого начала — от предчувствия еще далекой беды, до финала с невероятным соло Тома Хэнкса.
Стремительный виртуозный монтаж материала, снятого «с плеча» в открытом море и в лабиринтах тесного корабельного пространства, глухой пульсирующий ритм саундтрека с внезапными резкими ударами (композитор Генри Джекмен) контрастируют с домашностью, очками и седой шкиперской бородкой Филлипса. Но внешность обманчива – и, похоже, он сам не знал, на что способен, становясь из номенклатурного капитана настоящим суперменом. Вот за этим превращением и следишь затаив дыхание на протяжении всего совсем не короткого фильма.

Интересные факты:

В роли пиратов выступили настоящие сомалийцы — непрофессиональные актёры, для которых этот фильм стал первым. «Так получилось, что мы не были знакомы с этими ребятами до начала съёмок, и впервые я их увидел как раз в бинокль, когда мы снимали сцену захвата корабля. И знаете, мне стало страшно, а ещё этот запах, этот шум, вам кажется, что корабль большой, и вы не будете чувствовать как он плывёт, хотя на самом деле вы ещё как это почувствуете. Он постоянно вибрирует», — признавался в процессе съёмок исполнитель главной роли Том Хэнкс. Пол Гринграсс отметил, что сделал это намеренно, чтобы создать напряженность в отношениях между актерами на борту судна и актерами, исполняющими роль пиратов.

Сцена в боевом информационном центре, где матрос пишет на доске «Seat 15» задом наперед, была импровизацией. Оператор Бэрри Экройд заметил старшину первой статьи, который практиковал написание слов задом наперед в перерывах между съемками, и попросил его повторить это для фильма.

Том Хэнкс утверждал, что сцена медицинского осмотра капитана Филлипса была сымпровизирована. Реальному санитару флота, Даниэле Альберт (Danielle Albert), сказали просто следовать обычной процедуре. Однако она была настолько поражена тем, что видит перед собой самого Тома Хэнкса, что застыла во время первого дубля. Хэнкс пошутил, сказав ей, что в этой сцене только он один должен пребывать в шоке.

Компания Sony / Columbia заплатила по 5000 долларов каждому члену экипажа «MV Maersk Alabama» за то, чтобы они не озвучивали свою версию событий в фильме. Не все пошли на эту сделку, многие оспаривали героический образ капитана Филлипса в фильме, рассказывая, что тот вел себя самоуверенно до нападения пиратов и инертно во время захвата судна. В самом начале нападения пиратов попал в заложники и более никаких мер не предпринимал.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Главный герой — чернокожий подросток Дре Паркер, переехал вместе с матерью в Пекин, где все совсем по другому, не то что в родном Детройте. Как любой школьник-новичок в незнакомой стране, Дре испытывает проблемы со знанием языка. Он скучает по дому, у него нет друзей. Мало того, что культура и интересы у местных сверстников совсем другие, так еще повсюду эти боевые искусства, а мальчишки доказывают свою силу на каждом шагу. Дре вся эта ерунда кажется полной бессмыслицей, до тех пор, пока его по-настоящему не избили злые китайские пионеры. Мальчик в отчаянии, кажется никто не сможет его поддержать...

К счастью, в таких сценариях всегда есть место мудрому и справедливому мастеру кунг-фу, которого в данном случае превосходно исполнил несравненный Джеки Чан. Ему уже 56 лет, а он все не стареет как физически, так и духовно. По крайней мере, любой последний фильм Джеки стоит смотреть именно из-за его присутствия и неугасающего обаяния. В «Каратэ — пацан» он почти и не дерется, но в данном контексте это вовсе необязательно.

Мистер Хан, знающий боевое искусство в совершенстве и работающий слесарем в потёртой одежде, восстанавливает и снова разбивает свою машину, не в силах оправиться после потери семьи, живет без цели и без смысла, не знает чем заполнить пустоту в своем сердце, чем заглушить свою боль... Но вот в его жизни появляется юный ученик.

Отношения Мастера и Ученика, особенно в восточных культурах, занимают совершенно особую нишу, и вряд ли их можно осознать или оценить, не прочувствовав. Но вот та тонкая ниточка взаимопонимания, протянувшаяся между потерявшим смысл и веру в себя, растоптанным жизнью человеком и совсем ещё «зелёным» пацаном, полным ярких переживаний и разочарований — вот она и есть лучшее, что демонстрирует фильм.

Моменты обучения приемам кунг-фу получились просто шикарны. Здесь не надо быть знатоком, здесь надо просто смотреть и запоминать. Поначалу Дре недоумевает (да и зритель тоже), тренировки мало похожи на спортивные упражнения - скорее это какая-то тупая дедовщина, глумление выжившего из ума старика. Но постепенно мы понимаем всю мудрость происходящего. «Надень куртку, сними куртку.» «Когда ты надеваешь куртку — это кунг-фу. Когда ты снимаешь куртку - это тоже кунг-фу. Кунг-фу — это то, как мы живем.» Дре начинает понимать (да и зритель тоже), что основные приемы кунг-фу базируются на простых движениях, которые мы совершаем каждый день.

Порадовало, что в фильме присутствует прочная философская и жизненная основа. Мистер Хан, обучая малыша Дре искусству борьбы, без устали твердит ему, что кунг-фу должно предотвращать войну, а не быть ее катализатором. Сцена женщины со змей прямое тому доказательство, что в первую очередь должно быть спокойствие и уверенность, а не грубая сила.

Смысл фильма можно выразить одной фразой, которая звучала в фильме: «Жизнь сбивает с ног. Но лишь нам решать сможем ли мы подняться.» Этот фильм о том, что никогда нельзя сдаваться. Потому что только так можно победить!

Момент возрождения, или момент когда герой Джеки Чана поднимается после душевной травмы — это кунг-фу. Или когда главный герой понимает, что ему надо держаться до победного, особенно если дело касается непременного боя на ринге - это тоже кунг-фу. Кунг-фу — это спотыкаться и подниматься, когда у тебя нет никаких сил и даже веры чтобы встать, кунг-фу даст тебе силу и веру. Этот момент самый трогательный в фильме.

Хоть и идея фильма была взята с оригинала 1984 года «Малыш - каратэ», но чувствуется, что все силы были приложены к реализации. Кажется, что все персонажи действительно существуют. Это заслуга каждого из актеров, которые не играли роли, а жили в картине.

Джеки Чан хорош, не поспорю. В слесарском прикиде и кепке-«ушанке» он одновременно комичен, трогателен и удивительно серьёзен — ни дать ни взять добрый и строгий учитель. То есть стопроцентно отыгранный образ. Джеки никогда не показывал, что он еще и потрясающий драматический актер. Он сыграл настолько эмоционально, что все взлеты и падения, открытия и потери его персонажа, ты переживаешь, как свои собственные.

Джеден Смит поразил до глубины души! Какой же он естественный, талантливый и душевный мальчишка. Столько харизмы, работы мимикой. Становится сразу понятно, что он — сын своего отца (Уилла Смита). Видно, что в этом фильме он очень серьезно подошел к своей роли и упорно занимался не один месяц. Ведь чтобы добиться такой превосходной растяжки уйдет много времени. Кроме того, он отлично поет и танцует.

Атмосфера. Больше всего в фильме понравилась атмосфера. Атмосфера восточно-яркая. Временами от фильма веяло древностью, хотя действие происходит в наше ультрасовременное время. В картине представлены во всей красе достопримечательности Китая, старинные замки и храмы, великолепные площади и сооружения, яркие китайские карнавалы и завораживающая природа страны. И на фоне всего этого — кунг-фу.

Роджер Прэтт, оператор фильма, смог прочувствовать дух Китая, и дал ощутить его нам. Он показал всю красоту этой страны, во всевозможных красках, которая никого не оставит равнодушным: Великая Китайская Стена, протянувшаяся на несколько тысяч километров, Древний Храм Шао-Линя с населяющими его реальными мастерами кунг-фу, величественный Закрытый Город и, конечно же, незатронутая природа. Кинематографисты не стали пичкать нас тоннами спецэффектов, а все сняли на реальных красотах Китая. Что сцены в Закрытом городе, что на Великой Китайской стене, да и просто на улицах Пекина.

Боев в фильме немного, но они поставлены ярко, динамично, с чувством грации. Особенно запомнились два поединка: на улице, когда мистер Хан, встал на защиту Дре и, конечно же, финальный бой, который ни капли не уступил финалу из «Малыша - каратэ», хотя и почти что дословно его воспроизвел.

Отдельно хочется выделить финал. Упорность парня, его бесстрашие, его уверенность, его стремление перестать бояться, даже перед лицом неоправданно жестокого противника. Напряжение во время завершающего боя не знало предела...

Саундтрек фильма на очень высоком уровне. Это было ожидаемо. Ведь человек, его создавший — оскаровский лауреат и один из лучших современных композиторов в кино Джеймс Хорнер. Красивые инструментальные мелодии с китайскими мотивами прекрасно служат для придания фильму той самой атмосферы, о которой говорилось выше. Помимо оригинальных композиции в картине очень грамотно, к месту использованы известные поп и рок песни.

Интересные факты:

Про мух и палочки. В одной из сцен мистер Хан ловил муху китайскими палочками. Ловля мух палочками для еды не раз упоминалась в восточной культуре как признак величайшего мастерства. Например, есть история про легендарного японского самурая Миямото Мусаси, мастера двух мечей. Однажды в гостинице к нему в комнату зашёл ронин (воин - наемник) и грубо потребовал извинений за шум из комнаты Мусаси. Мастер в это время ел лапшу. Вместо ответа Мусаси поймал палочками две черные точки над тарелкой и выбросил их в окно. Когда ронин сообразил, что это были живые мухи, он поспешно и тихо удалился, а вскоре покинул гостиницу.

Когда в одной из последних сцен злой тренер кричит «Finish him!» невольно вспоминается старый добрый «Mortal Kombat» и то, что его ремейкизация только началась… Будет ли результат так же хорош?

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Луису Криду, как человеку медицины, по долгу профессии периодически приходится сталкиваться со смертью. Однако на естественные вопросы об этом явлении, которые задаёт ему маленькая дочка, не так просто найти ответы, как кажется на первый взгляд. Ребёнок растёт, познаёт разные аспекты бытия, и смерть как одна из его основ закономерно затрагивает воображение ещё несформировавшейся личности. После гибели кота девочки, бывшей в то время в отъезде с мамой и младшим братом, Крид по совету старика-соседа хоронит несчастное животное на старом индейском кладбище. Но спустя некоторое время покойный кошак… возвращается к хозяину, сильно изменившись в своих повадках…

Очередная история Стивена Кинга (наверное, он — самый экранизируемый писатель в мире), превращённая им самим в сценарий, была использована женщиной-режиссёром Мэри Ламберт, которая ранее снимала абсолютно другое — рок-видеоклипы, интеллектуально-эстетскую криминальную фантазию «Сиеста» (1987).
Ряд тревожных и пугающих моментов всё же не могут поддержать устойчивый интерес к картине, которая временами кажется не очень умелой или по-детски безыскусной и наивной, как выведенное чьей-то ребячьей ручонкой слово sematary вместо cemetery на кладбищенском камне. Однако страх все-таки умудряется проникнуть в вашу кровь и ощущение живого и близкого человека, который уже совсем не живой, а главное не близкий — пугает больше всего. То есть, пугают не столько конкретные пугалки, сколько зрительские фантазии. Смотреть это людям неподготовленным я бы не рекомендовал.

Фильм производит тяжёлое, гнетущее впечатление. Это не только фильм ужасов, но и глубокая, эмоционально тяжёлая драма. Эта история относится к такой категории, которая по словам Кинга звучит как: «Почему если есть Бог, то происходят такие ужасные вещи?». На выходе мы имеем один из лучших фильмов ужасов восьмидесятых, который несмотря на натуралистичность некоторых сцен, всё же ценен именно не визуально, а содержательно. Авторы фильма не только сумели передать весь саспенс книги, но и оставили зрителям пищу для размышлений. О жизни и смерти. О любви к родственникам. О неизбежности морального выбора в жизни. Редко какой фильм ужасов может похвастаться таким набором подтекстов. Напряжённая музыка Эллиота Голденталя создает дополнительные условия для учащения сердцебиения при просмотре, особенно в первый раз.

Мы погружаемся в жизнь дружной семьи, которую стали преследовать кошмары — отца семейства преследует призрак умершего на его руках страшной смертью студента, мать — призрак давно умершей от страшной болезни сестры, которую она боялась и ненавидела. Маленькую дочь мучают кошмары, а в крошечном поселке, в котором они поселились, живет какая-то страшная и древняя тайна. Режиссеру Мэри Ламберт удалось главное — создать ощущение, что на каждом шагу этих людей преследует зло. Зло ощущается в идиотской дороге, по которой гоняют дальнобойщики, и на которой гибнут десятки животных и даже люди, зло исходит от тропинки, которая ведет к кладбищу домашних животных, злом пропитан туман, лес, само кладбище, зло в воздухе, а на индейском кладбище зло ощущается просто физически.

