Описание (клик - развернуть/свернуть):
Фильм "Гладиатор" нельзя рассматривать, как кино — этакий развлекательный вариант, получивший прекрасные отзывы и успех. Нет. Предлагаю рассмотреть данный фильм, как часть искусства. Искусства, которое, как и Римская империя, остается в веках. Ибо «Гладиатор» — фильм-легенда. Фильм-феномен. Ибо все в этом фильме прекрасно. Начиная от воссозданного древнего Рима и заканчивая актерами.

А теперь можно разобраться по порядку:

- Актеры: Кроу получил Оскар по праву. Сыграл эмоционально, красиво. Как можно не сочувствовать герою, который пережил такую трагедию и терпит такие страдания. Феникс сыграл блестяще хитрого и сволочного человека. Во время просмотра банально захотелось ударить его сильно по лицу. Дань уважения Ричарду Харрису, ныне покойного. Хорошо сыграл своего персонажа, Марка Аврелия. Джимон Хонсю сыграл неплохо роль философа. Интересны его изречения.

- Спецэффекты: не зря, не зря получил этот фильм Оскар за лучшие визуальные эффекты, ибо это такие эффекты, которых не увидишь ни в одном историческом фильме. Детализация мельчайших деталей, максимальное приближение к реальности, добавляют большие впечатления от фильма. Очень красиво показан Колизей и вход в Рим. Браво!

- Постановка боев: все настолько красиво, эффектно, изящно, кроваво и жестоко снято и поставлено и это хочется пересматривать и пересматривать. Сцена с колесницами прекрасна поставлена. И понравилась, в буквальном смысле, животная финальная схватка.

- Декорации, костюмы: красиво, нет слов. Тоже все воссоздано в максимально приближенных к реальности деталях. Понравились костюмы Максимуса и Коммода, который был в финале. Еще замечательные костюмы были у женщин, красивые, подчеркивающие красоту и женственность.

- Операторская работа: великолепна! Камера хорошо передает атмосферу схватки мечась из одного угла в другой. Камера берет красивые панорамы, крупные планы Рима, да и вообще окружающей природы так, что аж от восторга захлебываешся…

Итог: Фильм на века. Легенда кинематографа. Оскар заслужил, но не за историческую достоверность!
Придирчивый зритель заметил, что: миссионерское одаривание хлебом бедняков (!) на первом (!) ряду (куда подевались все сенаторы и полководцы, если народ уже сместился с четвертого яруса?); выход полководца на арену с гладиаторами, дабы воспроизвести сражение (римская элита развлекает простолюдинов? Воистину демократическое общество!).

Ну и просто очень смешные ляпы: всадники на лошадях, укомплектованных седлами и стременами, появившимися через два века, и мальчики, раздающие листовки за несколько сот лет до изобретения печатного станка.

Интересные факты:

В стартовой сцене фильма, где главный герой идет по полю и проводит рукой по траве, на самом деле задействован дублер Рассела Кроу.

Съемки фильма начались 1 февраля 1999 года. Первой снятой сценой стал эпизод, в котором Максимус своей речью поднимает боевой дух римских воинов перед сражением с варварами.

В роли волка, сопровождавшего Максимуса в сцене битвы с германцами, была использована немецкая овчарка.

Рана на правой щеке Рассела Кроу, полученная во время первой батальной сцены, абсолютно настоящая. Конь актера чего-то испугался и понесся на деревья, одна из веток проткнула щеку главного героя.

Для съемок начальной битвы с германцами были построены две катапульты в натуральную величину. Каждая из них весила около тонны, а снаряд, выпущенный такой катапультой, улетал на 140 метров. Стоит отметить, что настоящие катапульты были способны поражать цель на растоянии 250-300 метров.

Первая батальная сцена снималась 20 дней. Роли варваров по большей части исполняли шотландские статисты, многие из которых в свое время участвовали в съемках фильма «Храброе сердце».

Рассел Кроу начал съемки в картине спустя всего несколько месяцев после завершения работы над фильмом «Свой человек» (1999). Специально для роли он набрал порядка сорока фунтов и с завидной легкостью сбросил их перед «Гладиатором». Рассел уверял, что не делал ничего сверхъестественного для этого, всего лишь работал на своей австралийской ферме.

Актер Оливер Рид (роль Проксимо) скончался во время съемок от сердечного приступа. Поэтому в некоторых сценах пришлось применять компьютерную графику, на что было выделено порядка 3 миллионов бюджетных долларов. Фильм посвящен памяти этого актера.

Кони Нильсен нашла в одном из античных магазинов кольцо, изготовленное около двух тысяч лет назад. Именно это кольцо она одевала в ходе съемок.

В сценах, проходящих в Колизее, лишь две трибуны были действительно наполнены статистами. Остальная часть массовки была прорисована на компьютере.

В действительности Коммодус был единственным римским императором, позволявшим себе время от времени выходить на арену. На самом деле погиб он вовсе не на арене — он был задушен в комнате для переодевания атлетом по имени Нарцисс. Именно так и хотели назвать героя Рассела Кроу в первых вариантах сценария.

Роль Максимуса была написана специально для Мэла Гибсона, но актер по каким-то причинам отказался от съемок.

Несмотря на долго ходившие слухи, Эния не записала к саундтреку ни единой композиции. Действительно, заглавная песня очень похожа по стилистике на творчество Энии, однако практически весь саундтрек был записан Лизой Джеррард.

Саундтрек на "Гладиаторе," например на девятой минуте, точно такой же, как на "Пиратах Карибского моря".

Автор сценария Дэвид Франзони начал работу над сюжетной линией еще в далеких 70-х.

Посетив настоящий Колизей, Ридли Скотт отметил для себя его «достаточно небольшие размеры». Поэтому, разрабатывая макет декораций, Скотт увеличил реальные размеры сооружения чуть ли не в два раза.

В сцене с участием тигров принимало участие 5 животных, на съемку этого эпизода было отведено 4 дня, но съемки растянулись на несколько недель.

Съемочный процесс был завершен 1 июня 1999 года.

21 ноября 2000 года было выпущено 2-х дисковое издание фильма на DVD, что было большой редкостью для того времени. Данный релиз картины стал самым продаваемым за всю историю DVD продукции.

Татуировка S.P.Q.R.на плече Максимуса означает Сенат и граждане Рима (Senatus Populus Quіrіtіum Romanus)

Малую арену, где Максимус обучается в школе гладиаторов, построили в Марокко на месте футбольного поля, гармонично вписав ее в окружающие здания.

Максимус носит в фильме звание генерала. В действительности, это звание появилось лишь в XVI веке во Франции.

По непонятным причинам, создатели изменили имперский цвет Рима — пурпурный - на синий. В фильме все атрибуты власти и армии Рима (флаги, вексиллумы, мантии и экипировка солдат) из общеизвестного пурпурного цвета стали синими.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Фильм "Гладиатор" нельзя рассматривать, как кино — этакий развлекательный вариант, получивший прекрасные отзывы и успех. Нет. Предлагаю рассмотреть данный фильм, как часть искусства. Искусства, которое, как и Римская империя, остается в веках. Ибо «Гладиатор» — фильм-легенда. Фильм-феномен. Ибо все в этом фильме прекрасно. Начиная от воссозданного древнего Рима и заканчивая актерами.

А теперь можно разобраться по порядку:

- Актеры: Кроу получил Оскар по праву. Сыграл эмоционально, красиво. Как можно не сочувствовать герою, который пережил такую трагедию и терпит такие страдания. Феникс сыграл блестяще хитрого и сволочного человека. Во время просмотра банально захотелось ударить его сильно по лицу. Дань уважения Ричарду Харрису, ныне покойного. Хорошо сыграл своего персонажа, Марка Аврелия. Джимон Хонсю сыграл неплохо роль философа. Интересны его изречения.

- Спецэффекты: не зря, не зря получил этот фильм Оскар за лучшие визуальные эффекты, ибо это такие эффекты, которых не увидишь ни в одном историческом фильме. Детализация мельчайших деталей, максимальное приближение к реальности, добавляют большие впечатления от фильма. Очень красиво показан Колизей и вход в Рим. Браво!

- Постановка боев: все настолько красиво, эффектно, изящно, кроваво и жестоко снято и поставлено и это хочется пересматривать и пересматривать. Сцена с колесницами прекрасна поставлена. И понравилась, в буквальном смысле, животная финальная схватка.

- Декорации, костюмы: красиво, нет слов. Тоже все воссоздано в максимально приближенных к реальности деталях. Понравились костюмы Максимуса и Коммода, который был в финале. Еще замечательные костюмы были у женщин, красивые, подчеркивающие красоту и женственность.

- Операторская работа: великолепна! Камера хорошо передает атмосферу схватки мечась из одного угла в другой. Камера берет красивые панорамы, крупные планы Рима, да и вообще окружающей природы так, что аж от восторга захлебываешся…

Итог: Фильм на века. Легенда кинематографа. Оскар заслужил, но не за историческую достоверность!
Придирчивый зритель заметил, что: миссионерское одаривание хлебом бедняков (!) на первом (!) ряду (куда подевались все сенаторы и полководцы, если народ уже сместился с четвертого яруса?); выход полководца на арену с гладиаторами, дабы воспроизвести сражение (римская элита развлекает простолюдинов? Воистину демократическое общество!).

Ну и просто очень смешные ляпы: всадники на лошадях, укомплектованных седлами и стременами, появившимися через два века, и мальчики, раздающие листовки за несколько сот лет до изобретения печатного станка.

Интересные факты:

В стартовой сцене фильма, где главный герой идет по полю и проводит рукой по траве, на самом деле задействован дублер Рассела Кроу.

Съемки фильма начались 1 февраля 1999 года. Первой снятой сценой стал эпизод, в котором Максимус своей речью поднимает боевой дух римских воинов перед сражением с варварами.

В роли волка, сопровождавшего Максимуса в сцене битвы с германцами, была использована немецкая овчарка.

Рана на правой щеке Рассела Кроу, полученная во время первой батальной сцены, абсолютно настоящая. Конь актера чего-то испугался и понесся на деревья, одна из веток проткнула щеку главного героя.

Для съемок начальной битвы с германцами были построены две катапульты в натуральную величину. Каждая из них весила около тонны, а снаряд, выпущенный такой катапультой, улетал на 140 метров. Стоит отметить, что настоящие катапульты были способны поражать цель на растоянии 250-300 метров.

Первая батальная сцена снималась 20 дней. Роли варваров по большей части исполняли шотландские статисты, многие из которых в свое время участвовали в съемках фильма «Храброе сердце».

Рассел Кроу начал съемки в картине спустя всего несколько месяцев после завершения работы над фильмом «Свой человек» (1999). Специально для роли он набрал порядка сорока фунтов и с завидной легкостью сбросил их перед «Гладиатором». Рассел уверял, что не делал ничего сверхъестественного для этого, всего лишь работал на своей австралийской ферме.

Актер Оливер Рид (роль Проксимо) скончался во время съемок от сердечного приступа. Поэтому в некоторых сценах пришлось применять компьютерную графику, на что было выделено порядка 3 миллионов бюджетных долларов. Фильм посвящен памяти этого актера.

Кони Нильсен нашла в одном из античных магазинов кольцо, изготовленное около двух тысяч лет назад. Именно это кольцо она одевала в ходе съемок.

В сценах, проходящих в Колизее, лишь две трибуны были действительно наполнены статистами. Остальная часть массовки была прорисована на компьютере.

В действительности Коммодус был единственным римским императором, позволявшим себе время от времени выходить на арену. На самом деле погиб он вовсе не на арене — он был задушен в комнате для переодевания атлетом по имени Нарцисс. Именно так и хотели назвать героя Рассела Кроу в первых вариантах сценария.

Роль Максимуса была написана специально для Мэла Гибсона, но актер по каким-то причинам отказался от съемок.

Несмотря на долго ходившие слухи, Эния не записала к саундтреку ни единой композиции. Действительно, заглавная песня очень похожа по стилистике на творчество Энии, однако практически весь саундтрек был записан Лизой Джеррард.

Саундтрек на "Гладиаторе," например на девятой минуте, точно такой же, как на "Пиратах Карибского моря".

Автор сценария Дэвид Франзони начал работу над сюжетной линией еще в далеких 70-х.

Посетив настоящий Колизей, Ридли Скотт отметил для себя его «достаточно небольшие размеры». Поэтому, разрабатывая макет декораций, Скотт увеличил реальные размеры сооружения чуть ли не в два раза.

В сцене с участием тигров принимало участие 5 животных, на съемку этого эпизода было отведено 4 дня, но съемки растянулись на несколько недель.

Съемочный процесс был завершен 1 июня 1999 года.

21 ноября 2000 года было выпущено 2-х дисковое издание фильма на DVD, что было большой редкостью для того времени. Данный релиз картины стал самым продаваемым за всю историю DVD продукции.

Татуировка S.P.Q.R.на плече Максимуса означает Сенат и граждане Рима (Senatus Populus Quіrіtіum Romanus)

Малую арену, где Максимус обучается в школе гладиаторов, построили в Марокко на месте футбольного поля, гармонично вписав ее в окружающие здания.

Максимус носит в фильме звание генерала. В действительности, это звание появилось лишь в XVI веке во Франции.