Используя вполне традиционные методы для съемки фильмов - ужасов, режиссер, тем не менее, создает ощущение настоящего «кинговского зла». А мы знаем, какое зло живет в книгах Кинга — оно изначально, оно вечно, его невозможно убить, его можно только задержать на небольшое время. Зло у Кинга не имеет лица, оно появляется в разных образах, но оно манит людей, оно сводит их с ума, оно приводит их в состояние исступления, оно красиво, оно знает все человеческие пороки и умело играет с ними.

Главным пороком, за которое зло ухватилось в этой книге Кинга и в этом фильме, стала любовь. Именно так — самый большой человеческий порок — способность самозабвенно любить своих детей. Ни один зверь так не убивается по умершему потомству, как родители по своим чадам — они готовы положить жизнь, готовы отдать всего себя, лишь бы их безвременно ушедшее дитя вернулось к ним. Зверь тоже чувствует горечь, но он продолжает жить для нового потомства, и только человек возводит страшный алтарь любви и становится рабом собственных чувств и эмоций. Рабом любви. Об этом фильм и книга.

Сострадание толкает старожила на рассказ о старом кладбище, на котором оживают мертвецы. Любовь к дочери толкает молодого отца на страшный эксперимент по оживлению ее любимого кота. Любовь к сыну влечет его на еще более страшные деяния и прощения ему уже не будет… Кинг вовлекает нас в замкнутый круг безрассудной человеческой любви, которая стала мерилом страха и жестокости в фильме. Смерть следует за смертью, и конца ей не видно, потому что смерть обостряет любовь, а любовь ведет к смерти….

Фильм сумел поймать не только эти мотивы у Кинга, он сумел подойти к раскрытию другой извечной кинговской темы: а имеет ли право человек играть в Бога? Важная нравственная проблема, которая рефреном звучит на протяжении всего фильма. Где та грань между нормальной человеческой любовью и одержимостью? между отцовскими чувствами и сумасшествием? Острые вопросы, наболевшие. Терять любимых людей тяжело. Иногда просто невыносимо, это и толкает героя фильма на непростительные поступки — он решает поспорить с силами природы, пытается обмануть судьбу, себя и Господа Бога, что и оборачивается закономерным кошмаром.

Стивен Кинг показывает слабость человека перед силами, которые содержит в себе Земля — как светлыми, так и темными, его бессилие и неспособность совладать со своими собственными чувствами и эмоциями. Воистину, слаб человек! — говорит каждый кадр этого фильма. Человек, который идет рядом со своим горем, неспособный перешагнуть его, — давно стал героем многих романов Кинга, и этот человек, обманутый, глупый, одурманенный горем, которое он не способен пережить, очумевший от страха и любви, идет и делает ошибки, которые уже не в силах исправить, и, пытаясь их исправить, он идет и делает новые, еще более страшные, с маниакальным, истинно человеческим упорством. «Сердце мужчины каменистее, чем земля на кладбище, но если что-то сумеет вырасти в этом сердце, мужчина будет беречь это и никогда не сможет отпустить». Возможно, писатель был прав, сказав это.

Интересные факты:

Замысел книги возник из реального происшествия — кота дочери Кинга сбил грузовик.

Стивен Кинг продал права на экранизацию с условием, что съемки пройдут в его родном штате Мэн.

Стивен Кинг появляется в роли священника в сцене похорон.

Картина задевает американскую щепетильную тему, которая и по сей день актуальна: это убийство детей в кинематографе, многие на это ставят табу. Но в «Кладбище домашних животных» ребенка убивают дважды.

Фильм поставлен практически точно по книге. Но есть одно существенное различие в самой концепции. В фильме те, кто восстал из могилы, однозначно трактуются как зомби, которые стремятся всё и всех убить. В книге же всё намного сложнее. Тот кто хоронит мертвого на индейском кладбище, как бы заключает сделку с Тем «кто знает всё» (с дьяволом?). Он (тот кто знает всё) воскрешает тело, а взамен получает над этим телом полный контроль и через него достигает какие-то свои цели. И в книге намерения у Него не обязательно кого-то убить, но намерения Его точно недобрые… Концовка фильма отличается от концовки книги опять же своей однозначностью, в книге же есть над чем подумать.

На задних титрах фильма звучит песня "Pet Sematary / Кладбище домашних животных" в исполнении группы Ramones. Стивену Кингу нравилась эта группа, а текст этой песни весьма подходит к замыслу фильма.

Under the arc of a weather stain boards,
Под аркой досок, пострадавших от непогоды,
Ancient goblins and warlords
Древние гоблины и полководцы
Come out of the ground, not making a sound,
Выходят из земли, не издавая ни звука,
The smell of death is all around,
Запах смерти повсюду,
And the night when the cold wind blows,
И ночью, когда холодные ветра дуют,
No one cares, nobody knows
Никого ничто не заботит, никто не знает.

I don't want to be buried in a pet sematary,
Я не хочу быть похоронен на кладбище домашних животных,
I don't want to live my life again,
Я не хочу проживать свою жизнь снова,
I don't want to be buried in a pet sematary,
Я не хочу быть похоронен на кладбище домашних животных,
I don't want to live my life again
Я не хочу проживать свою жизнь снова.

Follow Victor to the sacred place,
Следую за Виктором на священное место,
This ain't a dream, I can't escape,
Это не сон, я не могу вырваться,
Molars and fangs, the clicking of bones,
Зубы и клыки, щёлканье костей,
Spirits moaning among the tombstones,
Духи стонут среди надгробий,
And the night, when the moon is bright,
И ночью при яркой луне
Someone cries, something ain't right
Кто-то плачет, что-то не так.

The moon is full, the air is still,
Полная луна, воздух спокоен,
All of a sudden I feel a chill,
Вдруг я чувствую холод,
Victor is grinning, flesh rotting away,
Виктор ухмыляется, плоть гниет,
Skeletons dance, I curse this day,
Скелеты танцуют, я проклинаю этот день,
And the night when the wolves cry out,
И ночью, когда воют волки,
Listen close and you can hear me shout
Прислушайся, и ты услышишь мой крик.

Еще эта песня исполняется на немецком языке группой Rammstein, которая выступала в роли "разогревающей" на концертах Ramones по Гермнании в 1996 году. Песня посвящается памяти о Джоуи Рамоне.

Джоуи Рамон — вокалист американской панк-рок группы Ramones. Настоящее имя: Джеффри Росс Хайман. Скончался от рака 15 апреля 2001 в Нью-Йорке.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Слово «теракт» за последние 10 лет, превратилось в нечто кошмарное. Сокрушающее крупнейшие мегаполисы мира, направленное на ни в чём не повинное население, несущее громадное количество жертв, превращая людей в фотографии на стенах. Кроме того, поделившее мир надвое: преступников и жертв. При этом преступники и жертвы есть на обеих сторонах, условное разделение мира на Запад и Восток применим только на Западе, на Ближнем Востоке принято делить на правоверных и неправоверных, где само собой, жертвы есть по обе стороны.

Если посмотреть на эффектный взрыв, созданный пиротехниками в начале фильма «Королевство», то Западный мир будет считать это исключительно терактом, направленный против граждан США, а, следовательно, против Правительства, Дяди Сэма и Микки Мауса, а правоверные будут прикрываться своей священной войной и продолжать эту бесконечную войну ни за что. Ну, или за нефть.

Американские корпорации приехали в Аравию, поселили там своих работников, и добывают там нефть. Бен Ладен со своими поклонниками, фанатиками и наемными работниками его террористической организации, продолжают свою войну с неверными, а раз уж они так близко, в самом сердце арабского мира, то грех не ударить... В этот трудный во всех отношениях регион отправляется команда из четверых профессиональных агентов ФБР, чтобы расследовать теракт, произошедший на американском объекте в этой стране, и найти некого Абу Хамза, предположительно главу террористов.

Сразу становится ясно, что миссия будет не из легких. Однако американцы находят общий язык с представителем местной полиции, который будет по возможности оказывать команде помощь в установлении справедливости в этой чужой им стране.

Как бы кто ни кричал, что сей фильм пропитан насквозь американской бравадой, он все же не об американцах. Он о вечной проблеме взаимоотношений консервативного Востока и прогрессивного Запада. Питер Берг пытается найти общее в людях с разным мышлением, людях из разных миров. Режиссер заглядывает в жизнь арабов и американцев и находит общие ценности. Другое дело, что защищают они их совсем по-разному.

Что самое важное, Берг не зацикливается на отношениях между цивилизациями на уровне политиков. Он сталкивает людей и заставляет их вместе искать решения общей проблемы, призывает к сотрудничеству и пониманию. К примеру, герой Джэйми Фокса попадает в очень сложные условия. С трудом выклянчив поездку со своей группой в горячую командировку, на взлетной полосе он провожает взглядом гроб со своим другом. Им обуревает желание отомстить и найти виновных. Но сделать лишний шаг оказывается невероятно трудно, сам арабский Принц позаботился о том, чтобы нежеланные гости не сделали ни одного вздоха без присмотра спецслужб. Остается лишь искать подход к арабскому менталитету, что позволит отряду осуществить свой долг.

А команда у Джэйми Фокса собралась неплохая. Самого большого жару из них дает персонаж Криса Купера. Неподражаемо сыграно. Специалист по взрывчаткам обладает тонким чувством юмора и огромным багажом знаний и опыта. Героиня Джен Гарднер введена в сценарий в первую очередь для того, чтобы сделать акцент на «женской» проблеме Востока. Или проблеме Запада? Потерялся в этой компании только Бейтман. Мало того, что совсем не ясно, что этот человек забыл в силовых структурах и в этой операции, так его скудная игра проходит совсем не заметно. На фоне таких-то ребят.

И это тоже достижение Питера Берга. Отлично расставленные персонажи (а их не мало, особенно в самом начале фильма) обладают четко обрисованными силуэтами, их отличаешь, понимаешь их мотивацию. Как и в своей очень важной работе «В лучах славы», постановщик доказывает что здорово «сечёт» в работе с большим количеством актеров. Кстати, слегка «плавающая» картинка тоже перешла и в «Королевство». «Летающая» камера придает происходящему в кадре дополнительный драйв.

Драматический боевик, политическая драма с элементами крутого экшна, — самое правильное определение «Королевства». Если кому-то просто не нравятся все эти полудокументальные съемки про Саудовскую Аравию, арабов-террористов и попытки американцев наводить дипломатию, начало «Королевства» вряд ли понравится. Зато где-то с середины кино превращается в настоящий ураганный боевик, особенно порадовала сцена на автостраде и последующие перестрелки в узкой улочке.

Берг устроил лучшие перестрелки в городских условиях со времен «Падения Черного ястреба». Перестрелки поставлены настолько грациозно, жестко и агрессивно, что поневоле вспоминаешь о том, что продюсер здесь сам Майкл Манн. Его стиль и манера узнается буквально с первого кадра. Даже звуки оружия как будто изъяты из других фильмов Манна — резкие, громкие, порой оглушающие. Автомат стреляет так, как и должен стрелять автомат. Все это сопровождается интересным монтажом и эффектными разрушениями, да и вообще режиссура производит исключительно положительное впечатление. Кульминационная сцена выдержана в лучших традициях Манна. Бой на улице стремительно переходит в форменную мясорубку внутри помещения. Террористов просто-напросто размазывают по стенам — быстро, жестко, беспощадно; агенты ФБР и саудовские полицейские действуют единой командой… А финальный эпизод смотрится по-настоящему мощно. Тот самый — «успокойся, мы их всех убьем».

Динамичное кино от тандема Берг / Манн стартует очень резво и держит темп все час пятьдесят. Режиссер требует от зрителя концентрации, за что тот будет награжден умелым и очень впечатляющим фильмом. И пусть много раз снимались картины, которые так и кричали: «Насилие порождает насилие», но «Королевство» копает глубоко: до души араба и белого. А взгляд арабского юнца, полный ненависти и жажды мести, намекает нам что, увы, смотреть подобные ленты нам придется всегда…

Интересные факты:

На роль директора ФБР Джейиса Грейса в начале рассматривался Роберт Де Ниро.

Самой большой трудностью в съемках было то, что они проходили при 45 градусах жары.

Роль дворца принца Ахмеда Бен Халеда сыграл роскошный «Палас-Отель» в Абу-даби, столице Арабских Эмиратов.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Ты нужен системе, пока она может использовать тебя в своих целях.

Главный герой, полицейский, в исполнении Киану Ривза, часть системы. Он сам вершит правосудие, убивая бандитов «при задержании», на остальное ему наплевать. У него есть начальник (Форест Уитакер) который всячески прикрывает его (в том числе и от отдела внутренних расследований) и постоянно напоминает, Ривзу, что он отличный коп. Каждый из них получает то, что хочет. Ривз вершит «свое правосудие»,а начальник получает раскрытое его отделом дело, что для него очень важно, ведь у него далеко идущие планы в отношении своей карьеры. Ривз лишь инструмент для достижения этих целей. Герой Ривза прекрасно понимает, что он лишь часть «механизма», и до определенного времени, его все устраивает. Но наступает момент, когда его собственное расследование гибели своего бывшего друга приводит его к противостоянию системе. И он собирается совершить «свое правосудие» и покарать уже не бандитов, а своих коллег (которые мало чем отличаются от бандитов). Единственный способ выполнить задуманное и выжить, это доказать людям, которые на данный момент стоят на более высокой ступеньке системы, что он им нужен. Ведь хороший инструмент всегда пригодится для работы. А у людей наверху есть свои цели.