По непонятным причинам, создатели изменили имперский цвет Рима — пурпурный - на синий. В фильме все атрибуты власти и армии Рима (флаги, вексиллумы, мантии и экипировка солдат) из общеизвестного пурпурного цвета стали синими.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Все-таки до сих пор не верится, что Тони Скотт дебютировал этой загадочной картиной. Ведь миру он известен по боевикам — благо они у него очень хорошо получаются. Тони Скотт снял будоражащую историю про вампиров, и это кино стало одной из лучших готических картин. Картина меланхолично-эстетичная, с лёгкими нотками эротики и необыкновенной атмосферой задумчивости. Снятая настолько красиво и тонко, что невозможно передать словами.

Изысканная вампирша Мириам и ее двухсотлетний возлюбленный Джон живут за счет того, что питаются кровью. Своих жертв они находят в гламурных ночных клубах. Но если Мириам суждена вечная жизнь, то Джон начинает вдруг стремительно стареть. Ни кровь любимой, ни чья другая, не в состоянии остановить его увядание. От отчаяния и безысходности пара обращается за помощью в медицинскую клинику, где знакомятся с очаровательной женщиной -учёным Сарой. На смену Джону, Мириам выбирает Сару. Мы видим этот безумный треугольник и загадочную, темную историю жизни вампиров…

Вампирская история рассказана здесь не как банальный ужастик, а как глубокая, полная мистики и особенной, темной эстетики, драма. История фильма вся пропитана чем-то жутким, холодным и безумным. И все это крепко замешано на крови, сексе, полутонах и визуальных излишествах. В то же время, в нем нет и намека на романтизацию образа вампира, как это было сделано позже, в культовом «Интервью с вампиром». Все потусторонние персонажи в нем хоть и выглядят как вполне обычные люди, тем не менее, от них веет холодным, смертельным ужасом, поскольку ясно осознаешь, что эти твари в человеческом обличии никогда не перестанут убивать, кровь и смерть для них как наркотик, как воздух, без него они не могут существовать, но это, скорей, является самой их внутренней сущностью, а не физиологической необходимостью для выживания.

Голод, который влечет героев, не столько по крови, сколько по любви. Одиночество — единственная угроза Мириам, и ради избавления от нее она пьет соки любящих ее людей, одного за другим, не считаясь с их болью, жизнью и смертью. В свете такого голода она становится здесь единственной «настоящей» вампиршей, все остальные страдают от выбора, который сделали ради нее.

Смешав в один (по идее пряный и стильный коктейль) и необычный сюжет, и навороченный стиль монтажа и съемок, а заодно и гремучую смесь актеров, Скотт не смог удержать всю эту алхимию в твердых руках. Отсюда и провал в прокате, и в целом неоднозначный прием у публики и критики. Но надо все-таки отдать должное, что в то время (1983 год) так подобную продукцию не снимали. История фильма на самом деле очень интригующая, и показана она необычно и далеко не заурядно. Просто Тони Скотт опередил время лет на десять. Более "понятные" фильмы на эту тему - «Интервью с вампиром», «Дракула Брэма Стокера», «Франкенштейн Мэри Шелли» были сняты спустя десять лет (1992 - 1994 г.г.)

Фильм о смерти, о ее неотвратимости и этот фильм дает импульс поразмыслить о ее природе, смысле, неизбежности. Это далеко не развлекательное кино вроде саги «Сумерки», а напряженная, глубокая, мистическая драма, которая представляет собой не самое легкое зрелище, но именно в силу этого свойства, она и оказывает такое мощное воздействие на зрителя.

Пожалуй впервые, вампиры представлены совсем с иной точки зрения, нежели мы привыкли их видеть. Они подобно простым смертным не лишены чувств: любят и ненавидят, ищут спутников жизни и страдают от недостатка любви.

Вампиры в этом фильме всего лишь фон, дающий свободу режиссеру утрировать и открыто преувеличить трагедию человеческой жизни, а зрителю — ещё явственнее примерить на себя ощущения главных героев. Ведь они, главные герои, по сути, могли быть обыкновенными людьми и их страхи ничуть не изменились бы. Любая женщина боялась бы остаться одна, мужчины так или иначе поддаются страху перед приближающейся старостью, а ученые всегда стремятся к открытиям, способным спасти мир.

Само название «Голод» определяет множество вопросов, поднятых в фильме. Здесь и безудержная потребность любить и быть любимым, воздвигнутая в абсолют, и вытекающая из этого жажда власти и полного обладания своим возлюбленным, и конечно же, боязнь старости и смерти. Хотя, в кокретном случае внимание заслуживают не сами вопросы, а то, как они были преподнесены зрителю. Властный и холодный образ Катрин Денев заставляет вас влюбиться в жесткую и расчетливую вампиршу, в которой аристократизм и безупречный вкус соединяется с животной сексуальностью и жаждой крови. Холодный своими мраморными стенами дом являет собой центр паутины черной вдовы, в котором она сжирает жизни своих любовников и тела своих жертв. Одного за другим она ловит их в свои сети — здесь и герой Боуи, сознающий неотвратимость надвигающегося конца, но движимый жаждой жизни, и бойкая целеустремленная ученая, пытающаяся разгадать тайну смерти.

«Голод» невероятно силен в эмоциональном плане - в который раз нам показывают весь ужас вечной жизни. Боль утрат, постоянные тяжёлые воспоминания — стоит ли вечная жизнь таких поистине вечных адских мук? На этот вопрос предстоит ответить каждому самостоятельно, ибо конец картины остаётся открытым.

Атмосфера фильма — одно из сильнейших ее мест. Там где не справляется режиссер, к нему на помощь приходят оператор, гример, композитор и, конечно, актеры.

Скотт, как умелый клипмейкер идеально поработал с картинкой, приблизив все к шикарному видеоклипу. Снято красиво до слез. Каждый лучик заходящего солнца, каждая застывшая в воздухе пылинка, каждое дуновение ветра и каждый взмах голубиных крыльев запечатлены объективом камеры так, что смотришь и веришь в то, что нет на свете ничего более прекрасного.

Визуальный ряд радует глаз. Потрясающий грим и спецэффекты, чего стоит только сцена со старением героя Боуи. Любителям клубнички, наверняка, придется по вкусу лесбийская сцена между Катрин Денев и Сюзан Сарандон, которая завораживает. Обе актрисы, будучи уже не молодыми девушками, выглядят настолько сексуально, что диву даешься.

Интересен монтаж. Резкие и даже непонятные склейки в начале чуть позже наполнятся смыслом. Чем дольше длится фильм, тем плавнее будут взятые оператором планы, но время от времени их все же разрывают во взятой вначале резкой манере. При этом прием дробления сцен ничуть не мешает, а только помогает глубже раскрыть смысл. Музыка тоже прекрасна — бурлящий клубный рок резко меняется на Шуберта, мгновенно погружая в умиротворяющую и грустную рассветную атмосферу с легким привкусом горечи.

Тони Скотт — он всегда был именно визионером, а уже потом — рассказчиком. Но в «Голоде» его любовь к красивым кадрам перевешивает всё, даже здравый смысл. Он готов минутами любоваться развивающимися занавесками (о, как их здесь много), светом пробивающимся через дымку, мраморными статуями, фигурами актёров (и мужчин, и женщин). Иногда это работает, иногда утомляет (занавески!). Тем не менее, именно таким любованием «Голод» обязан странной атмосфере — она даже не совсем готическая, а близка к нуару, где всё похоже на дрёму. «Голод» — кино исключительно сценичное, близкое к нарциссизму. Его можно было бы назвать несносным, если бы не другой важный аспект — актёры.

Катрин Денев, Сюзан Сарандон, Дэвид Боуи — очень интересный каст, который здесь творит чудеса одной фактурой. Боуи слишком мало пробыл на экране, но даже за это время очень мощно сыграл стареющего вампира. Ему даже не приходится говорить — всё делает мимика. Сказывается опыт сценических выступлений.
Дэвид Боуи, живущий в вечном стремлении к своему собственному идеалу, восхитительно сыграл человека, который после второго столетия вдруг начинает стареть. Он боится старости, цепляется за свою жизнь, но даже не подозревает, что его в любом случае не ожидает смерть.
Катрин Денев, замечательная французская киноактриса, уверенно держится в образе аристократки, заставшей ещё Древний Египет: она отчаянно боится остаться одной, и столетие за столетием находит себе спутников, которые спасли бы ее от ее страхов.
И до чего же прекрасны вместе точеные лица Катрин Денев и Дэвида Боуи! Чуть позже их холодную гармонию разбавит живая — во всех смыслах — и прекрасно человеческая Сюзан Сарандон.

Развязка истории пробирает до мозга костей, хоть финал и остается открытым. «Голод» — один из самых красивых фильмов, и одна из самых глубоких мистических драм, когда-либо выходивших в свет.

Интересные факты:

Фильм является экранизацией одноименного романа Уитли Стрибера.

Сначала режиссером фильма должен был стать Алан Паркер, но отказался в пользу полнометражного дебюта Тони Скотта.

Художник по костюмам Милена Канонеро, на несколько дней исчезла по среди съемочного процесса. Оказывается, не найдя подходящей ткани для платка героя Боуи в Лондоне, полетела за тканью в Рим.

Дэвид Боуи говорил, что для того, чтобы сделать свой голос сиплым и соответствовать образу чудовищно быстро стареющего человека, он каждую ночь выходил на мост Джорджа Вашингтона и орал все панк-песни, которые мог вспомнить.

Прочитав сценарий, Боуи настолько влюбился в своего персонажа-виолончелиста, что тут же принялся брать уроки игры на виолончели — «чтобы в кадре не было никаких дублеров».

На момент съемок Катрин Денев было 40 лет, Сюзан Сарандон 37.

Исполняемая в начале фильма песня группы Bauhaus «Bela Lugosi's Dead», посвящена смерти Беле Лугоши.

Бела Ференц Дежё Блашко (венг. Bela Ferenc Dezso Blasko), более известный как Бела Лугоши (англ. Bela Lugosi; 20 октября 1882 — 16 августа 1956) — американский актёр венгерского происхождения. Наиболее известен исполнением роли графа Дракулы в одноимённой бродвейской постановке 1927 года и в последовавшем за ней фильме.

Музыканты Bauhaus исполнили в картине камео: в начале фильма они представлены играющими «Bela Lugosi’s Dead» на концерте, куда в поисках новых жертв приходят вампиры — персонажи Боуи и Денев.

Именно выход «Bela Lugosi’s Dead» положил начало развитию готической музыки. Кроме того, песня Bauhaus стала первым связующим звеном между зарождавшейся тогда готической субкультурой и «вампирской» эстетикой, косвенно повлияв, таким образом, на готическую моду и задав субкультурные стандарты на годы вперёд. Театрализованные концертные выступления группы, на которых исполнялась «Bela Lugosi’s Dead», привлекли огромное количество поклонников, начавших одеваться и вести себя в том же духе, что и музыканты, — носить чёрное, обильно использовать чёрно-белый макияж, делать эксцентричные причёски. К 1981 году количество фанатов настолько возросло, что стало возможным говорить о формировании новой субкультуры "готик-рок".

Перевод текста песни "Bela Lugosi's Dead"

Белым на белом - прозрачный черный покров
Там, на постели, - Бела Лугоши мертв.
Летучие мыши разлетелись во все стороны со старинной колокольни
Жертвы их истекают кровью...
Черный короб, красный бархат.
Бела Лугоши мертв.
Бессмертен, бессмертен, бессмертен.
Колонны невинных дев шествуют мимо его гробницы.
Усыпанный мертвыми цветами времени,
Застывший в смертельном расцвете, покинутый всеми, заперт в темной комнате...
Бела Лугоши мертв.
Бессмертен, бессмертен, бессмертен.

По английски это будет так:

White on white translucent black capes
Back on the rack
Bela Lugosi’s dead
The bats have left the bell tower
The victims have been bled
Red velvet lines the black box
Bela Lugosi’s dead
Undead, undead, undead.

Таким образом, великий А. Михалев, переводя текст песни, ошибся, говоря "Я мертв, я мертв..."
что не мудрено т.к. по английски "Undead" (Не мертв) и "I am dead" (Я мертв) звучат почти одинаково, да и по смыслу - Дракула как-бы мертв. На самом деле все не так.

Текст песни написал бас-гитарист Дэвид Джей. В стихах, навеянных просмотром классических фильмов ужасов, обыгрывается образ Дракулы, созданный актёром Бела Лугоши. Связь с вампирской тематикой отчётливо проявляется в припеве, где сразу же после фразы Bela Lugosi’s Dead (англ. Бела Лугоши мёртв) поётся Undead, undead, undead (игра слов: англ. undead переводится дословно как «не-мёртвый», приблизительным эквивалентом в русском является существительное нежить). Таким образом, в песне сливаются актёр и образ, реальное и сверхъестественное — Лугоши, игравший Дракулу, действительно «оказывается» вампиром.
Питер Мёрфи (вокалист группы) впоследствии говорил, что воспринимал текст скорее как пародию на фильмы ужасов, однако он всё же спел его так, что романтическая составляющая композиции ощущается намного сильнее иронической. По словам исследовательницы Джулии Фей, довольно незамысловатый текст песни заложил основу своеобразной традиции, которую позже развили другие готические группы.

Питер Мёрфи позже рассказывал о собственной интерпретации композиции:
«Bela Lugosi’s Dead» была очень ироничной песней, которая звучит предельно серьёзно, очень тяжело и довольно мрачно. Но суть песни, если вы углубитесь в неё, очень иронична: Бела Лугоши мёртв… Не-мёртв! — это же забавно. Нашей ошибкой было то, что мы исполняли песню с такой наивной серьёзностью! Именно это привело к тому, что публика стала видеть в ней нечто куда более значительное. Замысел, лежавший в основе концертных представлений, в конечном счёте заслонил содержащийся в песне юмор.

Концертное выступление Bauhaus - Bela Lugosi's Dead:
https://www.youtube.com/watch?v=1U1SiIWuZeE

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Ангелы живут не на небесах. Они невидимо присутствуют рядом с людьми, прислушиваясь к их мыслям и направляя их поступки, подбадривая и утешая в минуты отчаяния. Но для них не существует мира человеческих чувств: вкуса черного кофе, боли порезанного пальца или любви. Поэтому некоторых из них так тянет к людям, и порой ангел теряет свои крылья и превращается в простого смертного. Что и происходит с героем фильма, которого увлекла на Землю любовь к женщине.

Если неамериканское кино, а тем более — европейское, наследует давним классическим традициям постижения образов ангелов и духов в искусстве, то за океаном подходят к этой теме зачастую облегчённо или же развлекательно-переживательски. Типичным образцом отчасти упрощённой и усечённой адаптации вечных сюжетов является американская мелодрама «Город ангелов» (как если бы сплавили воедино «Эту прекрасную жизнь» Фрэнка Капры, «Призрак» Джерри Зукера и, например, телесериал «Скорая помощь»), которая вольно пересказывает подлинно философский и кинематографически изысканный фильм «Небо над Берлином» Вима Вендерса.

Режиссёр Брэд Силберлинг, уже причастный к «играм с бесплотными созданиями» в фантазии «Каспер», приложил немалые для голливудского постановщика усилия, чтобы представить по возможности тактично и с чувством меры внезапную любовь ангела Сета (удачно справился с ролью Николас Кейдж) к земной женщине-кардиологу Мэгги (Мэг Райан). Ангел и человек, безумно любившие друг друга и мечтающие всегда быть вместе. Но этой любви не суждено было пробыть долго.

Ангелы из Лос-Анджелеса, как и их сородичи из Берлина, одеты во всё чёрное (это в солнечной Калифорнии-то!), любят сидеть где-то на высоте или посещать библиотеку, вдобавок же собираются на берегу Тихого океана на рассвете и закате. А некоторые, ещё раньше сознательно избрав свою земную смертную судьбу, подобно Нэтаниэлу Мессингеру (по фамилии нетрудно догадаться, что он — бывший посланец небес) в колоритном исполнении Денниса Франца, оказываются самыми жизнелюбивыми и полнокровно живущими из всех людей, которые вообще-то более склонны к разочарованиям и паническому страху смерти.

«Город ангелов» пользовался большим успехом в США, а особенно — в мире, что пусть и не сравнимо с популярностью уже упоминавшегося «Призрака», однако (увы!) абсолютно недостижимо для «Неба над Берлином», рассчитанного, безусловно, на интеллектуальную публику. Так уж получается, что оригинальные и необычные идеи становятся достоянием широких масс только в адаптированной голливудской версии.

Очень красивый, спокойный, трогательный фильм.

Интересные факты:

В посвящении фильма было всего два слова: «Посвящается Дон». Дело в том, что перед самым выходом фильма на экраны, одна из его продюсеров Дон Стил (Dawn Steel) скончалась от рака.

Сцена, в которой Николас Кейдж и Деннис Франц сидят на краю крыши небоскреба, была снята в реальности. И это несмотря на то, что оба актера очень боялись высоты.

Джонни Депп рассматривался на главную мужскую роль.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
На сегодняшний день криминальную драму можно назвать более-менее успешным направлением. Конечно, Оскары жанр не гребет, но каждый год появляется несколько достойных фильмов, некоторые из которых запомнятся еще на долгое время. Эталонным триллером об ограблениях пока считается «Схватка» Майкла Манна и «На гребне волны» Кэтрин Бигелоу. Однако, стоит учитывать, что при схожести тем и даже изобразительных средств, криминальная драма и триллер очень сложносовместимые жанры, ибо один должен рассказать душещипательную историю, а другой — держать в напряжении, в том числе и погонями со стрельбой. Новый фильм Бена Аффлека в лучших традициях современного американского кино совмещает в себе оба направления, являясь и качественным боевиком о грабителях банков, и в то же время хорошей историей о молодом человеке, повязанном в необычном семейном бизнесе. «Город Воров» имеет в себе на высоком уровне все стандарты криминального кино об ограблениях, но с дополнительными оттенками драматизма, которые очень скрасили фильм. В фильме сделано всё просто, но очень эффектно. Реалистичные сцены перестрелок, погонь и ограблений. Должного уровня игра актёров. Отдельное восхищение от Джереми Реннера, точнее его брутальности и крутости и мой респектабельный привет «Повелителю Бурь» и «28 Недель спустя». Чтобы вжиться в образ, Джереми Реннер общался с осуждёнными за ограбления преступниками родом из Чарльстауна. От них он, в частности, перенял специфический акцент. Ко всему этому ещё добавлю перевод без цензуры на полную версию фильма, благодаря которому диалоги не грузили, и скучать не приходилось в сценах без экшена.

Отчасти тут даже есть мотивы мелодрамы, но взгляд на нее окажется куда взрослее, чем у большинства подобных фильмов, из-за отсутствия оптимистичных надежд на беспрепятственность любви. И если первую половину действа может показаться, что Аффлек (как режиссер, и как его актерский персонаж) уж слишком увлекся нежными чувствами к девушке, главной свидетельнице идеального ограбления его банды, то уже в последующих линиях станет ясно, что тут имеет место серьезная драма, считающаяся с обстоятельствами. Именно эта любовная линия намекает на то, что Дуг МакРэй все еще находится одной ногой в юношеском возрасте, хоть давно повзрослел и избавился от всякого максимализма, кроме прочего стал одним из здравомыслящих людей в банде бостонских грабителей. Однако, его «бизнес» — родительское наследие, его друзья — выросшие пацаны, с которыми он шатался еще подростком, а он при всей мужественности, так и остался в родном гнезде, из которого вообще-то давно вырос. Удивительно и то, что грабить банки вовсе не «весело», и может быть даже не «круто», как кажется по многим фильмам, в «Городе Воров» — это обязанность перед семьей, перед друзьями отца, матерыми стариканами, которые никому не позволят выйти из дела. Эти самые «боссы» вовсе не крутые дяди, разъезжающие на Мерседесах и Ягуарах, у них нет особняков и бассейнов с девочками, на вид они вообще престарелые представители малого бизнеса «на районе», которые, несмотря на то, что всю жизнь грабили банки, не добились ничего в жизни. И невольно возникает мысль, что весь «Город» Аффлека на самом деле, ни что иное, как история запоздавшего взросления, в силу реалий Чарльзтауна и повысившихся ставок, превратившаяся в настоящую криминальную драму, где наравне могут сосуществовать наивная влюбленность и ограбление века в стиле манновской «Схватки».

Всего за 37 миллионов, Аффлеку удалось сделать то, что многим хорошим режиссерам не удавалось и за большие деньги — продержать зрителя в напряжении в течении двух с лишним часов, ловко управляясь и с драматической постановкой и с масштабными боевыми сценами. Конечно, тут он не ставил целью, сделать экшн, как Манн. Ограбления в «Городе Воров» обычно проходят по очень простой схеме, которую даже можно назвать минималистичной для эффектного триллера. За исключением последнего дела, где на полицейскую засаду, по ходу, и ушла львиная доля бюджета. При этом Аффлек еще и главную роль исполняет, поражая не только сильной режиссурой, но и игрой. Сделано все, довольно небогато, но со вкусом и чувством меры, отчего фильм хочется поставить повыше, и надеяться, что в дальнейшем он тоже будет служить примером отличного сочетания триллера и драмы.

Большая роль в смысловой нагрузке уделяется выражению «по другую сторону», которое выражается аж в нескольких аспектах, и это не только борьба полиции с преступниками и взаимная любовь жертвы и грабителя. Здесь подразумевается сам город, где некоторые дети, вроде Дуга, от рождения предопределены стоять по иную сторону от закона, и бояться оказаться по другую сторону тюремной решетки. Преступления героев грозят им нешуточным тюремным сроком, и это еще при том, что они принципиально не убивают людей. Но в этот сложный бизнес легко попасть и невозможно выйти, а поэтому несчастья повалятся одно за другим, а очевидных выходов только два — и, чтобы вести нормальную жизнь придется собственноручно прорубить третий.

Сюжет также можно назвать в числе хороших сторон фильма. Интерес поддерживается за счет вполне ожидаемых поворотов, не позволяющих истории топтаться на одном месте. Но несмотря на очевидность, это не частая черта фильмов, ведь, был бы сценарий «Города» слабее, он так бы и не пошел дальше разборок Дуга с любимой девушкой и старыми друзьями, боящимися, что они станут известны полиции. Здесь же их фотографии оказываются в главных подозреваемых еще в первых сценах, а разгром славной группировки будет лишь вопросом времени, ведь как уже было сказано, ступив на этот путь, выйти из игры будет почти невозможно, а уж без огромных жертв и потерь — просто нереально.

В целом, в «Городе» не так уж и много экшена — перестрелки быстро заканчиваются в пользу количества, а погони легко прерываются какой-нибудь жизненной нелепостью, а бегать на своих двоих тут и вовсе никто не собирается. Напряжение же поддерживается в силу частого изменения позиций героев, а по уровню серьезности все это тянет на хорошую драму, в которой только потому, что разворачивается она в Чарльзтауне (том самом Городе Воров), тут вообще есть вооруженные ограбления, и по важности они все-таки уступают чувствам героев. Прежде всего «Город» — это крепкая, агрессивная криминальная драма, одна из лучших за этот год, по праву претендующая надолго остаться в умах зрителей.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Резонансный фильм-расследование, как и «Тренировочный день» (2001), затрагивает обратную сторону мира полицейских. Контакты с мафией, коррупция, кумовство. Фредди Хефлин (Сильвестр Сталлоне) — шериф крошечного городка Гаррисон - пригород Нью-Йорка, в котором живут в основном нью-йоркские полицейские. Фредди их очень уважает и немного им завидует, ведь в его городе обычно ничего не случается. Город был основан профсоюзом, чтобы в нем жили только полицейские и их семьи. Полиция опасалась держать семьи в самом Нью-Йорке, из-за расправ, и со временем город вырос, оброс своими тайнами, делишками и напускной идеализированной атмосферой порядка и чистоты улиц во всех смыслах! Ни воров, ни убийц, ни хулиганов. Только лишь бравые полицейские, их семьи, бары и отдых после работы. Тут, в «стране копов», куда они каждый вечер возвращаются к женам и стриженным лужайкам, они сами — закон, и что происходит в Гаррисоне, остается в Гаррисоне. Но так ли все идеально, как кажется на первый взгляд? Хоть кто-то замечает «подводное течение»?

Неожиданно в Гаррисон приезжает сотрудник службы внутренней безопасности (Роберт Де Ниро), расследующий дело о коррупции в полиции. Он просит шерифа Фредди помочь ему. Быть полицейским, шерифом, в городе полицейских, будучи при этом флегматичным добряком, местным неудачником, объектом для шуток в стиле «штрафуй машины за превышения, пока мы в Нью-Йорке кровь проливаем», удел не из легких. Но уважение Фредди к коллегам превыше всего. Святая в вера в идеалы закона и правосудия, не дает местному шерифу разглядеть «темную сторону» Гаррисона, даже когда ему открывает глаза сотрудник внутренней безопасности, который следит за многими полицейскими городка уже не один год.

После «Дневного света», «Специалиста», «Разрушителя» и тому подобных дорогих и коммерчески успешных лент, за которые Сталлоне получал баснословные гонорары и являлся кумиром миллионов, именно, как герой экшен-боевиков, Сильвестр решил сняться в малобюджетной криминальной драме всего за шестьдесят тысяч долларов, доказывая публике, что он не только экшен-герой, но и драматический актер. Да и начинал то он свою карьеру вовсе не с супер-геройского образа.

Поправившийся, с пластырем на носу, глухой на одно ухо, скромный и тихий, Сильвестр играет шерифа в так называемой стране полицейских и живет по принципу «мне все равно». Слай играет действительно классно. Другой Сталлоне тоже не может не понравиться, потому что ему действительно веришь. Роль наивного и трудолюбивого парня, постоянно смотрящего на другую сторону реки и мечтающего работать в большом городе, ему удалась на славу, потому что, глядя в его честные глаза, можно поверить, кажется, во всё, что угодно. Не видя правды до определенного момента, он все-таки решается пойти против большинства и навести справедливость в городке, так как никто не может быть выше закона.

«Город полицейских» - это фильм про то, что и один человек способен изменить мир и вершить справедливость, пусть даже самый скромный и тихий.

В конечном остатке у нас очень ровная и неторопливая криминальная драма с впечатляющим актерским составом, которую абсолютно не портит ощутимый дефицит динамики. Немного затянутая, нудная, монотонная и весьма своеобразная, но всё же вполне не плохая история для особой категории зрителей и поклонников столь звездных актеров. Фильм просто усыпан плеядой «золотого состава» фильмов 90-х — Роберт Де Ниро, Роберт Патрик, Харви Кайтель, Рэй Лиотта: все большие актеры, ветераны криминальных хитов и боевиков, только что, на тот момент отгремевших в Голливуде. Просто хорошие парни собрались и снялись в хорошем кино! Так раньше иногда бывало в Голливуде. И кстати, ни у кого на тот момент за фильм не было большого гонорара, ибо бюджет был крайне мал. Но актеров это не остановило, всем понравился сценарий.