Короли Улиц получился жестким, тяжелым полицейским боевиком в духе «Тренировочного Дня» (что не удивительно, режиссер Дэвид Эйер был сценаристом «Тренировочного Дня») с добротным сюжетом, хорошей драматической линией и отличным актерским трио: Киану Ривз, Форест Уитакер и Хью Лори в роли полицейского из отдела внутренних расследований.

30 лет назад роль Тома Ладлоу досталась бы Клинту Иствуду. И Киану в этом фильме иногда прямо таки «даёт Клинта Иствуда». Ривз ещё никогда не был так крут и так циничен. Куда только делась эфемерность незабвенного Нео? Том Ладлоу профессионал, у него есть твёрдые убеждения (у Жеглова было "вор должен сидеть в тюрьме", у Ладлоу — "преступник должен лежать в могиле'').

Несмотря на то, что его основная обязанность заключается в том, чтобы «громить преступников» он отнюдь не туп. При том, что он крайне жесток с бандитами, он явно испытывает жалость к их жертвам. Он не идеалист, в том смысле, что он всё понимает про себя и тех, кто вокруг него. При этом он предан близким людям даже после того, как те его предают (напарник, жена). Он много пьёт и вообще ведёт деструктивную жизнь, но это почему-то не отражается на его профессионализме. Образ довольно типичен: тяжкое похмелье, одиночество, понимание что жизнь дерьмо, а всё, что есть, это работа, которая тоже дерьмо, но именно она отделяет от смерти, и главный герой выполняет её с настойчивостью фанатика, весь фильм балансируя на гране нормальности.

И при всех своих недостатках и слабостях он честен. Этакий чистый продукт, как та водка, которую шкалик за шкаликом пьёт непьяный ни на йоту главный герой. В общем, это именно тот самый «последний герой боевика», который нам всем так нравится. И Ривз отлично в этой роли смотрится.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Джон Седли, прозванный Красавчиком за своё обезображенное с детства лицо, в результате неудачного ограбления теряет единственного друга и попадает в тюрьму. А тем, кто их обоих подставил, удалось скрыться с места преступления. В тюрьме добрый врач в надежде изменить Джонни в лучшую сторону, помочь свернуть с пути преступности — «дарит» ему новое лицо. Но, выйдя из тюрьмы, Джонни, переполненный жаждой мести, все же возвращается на свой прошлый путь в надежде поквитаться с предателями… Таков нехитрый сюжет фильма, на деле оказавшегося вполне неплохой криминальной драмой. С вполне интересными и правильными идеями. Неоднозначный фильм.

Так каким же все-таки был Джонни: закоренелым преступником или просто жертвой своей неприглядной внешности?! Кто прав: доктор, утверждающий, что с новым лицом у Джонни может быть такая жизнь, которую он сам для себя захочет, или полицейский, считающий, что человек, ступивший на путь криминала, не способен исправиться?!

Для сравнения нам представлена парочка действительно матерых бандитов, для которых нет ничего святого, готовых подставить даже друг друга. Джонни совсем не такой: он был очень предан своему единственному другу и девушке, появившейся в его жизни, он все же помог. И если бы не месть, он бы воспользовался своим шансом.

Дело в том, что каждый судит по себе и видит только то, что хочет видеть.

Доктор верит в то хорошее, что есть в людях, и поэтому пытается им помочь. А полицейский сам ничем не лучше преступников, которых ловит. Он циник и делает ставку на человеческие недостатки.

И пусть Джонни все же шагнул снова на проторенную дорожку (изначально задумав свой план расправы над убийцами), потому что, возможно, по-прежнему видел в зеркале Красавчика Джонни и не верил в то, что у него все может быть по другому.

Но если есть в жизни такие люди, как доктор, монахиня и девушка нашего героя, и если у них получится помочь пусть даже одному человеку из десяти, то это будет стоить всех усилий. И мир хоть и чуточку, но станет лучше.

В итоге мы имеем мощный фильм, тяжелый и печальный. Вот не знаю почему, но мне лично Джонни жалко стало. Наверное, потому что он честный и не сваливает свои жизненные неурядицы на кого-то, не ищет крайних, а сам отвечает за свои поступки и c сочувствия / сострадания не ищет. И еще, кстати, мораль — чтобы вы в человеке не меняли — внешность, настоящее, вы не сможете изменить его прошлого… А оно рано или поздно всплывет, а эффект будет зависеть от того, каким оно было…

Уолтер Хилл — как всегда супер. Постановка мощнейшая. Нашлось в фильме место и довольно хорошим сценам перестрелок и преступлений, которых по сути в фильме всего две, но они продолжительные — одна из них завязка истории, а вторая — развязка. Поставлены обе увлекательно и захватывающе. Сцена ограбления показана так, как будто снимают камеры наблюдения, рассматривая любую мельчайшую деталь.

В силу жанра — криминальная драма, хотя и с элементами боевика, фильм держится на плечах актеров. С этим справились все достаточно хорошо. Роли получились яркие. Особенно выделяются, так сказать, «старички» по нынешним меркам, но в то время еще «незатертые» Лэнс Хэнриксен, Морган Фриман и, конечно же, еще молоденький Форест Уитакер.

Микки Рурк сыграл свою роль просто великолепно! Вот ведь ирония судьбы! Сегодняшняя одутловатая и куклообразная физиономия Микки Рурка во многом похожа на лицо его героя Джонни, которого он талантливо и колоритно сыграл в 1989 году. То есть в жизни самого Микки получилось всё наоборот — дарованная природой красота была полностью уничтожена в процессе бурной жизни. Глядя на других артистов его возраста и сравнивая с ними Микки, просто диву даёшься, как можно было себя так раздолбать… Но несчастному Джону всё-таки немного помогла операция, и он, если бы пересилил себя, в принципе, смог бы начать жизнь заново. А Рурку, к сожалению, уже ничего не сможет помочь, даже ультрасовременный скальпель высокопрофессионального пластического хирурга. Слишком поздно…

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Лестер Бернем переживает кризис среднего возраста. Его не уважают и не ценят на работе, а от счастливой семьи осталась лишь видимость. У жены Кэролайн страстный роман с коллегой по работе, а угрюмая дочь-подросток Джейн увлечена соседским парнем, побывавшим в психиатрической больнице.

О характере взаимоотношений в этой семье можно сказать всего два слова: «их нет». Есть лишь внешняя оболочка стандартных действий, которые члены этой семьи совершают ежедневно и автоматически — совместный завтрак, совместный выезд на работу, совместный ужин, в течение которого все совместно делают вид, что они обычная семья. Как это похоже на тот безликий и пустой дом, который безуспешно пыталась продать Кэролайн, выдавая потенциальным покупателям за Дом Их Мечты! Всё не настоящее и всё напоказ…

Терзаемый душевными муками, Лестер впадает в глубокую депрессию. Но неожиданно для себя влюбляется в одноклассницу дочери Анджелу. Эта пылкая страсть дает Лестеру мощный жизненный импульс. Он ощущает прилив сил и желаний, и готов снова радоваться красоте. У него хватило смелости послать к чертям стабильную работу, семью и устроенный быт. Человек начал радоваться простым мелочам, осуществлять мечты, вести себя естественно и непринужденно. Выглянул из своей раковины и не испугался мира, а наоборот полностью вышел наружу. «Очень странно, у меня такое ощущение, что я 20 лет был в коме и вот теперь я просыпаюсь…» — с этой мысли начинается невероятная новая жизнь Лестера Бернема. Жизнь, в которой не будет места отупляющей скуке механического существования, в которой он вновь почувствует невероятный вкус к жизни, радость самоутверждения, яркость и красоту окружающего его мира.

Немало американских да и наших критиков почли за долг непременно отметить, что в этом фильме чувствуются чеховские аллюзии — из пьес «Чайка», «Дядя Ваня», «Три сестры» и «Вишнёвый сад». Дескать, 34-летний английский театральный режиссёр Сэм Мендес, впервые испытавший себя в кино, не мог не потянуть за собой на экран опыт постижения классической драматургии. И сделал это ненавязчиво, в расчёте на подготовленного зрителя, а обычный тоже сможет воспринять просто изложенную (несмотря на отдельные изобразительные изыски) историю заурядного 42-летнего яппи Лестера Бернема из типичного американского пригорода, который однажды решил «выпасть из гнезда» и вернуться к временам беспечной юности середины 70-х годов.

На рубеже миллениума в сытой и обеспеченной Америке, просто-таки не знавшей, куда деться от невыносимой скуки комфортного существования, наивный и инфантильный протест среднего по всем параметрам американца, рвущегося «назад к самому себе», показался наиболее приемлемым для широкого общественного сознания, которому вообще-то на роду предписано оставаться стабильно-консервативным. Это же не «Бойцовский клуб», где не успевшие растратить энергию молодости американские парни сходятся в кровавых подпольных поединках, пока вовсе не теряют над собой контроль — и начинают крушить всё подряд, желая смести с лица Земли опостылевшую, самодовольную, зажиревшую буржуазную цивилизацию.

А Лестер готов лишь пару раз курнуть марихуаны, начать усиленно «качаться» и заняться пробежками, услышав о тайном пожелании юной красотки, подруги дочери, и желая во что бы то ни стало понравиться ей, или же наорать на начальника, демонстративно уйти с работы в рекламной фирме и устроиться, вспомнив опять о прежних временах, рядовым сотрудником в одну из «американских скорожраловок». И он не виноват, что все окружающие — от жены и дочери до нового соседа, бывшего вояки, рады бы избавиться от него, каждый по своей причине, но всё-таки по общему для них ощущению «чёрной зависти», что этот никудышный и невзрачный человечек смог почему-то однажды «взбрыкнуть» и послать свой «конфетно-приторный рай» к чертям собачьим, за что, видимо, и полагается в финале заслуженная пуля в голову.

Тут можно смело выдавать этот секрет, не рискуя лишить читателей и зрителей удовольствия от незнания сюжетной тайны. Поскольку и Джейн, дочь Бернема, заявляет в прологе на видеоплёнке, что готова убить его (хотя это не означает, что она действительно осуществит подобное желание), но и герой лично признаётся в закадровом комментарии, что ему осталось жить от силы месяц. К тому же и возраст 42 года — знаменательный предел в жизни людей, когда с ними что-то существенное, а порой и роковое происходит. «Земную жизнь пройдя до половины», Лестер Бернем внезапно обнаруживает, что открыточно-рекламный мир чистенькой и красочной одноэтажной Америки вокруг него — это сущий ад, и только ангел красоты, явившийся в облике школьницы Анджелы якобы может спасти от дальнейшего погружения в бездны отчаяния.

Но суть состоит в том, что и эта «американская красотка» (название American Beauty предполагает множество интерпретаций, включая данный вариант) — лишь иллюзорное и столь же красивенькое представление о человеческой красоте, растиражированное, ширпотребовское, пусть и эффектно оформленное «миллионом алых роз», чей сорт, кстати, тоже называется «американская красавица». Встреченный Лестером на одной из скучных торжественных вечеринок парень-официант Рикки, который оказался сыном нового соседа, в основном, делающим свой бизнес на торговле «травкой», ещё увлекается и видеосъёмкой, в том числе — постоянно следит через визир камеры за Джейн. Он просто одержим поиском красоты во всём сущем, даже в долгом наблюдении за носящимся по ветру целлофановым пакетом, навязчиво фиксируя это на плёнку, думая, что таким образом общается по-своему с Господом. Но в финале этот самый Рикки так же любопытствующе, повернув чуть в бок свою голову, разглядывает лужу крови около простреленного затылка Лестера Бернема — словно любуется, обнаруживая и в этом приметы «красоты по-американски».

Между прочим, подобная версия перевода «Красота по-американски», вызывавшая насмешки у знатоков английского языка, является на редкость точной. Вот именно, что речь не о «американской красоте» (куда бы ни шло!), а о «красоте по-американски». Поскольку и картина англичанина Сэма Мендеса, ловко и без какого-либо зазора вписавшегося в современную заокеанскую действительность (впрочем, и в Англии её восприняли «на ура!», дав шесть премий Британской киноакадемии), представляет собой изобретательно составленную из чужих открытий и находок своеобразную мозаику «жизни по-американски». И это намеренно выражено при помощи доходчивого для нынешней публики, внешне яркой и сразу запоминающейся манеры видеоклипов или рекламы, хотя тут нет чересчур быстрой нарезки кадров, а есть, напротив, возможность разглядывать и любоваться, подобно Рикки, считая, что постигаешь в данный момент тайну самого бытия.