Интересные факты:

Сильвестр Сталлоне специально для этого фильма набрал 40 фунтов веса, окружность его талии увеличилась с 31 до 39 дюймов. В процессе набора веса он заработал радикулит, учащенное сердцебиение, обратный ток желчи, проблемы с пищеварением и головные боли.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
В конце концов, можно было бы и остановиться. После оскаровской «Малышки на миллион», после уникальной дилогии об Иводзиме, после менее удачной, но все равно занятной и кондиционной «Подмены», где Анджелина Джоли предстает в макияже "кокаиновый шик". После того как тебе стукнуло 78, и ты уже не раз намекал, что готов к уходу в длительный творческий отпуск. Но нет — одинокий ковбой Клинт Иствуд не сдается: он снова выходит на большую дорогу и снимает потрясающее кино, в котором играет главную роль.

Уолт Ковальски, еще полвека назад на корейской войне отстреливавший все, что движется, по-современному выражаясь, неполиткорректен и не чужд ксенофобии. А говоря по-старому, он просто закоренелый расист. Всю жизнь проработал на конвейере автомобильного завода в Детройте, и в гараже стоит его гордость — собственноручно собранный Гран Торино 1972 года. Его жена умерла, своих взрослых сыновей он презирает за то, что они заняты "узаконенным воровством" — торговлей, к тому же они, позорники, продают японские машины. Он сидит с банкой пива, сигаретой и верной собакой на крыльце своего дома под американским флагом и с отвращением смотрит, как его, словно армия противника, все более плотно окружают иммигранты всех мастей. Даже его врач Фельдман ушел на пенсию, вместо него пациентов принимает доктор Чу. Иммигранты сбиваются в банды, имеют наглость устраивать разборки прямо на его газоне, а в один прекрасный день группа узкоглазых отморозков подговаривает робкого мальчишку Тао увести из гаража угрюмого соседа Гран Торино.

Тао — потомок беженцев из Лаоса — неожиданно входит в жизнь Уолта, и старик становится его покровителем, хотя при этом и называет пренебрежительно "zipperhead" (одно из многочисленных сленговых словечек, обозначающих лиц азиатской национальности). Так вот, именно этому смертельно больному герою, не верящему ни в бога, ни в черта, предстоит, словно в волшебной сказке, переродиться и стать защитником чужого ему парня, которому он отдаст все, что у него есть — свою жизнь и свою машину.

Поздние фильмы Иствуда в пересказе неизменно кажутся то бесстыдной мелодрамой, то военной агиткой, то соцреалистической чепухой — пока не посмотришь, все равно не поверишь, во что превращается у него история про парализованную боксершу или подвиг американских солдат на японском острове. Иствуд — последний, возможно, режиссер в мире, которому классические американские жанры подвластны в чистом, без копившихся десятилетиями наслоений, виде. Он все равно ревизионист, конечно, но ревизионист с позиций уникального опыта, а не запоздалого осмысления. Иствуд и снимает в некотором смысле то бесстыдную мелодраму, то соцреалистическую чепуху — но мы должны придумывать или вспоминать для них другие, особые формулировки просто потому, что больше так уже не снимает никто.

Любые определения будут звучать слишком громоздко для такого простого, выдохнутого, словно сигаретный дым, фильма, как «Гран Торино». Ну да, наверное, он про столкновение культур, про невинность и опыт, про груз прошлого и освобождение от него. Или скорее про достоинство. Очень часто в своих фильмах Клинт Иствуд затрагивает тему рассовых и социальных конфликтов в США, а также поднимает классический вопрос взаимоотношений разных поколений друг с другом. Что делать человеку, на старости лет ставшему никому не нужным? Как пережить смерть единственного по-настоящему близкого человека? Возможна ли в принципе дружба людей совершенно разных культур, возраста и воспитания? И может ли истерзанная душа пожилого ветерана, отвергнутого собственной семьёй, обрести долгожданный мир и покой? Именно об этом и повествует «Гран Тонино».

Самое главное достоинство фильма — это его искренность. И дело не только в неподдельной актёрской игре практически всех персонажей (часть из которых, к слову, сыграны не профессиональными актёрами, благодаря чему эмоции на экране — подлинные). Режиссёр показал самую что ни на есть жизненную историю, лишённую всякого пафоса, политкорректности и прочих раздражающих в американских фильмах вещей. Повествование задевает до глубины души, внутренняя метаморфоза грубоватого старика, постепенно проникающегося симпатией к некогда ненавидимым им людьми и их культуре, вызывает бурю эмоций — от простого сопереживания до слёз в самом конце.

Самое существенное в фильме – экзистенциальный душевный опыт старого человека, передаваемый Иствудом во всеоружии своего актерского мастерства, включающего актерские приспособления и даже штампы, составляющие неотъемлемую часть его индивидуальной истории и истории американского кино. За тем, как он роняет слова, ходит, пьет пиво, стрижет газон, держит инструменты и держится на людях следить не менее интересно, чем за сюжетными перипетиями. Решение сыграть в фильме главную роль было вызвано именно тем, что ничья физиономия, кроме собственной, никак не могла бы стать лицом такого героя. Естественным образом это лицо и становится основным наполнением кадра, а доминирующим звуком — издаваемый им рык и хрип. Штука в том, что в этом почти гротескном сочетании сосредоточено столько красоты и в то же время напряжения, что удавится любой Майкл Бэй.

«Гран Торино» — про Клинта Иствуда. Про его лицо — и в этом смысле он ничем не отличается от какой-нибудь мелодрамы со Скарлетт Йоханссон. На Йоханссон хочется смотреть, потому что она молодая, нежная и у нее пухлые губы. На Иствуда — потому что он старый, красивый, морщинистый, умный, добрый и сильный. Его пластика. Его стариковские рубашки. Какие удивительные рожи он корчит. Как он бормочет, как кряхтит и как рычит (а как он тут рычит!). Как плюется. Как удивленно поднимает брови. Как изображает пальцами пистолет. Как тащит стулья. Как движущаяся камера на долю секунды почтительно замирает, когда он впервые попадает в кадр.

Именно на этом строился классический Голливуд, именно это впоследствии ушло, и именно это каким-то чудом сохраняет 78-летний Иствуд. Найти удивительное лицо и подобрать к нему идеальные ракурсы, заставить все прочее, любую ерунду подчиниться его масштабу. Это называли харизмой, «присутствием», star power и еще по-всякому. Актер, на финальный выход которого можно поставить свет сколь угодно монументально, — и это не будет выглядеть дурной цитатой. Иствуд вытягивает — да что там, толкает одним пальцем — никчемный сюжет про перевоспитание старого хрена. Одновременно исключительно лицевыми мышцами он превращает его в поминальную службу по изменившейся — необязательно к худшему — Америке и по достойной жизни, которая рано или поздно заканчивается. И в то же время — и в такой же степени — это фильм про то, как чинить стиральную машину. Точнее, про то, как Клинт Иствуд чинит стиральную машину.

Интересные факты:

Как и его герой в «Гран Торино», Клинт Иствуд тоже является ветераном Корейской войны.

В фильме снялся младший сын Клинта Иствуда — Скотт Иствуд. А музыку к фильму написал старший сын режиссера — Кайл Иствуд.

Ник Шенк работал на автомобильном заводе и именно там познакомился с диаспорой хмонгов. Трагическая судьба этого народа вдохновила его написать сценарий.

Иствуд хотел, чтобы в фильме снимались хмонги, и директор по кастингу обратился к их организациям, чтобы набрать массовку. Самые большие диаспоры хмонгов на территории США находятся в Детройте, Фресно и Сент-Поле.

По сценарию действие происходит в северо-восточном пригороде Миннеаполиса, но съемки проходили в Мичигане.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Есть такой разряд фильмов, которые можно назвать только одной фразой: «модное кино», которое в обязательной порядке снято по знаменитому бестселлеру, в котором играют звезды, и главное не то, о чем это кино, а как оно снято. Нетрудно догадаться, что Тейт Тейлор черпал свое вдохновение из Финчеровской «Исчезнувшей», у Финчера все черпают вдохновение. Тот же стиль повествования, даже попытка создать сложный психологический триллер на пустом месте. Хотя «Девушка в поезде» и пытается выглядеть абсолютно самостоятельной, и режиссер очень старается запутать зрителя как только это возможно и в принципе у него это получилось, имея шесть основных персонажей, Тейлор все же смог создать интригу и удержать напряжение до самого финала.

Итак, перед нами история Рэйчел, женщины, которая стала алкоголичкой после развода. Цель ее жизни - ездить каждый день на поезде и наблюдать из окна вагона за домом, в котором когда-то была счастлива вместе с мужем Томом (который, кстати живёт теперь в нём с новой женой Анной и дочерью), и их соседями – красивой влюбленной парой, проживающей в доме по соседству, глуша зависть чужому счастью виски, налитым в спортивную бутылочку для воды. Постепенно Рэйчел начинает ассоциировать себя с этой идиллической семьей, и когда однажды она видит ту самую соседку мужа, Меган, с другим мужчиной, то раздражается настолько, что сходит с поезда и направляется к ней. Ударная доза алкоголя делает свое дело, и на следующее утро Рэйчел приходит в себя в крови и без малейшего понятия о том, чем закончился вчерашний вечер. А следом становится известно, что Меган исчезла…
Рэйчел решила провести свое собственное расследование, но чем ближе она подбиралась к правде, тем скорее поняла, что алкоголикам никто не верит.

Продолжительность фильма практически два часа, эту историю можно было рассказать и быстрее, поскольку интрига как таковая крутиться с слишком маленьким объемом информации и персонажей, это даже не классическая детективная история, это скорее сложная драма о женщине, которая не могла смириться со своим положением, заливала душу алкоголем и в итоге оказалась там, где не должна была оказаться.

Увиденная ею измена заставляет героиню погрузиться в свои воспоминания, когда и её предал близкий человек. Чувства и эмоции настолько захлестывают Рэйчел, что сознание начинает рисовать кровавые сцены убийства неверной. Поэтому она начинает предполагать, что возможно сама причастна к этой истории. Большую часть фильма режиссер пытается убедить в этом и зрителя. Смазанные, шатающиеся картинки-воспоминания героини то и дело появляются в фильме. Атмосфера всей картины достаточно нагнетающая и психологически давящая. Закадровая музыка также гармонирует с картинкой, придавая ещё большей эпичности. Серые сквозные леса, острые ветви голых деревьев, впивающиеся в затянутое пасмурное небо, уже начинающая гниющая осенняя листва и легкий туман поверх всего. Мрачно, одним словом. Зритель вместе с героиней мало что понимает и сам начинает сомневаться в её невиновности. В добавок ко всему происходящему, Рэйчел всё ещё не может отпустить своего бывшего мужа, позволить ему быть счастливым с новой семьёй. Взаимоотношения всех героев, которые, казалось бы, не могут быть связаны между собой, удивительным образом переплетаются. И к чему такая «Санта-Барбара» приведет, кто окажется убийцей и было ли на самом деле убийство - зритель узнает лишь в конце.

Так зачем же смотреть «Девушку в поезде» тем, кого мало интересует глубокое погружение во внутренний мир современной женщины? Во-первых, из-за атмосферы – как ни крути, а снят фильм с таким напором, что волей-неволей проникнешься бедами Рэйчел – даже несмотря на то, что ведет она себя ну чисто как курица с отрубленной головой, бессистемно бегая из угла в угол и раскидываясь обвинениями направо и налево. Во-вторых, из-за актерских работ – хороши и Хэйли Беннетт, и Ребекка Фергюсон, но главная звезда тут, конечно, Эмили Блант. Ее великолепная актерская игра затмила все сюжетные пробелы: неуклюжая, неуверенная походка, опухшие красные глаза, полные боли и обиды, дрожащий голос и вялые движения рук. Обилие крупных планов подчеркивает ее перформанс – Блант играет потухшими глазами, морщинами, безвольно дрожащими губами. Даже просто наблюдать за ней крайне интересно. Да, возможно, было бы увлекательнее распутывать более крепкую и не такую искусственную интригу, но причину популярности книги – а теперь и фильма – нетрудно понять.
Мужской состав просто шикарен! Один Люк Эванс чего стоит. Мужественность, сила, уверенность, порой гнев и злость. А из Джастина Теру отлично получился двойственный персонаж: с одной стороны любящий отец и заботливый муж, с другой же - человек, способный на измену и предательство, живущий только в угоду своих потребностей и явно что-то скрывающий.

Если вы любите детективные истории с психологически давящей атмосферой, кровь, убийства, запутанные отношения, то «Девушка в поезде» вам точно подойдет.

Интересные факты:

Фильм снят по мотивам романа Полы Хокинс «Девушка в поезде» (The Girl on the Train).

Британка Пола Хокинс начала писательскую деятельность с ромкомных историй для домохозяек, правда, большого коммерческого успеха ни один из четырёх романов, вышедших из-под её пера, не имел. Однако с выходом остросюжетного романа «Девушка в поезде» ситуация критически поменялась — книга, написанная всего за шесть месяцев и выпущенная в середине января 2015 года, уже к началу марта была продана в количестве более полутора миллионов копий. Роман побил рекорд по нахождению на верхней строчке британского рейтинга книг, продержавшись на ней более двадцати недель, а критики в один голос заговорили о британском ответе «Исчезнувшей» американца Гиллиана Флинна. Неудивительно при всём этом, что «Девушка в поезде» обзавелась экранизацией уже спустя год, что несомненно быстрее любого другого её литературного собрата.

Узнаваемая благодаря своему британскому акценту, Эмили Блант сыграет британку в 19-й раз.

Во время съемок Эмили Блант узнала, что беременна вторым ребенком. Как ни странно, это уже второй раз, когда ей удается зачать ребенка, играя при этом бесплодную героиню.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Денни — человек. Он — не собака и вообще не зверь. Но он ходит в ошейнике, спит в ошейнике, ест в ошейнике, почти круглые сутки он проводит в ошейнике. Потому что таким его воспитал Барт, гангстер из Глазго, собиратель долгов, не брезгующий никакими методами при достижении поставленной цели. Когда ему не отдают долг, у него быстро лопается терпение, и тогда Барт снимает с Денни ошейник. И Денни превращается в собаку, в злобного бультерьера, в адскую смесь жестокого зверя и неудержимого боевого киборга.

Нет на свете соперника, равного Денни в поединке. Денни не знает иной жизни, кроме полусонного существования в ошейнике или смертельной битвы без ошейника. Однажды волею судьбы он оказывается в доме, где живут старый слепой пианист Сэм и его приемная дочь Виктория. Денни узнает, что есть иная жизнь, в которой есть чувства, краски, звуки…

Сначала думалось, что будет нечто жестокое. Но жестокости в фильме совсем мало. Разве только моральной… На этот раз у авторов задача была куда сложнее: сделать не только яркие и запоминающиеся экшен-сцены, но и создать правдивый драматический элемент. Лента благополучно вырулила на хороший драматический курс. Есть тайна, поиск, движение, есть жизнь. Жестокая и безжалостная. И в ней человек.

Игра Джета задевает и бередит. Неожиданно пронзительная, эмоциональная, но несколько осторожная, может, даже нерешительная игра. В этом фильме — его лучшая драматическая роль + динамичные французкие экшен-сцены — в итоге получается что-то гораздо большее, чем просто боевик.

Давно известно, что в хорошем экшне должен быть колоритный злодей, которой после просмотра фильма врезается в память чуть ли не больше, чем все остальные персонажи вместе взятые. Дядюшка Барт в исполнении Боба Хоскинса получился жадным, жестоким, циничным сукиным сыном, который благотворит в жизни только одну вещь — деньги, и для того чтобы преумножить свое благосостояние, без раздумий пойдет по трупам. Если Джет играет мимикой, то Боб играет, так сказать, голосом. Его монологи, комментарии, интонации и манера речи достойны всяческой похвалы. А финальный монолог просто блеск. В общем, Боб прекрасно сыграл отъявленного негодяя.

Для создание данной картины был подтянут один из главных и самых необходимых активов для фильмов в подобном жанре — Йюен Во Пинг, известнейший постановщик боевых сцен, поработавший на десятках проектов, как в Азии, так и в Голливуде. Добавьте к этому Джета Ли, который сам может поставить такие сцены драк, что мало не покажется; и Луиса Летеррье, доказавшего «Перевозчиком 2», что он умеет эффектно снимать файтинг-сцены.

В итоге получился взрывоопаснейший коктейль из ураганнейших файтинг-сцен, приправленных саундтреком от самих Massive Attack, которые хочется пересматривать раз за разом. Вдобавок к этому создатели фильма решили оправдать рейтинг R на все сто процентов: поединки сделаны очень жестко.

И еще одно, самое интересное. Развязка: молодой и вспыльчивый парень в сантиметре от убийства главного злодея, а умудренный сединами Фримен пытается его остановить, понимая, что тот сейчас совершит непоправимое. «If you kill him, he will win». ( Если ты убьёшь его, он победит ). Конечно же «Семь»! Думаю не стоит говорить о том, что творится в душе настоящего киномана, когда он вспоминает эти кадры. Но здесь все закончится намного лучше. И за это спасибо.

Интересные факты:

Роль Барта была специально написана для Алберта Финни, но он отказался от нее, для того чтобы сыграть в «Крупной рыбе» (2003). Также эта роль была предложена Энтони Хопкинсу, Майклу Кейну и Брайну Коксу. В итоге, Барта сыграл Боб Хоскинс.

В первом варианте сценария Сэм (Морган Фримен) не был слепым. Но после того как Морган Фримен посетил школу игры на фортепьяно для слепых, он предложил сделать его персонажа слепым, так как, по его мнению, в этом случае Сэму легче «видеть» в Денни ребенка, а не жесткого убийцу.

В фильме присутствует не только самая продолжительная сцена драки с участием Джета Ли в его карьере, но и самая жестокая.

Люк Бессон написал сценарий фильма специально для Джета Ли.

Съемки картины проходили в течение января - мая 2003 года в Глазго (Шотландия) и Норфолке (Англия), также несколько сцен было снято во Франции.

Главная роль первоначально предлагалась Стивену Сигалу.

В процессе съёмок сценарий видоизменялся с учётом пожеланий Моргана Фримена (который иногда даже выводил из себя режиссёра) и Боба Хоскинса.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Как и положено титану шоу бизнеса, престарелый певец Денни Коллинз живёт в шикарном особняке с нимфеткой втрое младше себя в качестве жены, колесит по миру, исполняя незатейливые песенки, да устраивает вечеринки-оргии с огромным количеством кокаина и спиртного. Казалось бы, чем не жизнь - живи да радуйся. Однако Денни называет свою жизнь на протяжении последних сорока лет «творческим кризисом». Шанс на выход из него Денни видит в письме, написанном лично ему Джоном Ленноном тридцать четыре года назад, когда дебютный альбом Денни буквально разорвал Америку. И Денни решается в корне поменять свою жизнь…

«Денни Коллинз», режиссёрский дебют явно не бесталанного сценариста Дэна Фогельмана, знакомого, прежде всего как автор или соавтор сценария диснеевских блокбастеров «Вольт», «Тачки» и « Рапунцель», начинается со слов «Основано на как бы реальной истории». Сценарист собственной картины Фогельман не покривил душой: в основу фильма положена реальная история американского музыканта Стива Тилстона, получившего письмо от Джона Леннона спустя тридцать четыре года после отправки, и благодаря ему на корню поменявшего не только музыкальную карьеру, но и собственную жизнь. Ухватившись за этот факт, как за шанс снять крепкое кино на вечную тему об обретении себя и переосмыслении уже, казалось бы, сложившихся жизненных принципов, Фогельман явил миру кинематографическую версию той самой реальной истории…

Безусловно, фильм «Денни Коллинз» имеет шикарную стартовую площадку. Реальная история певца Стива Тилстона, получившего письмо от Леннона спустя 34 года после его отправки, действительно впечатляет. Тут поневоле задумаешься о том, что если бы… Тут есть и повод оценить пройденный путь, и желание вернуть что-то, а что-то успеть повторить, и вполне очевидная причина задуматься о своем сегодняшнем положении. Фильм Фогельмана о том, что даже очень сильная мотивация не поможет поменять все и сразу. Но кое-что поменять можно, была бы эта самая мотивация. Но, в отличие от реального прототипа, письмо подвигло Денни Коллинза на не самые очевидные свершения. На том месте, где реальная история заканчивается и начинается выдумка авторов, из фильма вылезает высосанный из пальца драматизм и плохо скрываемый пафос.

Если принять за отправную точку эксцентричность главного героя, то кажется, что так и должно быть, во всем должен быть перегиб и злоупотребление, но беда в том, что эксцентричен Коллинз только на словах, в жизни это вполне обаятельный старикан, которому по большому счету письмо уже было ни к чему, ему просто нужно было чуть-чуть затормозить и оглянуться вокруг. Переворачивать все с ног на голову не обязательно, иногда достаточно легкого тюнинга.

Раз уж мы заговорили о главном герое, то нужно отдельно отметить работу Аль Пачино. «Денни Коллинз» для Пачино – родная стихия. Здесь не нужно валять дурака, достаточно легкого юмора; не нужно выпрыгивать из штанов, лишь слегка флиртовать; не нужно стрелять и изображать крутизну, Пачино играет едва ли не самого себя – выходящего в тираж любимого публикой артиста. Оттого и выглядит актер здесь крайне уместно и органично. Да и фон помогает – очаровательная и неприступная Аннетт Бенинг, неожиданно мягкий Бобби Каннавале, шикарный Кристофер Пламмер - тоже на месте, а ему вообще аж 85. Идеальное стечение актерских работ.

«Денни Коллинз» не то чтобы открывает новые территории в романтической комедии. Картина, по сути, является набором мелодраматических штампов, которых можно насмотреться в других фильмах: тут есть и измена молодой жены, и давно потерянный сын, и страшная болезнь, угрожающая жизни, и милейшая рабочая семья с очаровательной девочкой, которую никак нельзя оставить без отца. Флирт, который Денни разводит с менеджером гостиницы, — это вообще чистой воды шаблон. Но в этих обыгранных клишированных ходах и заключается особое обаяние картины. Пачино и все остальные актеры делают все возможное, чтобы вдохнуть в конструкцию жизнь и смак. Наблюдать за актерами, добавляющими глубины схематичным ролям, реально увлекательно.

Но, увы, даже актеры не могут оттенить фальшивый блеск истории, придуманной Фогельманом в довесок к реальному случаю с письмом. Автор перегнул с сантиментами и из оригинального начала завел в скучный, предсказуемый финал, после которого письмо теряет смысл. Ирония судьбы с посланием Джона Леннона – достаточно интересная история сама по себе, и добавлять к ней «рюшечки» оказалось убийственной задумкой. По крайней мере, Фогельману не удалось придумать достойное развитие событий.

А вообще, «Денни Коллинз» с девятью песнями Леннона на саундтреке (когда еще послушаешь!) — это очень душевный фильм, наполненный как лирическими и забавными моментами, так и драматичными и своего рода философскими поворотами. Фильм, который, как и письмо Джона Леннона, можно воспринимать как роскошный дар.

Интересные факты:

Концертные кадры Денни Коллинза в начале фильма были сняты на концерте группы Chicago в Лос-Анджелесе.

Первоначально роли в фильме должны были получить Джулианна Мур и Джереми Реннер, но после проблем с финансированием вместо них взяли Аннетт Бенинг и Бобби Каннавале.

До 2011 года фильмом занималась студия Warner Bros, а на главную роль рассматривался Стив Карелл.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
В основу сюжета положен одноименный роман Николаса Спаркса, автора литературных бестселлеров, чье сотрудничество с Голливудом можно назвать успешным: фильмы «Спеши любить» и «Послание в бутылке», поставленные по мотивам его произведений, стали хитами.

В «Дневнике памяти» рассказана история настоящей любви, преодолевшей время и препятствия, но так и оставшейся несбыточной мечтой. Действие фильма начинается в доме для престарелых. Одну из пациенток (Джина Роулэндс) часто навещает странный посетитель. Этот немолодой чудак читает больной женщине историю давней любви, почерпнутую из потрепанного дневника. Написанные кем-то слова едва ли проникают в затуманенное сознание старушки.

И лишь спустя время мы понимаем, что это чтение – не бессмысленная блажь безумного старика. В этом дневнике описана их собственная молодость: первая любовь, единственное счастливое лето, проведенное вместе. После этого их разлучают сперва родители, затем Вторая мировая война. Каждый проживает собственную жизнь, но судьба вновь сводит их – пусть и на пороге вечности. Такая вот качественная «слезовыжималка» от лучших производителей.

Интересные факты:

Фильм снят по мотивам романа Николаса Спаркса «Дневник памяти» (The Notebook, 1996), ставшего бестселлером в первую же неделю продаж.

Лента должна была выйти в прокат осенью 2003. Однако New Line Cinema перенесла релиз сначала на весну 2004, а потом на 25 июня того же года.

«Дневник памяти» — один из многочисленных проектов, до которых не дошли руки у Стивена Спилберга. Также режиссером картины мог стать Мартин Кэмпбелл.

Сыгравшая пожилую Элли Нелсон актриса Джина Роулэндс — мать режиссера Ника Кассаветеса.

Фильм был в разработке на New Line с 1995, и тогда предполагалось, что главной его звездой станет Том Круз. В 1999 студия подошла буквально вплотную к производству с режиссером Джимом Шериданом и еще слабо раскрученной Эшли Джадд в роли молодой героини. Кроме того, роли старого и молодого возлюбленного Элли предлагались Роберту Дювалю и Мэтту Деймону.

Джастин Тимберлейк рассматривался в качестве кандидата на роль Ноя.

Съемки фильма проходили в Южной Каролине с ноября 2002 года по февраль 2003.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
«Достучаться до небес» - один из самых потрясающих, блистательнейших и прекрасных фильмов ХХ века. Десять лет назад в центральной Европе создали шедевр, в котором просто и ненапыщенно говорят о великом, спокойно и с улыбкой рассуждают о смерти, непринужденно и раскованно болтают о смысле жизни.