Одна из основных особенностей этого фильма — отсутствие четкого деления на положительных и отрицательных персонажей. Все они фрики (в большей степени в хорошем смысле), местами милые, забавные, а местами олицетворение морального уродства. Но все они ищут красоту, гармонию и счастье, каждый по своему. Лестер — в вожделении к молодой нимфетке, его жена — в сексе со своим конкурентом по бизнесу, дочь — в новых отношениях с парнем-соседом. Что ж, у каждого свое понятие о счастье…

Причём могут сгодиться любые ассоциации, включая упомянутые чеховские аллюзии, а кто-то вспоминает Эрнеста Хемингуэя, Джона Апдайка и Джозефа Хеллера, если же брать кино, придёт на ум многое — от Роберта Олтмена до Хэла Хартли, не исключая, конечно, Стивена Содерберга, ибо «Красота по-американски» изо всех сил тщится быть продолжением спустя ровно 10 лет этапной для американского кино ленты «Секс, ложь и видео». Оттуда не только позаимствован актёр Питер Гэллагер, который вновь изображает прожжённого циника-ловеласа, естественно, старше по возрасту и даже рано поседевшего. Ещё использован главный принцип запечатления окружающей реальности на видеоплёнку в качестве своего рода психотерапии и — одновременно — эстетического восприятия мира.

Но фильм Содерберга был весьма талантливым образцом арт-хаусного независимого кино, получил признание мировой критики и «Золотую пальмовую ветвь» самого престижного Каннского фестиваля, а также хорошо (для малобюджетного произведения) прошёл в прокате. А лента Сэма Мендеса, которая была снята тоже за небольшие по американским понятиям деньги (всего $15 млн.), однако на причисленной к «мейджорам» компании «DreamWorks», была мощнее раскручена и принесла в США $130,1 млн. кассовых сборов, а во всём мире — $356,3 млн. В этом — несомненное проявление «мейнстрима», генерального направления развития американской индустрии развлечения.

Замечательная ирония судьбы состоит в том, что создатели фильма, очень едко и вместе с тем изящно высмеявшие основные ценности американского образа жизни, наглядно показавшие трагедию внутренней духовной пустоты общества, нацеленного на погоню за внешним благополучием, умудрились получить за этот фильм целых пять статуэток американской же киноакадемии «Оскар», в том числе — за лучший фильм года.

Фильм заставляет встряхнуться, взбодриться, сделать то, что хочешь. Ведь «это удивительное чувство, когда понимаешь, что способен удивить сам себя». Финал ставит большую растекающуюся точку во всей истории.

Отдельных слов заслуживает заключение: черно-белый видеоряд и проникновенные слова Кевина Спейси о том, что смысл не надо искать где то или ждать его пару десятков лет: он здесь, рядом, во дворе, в закусочной, в родных, в машине…

Пересматриваю фильм каждый год, и на душе он оставляет только спокойствие и эдакую радостную грусть. Все будет хорошо, надо только сделать первый шаг навстречу счастью.

Интересные факты:

Своим появлением на свет фильм во многом обязан моменту, когда сценарист (Алан Болл) сидел на площади перед Всемирным торговым центром и наблюдал полёт в воздухе бумажного пакетика — именно эта сцена побудила его засесть за письменный стол. Воссозданная в фильме, эта сцена является кульминацией картины и одной из самых красивых (по своему смысловому и эмоциональному наполнению) в кинематографе. Если бы сам Болл не обладал тем же уникальным видением истинной красоты мира, что и главные герои его сценария, фильм бы не получился и вполовину таким настоящим и пронзительным.

В оригинальном названии фильма содержится игра слов: American Beauty - это и «Американская красавица», гибридный сорт красной розы; данный факт неоднократно обыгрывается в ходе фильма, а также был использован и в его рекламе.

Изображённые на постере фильма рука и живот на самом деле принадлежат не Мине Сувари, а актрисе и модели Хлое Хантер.

Фамилия Анджелы Хэйес, сыгранной Миной Сувари, является отсылкой к Гейз — фамилии Лолиты, главной героини одноимённого романа Владимира Набокова.

На момент съемок фильма Торе Бёрч было лишь 17 лет, так что для её участия в сцене с раздеванием потребовалось согласие родителей (во время работы над этим эпизодом они присутствовали на съёмочной площадке).

Согласно режиссёрскому замыслу по ходу течения фильма героиня Торы Бёрч использует всё меньше макияжа, а её подруга в исполнении Мины Сувари — напротив, всё больше. Это должно служить иллюстрацией эволюции их самовосприятия.

Когда от режиссирования фильма отказался Терри Гиллиам, исполнительный продюсер студии Dreamworks Стивен Спилберг лично порекомендовал на это место Сэма Мендеса.

Во время сцен с употреблением травки Уэс Бентли и Кевин Спейси курили медовый табак.

Швыряние тарелки со шпинатом в сцене обеда — импровизация Кевина Спейси. Никто из съёмочной группы этого не ожидал.

«Красота по-американски» заканчивается закадровым голосом Кевина Спейси на фоне чёрного экрана в точности как более ранний фильм с его участием — «Обычные подозреваемые». Небольшой постер именно этого фильма висит в офисной кабинке Лестера.

В заключительных титрах выражается благодарность «Доктору Биллу и Элис». Это упоминание фильма «С широко закрытыми глазами», Николь Кидман, исполнявшая там роль, участвовала в театральной постановке Сэма Мендеса «Голубая комната».

Журнал «Premiere» включил фильм в список «двадцати самых переоцененных фильмов всех времён».

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Новый «Рокки»: с одной стороны - хорошо, с другой - не хватит ли? Первый великий фильм о самом знаменитом боксере голливудского кинематографа давно канонизирован, чего больше? Продюсеры - и сам Сталлоне в их числе - не согласились. Пусть герой староват для ринга, пора подумать о наследнике или наследии - эти слова звучат в картине «Крид» все время, хотя речь идет не о собственном сыне Рокки.

Прошло тридцать лет с тех пор, как великий чернокожий боксер Аполло Крид погиб на ринге под ударами советского атлета Ивана Драго. Родившийся примерно тогда же внебрачный сын Аполло с не менее античным именем Адонис (Майкл Б. Джордан) — который рано стал полным сиротой, скитался по детским домам и в итоге был фактически усыновлен вдовой Крида — решает уволиться с хорошей офисной работы и полностью посвятить себя боксу. Он перестает драться на подпольных боях в Мексике, переезжает из Лос-Анджелеса в Филадельфию и начинает приставать к заклятому другу отца Рокки Бальбоа (Сильвестр Сталлоне), чтобы тот его тренировал. Рокки, у которого есть ресторан, но из собеседников остались только могильные плиты, довольно быстро соглашается.

«Крид: наследие Рокки» - в высшей степени предсказуемый, если не сказать шаблонный, фильм. В нем хорошее сражается с еще лучшим, а за кажущейся брутальностью сюжета скрыта, причем не очень тщательно, откровенная сентиментальность. Что с того? На подобные спортивные драмы, продолжающие уже культовую серию старых фильмов, зритель ходит не за новизной, а за сладостным узнаванием. А в этом молодой режиссер Райан Куглер - спец. В жанре чисто коммерческом - умение надавить на нужные клавиши, вышибить у зрителя слезу, а к финалу настроить на всепобеждающий оптимизм, ценится выше любых других. «Крид» — восхитительное коммерческое кино, разом уютно старомодное и обжигающе современное. И вместе с тем это классическая спортивная мелодрама, в которой брутальность щедро разбавлена сентиментальностью. Каждый из совершенно бесстыдных сюжетных ходов находится на своем законном месте. Неизбежный пафос уравновешен юмором и очень естественной харизмой Джордана, чей актерский диапазон, конечно, шире, чем был у молодого Сталлоне: он может убедительно сыграть не только предельную концентрацию, но и расслабленность.

Сцены боев на ринге, особенно финального поединка с британским боксером, сняты и смонтированы выше любых похвал. Чего стоит поединок в середине, снятый одним планом, — оператор стедикама умудряется не только скакать вместе с боксерами, но даже выглядывать за пределы ринга. Актера Майкла Б. Джордана, сыгравшего заглавную роль, не назовешь большим талантом, но необходимое в таких случаях экранное присутствие у него есть. Он привнес более чем уместное в фильме про бокс дыхание молодой черной Америки — на уровне лиц, сленга, музыки, трудно описываемого словами драйва. Это, конечно, исторический матч-реванш во всех смыслах: Аполло Крид был срисован с Мохаммеда Али и все равно оставался персонажем второго плана, его сын успешно бьется за место на первом.

Самое же главное - не меркнущая, а таинственным образом только крепчающая с годами харизма самого Сталлоне в самой его любимой роли. То, что в «Криде» Рокки как бы на втором плане, несомненно пошло ему на пользу. Как только эго Сталлоне оказалось немного за скобками, из супермена, который потешно пытается победить время, он наконец превратился в старика, который достойно принимает свою судьбу — что, конечно, требует подлинного мужества и о чем, собственно, «Рокки» талдычит с 1976 года.

Интересные факты:

Съёмки нескольких тренировок проходили в помещении пустующего магазина в Филадельфии, переоборудованном под спортивный зал.

Режиссёр Райан Куглер хотел сохранить в этом фильме сюжетную линию взаимоотношений отца и сына. «Бокс — это вид спорта, где крайне важна поддержка другого человека, — рассказывал он впоследствии. — Между боксёром и его тренером существует очень тесная связь. Мы знаем это на примере Тайсона и Каса Д`Амато. Мы видели это в отношениях Рокки и Мика. Это особенная связь, и мне хотелось её сохранить в новом фильме».

Некоторые кадры фильма были сняты на трибунах футбольного матча между командами «Эвертон» и «Вест Бромвич Альбион», транслировавшегося в программе «Футбол в понедельник вечером». Большой поклонник клуба «Эвертон», Сильвестр Сталлоне спросил болельщиков, не будут ли они возражать против съёмок. Они не возражали.

В момент выхода фильма на экраны Сильвестру Сталлоне столько же лет (69), сколько было Бёрджессу Мередиту, когда на экраны вышел «Рокки» (1976).

Чтобы сохранить традицию, Сильвестр Сталлоне (Рокки Бальбоа) настоял на том, чтобы Майкл Б. Джордан (Адонис Крид) носил те же трусы в цветах американского флага, в которых Аполло Крид выступал в «Рокки» (1976), а сам Рокки появлялся в фильмах «Рокки 3» (1982) и «Рокки 4» (1985).

Это первый фильм в серии «Рокки», сценарий которого не был написан Сильвестром Сталлоне. Сценарий был написан Райаном Куглером в соавторстве с Аароном Ковингтоном. Куглер и Ковингтон консультировались со Сталлоне в процессе работы над сценарием.

Выход фильма в прокат состоялся 25 ноября 2015 года, ровно через 40 лет после дня, с которого начинается сюжет первого фильма серии.

Как и его отец Аполло, Адонис назван в честь персонажа из греческой мифологии. Аполло был назван в честь бога света, а его сын — в честь полубога красоты и желания.

До съёмок в фильме «Крид: Наследие Рокки» актёр Майкл Б. Джордан и автор сценария и режиссёр Райан Куглер вместе работали над биографической драмой «Станция «Фрутвейл» (2013).

Сильвестр Сталлоне заявил, что гордится участием в проекте, который не теряет популярности уже несколько десятков лет. Сталлоне сказал: «Удивительно, что этот персонаж и то, что с ним происходит, остаются актуальными даже без каких-либо навороченных спецэффектов, автомобильных погонь, взрывов, которых много в других моих фильмах, без стрельбы, ругательств и секса… Это мне кажется просто потрясающим — поколение, которого и в помине не было, когда мы снимали третью часть «Рокки» (не говоря уже о первой), всё ещё находит этот персонаж интересным, позволяя моему герою выйти на новый уровень».

Сыгравший главную роль Майкл Б. Джордан родился в 1987 году, через два года после «смерти» Аполло Крида.

Это второй фильм после «Рэмбо», в котором вместе снялись Сильвестр Сталлоне и Грэм МакТавиш.

Это первый фильм серии «Рокки», распространением которого занимается компания «Warner Bros.»

Поначалу Сильвестру Сталлоне не хотелось заниматься ещё одним фильмом о Рокки Бальбоа. «Я наотрез отказался, — вспоминал номинант премии «Оскар» о том, как Куглер впервые обратился к нему с этой идеей. — Прежний фильм дался мне с трудом. Я был так рад, что вся эта история закончилась, что я тогда подумал: «Ну всё, отстрелялись. Больше к этому можно не возвращаться». В общем, я Куглеру отказал.» Настойчивость режиссёра в конце концов одержала верх.

Майкл Б. Джордан очень благодарен Сильвестру Сталлоне за моральную поддержку. «Слай мне очень помог. Он мне посоветовал не лезть из кожи вон, чтобы поддержать высокое реноме остальных фильмов про Рокки, а просто быть самим собой," — рассказывал актёр.

Сильвестру Сталлоне было нелегко изображать постаревшего Рокки Бальбоа. «Трудно передать словами свои ощущения, когда садишься на стул перед гримером одним человеком, а через полтора часа встаёшь с него в образе немощного старика, — сказал актёр, которому исполнилось 69 лет. — А ведь все мы каждый день стареем. Я как-то особенно остро ощутил, что время-то идёт…»

Изначально сценарий фильма занимал 204 страницы, но кое-что было выкинуто, а концовка переписывалась несколько раз. Было снято две различных концовки фильма.

Прорабатывая стиль Адониса на ринге, Майкл Б. Джордан черпал вдохновение в записях боёв таких известных боксёров, как Тимоти Брэдли, Пернелл Уитакер и Андре Уорд. Андре Уорд снялся в фильме «Крид: Наследие Рокки» в роли Дэнни Уилера.

Тесса Томпсон играет роль девушки Адониса, исполнительницы песен собственного сочинения. Томпсон и композитор Людвиг Горанссон вместе работали над сочинением девяти композиций для фильма.

В спальне Поли, которую занял Адонис, можно заметить фотографии самого Сильвестра Сталлоне в образе Рокки и Сейджа Сталлоне в детстве.

На одной из тренировок Адонис появляется в футболке с надписью «Почему я дерусь? Да потому что ни петь, ни танцевать не умею». Эти слова Рокки сказал Адриане, когда они катались на коньках в первом фильме серии.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Африка. Сьерра-Леоне. 1999 год. Война между теми, кто дорвался до власти и уже зарабатывает на старость и теми, кто ещё не имеет реальной власти, но хочет повторить путь первых. И так до бесконечности.

"Такова эта Африка" — заявляет Дэни Арчер, у которого этот континент успел ещё в детстве отнять родителей, но он не хочет уезжать отсюда — контрабанда алмазов, которая подбрасывает новые дрова в топку войны является выгодным занятием. Дэни ввязывается в авантюру, отправившись на поиски большого алмаза, спрятанного рыбаком Соломоном Ванди, который ищет свою семью. В их компанию попадает американская журналистка Мэдди, которая хочет написать статью о тех, из — за кого не прекращается эта война. Такой разношерстной компании предстоит пережить многое, отправляясь на поиски сокровища, которое для каждого — своё.

А в это время на других континентах политики всё никак не могут решить, что им делать с полыхающими странами, торговцы оружием сравнивают покупательские возможности разных группировок, ювелирные компании усиленно стирают кровь с будущего дорогого товара, а избалованные дамы просто хотят носить украшения, за которые их мужчины готовы выложить свой заработок за несколько месяцев.

Эдвард Цвик добивается резкого контраста, показывая места, где за алмазы убивают, и где бриллианты можно купить, дойдя до магазина, демонстрируя какой огромнейшой ценой достаются красивые безделушки.

Режиссер постарался на славу, и у него получилась душераздирающая картина, которая оставила, наверно, след в каждом кто посмотрел этот фильм. Сцены Африканской войны сняты так, что в жилах кровь застывает, когда смотришь на события тех ужасных дней. «Алмаз» сделан очень грамотно и качественно, отличные съемки, очень убедительная игра актеров и удачные режиссерские решения. Так, очень сильно смотрится чередование кадров из комфортного зала заседания «Большой восьмерки» с жестоким нападением на рыбацкую деревню и отрубанием рук. Но это как раз тот случай, когда смысл куда важнее картинки. И смысл очень печален.

Балканы 90-х, Бирма, Ангола, Кавказ и так далее Сьерра-Леоне только один из примеров, на котором «Кровавый алмаз» беззастенчиво показывает нам причину всех этих гражданских войн — бизнес. Богатые дяди в роскошных костюмах подписывают сделки золотыми ручками, следят за ростом котировок и считают прибыль… а в Сьерра-Леоне гибнут люди, чьи-то матери, отцы, дети.

Фильм красочно иллюстрирует ничтожность человеческой жизни в боевых условиях. Секунду назад ты был жив, у тебя были друзья, родные, любимый. Свист, взрыв гранаты и… больше нет ничего, хватило секунды что бы уничтожить маленький мир одного человека.

Очень важно, что в фильме соблюден баланс. Никакой политкорректности, но и нет излишней, неоправданной жестокости. Сцены истребления (боевыми их никак не назовешь) действительно вызывают ужас и сострадание. Они перемежаются с глубокими проникновенными диалогами и монологами. Герой Джимона Хонсю говорит не так уж много, но в его простых словах значения больше, чем в выступлениях всех политиков вместе взятых. Соглашусь с другими отзывами, что ДиКаприо достоин Оскара за эту роль, он создал по-настоящему полный образ, цельный, развивающийся, но не меняющийся как по волшебству. Единственное, судьба его героя слишком предсказуема, так сказать следует закону жанра, но преподнесена она так, что язык не поворачивается упрекнуть за это.

В «Алмазе» нет ошибок, логических нестыковок и неправдоподобных поворотов. А самое главное, нет пафоса. Нет чудесного перевоплощения героя ДиКаприо, по сути он до конца остается беспринципным мерзавцем, просто в какой-то момент он понимает, что есть вещи важнее и дороже алмазов и прибыли. Но на то он и простой человек. Реалистичности добавляет то, что нет традиционного разделения на хороших и плохих. В какой-то степени «Алмаз» можно назвать документальным фильмом, в который добавили чувств.

Этот фильм не для увеселительного просмотра, но такие фильмы надо снимать и смотреть. Обязательно. Конечно, мир они не изменят, но призадуматься заставят.

Интересные факты:

Премьера фильма вызвала массовую критику властей ЮАР, которым пришлось оправдываться перед международным сообществом по обвинениям в преступлениях перед человеком. Официальные лица африканской страны косвенно признали факты нарушений гражданских прав населения, однако, подчеркнули, что все это в далеком прошлом, а доля нелегальных алмазов на мировом рынке не превышает одного процента. Исполнителям главных ролей, также, было предложено лично посетить предприятия по добыче алмазов, и убедиться в соблюдении всех международных законов.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Бывший уголовник Джон Линк, давно отошедший от дел, коротает время за посещением курсов анонимных алкоголиков да за набиванием татуировок в захолустном тату-салоне. Однако он оказывается вынужден вновь взяться за оружие, когда его дочь, которую он не видел много лет, оказывается целью преследования некого мексиканского наркокартеля.

«Кровный отец» — это весьма неоднозначный и очень своеобразный фильм для определенного круга зрителей. Ожидаемый быть серьезным триллером и брутальным боевиком, но на деле создающий впечатление очень необычной драмы на уровне определенного фарса. По большей степени, вытягивая интерес великолепной игрой молодой Эрин Мориарти и долгожданным возвращением Мэла Гибсона с одной из характернейших ролей за последние годы своего творчества.

С кинематографической точки зрения, «Кровный отец» не представляет особой художественной ценности. Более того, если вы ждёте от него чего-то близкого по динамике к «Заложнице» - вам в другой зал, ибо даже при нескольких вполне профессионально поставленных боевых сценах, до уровня современного боевика фильм Жана-Франсуа Рише катастрофически не дотягивает: слишком мало яркого визуала, спец-эффектов и драйва. Ценность у фильма всего одна, но какая… Мел Гибсон одинаково убедителен и в боевых сценах, и в трогательных сценах общения с дочерью. Да, настолько непритязательную и не требующую большой самоотдачи роль, мог сыграть и актёр классом ниже Мела, но чёрт возьми, как приятно осознавать, что Гибсон, тянущий такой откровенно проходной фильм исключительно на своей харизме, всё ещё в строю.

На протяжении полутора часов мы попеременно наблюдаем стычки героя Гибсона с врагами и припозднившимися попытками наладить отношения с дочерью. Пусть мы смотрим подобное далеко не в первый раз, но за счет драматичной режиссуры Рише и пронзительной игры главной звезды проекта, фильм поднимается выше стереотипного криминального боевика. Чего стоят одни только фрагменты диалогов отца и дочери:

- Папа, я же правда убила человека, я заслужила всё это!
- Да, я знаю, детка, но за это ты ответишь перед Богом, не перед людьми и не сейчас!

Главное отличие этого фильма от многих подобных — на тему о неожиданном воссоединении родни, заключается в том, что здесь нет разочарования в своем близком — отношения Лидии и Линка складывается хорошо и между ними ничего кроме дочерне-отеческих отношений нет. Никакой злобы и агрессии, лишь понимание о безвозвратно ушедшем и потраченном времени. Родственные души находят друг друга, папа полон решимости помочь дочери, дочь пропитывается насквозь симпатией к папочке и им ничего не остается кроме как объединиться в настоящую семью. Ради выживания.

Родителей не выбирают, детей тоже, и главная обязанность родных людей беречь и защищать друг друга, что бы ни происходило. Эта простая и сильная мысль красной чертой проходит через всё повествование. Режиссер безжалостно заставляет главных героев расплачиваться за грехи и в то же время дает надежду на искупление. И если сложно представить дальнейшую судьбу Линка (если ему удастся выкарабкаться из сложившейся ситуации), то у Лидии вся жизнь впереди (если получится ее сохранить). Посему хэппи-эндом здесь должно стать не только спасение от мафии, но и осознание — как надо жить на самом деле, чтобы быть Человеком. Но хочет ли режиссер одарить зрителя счастливым финалом, уже при изначально жесткой стилистики, когда пули в кадре со зверским правдоподобием убивают людей? Ведь это совсем не глянцевая история с традиционной победой Добра, а мрачная драма о том, что жизнь дается лишь раз и никогда не поздно что-то в ней исправить, если через боль и потери осознать — насколько ты был не прав. И если получится проникнуться историей «Кровного отца», фильм без сомнения останется в памяти, как неглупый и трогательный криминальный экшен. В том числе и за счет немалой доли иронии:

- Дядя, откуда такую девчонку взял?
- Из роддома!

Описание (клик - развернуть/свернуть):
«Есть профессиональный риск родственных душ: они не могут жить друг без друга».

После гибели Криса Нилсена в автокатастрофе он, обретя бессмертие, пытается остаться рядом со своей прекрасной, но смертной женой Энни. С помощью дружественного духа, приставленного к нему в качестве проводника, он начинает привыкать к своему новому существованию в окружении, которое иначе как райским не назовешь. Но когда его обезумевшая от горя жена кончает жизнь самоубийством, ее проклинают и навечно изгоняют в ад. Крис изо всех сил пытается отыскать любимую, чтобы всегда быть с ней, но еще никому и никогда не удавалось спасти грешную душу от ужасного, но заслуженного возмездия. Благодаря помощи своих небесных друзей Крис отправляется в самое опасное и мучительное путешествие в своей жизни, точнее, в жизни после смерти.

«Куда приводят мечты» — это безумно живописный, красивый, трогательный, грустный и берущий за душу фильм касательно вечных размышлений о рае и аде, жизни после смерти, о том, что же становится с душой после того, как она покидает наше тело. Сколько бы фильмов не снимали на подобную тему, все они всегда выигрывали за счет уникального полёта фантазии, который даёт столь перспективная для творчества история. Именно этот полёт фантазии и выделяет данный фильм режиссера Винсента Уорда настоящим произведением искусства.

Этот фильм — шикарное приобретение для любого ценителя кино. Он заставляет переживать, думать, мечтать. Это настоящее кино и желательно не для одного раза. Это мейнстримное кино, но снято оно в артхаусном, очень необычном стиле, что придает картине некий блеск, налет элегантности, фестивальности. Его нужно посмотреть — это история о людях, которыми вполне может оказаться каждый из нас.

А как раскрыта тема ада и рая: задумка режиссёра о том, что каждый из нас сам придумывает себе рай или ад, даже при жизни, и каждый переживает его по-своему. А иногда так не хватает близкого человека, который готов пройти сквозь все препятствия, чтобы спасти тебя или хотя бы помочь! Фильм не пытается объяснить законы жизни и смерти, чудеса любви к детям, женщине и к жизни. У него это получается исподволь, само собой. Мне кажется на эти вопросы легче ответить так, как отвечали на них герои фильма, чем так, как пытаются это объяснять церковь или наука. Только свои страхи оживают в аду, только свое счастье испытываешь в раю. Но даже из ада есть выход и спасением будет любовь. Не менее интересна и идея о том, как наши мысли и действия в этом мире отражаются в «запределье».

В визуальном плане картина идеальна! Просто само совершенство. Это тот случай, когда описать красоту возникающих перед глазами образов невозможно. Каждый кадр до предела насыщен цветом, сочные, яркие, краски, которые действительно хочется взять в руки, краски, щедро разбросанные тут и там мастерами по спецэффектам. Чуть ли не каждый кадр фильма можно смело вырезать и вешать на стену в виде картины. Это как полотна великих мастеров — искусство, живое само по себе, вне зависимости от того, есть ли в кадре актер или его нет. На такие потрясающие виды способны очень немногие режиссеры. Похожее чувство я познал лишь в «Капитане Крюке» Спилберга.

Фантазия. Вот, что объединяет Спилберга с Уордом. И тому, и другому не занимать оригинальности в изображении потусторонних, сказочных, ирреальных миров. В этом фильме мы погружаемся в такой зыбкий и туманный мир, видим фантастические картинки рая и ада, путешествуем по катакомбам времени… Все это сделано потрясающе.

Восхититесь бесподобной игрой Робина Уильямса, который со свойственными ему искренностью и обаянием воплощает весь спектр эмоций: от любви с первого взгляда к прекрасной незнакомке на озере до безысходности после смерти детей, от удивления от происходящего в раю до отчаянной решимости спасти любимую от мук ада.