Что такое жизнь? Почему мы просто не можем быть собой? Почему мы можем воплощать свои мечты только тогда когда нам нечего терять? Почему мы не можем жить так будто каждый день последний? Почему нельзя просто радоваться жизни? Радоваться закату, радоваться воде, радоваться небу над головой. Почему для того, что бы увидеть всю красоту окружающего мира, мы должны сначала все потерять… Глупые вопросы… Вопросы на которые не возможно дать ответ… Да впрочем и не нужно…

А мечты… Мечты, они такие близкие, такие реальные… Их так легко исполнить… А смерть… Смерть может быть с улыбкой на глазах. Ведь умирать совсем не страшно… Совсем не страшно умирать, когда знаешь, что все что ты хотел сделать в этой жизни, ты сделал…

«Бояться – глупо» - главная фраза фильма «Достучаться до небес». Действительно, чего бояться? Смерти? Ведь она все равно неизбежна, лишь вопрос: когда? А что если тебе осталось жить только три дня? Будешь оплакивать себя, бессмысленно молиться Богу или попробуешь осуществить свою мечту?

Сюжет не поражает замысловатостью или оригинальностью, но он увлекает с первых кадров. История двух смертельно больных молодых людей, решивших перед смертью немного пожить по настоящему, не дает сверхбольших авансов. Но в итоге мы получаем не просто развлекательный остросюжетный фильмец об оттягивающихся на всю катушку парнях, а мощную философскую драму. Создатели впихнули в стандартные полтора часа столько чувств и мыслей, что с лихвой хватило минут на сто восемьдесят. Все это замешено в бешенный круговорот действия и движения, что все глубокомысленные изречения просто удивляют своей простотой и естественностью.

Но как бы идеален не был сюжет и диалоги, картина не смотрелась бы так здорово, если бы не исполнители главных ролей. Тиль Швайгер и Ян Йозеф Лиферс настолько четко и душевно «прожили» своих персонажей, что не влюбиться в них невозможно. К концовке ленты они становятся настолько родными и своими, что не верится, что все происходящее – лишь картинка на экране. Нет, это не так. Это жизнь, и актеры воплощают ее через свои шутки, слезы, страхи, сомнения, мысли, желания. Все это сыгранно настолько качественно и правдиво, что в концовке, когда персонажи выходят к аллее, ведущей к морю, на глазах наворачиваются слезы.

И наворачиваются они, что самое главное, не только из-за простого человеческого сожаления к героям, и не только из-за душераздирающей трагической концовки. А еще и из-за чудовищной обиды. Почему мы, люди, такие глупые? Почему нас надо загнать в угол, чтобы заставить двигаться? Почему надо перекрыть кислород, чтобы потребовалось дышать? Почему надо выписать смертельный диагноз, чтобы хотелось жить? Сколько всегда нытья и стонов: жизнь – дерьмо, лучше застрелиться, я никому не нужен… Сколько таких бредней мы изрыгаем за свою жизнь? Сколько бессмысленного заполнителя мы впрыскиваем в пустые ниши наших жизней, сколько времени теряем зря, сколько растрачиваемся попусту? Почему мы не ценим этот великий дар – жизнь, ни по секундам, ни целиком?

Великолепная режиссура Томаса Жана, гениальная и такая настоящая игра Тиля Швайгера и Ян Йозеф Лиферса, потрясающий эпизод Рутгера Хауэра, ну, и, конечно, пробирающая до мозга костей совершенная идеально подобранная музыка… Шедевр.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Новый фильм Кристофера Нолана посвящен Дюнкиркской операции – эвакуации морем британских, французских и бельгийских войск, блокированных немцами у города Дюнкирк в 1940 году. История эвакуации солдат - союзников из окруженного немцами французского городка Дюнкирк поначалу кажется типичным голливудским фильмом о войне. Главные герои — англичанин и француз — пытаются попасть на один из кораблей, отправляющихся в Англию. Но эсминцев слишком мало (Черчилль бережет силы, предвидя вторжение фашистов на остров), а гитлеровские самолеты осыпают побережье бомбами. Стрельба, взрывы, крики и нервная музыка Ханса Циммера нагнетают напряжение.

Затаив дыхание, зритель ждет скорого окончания или хотя бы паузы в зубодробительном экшене, после которого по логике должна следовать романтическая история, беседы героев по душам или сцены мирной жизни — просто для контраста. Но режиссер и не думает снижать накал военных страстей: в небе сражаются истребители, корабли один за другим тонут...

Нарастающее ощущение, что «чего-то в супе не хватает», где-то через час экранного времени сменяется пониманием авторской идеи: отказаться от привычных компонентов киноповествования и сосредоточиться на отчаянной попытке спасения. Война, по Нолану, — животный страх и стремление выжить. Всё остальное несущественно.

С нашей стороны события конца мая - начала июня 1940-го кажутся трусливым бегством, для англичан же это счастливое чудо, когда практически все сухопутные войска целой страны могли разом погибнуть, но не погибли. Нолану удалось снять фильм так, чтобы отступление выглядело победой, как о нём и отозвался в 1940 году Уинстон Черчилль в своей речи "Мы будем сражаться на пляжах".

Зрителю вряд ли удастся запомнить имена героев. Немецких солдат и вовсе не видно: враг предельно обезличен. Это противоборство даже не «хороших наших» и «плохих чужих», а просто Человека и Смерти. Причем Нолан не пытается усилить сострадание, очеловечив героев какими-то личными подробностями. Наоборот, заставляет нас переживать за них уже потому, что это живые люди. У персонажей нет предыстории, нет характеров, но зритель все равно переживает за судьбу героев до самого конца. Можно посетовать, что персонажи в фильме не прописаны, что у талантливых Марка Райлэнса и Киллиана Мерфи так мало материала для работы, что Том Харди, наконец, большую часть фильма прячет лицо под кислородной маской, словно Бэйн из другого фильма Нолана. Но про всё это во время просмотра думаешь в последнюю очередь.

Кажется, «Дюнкирк» снят вопреки всем драматургическим законам. Здесь даже явной кульминации нет, поскольку кульминационным можно считать практически каждый момент. Да и диалоги, надо полагать, уместились бы на одной странице — за исключением пары пафосных сентенций в течение двухчасовой ленты персонажи выкрикивают лишь простейшие фразы, связанные с процессом эвакуации.

Но вот парадокс: все недостатки «Дюнкирка» можно расценить одновременно и как его достоинства. И главное из них — попытка сделать нечто отличное от того, к чему мы привыкли в военном кино, показать войну не как увлекательную историю, а как патовую ситуацию: ад на земле, воде и в небе. И в конечном счете впечатляет именно эта идея, а не то, как фильм снят и сыгран.

Впрочем, за то, как кино снято, оно заслуживает отдельной похвалы. Меняющиеся местами небесная и водяная гладь, наплывающая откуда-то сбоку палуба тонущего судна, захватывающий дух простор и вызывающие клаустрофобию трюмы – работа оператора Хойте Ван Хойтекма («Впусти меня», «Шпион, выйди вон!») действительно завораживает. Режиссер постарался свести CGI к минимуму, снимая настоящие самолеты и корабли, в том числе и те, которые помогали при реальной Дюнкиркской операции, и из-за этого фильм смотрится максимально реалистично.

Как и полагается большому художнику, Нолан готов поставить на карту свою репутацию сверхприбыльного режиссера ради дерзкого кинематографического эксперимента. Хотя, кто знает, может, и на этот раз он выйдет победителем по всем фронтам.

Интересные факты:

Первый фильм Кристофера Нолана, снятый на основе исторических событий. До сих пор он снимал исключительно по оригинальным сценариям, делал ремейки и экранизации романов и комиксов.

После драмы Пола Томаса Андерсона «Мастер» (2012) и вестерна Квентина Тарантино «Омерзительная восьмёрка» (2015), «Дюнкирк» — третий крупный кинематографический проект десятилетия, снятый в основном на 70 мм плёнку и демонстрированный в этом же формате.

Пока съёмки проходили на искусственном пресном озере Эйсселмер в центральной части Нидерландов, актёры и съёмочная группа проживали в Урке, это посёлок и община в провинции Флеволанд.

Третий фильм Кристофера Нолана, сценарий к которому он написал сам, после картин «Преследование» (1999) и «Начало» (2010).

Во избежание использования компьютерной графики отдел реквизита заготовил картонные контуры солдат и машин, которые помещались как можно дальше от камеры, но прекрасно усиливали впечатление огромных размеров попавших в западню войск союзников.

За работу над фильмом Кристофер Нолан получил $20 миллионов плюс 20% от сборов. Это самая значительная сумма, выплаченная когда-либо режиссёру. Первым такую сумму получил Питер Джексон за фильм «Кинг Конг» (2005).

Кинематографический дебют Гарри Стайлса из бой-бэнда One Direction.

На съёмочной площадке постоянно дежурил телохранитель Гарри Стайлса, чтобы, если понадобится, ограждать его от поклонниц.

В фильме «Дюнкирк» с Кристофером Ноланом снова работали Ханс Циммер (композитор), Хойте ван Хойтема (оператор), Нэйтан Краули (художник-постановщик), Джон Папсидера (ассистент, ведающий подбором актёрского состава), а также актёры Том Харди и Киллиан Мёрфи. Многие члены съёмочной группы непрерывно работали с Ноланом ещё с трилогии «Тёмный рыцарь» (2005, 2008, 2012), а Хойтема — с фильма «Интерстеллар» (2014).

Диалоги в фильме сведены к минимуму. Готовясь к съёмкам, Кристофер Нолан пересмотрел массу немых фильмов, чтобы понять, как классики кинематографа показывали массовые сцены, — в частности, «Алчность» (1924) Эриха фон Штрогейма, «Нетерпимость» (1916) Дэвида Уорка Гриффита и «Восход солнца» (1927) Фридриха Вильгельма Мурнау.

Стремясь достичь как можно большей достоверности, Кристофер Нолан устанавливал камеры на кабины и крылья истребителей и отправлял операторов в воду вместе с актёрами.

В съёмках принимали участие почти 6000 статистов.

В роли истребителя Spitfire выступил советский спортивно-тренировочный двухместный самолёт «Як-52». Его модифицировали таким образом, чтобы актёр и пилот могли меняться местами в зависимости от того, какой эпизод снимается.

Вместо настоящих пикирующих бомбардировщиков Junkers Ju 87 и бомбардировщика Heinkel He 111 использовались их радиоуправляемые модели, как и для других самолетов в сценах их падения / приводнения.

Первый блокбастер Кристофера Нолана, снятый на сумму менее 100 миллионов долларов. По словам продюсера Эммы Томас, они намеренно ограничили себя в бюджете, понимая экспериментальную природу сценария фильма, который почти полностью состоял из одного действия и в котором было очень мало реплик у персонажей.

Кристофер Нолан решил использовать в сцене морского боя настоящие эсминцы, а не прибегать к компьютерной графике.

В эпизоде эвакуации 333000 солдат союзных армий использовали 1500 статистов, подъёмный кран и огнемёт.

В некоторых сценах фильма на заднем плане видны две сохранившиеся с тех врёмен рыболовные шхуны — UK12 и UK114. В данном случае буквы означают не Великобританию, как можно себе представить. Это голландский буквенный код, обозначающий Урк, посёлок, рядом с которым проходили съёмки.

Прототипом героя Марка Райлэнса (капитана яхты), по всей видимости, был Чарльз Лайтоллер (1874-1952), наиболее известный как второй помощник капитана «Титаника». Во время операции «Динамо» Лайтоллер вместе с сыном и юнгой вышел в Дюнкерк на своей яхте и вывез оттуда 130 человек. Один из пяти детей Лайтоллера так же был летчиком, он погиб в первый день войны, у старшего сына персонажа Райлэнса схожая судьба.

Для съёмки сцен воздушного боя в кабину одного из трёх снимавшихся в картине самолётов «Спитфайр» была установлена камера IMAX, что было непросто, учитывая её вес и габариты.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Этот американо-французский фильм стоимостью $85 млн. плохо прошёл в кинотеатрах США и не так успешно, как ожидалось, на родине Орлеанской Девы, а в итоге не окупил себя даже в мировом прокате. Что, впрочем, неудивительно, поскольку в картине Люка Бессона нет, прежде всего, убедительной концепции в трактовке образа Жанны Д’Арк. Повествование произвольно распадается на несколько частей — от патриотически-олеографической в начале ленты до богоборческой в финале. Смелая воительница, преданная своим королём, словно героиня бессоновской же «Никиты» — спецслужбами, грубо использовавшими её, она переходит от общения с Богом к разговорам с Совестью (которую почему-то хочется принять за Дьявола), в чьём обличье предстаёт прославленный американский актёр Дастин Хоффман.

Жанна Д’Арк — ещё один великий герой истории, великий военачальник, освободивший свою страну и погибший из-за вероломства королей, женщина, которой подчинялись тысячи мужчин и в которую верил народ. Вся информация о ней в основном сводится к её краткой биографии о том, где она родилась, когда её стали посещать видения, к военным победам, которые одержала французская армия, находясь под её командованием, и к её инквизиционному процессу. Многое о Жанне не известно точно, но ясно, что это была великая и легендарная личность.

На первый взгляд кажется, что «Жанна Д’Арк» Люка Бессона должна быть шедевром. Интересная историческая тема фильма, легендарная личность в центре событий, сражения, драматический финал, средневековые доспехи и костюмы, отличные актёрские работы Джона Малковича, Фэй Данауэй, Венсана Касселя, прекрасная музыка… И вроде бы всё хорошо, бесталанностью ниоткуда и ни от кого не несёт, только присутствует небольшая растянутость в первой половине фильма и некоторая сумбурность во второй. Однако камнем преткновения и главной бедой фильма стала сама главная героиня и то, как её здесь показали.