Возможно, на Робина смотреть даже интереснее, чем на необыкновенные пейзажи и ярких персонажей запредельного мира. Каждая его эмоция пробирает до косточек. О его улыбке написано немало, и для каждого она значит что-то свое, но, Боже мой, сколько же в ней оттенков, неподдельных чувств, будто актер и не играет вовсе, а просто припоминает что-то из собственной жизни. Его лицо прекрасно подходит для таких трогательных ролей — улыбка, плавно переходящая в гримасу страдания и боли, проникновенный голос, а главное — невероятно добрые, грустные глаза, взгляду которых невольно начинаешь сопереживать. Он действительно чудесный актер и это одна из лучших его серьезных ролей.

Раньше киноманы переживали над этой картиной, сегодня мы скорбим об Артисте. Как же хочется, чтобы ТАМ ему было хорошо, пусть самоубийцы и не попадают в рай. Он жил и дарил нам добро, а сердце его разрывалось от грусти. Возможно, найдется кто-то, кто пойдет за ним и вытащит его из пучины непрощения ада. Очень на это надеюсь...

Интересные факты:

Фильм снят по мотивам романа Ричарда Мэтисона «Куда приводят мечты» (What Dreams May Come, 1978).

Традиционный перевод названия этого фильма на русский язык игнорирует то обстоятельство, что фраза «What dreams may come» — это цитата из знаменитого монолога Гамлета «Быть или не быть…»; более правильным и соответствующим смыслу фильма переводом его названия было бы использование этой фразы в переводе Бориса Пастернака — «Какие сны в том смертном сне приснятся…» (или следующей за ней фразы «Когда покров земного чувства снят»).

Изначально музыку к этому фильму писал Эннио Морриконе. Однако после тест-просмотров его композиции были удалены из картины. Ни режиссер, ни продюсеры не дали никаких внятных объяснений по этому поводу. В конечном счете в саундтреке ленты использовались композиции Майкла Кэймена и Альфреда Шнитке.

Фраза «День 2Р» (день решения о разводе) соответствует английскому варианту «DD-Day» (англ. Divorce Decision — решение о разводе). Кроме того, изначально Крис называет день развода «D-Day» (Divorce Day, русск. День Д) — этим термином в американской армии обозначается день начала какой-либо операции.

Когда Крис попадает в рай, то можно наблюдать среди летающих людей героев сказок — Питера Пена и Мэри Поппинс. Кроме того, мать режиссёра Винсента Уорда находится среди летающих людей в библиотеке.

На данную тему можно также посмотреть: «Привидение», «Милые кости», «Фонтан», «Страшилы».

Описание (клик - развернуть/свернуть):
«Некоторые люди очень ясно слышат свой внутренний голос, и живут так, как он им подсказывает. Такие люди или сходят с ума, или становятся легендами». Так начинается история семьи Ладлоу — стремительный и романтический рассказ о трех братьях, их отце и молодой неотразимой женщине, которая роковым образом изменяет жизнь каждого из них.

С детства трое братьев неразлучны, однако они еще не подозревают, по какой тропе страстей и насилия поведет жизнь каждого из них. Сквозь ужасы Первой Мировой, сквозь потерянные годы, последовавшие за войной, через любовь и потери, предательство и надежду. И в центре всегда оказывался недосягаемый, непредсказуемый Тристан.

«Легенды осени» — один из тех фильмов, которые можно пересматривать бесконечное количество раз. Такое кино запоминается, в первую очередь, непрерывно демонстрируемыми великолепными пейзажами и некоторым спокойствием, которое пронизывает фильм от начала и до конца. И это при том, что в центре повествования череда трагедий семейства Ладлоу. Несмотря на то, что отец и трое братьев — одна большая семья, у каждого свой путь, который они выбирают самостоятельно. Каждому из них по-настоящему сопереживаешь, и сразу даже не сказать, чья история важнее. Характеры, созданные на экране поражают глубиной.

Понятное дело, что Энтони Хопкинс и Брэд Питт в центре внимания и как актеры, и как их персонажи в фильме, на их таланте и строится общее повествование. Уильям Ладлоу — человек, любящий своих сыновей в любой ситуации, независимо не от чего. Энтони Хопкинс традиционно играет роль мудреца и с ролью справляется блестяще. Именно от его лица режиссер нам навязывает своё отношение к происходящему.

Младший брат Сэмюел. Он молод, неопытен, наивен. Верит в подвиги и сам стремится их свершить. Но, увы, его жизнь обрывается рано.

Старший брат проживает свою жизнь на первый взгляд правильно — он придерживается Библии, добивается успеха в обществе. Но, по мнению режиссера это неправильный путь, он остается нелюбимым и несчастливым. Что же — это его фильм.

Главного героя, Тристана (Брэд Питт), индейцы воспитали свободолюбивым и диким. Тут вступает в ход миф об индейской мудрости. Можно относиться к этому просто как к колориту, но режиссер же это воспринимает слишком серьезно. Наделенный красотой и силой, Тристан не может жить в рамках того мира, в котором живут близкие ему люди. Современное общество его совершенно не привлекает, но и оставаться равнодушных к его злодеяниям он не намерен. Он живет на «пограничной земле, где-то между этим миром и другим». Тристан способен на любовь и привязанность, но его звериные страсти берут вверх над светлыми чувствами. И потому его любовь несет лишь страдания, боль и смерть. Индейское свободолюбие и дикость Тристана, которые по сути являются основой фильма, в цивилизованном мире оборачиваются трагедией. Блестящая роль Брэда Питта, создавшего один из сильнейших образов в кинематографе.

Любовь всех трёх братьев была сосредоточена на одной женщине, но она сама любила по-настоящему только одного. Как порой, судьба путает карты жизни. Сегодня ты счастлив и любим, а завтра одинок. Но жизнь продолжается. И герои фильма, несмотря на совсем непростую жизнь, понимают это как никто другой. Джулия Ормонд изобразила на экране настоящую женщину. Женственна, ранима, чувствительна, но сильна характером. Но только судьба её сложилась не так. Любовь прошла мимо и жизнь для Сюзанны стала бессмысленной.

Фильм великолепен в своём графическом оформлении. Ещё нигде природа не была столь прекрасна, а музыка так печальна. Человеческая драма разворачивается на фоне зелёных лугов, голубого неба, колышущихся веток деревьев, огромных пастбищ, блестящей водной глади, стад коров и табунов лошадей. И во всём этом чувствуется такая сила, Осень… свобода и желание жить. С первых кадров «Легенды осени» навевают печаль и светлую грусть. И эти чувства проносятся через весь фильм, проникая в его атмосферу. Но именно это придаёт фильму особый шарм.

Кино получилось обо всем понемногу, и в то же время очень глубоким по замыслу. Основной замысел в том, что семья — это самое главное, в жизни ничего важнее нет, что для американского кинематографа вполне традиционно. Но то, как это подается в «Легендах ...», заставляет переживать за всех персонажей и вместе с этим просто наслаждаться красивейшими видами штата Монтана.

Данная картина поднимает множество интересных жизненных вопросов и строит свои версии касательно ответов на них: кто человечнее и счастливее — достигшие высот в современном обществе или подчиняющиеся зову сердца? Способны ли мы найти свое место в этом мире, если в душе кажется, что ты не хочешь жить по его правилам? Можем ли мы самостоятельно определять свою судьбу или мы полностью зависимы от обстоятельств? Кино не дает ответа на эти вопросы, так что после просмотра вам будет, о чем поразмышлять.

Интересные факты:

Слово fall в названии фильма означает не только «осень», но прямо намекает на библейское «грехопадение». Между тем, в ряде стран (в России, в частности) не нашли подобной же идиомы, и переводили название напрямую – как «Легенды осени».

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Сюжет «Легионера» рассказывает об Алане Лефевре, — боксёре, успешном и достигающем заслуженных высот в своей карьере. Однажды его босс заявляет о том, что Алану суждено проиграть в очередном бою, и проиграть специально, — деньги были поставлены на соперника Лефевра. Конечно, смелый и уважающий себя боксёр не стал поддаваться и пошёл наперекор, — показал на ринге всё, на что способен, тем самым нажив себе нешуточного врага.

Теперь Алан вынужден спасаться бегством, и по стечению обстоятельств попадает во французский легион, отправляющийся на задание в Марокко. Здесь он находит настоящих друзей и верных товарищей, готовых отдать жизнь друг за друга. И впереди он должен противостоять со своим отрядом могущественному противнику, доказать себе и ближнему, что настоящий друг и товарищ будет горой держаться до последнего за честь, достоинство и дружбу!..

Создатели задались целью показать нам жестокость и трудности сквозь которые приходилось пройти легионерам и выразить это им удалось через образ главного героя. В ленте был сделан упор на драматизм, жестокость, реалии жизни и духовную красоту. Старая школа создателей не подвела и все вышеперечисленное было преподнесено и выверено самым наилучшим образом, а дружба, честь, героизм и справедливость в фильме, без грамма пафоса, явились также основными и немаловажными аспектами всей истории на которые стоит обратить внимание.

Замечательный и особенный, резко и отчётливо выделяющийся среди других кинофильмов, «Легионер» просто заслуживает положительных и хвалящих отзывов, оценки и соответствующего внимания и времени на просмотр картины. Его суть, смысл и сюжет настолько привлекают и завораживают, интригуют, что от просмотра невозможно оторваться, внимаешь и вслушиваешься каждому слову, не хочешь пропустить ни одного зрелищного и достойного момента, радуешься или волнуешься, ликуешь или хмуришься, — всё в точности, как и сам герой Ван Дамма, ибо его роль здесь настолько проникновенна, серьёзна и достойна поощрения, что просто невозможно не обратить на неё внимания или отвергнуть. Талантливый, всемирно почитаемый и любимый актёр сыграл в «Легионере» настолько убедительно и зрелищно, реалистично и поразительно, что иных слов и не имеется, как «талант», «звезда», «настоящий мастер». В этом фильме Жан-Клод Ван Дамм выглядит не суперменом, а человеком. Вся его брутальность ушла на задний план, высветив такие качества, как честь и совесть. Ван Дамм своей игрой доказал, что он не только ногами и руками умеет махать, но и имеет потенциал драматического актера.

Автор сценария Шелдон Леттич — человек, который сыграл очень важную роль в становлении и продвижении вперед карьеры Ван Дамма. Он участвовал в создании таких хитовых боевиков как «Кровавый спорт», «Двойной удар», «Самоволка». И вот «Легионер» новый шедевр, созданный им вместе с самим Жан-Клодом. В фильме нет традиционных вандамовских растяжек и ударов, но есть высококлассная история и драмматическая развязка событий, которая ставит картину на самые верхние позиции в ряду военных приключенческих боевиков.

Но... в 1998 году, мир уже не понаслышке был знаком с новыми современными технотронными полотнами, имя которым — блокбастеры. С их появлением на экранах, оттеняться на второй план стали множество лент. От них начали, в первую очередь, страдать фильмы, чья эпоха пришлась на середину 80—90 годов. Картины того периода, отличающиеся неизмеренной человечностью, душой, заложенной в них, реальностью и добротой, начали задыхаться. Внимание им уделялось все меньше и меньше, а их кассовые сборы становились все ниже и ниже.

Военная драма «Легионер», чье запоздалое рождение на экран попало непосредственно под прошедшую плеяду блокбастеров, показавших свою масштабность, величие, массу спецэффектов и красочность происходящего, просто пала их жертвой. Никакая реклама на которую ушло 15 миллионов, никакие ролики уже не могли сравниться с тем, что зрителям выпало увидеть летом '88-го. А фамилия актера, играющего главную роль только окончательно добила интерес зрителей к ленте, которая в итоге оказалась несправедливо недооцененной, всеми жутко невостребованной и надолго забытой.

Совершенно того не заслуживая, «Легионер» громко провалился, даже не попав в американский прокат, а это при бюджете и затратах почти в 50 миллионов. (Довольно много по тем временам). Колоссальный ущерб студии и продюсерам, возлагавшим на проект большие надежды, но, самое главное и обидное — неоцененный труд создателей. Зрители не оценили по достоинству истинно сильную игру Ван Дамма, который своей ролью Алана доказал и показал свое актерское умение и талант. Эмоциональность и переживания его героя, игра «лицом», а не мускулами. Искренность, а не картонность его образа, была замечена даже аудиторией, которая прежде относилась к Жан-Клоду скептически. Его драматический образ, глубинный и трагичный, по истине силен.

Питер Макдональд же, после крупного «Рэмбо 3», имея опыт постановок подобного рода, как в «Легионере» снял довольно масштабное кино, не провисающее ни на секунду и что самое удивительное, прежде работая лишь режиссером, отвечающим за постановку трюков и, занимаясь вертолетными съемками, здесь, он смог показать не боевик или просто военную историю, а показать военную драму, во всей красе. Не знаю, работал ли он с актерами, но сделал он «Легионер» таким, каким его до показа не ожидал увидеть никто. Драма со всеми вытекающими отсюда последствиями — глубинная, жизненная и цепляющая своим внутренним составляющим.

Разумеется постановка шла Питером не в одиночку, а на пару с оператором Дагом Милсомом. Благодаря их общим усилиям, была великолепно отражена эпоха 20—30-ых годов прошлого столетия. Марокко, где проходили основные съемки показан очень ярко. Картинка вообще подобрана что надо, а декорации, повторюсь, создают полное ощущение реальности и отображение эпохи тех лет, музыка же Альтмана, главного композитора, настолько сильная, что она просто вплетается в картинку и в слух, ведя зрителя по хронометражу и вызывая у него эмоции и чувства, которые держатся в сознании и после окончания просмотра. Она очень ярко выделяет и подчеркивает всю драматическую сторону ленты, благодаря ей фильм берет за душу и проникает внутрь сознания.

Увидеть в картине все что я описал выше и остаться довольным — как хорошим просмотром, так и прекрасно проведенным времнем, не трудно, просто для этого хочется добавить от себя один немаловажный факт — неправильный настрой на фильм. Во избежании его, я и раскрыл популярно перед вами кино, его достоинства и постарался настроить на правильное его восприятие, теперь за вами остается выбор — смотреть или не смотреть.

Интересные факты:

По слухам, идея «Легионера» зародилась у Жана-Клода Ван Дамма после того, как он провел в Африке «второй медовый месяц» со своей четвертой женой Дарси Лапьер. Тогда они праздновали восстановление отношений после продолжительной ссоры.

Абд Эль Ким, предводитель арабских повстанцев в картине, и вправду в начале ХХ века сражался с французами, но только в горах, а не в пустыне.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
История взаимоотношений между безжалостным киллером и 12-ти летней девочкой, которая открывает для каждого из них новую страницу их жизни, меняет обеих и так рано и трагично заканчивается.

Семью девочки, отцом которой был «мелкая сошка» в наркобизнесе расстреливают полицейские-наркодельцы, во главе с самым настоящим маньяком. Леон — киллер, невольно ставший свидетелем этой жестокой расправы, спасает девочку — Матильду, открыв ей дверь и дав её приют.

Матильда была развитой не по годам девочкой, не особо любившей свою семью за исключением маленького четырехлетнего братика, за которого она и собирается отомстить убийцам. Невольно узнав настоящую профессию своего спасителя, она решается овладеть его «искусством смерти».

Леон, не отягощенный особым умом и являющийся наемным убийцей, приносящим смерть за деньги, вмещает в себя и искренность и доброту, так не сочетающиеся с его ужасным занятием. Постепенно привязываясь к девушке, он обучает ее премудростям своего ремесла, но при этом не давая ей пустить всю ее жажду мести в разрушительное русло. От его проявлений заботы, незнакомых Матильде, у нее появляется привязанность к нему, переросшая в любовь. Леон сопротивляется этому чувству, но и он не в силах устоять. Одинокий в жизни, у него есть единственный друг — это цветок, который он считает идеальным партнером и таскает его по жизни за собой. В финале замечательная сцена: героиня, оставшаяся в живых благодаря наёмному убийце, который пожертвовал собой, высаживает любимый им фикус на территории Центрального парка в Нью-Йорке. Занятие, в общем-то, имеющее малый смысл с житейской точки зрения, но иронически-символическое по значению. В память о друге, спасённая Матильда должна хотя бы по-детски реализовать одну из заповедей, оправдывающих пребывание человека на земле: «Построй дом, посади дерево, роди сына… » Пусть и неродная дочь, которая сама лишилась своего дома и семьи, но упорно надеется, что этот фикус приживётся на берегах Гудзона.

«Леон» — пятый полнометражный игровой фильм французского постановщика Люка Бессона и самый популярный в его карьере. Картина по сей день занимает высокие места в различных зрительских рейтингах и является любимой или одной из любимых у большого количества зрителей.

Люк Бессон хорош тем, что снимает кино «для всех», охватывая большую часть совершенно разных любителей кино. Его фильмы нельзя однозначно назвать блокбастерами для кинотеатров при всей их зрелищности и нельзя однозначно назвать артхаусом при своеобразном авторском почерке режиссёра. Если его первые работы, над которыми он работал на родине, всё-таки не настолько известны, то в 90х он снял две ленты, которые видели практически все: «Леон» и через три года «Пятый элемент».

Картина «Леон» интересна зрителю не только захватывающим сюжетом и постановкой, но и образами-перевёртышами, где хладнокровный наёмный убийца оказывается наивным и порой беззащитным в быту как ребёнок, а маленькая девочка, скорее двенадцатилетняя женщина, дитя Америки середины 90-х годов, закономерно кажется взрослее и приспособленнее к жизни, чем приученный лишь убивать Леон-Профессионал.

Их взаимоотношения на почве трагедии трогательны и порой забавны. Сама Матильда сравнивала их с Бонни и Клайдом и даже с Тельмой и Луизой, однако если первые — классический образ гангстерской пары, то вот второй как раз является постмодернистским вариантом, где парой становятся две женщины. Фильм Риддли Скотта «Тельма и Луиза» вышел на экраны в 1991 году, за три года до картины «Леон». Что примечательно, Риддли Скотт, как и Люк Бессон, является режиссёром «для всех».

Помимо шикарной постановки и проработки каждой сцены следует отметить замечательную актёрскую игру. Жан Рено идеально понимающий замыслы Бессонна, наконец, получил главную роль, ставшую для него знаковой. Натали Портман ярко дебютировала, но, к сожалению, в дальнейшем ей не удалось столь же ярко проявить себя в картине Майка Николса «Близость». Гари Олдман стал настоящим украшением картины, гениально сыграв неадекватного служащего управления по борьбе с наркотиками (кстати, ещё один образ-перевёртыш), после чего стал регулярно играть злодеев, в том числе у самого Бессона (Зорг из «Пятого элемента»), однако сыграть столь же ярко, на мой взгляд, ему не удалось.

Очень трогательная история, сочетающая в себе противоречивые чувства: начиная от мести и заканчивая любовью. Настоящим венцом этого фильма становится песня Стинга "Shape of my heart".

Интересные факты:

Натали Портман пробовалась на роль, но была отвергнута в силу своего слишком юного возраста. Однако неутомимая девчонка через некоторое время вновь пробилась на пробы и выдала такой спектакль, что Люк Бессон ни на секунду больше не усомнился в таланте актрисы и взял ее на роль Матильды. На ту же роль пробовалась Лив Тайлер, но была признана великовозрастной для ее исполнения.

Растение в горшке, которое постоянно таскали с собой главные герои, называется аглеонема (aglaonema). По-английски слово произносится как «ag-leon-ema».

Во время съемок произошел довольно забавный эпизод. Некий злоумышленник ограбил магазин и бежал с добычей по улицам города. Внезапно он натолкнулся на съемочную бригаду. Увидев кучу «полицейских», он предпочел немедленно сдаться. Каково же было его удивление, когда выяснилось, что все полицейские на самом деле простые статисты на съемках кинокартины.

Леон Гамон — известный французский изобретатель. Внес непосредственный вклад в развитие кинематографа наряду с братьями Люмьер. В честь него была названа французская кинокомпания «Gaumont», которая и выпустила данную кинокартину.

Оригинальный сценарий содержал сцены «неловкого сексуального напряжения» между Матильдой и Леоном, включая сцену, в которой оба героя лежат на кровати, а Матильда рассуждает о сексе. Эти сцены так и не вошли в американскую версию картины, зато присутствовали в европейском варианте.
Естественно, эта сцена присутствует на данном диске.

Марка пистолета, используемого Леоном, носит название Beretta 92.

Полное имя главного героя — Леон Монтана.

Фильм, который Леон смотрит в кинотеатре - «Всегда хорошая погода» с Джином Келли в главной роли.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
С этой картины начался новый период в творчестве Брайана Де Пальмы, прославившегося несколькими фильмами ужасов и триллерами. Он обратился к совсем иному жанру, но тоже типичному для американского кино — к гангстерской драме, чем вызвал неоднозначные оценки: от неприятия и даже раздражения до восторгов (любопытно, что режиссёр номинировался за «Лицо со шрамом» в 1983 году на позорную премию «Золотая малина», но сейчас лента имеет высокую оценку 8,1 из 10 и входит в число 250-ти самых популярных в imdb). Этого, в принципе, следовало ожидать, ведь гангстерские картины, как и вестерны, являются для американцев объектом особого почитания, и в данном жанре очень сильна власть традиций. К тому же Де Пальма покусился на соперничество с одним из классических кинопроизведений — «Лицо со шрамом» (1932) Говарда Хокса (ему и сценаристу Бену Хекту было сделано в титрах специальное посвящение), хотя новая версия практически не имеет с давним оригиналом ничего общего, кроме названия. Скорее, её можно сопоставить с «Крёстным отцом» или с «Однажды в Америке», также успевшими стать классикой жанра.

Всё начинается в начале 80-х прошлого столетия. Множество кубинских беженцев рванули в США от надоевшего режима Ф. Кастро, многих из них не ждало ничего особенно примечательного в их серых жизнях в будущем. Но был среди них Тони Монтана (Аль Пачино) — амбициозный, зачастую жестокий парень, отсидевший в кубинской тюрьме несколько лет. Он воспринял «изгнание» в Штаты как шанс, возможность подняться наверх, стать «кем-то», тем, кем он пожелает, а не как прикажут другие… Воплотить свою мечту в реальность, но как было сказано в другом фильме, кстати с аналогичным сюжетом «Кокаин» ( 2001) — твоя мечта не осуществилась лишь потому, что ты выбрал не ту мечту…

Постепенно, поэтапно Тони из мелкого курьера вырастает в одного из главных наркобаронов Америки, всё это сопровождалось кровью, ненавистью, испытаниями, жертвами… Монтана для многих кажется безжалостным убийцей и тираном, но на самом деле внутри души этого человека творится ещё более страшное «кровопролитие», переживания, волнения. Несмотря на жёсткий характер Антонио, все эти распри, ссоры, испытания, наркотики истерзали его подсознание, и к самому финалу у него уже почти не остаётся ни физических, ни моральных сил… Брайан Де Пальма прекрасно сумел показать зрителю изменение сущности героя, его превращение из сильного и волевого человека в морально подавленного наркомана.

Авторы создали на экране абсолютно реальную историю с абсолютно живыми персонажами происходящую в абсолютно реальном Майями начала 80-х годов. Но самое главное из этого всего, а точнее самый главный — это Тони Монтана. Практически всё действие фильма посвящено этому харизматичному персонажу, все остальные действующие лица — это всё люди из его жизни, которые сыграли определенную роль в ней.

Тони Монтана — это наверное самый противоречивый и интересный гангстер во всем мировом кинематографе. Это человек, который поставил себе самые немыслимые цели и воплотил их в жизнь. Для него жизнь была борьба за свою мечту, но когда цель была достигнута, он потерпел абсолютный крах.

Сюжет не сильно закручен, но это компенсируется его драматизмом. Нам показывают историю жестокости и беспощадности парня, который пытается выбраться на верх любыми возможными способами. Создатели, как будто показывают нам обратную сторону «американской мечты». Что-то подобное мы уже видели у персонажа Аль Пачино в «Крёстном Отце», но здесь все гораздо жестче и циничней. Именно благодаря насилию, фильм не имеет аналогов в гангстерском жанре.

Стоит вернутся к тому, КАК Аль Пачино сыграл эту роль. От самого начала до самого конца, это было великолепно, Тони Монтана не схож по манерам поведения ни с одним из героев Пачино, он создал незабываемого персонажа. Один сумасшедший блеск глаз чего стоит! При всех усилиях воображения, переиграть Пачино невозможно! Позже можно было увидеть немало отсылок к его персонажу и связанных с ним событий в других голливудских работах и компьютерных играх. Сразу видно откуда выросла игрушка GTA Vice city. В частности, было очень много подражаний на сцену с бензопилой, яркой гавайской рубашкой и, разумеется, очень эффектной финальной стрельбой в огромном особняке.

Особого внимания заслуживает атмосфера того времени. 80-ые… Деборра Харри, более известная как «Blondie», исполняет диско номер «Rush Rush», молодые люди в костюмах, вышедших из моды, отплясывают под эту музыку в закрытых танцполах клубов Майами. Ослепительные девушки, все как на подбор «тигрицы» по мнению Тони, щеголяют нарядами, о которых сейчас никто и не вспомнит. И сам «наш» Тони, сидит в уголке клуба, накачиваясь спиртным, и не зная, что в пяти метрах от него сидят наемники, пришедшие за его головой…

От фильма оторваться просто невозможно, он потрясает с первых секунд. Характеры, чувства, эмоции, мысли — всё показано и расписано… это невероятно!


Интересные факты:

В заключительной сцене фильма в одном из моментов Аль Пачино хватается за дуло автомата. Несмотря на то, что на съёмках были использованы холостые патроны, ствол был настолько раскален, что, схватившись за него, Пачино получил серьезный ожог руки, вследствие чего съёмки пришлось приостановить на несколько недель.

Слово «fuck» использовано в фильме 218 раз.

Во время съёмок шли нешуточные дебаты о разрешении съёмок в Майами. В конце концов департамент туризма Майами принял решение не выдавать разрешение на съёмки, т.к., по их мнению, фильм мог серьезно повредить развитию туризма в городе.