Мила показала Жанну как натуру порывистую, в чём-то непоследовательную, порой — излишне самоуверенную, а иногда, наоборот — не знающую точно, что и зачем она делает. Ей придали слишком много человеческого, практически полностью лишив ореола сказочного, легендарного героизма. И с одной стороны — это хорошо, она становится ближе и понятнее. Но ведь легендарная личность на то и зовётся «легендой», что она не такая как все, исключительная, великая. Вот этого самого Величия и Силы в героине Милы так и не удалось увидеть.

Жанна — посланница бога, что подразумевает, что в её образе должно быть нечто божественное, чистое, нежное, смиренное, скромное, сдержанное, хотя выход эмоций в тяжёлых ситуациях не исключается. Лицо же Миллы Йовович, обрамлённое короткой стрижкой, выглядит слишком мужским, жёстким и суровым. Её взгляд слишком агрессивен, и вечно вытаращенные глаза делают её больше похожей не на посланницу бога, а на посланницу дьявола.

Так же божественный образ не выражается и в её характере. Жанна Йовович взбалмошная, упрямая, заносчивая, надменная и жестокая девица, которая считает своим долгом прогнать англичан из Франции, отомстив тем самым за свою семью. По фильму создаётся впечатление, что она не выполняет свою божественную миссию, о какой напоминают лишь её слова, не подтверждающиеся на деле, а свершает отмщение. Её поведение на суде кажется не более чем простым упрямством.

Слишком двояко показана личность Жанны в фильме. То она поднимает боевой дух солдат перед битвой, то сомневается в своих поступках, то бесстрашна и горда, то до жути запугана, то уверена в своих видениях и своём предназначении, то ей это кажется плодом своего воображения. У неё нет определённости в своих мыслях, целях и действиях: то она жалеет о совершённых убийствах и говорит об их непозволительности, то заявляет, что по-другому и быть не может, и к наступлению на Париж превращается в одержимую вражеской кровью, то воюет во имя бога, то ради себя. Судя по этому, нетрудно предположить, что режиссёр хотел сделать образ великой девы более человечным и многогранным.

По фильму Жанна кажется просто импульсивной неугомонной девицей с шилом в одном месте, а мужчины на фоне неё — безвольными слабаками, которые этой девице тупо подчиняются. Она приехала во дворец дофина, переполошила всю его армию и повела её в атаку на англичан, а армия пошла за ней, потому что у них обязанность такая — идти туда, куда тебя ведут. Но учитывая быт и нравы того времени, можно предположить, что вот так просто армия не могла сразу же пойти за ней, в момент поборов свою гордость лишь потому, что она подстриглась как мужчина, сражаться под её руководством и тяжело переживать её ранение.

В ней должно было быть нечто такое великое и святое, отчего солдаты уверовали в неё, полюбили её, отчего признали её главенство над всеми ними, усмирили свою мужскую гордость и пошли за ней, при этом по собственной воле желая за ней идти, считая её своим священным покровителем и талисманом. И вот этот значимый момент как раз был пропущен Бессоном так же, как и не менее важный моральный подъём почти что окончательно поверженной армии оттого, что к ним прибыла посланница бога, который послужил главной действующей силой для признания Жанны её лидером и покровительницей. Но про это в фильме лишь говорится недолжным образом.

А ведь, возможно, что её истинная заслуга именно в этом заключалась — в том, что Жанна вселила в солдат веру в собственные силы и надежду на то, что они ещё не до конца повержены и еще могут победить. И опасения англичан относительно того, что пока Жанна жива, Франция будет выигрывать, из-за которых как раз Жанну и сожгли, тоже плохо обыграны. Не показан надлежащим образом страх англичан перед её личностью, и от этого оказывается утерянной еще часть её образа.

По ходу картины так и кажется, что Бессон старается показать, насколько Жанна сомнительна в своей божественной миссии. Фраза монаха маленькой Жанне «Возможно, бог решил возложить на тебя какую-то великую миссию» лишь создаёт основу для того, чтобы считать Жанну сумасшедшей барышней, возомнившей из себя слишком многое. В её видениях нет ничего, что указывало бы на её предназначение спасти Францию, из-за чего опять возникают подозрения, а с чего она взяла, что она должна ехать к дофину и просить себе армию для снятия осады с Орлеана. Фраза военного «Она послана богом, но почему тогда он позволил, чтобы её ранили? Наверное, стоит задуматься, а бог ли её послал» еще больше склоняет зрителя в сторону сомнения. А лицо являвшегося Жанне в видениях пророка, залитое кровью, вообще выставляет Орлеанскую Девственницу неразумной девушкой, в которую вселился злой бес, и из-за этого не понимающей, что она творит.

И вот такой была Жанна Д’Арк? Жанна не похожа на настоящую? А какой была настоящая? Правильно говорят, что Жанна д`Арк — это самая известная женщина, которою знают все, но о которой не знают ничего. Факты ее биографии не смотря на свою объективную распространенность изобилуют белыми пятнами, что позволяет режиссерам, писателям и художникам по разному интерпретировать эту историю. Есть такое право и у Бессона. Тем не менее, режиссер явно следовал определенным историческим фактам не углубляясь чрезмерно в дебри вольного фантазирования и домысливания, за что ему отдельная благодарность.

Хотя Бессон представил свою героиню не в типичном для обывателя образе, тем не менее Жанна в его истории получилась довольно живой. Она, то ли святая, то ли безумная, а возможно и то, и другое вместе (не зря говорят, что Господь любит безумцев) — каждый зритель по ходу повествования решал это для себя. Что в начале могло представиться божественным вмешательством, в конце превращалось то ли в дьявольское наущение, то ли в больные фантазии фанатичной девушки, пережившей страшные потрясения. Сквозь красивые съемки, эпичные сражения и исторические события режиссер приводит нас к трагедии личности самой Жанны.

Почему же критики не упускают случай, чтобы не обругать фильм? Всё дело в непонятой многими теме. Фильм не о Жанне, не о Франции, а о религии, безумии порождаемом ею, шаткости веры и её символов. Крест в начале, как судьба и в финале как проклятье. Как смерть за родину пытавшую тебя всю жизнь. На протяжении всего действия лишь один действительно верующий священник, который хоть и был свидетелем истинного чуда обновления волшебного елея Хлодвига, принесённого вторично, практически такой же голубкой, как и в первый раз. И он один понимает, что царь то — не настоящий. (А может ли быть настоящим помазанник божий при условии отсутствия бога?).

Фильм слишком глубок для большинства. Его зритель - это верующий, ну, или знающий, хотя бы, основы Евангелия, т. к. иначе вообще не понятно зачем там так много Д. Хоффмана, да и сама Жанна покажется с большим «приветом», выглядящая как современная психованная девица, которая накололась до одури и отправилась с воинственными криками на поле брани.

Вторая часть фильма с самокопаниями и Д. Хоффманом необходима для оправдания отречения героини. Ведь она отреклась от сделанных подвигов, как божьего промысла, и признала их ересь, когда поняла, что ее не спасут и действительно сожгут, когда ее поставили на костер и она поняла, что жутчайшая из смертей неминуема. И тут, по-моему, мастерская режиссура. Жанна, никем непоставленная в тупик на допросах, «отбрившая» все «заковыки» церковников, а свой собственный допрос оказался самым пристрастным. Не всем, к сожалению, это понять…

Интересные факты:

Жильс де Райс (герой Венсана Касселя) был реальным человеком, который после войны и смерти Жанны вернулся на свои земли. Спустя года, он был арестован по обвинению в убийствах более, чем ста молодых мальчиков и казнён. Некоторые историки верят, что его преступления стали основой для французской сказки «Синяя Борода» о человеке, что убивал своих жён и прятал их тела в его огромном доме.

Кэтрин Бигелоу отказалась от участия в фильме, когда Люк Бессон настоял, чтобы Мила Йовович, его жена на тот момент, сыграла главную роль.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
"Жизнь Пи" - новая картина Энга Ли - прежде всего визуальный шедевр, но к финалу выяснится, что она окажется еще и выдающимся духовным опытом, адресованным, как умная сказка, всем возрастам сразу.

Фильм начинается как захватывающая семейная драма. Она так содержательна, живописна и во всех отношениях самодостаточна, что сама по себе могла бы быть полноценным фильмом. Но оказывается только преамбулой к еще более захватывающему приключению, в котором фантазийные традиции Дефо и Распе причудливо перетекают в сюрреалистические видения, достойные кисти раннего Дали.

Фильм снят по мотивам книги канадского автора Янна Мартеля, но несомненно является самостоятельным авторским творением Энга Ли, плодом его философско-поэтической фантазии. Мальчуган Пи, детство которого прошло под аккомпанемент насмешек его сверстников, но проявивший незаурядный интеллект и обладающий незаурядной памятью, пытается постичь окружающий его мир на духовном уровне. Его интересуют сразу все религии мира, и он хочет ощутить присутствие Бога - вне конфессий, общечеловеческого. Хочет понять, почему мы нужны Богу, и зачем Бог нужен человеку. И нужен ли. Отец и мать ему втолковывают, что любая религия - мрак, что наука за считанные десятилетия дала человечеству больше знаний о мире, чем все тысячелетние религии, вместе взятые. Он и это принимает во внимание, но решит все сам.

Семья содержит в Пондишери небольшой зоопарк, но хочет покинуть Индию и начать новую жизнь в Канаде. И вот на грузовом судне в страну обетованную плывут зебры, обезьяны, жирафы, бенгальский тигр с человечьим именем Ричард Паркер. Разразилась буря, судно тонет, в шлюпке среди океана оказываются Пи, орангутанг, зебра, гиена и тигр. Здесь впервые по ходу абсолютно реалистического фильма закрадывается подозрение, что с этой минуты в действие ворвалась фантазия. С первого кадра, с первых титров эта картина погружает вас в некое магическое поле, но здесь ее магия становится все более гипнотической.

Все остальное действие - дрейф мальчика в компании с тигром по бесконечному космосу, где уже нельзя понять, где океан, а где небо. И это теперь история того, как два заброшенных в космос существа пытаются не только выжить, но и наладить друг с другом взаимоотношения. При этом автор не поддается соблазну перевести рассказ в регистр диснеевских сказок, где все тигры добродушны и более человечны, чем сам человек. В "Жизни Пи" это игра на грани выживания, нескончаемый поединок за обладание скудной, на двоих, территорией, смертельная схватка двух существ. То, как проводит эти трудные сцены подросток Сурадж Шарма, вызывает восторг, но совсем фантастичны кадры с тигром - существом принципиально иной природы, но точно так же способным чувствовать боль, ужас, тоску, одиночество, и так же нуждающимся в понимании.

Картина завораживает мощью природных явлений. Шторм и катастрофа судна показаны на уровне шекспировской трагедии, где восторг перед силой и красотой разбушевавшейся природы смешан с ужасом. Гуляющие в прозрачных глубинах тени огромных рыбин, или проносящийся мимо лодки смерч летучих рыб, или сказочный остров-людоед, населенный полчищами сурикатов, - все это теперь создания чистой поэзии, уже не отягощенной ни реализмом, ни прагматикой. Логически это легко объяснить галлюцинациями изнуренного Пи, но финал картины все расставит по своим местам. В нем, уже без режиссерских и операторских затей, нам будут предложены две версии происшедшего: одна - совершенно реалистическая, безжалостная по отношению к людской природе, но способная удовлетворить прагматика, и вторая - вот как раз та пантеистическая версия мира, которая величественно прошла перед нами за два часа невероятного приключения. Нам нужно выбрать, и я еще не встречал в кино более внятного объяснения сущности и предназначения Бога, его роли в жизни верующего человека. Это объяснение способно примирить любые споры насчет существования высших сил и высшего разума, потому что переводит все это в регистр высокой, в самой своей сути одухотворенной и потому в каждом живущей поэзии.

У фильма Энга Ли много источников - в нем можно услышать отзвуки всего огромного пласта пантеистического искусства, от истории хэмингуэевской Большой Рыбы до звукоживописной вселенной Малера. Его натурфилософский посыл претворен в панораму ошеломляющих кадров-картин, где невозможно разграничить реальность и фантазию художника. Я не заметил в огромном фильме ни одного образа, который был бы просто эффектным, - всё содержательно, всё на микрон, но целенаправленно продвигает нас к постижению главного смысла картины. Становится понятно, зачем авторам понадобилась именно Индия, и почему они мимолетно, но подробно посвящают нас то в мировоззренческие споры в семье Пи, то в таинства ритуальных танцев, то в рекомендации полупародийного учебника по выживанию.

Наконец, после "Аватара" мы еще не видели фильма, где художественное решение целиком лежит в сфере 3D-технологий. Наверное, картину будет интересно смотреть даже по телевизору, но и большой двухмерный экран неспособен передать и половину той магии и тех смыслов, которые заключены в пространственных объемах фильма, в этом молчаливом зависании кинозала посреди мирового космоса, в грозном разгуле стихий, в остервенелом перекате волн. "Жизнь Пи" вкупе с "Аватаром" доказывают, что в руках большого художника слегка уже поднадоевший технический аттракцион претворяется в искусство - в тот новый кинематограф, который, возможно, вскоре станет единственно возможным.