Оливер Стоун написал сценарий фильма, борясь с кокаиновой зависимостью.

В сцене, где Тони лежит в ванне и смотрит телевизор, он говорит Мэни: «Look at dem pelicangs fly». Именно эту фразу использовал Пачино, пытаясь выработать у себя кубинский акцент.

Фильм повлиял на развитие хип-хоп культуры и рэп музыки в конце 1980-х. Так, например, «The Geto Boys» использовали несколько цитат из фильма в своих песнях, а один из рэпперов в этой группе взял себе псевдоним «Scarface» (им был Брэд Джордан, в настоящее время являющийся одним из руководителей «Def Jam South»).

Фильм посвящен Бену Хекту и Говарду Хоксу - авторам оригинального «Scarface» 1932 года.

Предполагалось, что действие фильма будет происходить в Чикаго, но от этой идеи пришлось отказаться из-за бюджетных ограничений.

Первоначальным выбором продюсеров в качестве режиссера был Сидни Люмет. Именно он предложил, чтобы главными героями картины стали кубинцы.

Оливер Стоун назвал Тони Монтану в честь Джо Монтаны, своего любимого игрока в футбол.

Брайану Де Пальма настолько понравился сценарий фильма, что он отказался от постановки «Танца вспышки» (Flashdance, 1983).

Когда фильм вышел в повторный прокат в 2003 году, студия хотела, чтобы Де Пальма изменил саундтрек, включив в него композиции, которые появились на свет благодаря влиянию этого фильма на рэп музыку. Де Пальма отклонил данное предложение.

На съёмочной площадке фильма побывал Стивен Спилберг и срежиссировал небольшой эпизод — один из кадров с боливийцами в финальной сцене.

Фильм три раза получал рейтинг «X». После этого Брайан Де Пальма пригласил группу экспертов, в которую вошли агенты по борьбе с наркотиками. По заявлению данной экспертной группы, «Лицо со шрамом» — точное изображение реальной жизни, поэтому фильм заслуживает более мягкого рейтинга. Заявление экспертной комиссии смогло убедить 20 членов комиссии по рейтингам кинофильмов. Они согласились выставить фильму рейтинг R (18 голосов «за», 2 - «против»). В итоге вырезанная версия мало чем отличалась от первоначальной версии, поэтому Де Пальма решил ничего не менять и выпустил на экраны оригинальную версию.

Количество трупов в картине: 42.

Почти весь фильм был снят в Лос-Анджелесе, который специально «загримировали» под Майами. На такие меры пришлось пойти после многочисленных протестов кубинских эмигрантов, проживающих в Майами.

Стивен Бауэр — единственный кубинец, снявшийся в одной из главных ролей ( Менни ).

Элизабет Дэйли исполнила две песни для фильма — «Shake it Up» и «I’m Hot Tonite». На тот момент времени ей было всего 21.

Международная компания, основанная Саддамом Хусейном для отмывания денег из различных источников, называлась «Montana Management».

Предполагалось, что в качестве муляжа кокаина будет использовано сухое молоко, но от этой идеи пришлось отказаться.

Когда Соса (Пол Шенар) бросает трубку телефона в разговоре с Тони Монтаной незадолго до финальной сцены в фильме, то можно услышать нечеткий звук выстрела.

Мириам Колон, сыгравшая мать Тони Монтаны, всего лишь на четыре года старше Пачино.

Роль Маноло Рэя могла достаться Джону Траволте.

Хотя Тони Монтана — кубинец, а его родной язык — испанский, в фильме он говорит полностью лишь одно предложение по-испански.

Начальная сцена фильма с Тони Монтаной и сотрудниками иммиграционной службы была переозвучена при монтаже картины. Одного из сотрудников иммиграционной службы озвучил Чарльз Дарнинг. Другие сотрудники были озвучены Брайаном Де Пальма и Деннисом Францом.

Фильм лег в основу игры GTA: Vice City.

Одним из прототипов Тони Монтаны был сам Аль Капоне. У Капоне на лице тоже был шрам, и он был так же жесток.

Когда Монтана приходит убивать Фрэнка, то ему в 3:00 (как об этом позаботился Монтана) звонит человек. Далее проходит ровно 6,5 минут (сюжетное время и время фильма абсолютно совпадают в этой сцене), прежде чем мы снова видим те же часы в кадре - на них 3:03. Примечательно, что через 2,5 минуты после первого кадра с часами на них 3:01.

Хотя фильм и называется «Лицо со шрамом», Тони называют так только один раз за весь фильм, и то на испанском («Caracicatriz»).

Роль Тони мог бы сыграть Роберт Де Ниро, но тот отказался.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Два брата – разведенный и положительный Тоби (Крис Пайн) и безбашенный сиделец Тэннер (Бен Фостер) – сталкиваются с проблемой: техасский банк решил прибрать к рукам их фамильную землю, на которой по стечению обстоятельств нашли нефть и которую Тоби хочет оставить в наследство своим сыновьям. Чтобы этого избежать, необходимо заплатить солидную сумму в размере 40 с лишним тысяч. Самый очевидный способ достать деньги настолько укоренен в американской традиции, что не вызывает даже минутных колебаний: братья начинают грабить филиалы банка, с которым должны расплатиться. В погоню за ними пускается бывалый шериф предпенсионного возраста Маркус Хэмилтон (Джефф Бриджес) со своим напарником индейско-мексиканского происхождения Альберто Паркером (Джил Бирмингем) - объектом постоянных расистких шуточек. Естественно, пути полицейских и грабителей рано или поздно пересекутся.

Ковбои, индейцы, бандиты, размашистые панорамы величественных техасских пейзажей – британец Дэвид Маккензи («Молодой Адам», «От звонка до звонка») в своем первом американском фильме явно опирается на классические типажи и каноны вестерна, будто не обращая внимания на десятилетиями звучавшие утверждения о смерти этого некогда славного жанра. Маккензи проверяет вестерн современностью и обнаруживает, что жанр определенно жив, даже если и изменился в лице.

Главную перемену пережил, судя по новому фильму, обязательный и самый важный элемент жанра – фронтир, водораздел между добром и злом, цивилизацией и беззаконием, который уже больше не проходит между условно положительным шерифом и как бы отрицательными грабителями. Нет, и Хэмилтон, и Ховарды, и даже помощник-индеец, чьи предки когда-то лютовали на этой же земле, – все одинаково обездолены и отчаянны; подлинное же зло и власть над судьбами вершат опрятные, улыбчивые банкиры вроде тех, что заправляют Texas Midlands. Это, возможно, не самая оригинальная мысль – но «Любой ценой» высказывает ее с убедительной, горькой обстоятельностью, наделяя сермяжной мудростью не только величавого героя Бриджеса, но даже и горе-бандитов Ховардов. Получается эффектная, бойкая поправка к другому хорошему неовестерну, разворачивавшемуся примерно в тех же краях: не старикам здесь не место, а всем нам, застрявшим между собственными мечтами о лучшей жизни и ненасытной чужой алчностью.

Дэвид Маккензи смог правильно ухватить дух и суть коренной американы. Дело даже не в емких и живых диалогах и песнях Таунса Ван Зантда в саундтреке, хотя и в них, конечно, тоже. Основное очарование фильма кроется все же в другом - в виде техасских просторов, горных кряжей и полных официанток в придорожных дайнерах. В том, как сидят шляпы на Пайне и Фостере и как Бриджес прихлебывает пиво и тянет слова. В том, как по незадачливым грабителям, заглянувшим в банк в день получки, открывают шквальный огонь из всех стволов пришедшие за зарплатой работяги. Это Америка «Пустошей» и «Шугарлендского экспресса», «Джо» и «Старикам тут не место», «Небраски» и «Из пекла», Америка Ричарда Бротигана и Кормака Маккарти, неумытая, простецкая и лишенная чего-либо наносного. Действие картины могло происходить и 10, и 20, и 40 лет назад - история от этого мало поменялась бы.

Главное, что при этом повествование ни на минуту не сбивается на сюсюканье и фальшь, даже в сцене встречи Тоби с сыном и бывшей женой. Во многом, это заслуга сильного сценариста Тэйлор Шеридана, написавшего «Убийцу» Дени Вильнёва и исполнителей главных ролей. Говоря об актерах, надо отдать должное дуэту Пайна и Фостера, недавно уже встречавшихся в фильме «И грянул шторм». Первый здесь по-настоящему расправляет свои творческие плечи, второй замечателен в привычном образе обаятельного «плохого парня», настоящего «команча, у которого повсюду враги». В Бриджесе, понятное дело, никто и не сомневался. Однако главное тут – режиссура.

Фильм замечательно выстроен структурно — начинаясь как нелепая и неловкая попытка ограбления, он филигранно балансирует на грани массы жанров — от гангстерского боевика к роуд-муви, от детектива к психологической драме. В сюжет вплетены потрясающие пейзажи и меткие остроумные диалоги, большей частью которых картина обязана блистательному Джеффу Бриджесу. Он старательно пришепётывает и сутулится, прикидываясь пенсионером, но не с чем несравнимый шарм и стальной взгляд его Маркуса Хэмилтона, полицейского-рейнджера, вот-вот собирающегося на пенсию, выдают в нем человека, который всегда готов блеснуть знаниями и опытом, а еще подразнить напарника на тему этнического и прочего неравенства. В этих местах и не слышали про толерантность!

«Любой ценой» – кино умное и интересное, не обремененное трёхслойными подтекстами и сложными авторскими мыслями, завораживает визуальной и музыкальной составляющими, а также безупречной игрой актёров и остроумным сценарием, в котором попросту не существует не то чтобы дыр, но и малейших шероховатостей. Именно безупречный сценарий позволил фильму выйти за границы вестерна, став одновременно семейной драмой, социальной комедией и экзистенциальной притчей. Ну а то, что он был поддержан изумительно подобранной тягучей мрачной музыкой, находящейся на стыке кантри, блюза и рока, передающей упаднические настроения населения и атмосферу саморазрушения привычного мира делает фильм ярким и врезающимся в память

По-хорошему поражает то, что в фильме нет ни одного случайного персонажа, все для чего-то нужны, для чего-то большего, чем кажется на первый взгляд. Ковбои, спасающие стадо коров от стены огня в поле по старинке — не для того, чтоб замедлить спешащих полицейских, перекрыв им дорогу, но для того чтобы показать, что век сменился, но не окружающая реальность. Возрастная грубиянка-официантка в единственной пустующей забегаловке в городе в последнюю очередь существует в кадре для того чтоб смешить зрителя своими репликами, хотя получается у нее отлично, а прежде всего для того, чтобы продемонстрировать как увядает старая Америка, а тем, кто жаждет ее сохранить придется мириться с последствиями и довольствоваться малым. Погоня местных мирных жителей за братьями задумана вовсе не потому, чтоб старший брат смог продемонстрировать свою удаль за их счет, а для того чтоб мы увидели, что человек с ружьем, а в Штатах лицензии на огнестрел нет только у ленивого, только и ждет повода чтобы пустить его в дело.
Старик - рейнджер колесит по просторам Техаса в поисках преступника, со своим коллегой, находящимся вечно на вторых ролях и являющимся постоянным объектом расистских шуточек напарника, не для высмеивания закрепившегося в сознании местных преимущества белого человека, а для разговора о вечном круговороте жизни: вчера белые американцы все забрали у индейцев, сегодня они сами готовятся остаться ни с чем под давлением захватчика иного рода. И даже лишь вскользь упомянутый отец-негодяй «всплыл» в воспоминаниях не случайно, а для психологической характеристики старшего брата, который уже однажды пожертвовал собой ради младшего и не ожесточился, а попытался даже получить удовольствие от последствий, и намека на то, что он сделает это снова. Да ведь и само «братское предприятие» не настолько непостижимое, чтобы нельзя было понять, кто за ним стоит и каковы мотивы вдохновителя. Но ведь нужно это лишь динозавру-рейнджеру, отошедшему от дел, даже сами ограбленные готовы закрыть на все глаза, потому что предвкушают готовящийся пролиться на них денежный поток — а откуда и от кого он придет не имеет значения.

Понятно, что оригинального в «Любой ценой» не так уж много. Мы уже получали подобное - под разными соусами - от тех же Коэнов (ворчливый и неполиткорректный герой Бриджеса - очевидный оммаж его же маршалу Когберну в «Железной хватке»), Иствуда (тонкая грань между добром и злом - центральная тема «Непрощенного»), Хиллкоута и даже Тарантино. Но некоторая вторичность - мелочь по сравнению с удовольствием от здешних диалогов, пейзажей и захватывающей истории с уместной примесью социальной драмы и экзистенциальной притчи. Таким и должен быть отличный вестерн - с приставкой "нео" или без нее.

Интересные факты:

Оригинал названия фильма «Hell or High Water» отсылает к идиоме «сделать во что бы то ни стало», однако первоначальный смысл уходит в начало 19 века, где данной фразой описывался не слишком комфортный путь из Техаса в Канзас через половодья и невыносимый летний зной в прериях, по которым ковбои перегоняли свои стада.