Интересные факты:

Опубликованный в 2001 году бестселлер Янна Мартела (Yann Martel) получил Букеровскую премию, но считался непригодным для экранизации - из-за мощного аллегорического подтекста, а также прежде всего из-за того, что большую часть времени в центре внимания находятся мальчик и тигр, которых 227 долгих дней носит по волнам Тихого океана. Энгу Ли (Ang Lee) вместе со сценаристом Дэвидом Мэги (David Magee) удалось раскрыть изначальную кинематографичность книги, и яркие мартелловские описания дикой природы превратились в пиршество для глаз.

Энг Ли вместе с оператором Клаудио Мирандой (Claudio Miranda) подошли к съемкам не менее самоотверженно: они вели съемки в самом большом в мире искусственном бассейне с генератором волн, рассчитанном на 6,5 млн литров, и смогли превратить визуальные ограничения в достоинства.

Тигр Ричард Паркер создан практически целиком с помощью компьютерной графики и сочетает в себе черты четырех настоящих бенгальских тигров.

Персонаж Пи, которого сыграл актер Сурадж Шарма, на самом деле никогда не был в лодке с живым тигром. В большинстве сцен тигр был сделан при помощи технологий компьютерной графики, и лишь некоторые сцены, как те, где тигр плавает в воде, были сняты с по-настоящему.

В какой-то момент к проекту был приписан М. Найт Шьямалан в качестве сценариста и режиссера. Также режиссерами фильма могли стать Альфонсо Куарон и Жан-Пьер Жёне.

Эндрю Гарфилд рассматривался на роль, которая досталась Тоби Магуайру. Но хотя все сцены с его участием были отсняты, Магуайра заменили Рейфом Споллом, потому что режиссер посчитал, что Магуайр слишком известен для такой маленькой роли.

Как и в оригинальном романе, название японского судна — «Цимцум» (Tsimtsum). Это на самом деле еврейское слово, которое в 16-ом веке использовал каббалист Ицхак Лурия для обозначения процесса сжатия бесконечного Бога, в результате которого образуется пустое пространство. В романе взрослый Пи упоминает диссертацию по идеям Лурия о создании. В фильме он просто упоминает преподавание курса по каббале, не ссылаясь конкретно на Лурию.

Персонаж Писин Молитор Патель (Пи) был назван в честь бассейна (Piscine Molitor) во Франции. Он находится рядом с парком «Булонский лес», между стадионами «Ролан Гаррос» и «Парк де Пренс». Этот бассейн был классифицирован как французский исторический памятник 27 марта 1990 года, после того как в 1989 году его закрыли.

Янн Мартел, автор книги, заявил, что вдохновение для написания романа пришло к нему предположительно после прочтения книги бразильского автора Моасира Скляра «Макс и семейство кошачьих» (1981), которая рассказывает о еврейско-немецком беженце, пересекшем Атлантический океан на одном судне вместе с ягуаром.

Изначально даже не предполагалось, что актер Сурадж Шарма будет проходить прослушивание, он просто подыгрывал своему брату на кастинге. В конечном итоге команда Энга Ли выбрала его из более чем 3,000 претендентов на главную роль.

Второй фильм 2012 года с участием Ирфана Кхана, в котором есть персонаж по имени «Ричард Паркер». Первый — «Новый Человек-паук» (2012).

Когда взрослый Пи и писатель разговаривают, сидя перед монреальской гаванью, можно заметить корабль под названием Mignonette. Это название яхты, участвующей в событиях «R v Dudley and Stephens» (известная английская криминальная история). Из этого дела Янн Мартел и взял имя Ричарда Паркера.

Табу и Ирфан Кхан, которые снимались в роли матери и сына в этом фильме, ранее снимались в роли мужа и жены в фильме «Тезки» (2006).

Есть ряд странных совпадений с именем Ричарда Паркера: в книге Эдгара Аллана По «Повесть о приключениях Артура Гордона Пима», опубликованной в 1838 году, Паркер был моряком, который выжил после крушения его корабля вместе с еще тремя членами команды, но они съели его, чтобы не умереть от голода. В 1884 году корабль под названием Mignorette затонул в океане, и только четыре человека спаслись, среди них был юнга по имени Ричард Паркер, которого впоследствии убили и съели трое других выживших. Янн Мартел, автор романа «Жизнь Пи», назвал бенгальского тигра «Ричардом Паркером», отталкиваясь от этих событий.

Ближе к концу истории Пи упоминает, что «плотоядный остров» больше никогда не видели, и это привносит некоторые сомнения в версию истории с тигром. В начале фильма, когда Пи рассказывает писателю про Вишну, он говорит: «Вишну спит на безбрежных просторах океана, а мы являемся предметами его снов». Остров имел форму Вишну, лежащего на поверхности океана.

Пи назвал своего сына в честь своего брата, Рави.

Когда камера отъезжает, после того как летучая рыба ушла, плота нигде не видно. Однако в следующей сцене он все еще прикреплен к лодке.

Четыре грузовых крана на корабле приведены в рабочий режим. Ни один корабль никогда не выходит в море с кранами в поднятом состоянии, так как это было бы крайне опасно. Краны могут сломаться, поставив под угрозу мореходность судна, и даже привести к гибели всей команды.

Во время шторма спальня Пи и его брата на борту корабля абсолютно неподвижна, чего не может быть с учетом показанных движений корабля.

Когда тигр прыгает обратно в спасательную шлюпку, покидая остров, парус никак не меняет свое положение в ответ на нагрузку от его веса. Мгновение спустя мальчик ступает на то же место, и парус прогибается.

Как только шлюпка причаливает к мексиканскому берегу, тигр прыгает в ближайший пролесок, но песок, на который он прыгает, не разлетается от его лап.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Часто бывает так, что вышедшей из обоймы актер, который всегда считался человеком одного жанра, не может себя найти после того, как любовь к данному жанру спала на нет. Такие ситуации случились практически у всех экшен-героев фильмов из 80-90-х годов. Кто-то подался в политику, кто-то переснимает свои удачные фильмы, кто-то снимается в откровенном и никому не нужном трэше, а кто-то продолжает себя искать, искать как актера, свой образ. В таких вот поисках Жан-Клод Ван Дамм, добрался до драматической роли, т. к. уже никуда не приглашают, решил сняться в фильме про себя.

Бывшая звезда боевиков Жан-Клод Ван Дамм давно погряз во второсортных фильмах: счета, выставляемые адвокатами жены, не оставляют ему выбора. Чтобы выплачивать алименты, Жан-Клод готов играть любые роли. Решив начать жизнь с чистого листа, он отправляется в Брюссель, чтобы восстановить силы в родительском доме. Заскочив по пути на почту, актёр неожиданно оказывается невольным соучастником ограбления. Почуявшие запах жареного СМИ объявляют его организатором преступления…

Фильм в совершенно новом и необычном жанре. Фильм-исповедь о своих ошибках, о том кем актер был и кем он стал. Не сказать, что это подлинный факт биографии, хотя актер играет самого себя, но все же правдивых эпизодов нужно сказать много. Любопытно наблюдать, как Жан-Клод играет самого себя в данной картине, как он действует, мыслит в обычной своей жизни. Это далеко не наигранная история, а нелегкая правда жизни. Картину, более искреннюю чем «JCVD», пока видеть не приходилось. На мой взгляд сыграть самого себя еще сложнее, чем войти в образ киношного героя. Жан-Клод Ван Дамм с такой задачей справился на отлично. Перед нами не какая-то, так называемая звезда, а обычный человек со своими переживаниями и чувствами, который по воле случая оказался, как говорится, не в том месте и в не то время. Поэтому в эпизоде, когда его, как заложника, выводят из здания, он не вырубает преступника ударом ноги, а лишь отталкивает от себя.

Давно нигде не снимавшийся актер предстает перед нами довольно таки постаревшим, переосмыслившим ценности человеком, при этом находящийся в хорошей физической форме и не забывший старых приемов. В фильме проскальзывают монологи Ван Дамма о своем прошлом, настоящем и будущем. В целом в фильме описывается то состояние и души и тела в котором сейчас находится наш герой. Довольно глубокая и самоироничная лента, в которой он задаётся вопросами, а что я собственно сделал в своей жизни хорошего? Чем я могу действительно гордиться? И насколько образ в кино отличается от реального человека. Жан-Клод проходится по основным этапам своей жизни, делая это невероятно правдиво. В каждом слове столько боли, столько искренности. Это сакраментальное извинение актера за свои неудачи, жизненные ошибки, провальные фильмы перед нами, зрителями.

Фильм ЖКВД снят чисто для фанатов и будет интересен всем любителям боевиков 90-ых. Здесь нет драк, взрывов, погонь, крутых парней, красивых женщин, здесь есть сильно потускневшая, некогда супер-звезда боевиков 90-ых с его исповедью и с частичкой его жизни.
Задумка «Ван Дамм играет самого себя» подкупает и, вкупе с его философской тирадой и связанной с ней концепцией фильма, делает просмотр ещё более интересным.

События, происходящие в фильме — это лишь фон для переживаний главного героя. Диалог Ван Дамма с режиссером после начальной сцены, его разговор со своим менеджером, сцена суда, монолог на почте и лицо актера перед титрами, когда он видит свою дочь — вот те моменты, ради которых стоит смотреть фильм. Эмоции, великолепная актерская игра… Оказывается, Ван Дамм, это не только «мышцы из Брюсселя», это и сердце и душа. Разумеется, актер в великолепной физической форме — посмотрите, как непринужденным ударом ноги он выбивает сигарету изо рта заложника по просьбе бандита. Но фильм не об этом. Это не очередной стандартный криминальный экшен-фильм, а полновесная тяжелая драма, в которой тесно сплелись вымысел и реальные факты биографии знаменитого актера.

Еще понравилось, как все снято. Картинка полностью отражает происходящее на экране. Присутствие темных и серых тонов говорит о высокой напряженности, пессимизме, разочаровании и скрытом смысле картины, и вместе с нервным саундтреком создает необходимую атмосферу. Начальная сцена довольно эффектно вводит зрителя в заблуждение, заставляя думать что перед нами очередной боевик категории B и буквально возвращает в старые добрые 90-е, в эпоху VHS и видеопрокатов. Стилизуя фильм под дешевку, режиссёр добивается нужного эффекта и переворачивает повествование с ног на голову, открывая все карты только ближе к середине хронометража. К этим же нераскрытым картам относится и специфический юмор, который равномерно и умело используется авторами на протяжении всей картины. Удачных шуток много и все они так или иначе связаны с карьерой Жан-Клода, поэтому они будут не понятны не подготовленному зрителю. Но безусловно, главным украшением является Ван Дамм. Он без преувеличения феноменален. После десятка проходных боевиков, в которых актёр играет одного и того же персонажа, ты не ожидаешь ничего, но получаешь сполна. Глядя на экран, понимаешь, что человек не просто играет, он по сути второй раз проживает отдельные эпизоды из своей жизни. Ощутив на своей шкуре все тяготы звезды «фильмов второй категории», пройдя через наркозависимость и развод, актёр посчитал, что сможет поделиться этим со всеми и поделился. И сделал это на самом высоком уровне.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
В 1976 на экраны вышел самый известный фильм про бокс в истории кино. Ни Али, ни Ураган, ни Золушка из "Нокдауна" не сравнятся с ним по популярности. Рокки Бальбоа стал самым известным боксером в мире, образцом воли и выдержки. А в 1980 вышел фильм, где первый и последний раз актер получил Оскар за историю боксера, основанную на реальных событиях — Роберт Де Ниро сыграл Бешеного Быка. Именно это противостояние лежит в основе идеи противоборства двух итальянских динозавров Голливуда.

«Забойный реванш» повествует о противостоянии двух знаменитых боксеров, в копилке которых бесчисленное количество побед и всего одно поражение — друг от друга. Так и не узнав, кто из них сильнее, ребята забросили спорт и стали заниматься тем, что лучше всего подходит бывшим боксерам: один превратился в обычного трудягу, в перерывах между работой и завтраками из протухших бананов выплавляющего то-ли собак, то-ли мышей, а второй открыл собственный ресторан, в котором время от времени тешил посетителей стендап-выступлениями, пытаясь заглушить мысли о большом реванше.

В один прекрасный день на горизонте появляется предприимчивый сын бывшего промоутера героев (Кевин Харт, пародия на молодого Дона Кинга), который понимает, что на долгожданном реванше можно заработать огромную сумму денег. Тут и начинается настоящее веселье, когда Де Ниро лупит Сталлоне различной мебелью в костюмах для захвата анимации или когда ребята соревнуются в глупости своего приземления с парашютом. Огромное количество смешных шуток соседствует с интереснейшими отсылками к прошлым работам актеров. Но при этом авторы не забыли и про глубину истории: с развитием сюжета на сцену выходят все новые и новые персонажи, позволяя по-настоящему узнать какие эти боксеры в глубине души.

«Забойный реванш» — и очень задиристая комедия, и непростая мужская драма, и вполне себе спортивная сенсация. У Сталлоне удачных реплик больше, чем за последние 20 лет, а Де Ниро диалоги и не нужны: чтобы развеселить зрителя, ему хватает ухмылки и прищура.

Режиссер Питер Сигал, автор комедий с Адамом Сэндлером (в том числе «Управления гневом»), здесь сам на себя не похож: позволяет себе всего одну пошлую шутку в час и не делает ничего унизительного для актеров. Впрочем, перед ним ведь Рокки и Бешеный Бык. Попробуй таких задеть.

Самое удивительное во всей этой истории даже не то, что продюсерам удалось уговорить Де Ниро со Сталлоне удариться в самопародию (а «Забойный реванш» — это, конечно, самопародия), а то, что она оказалась смешной, а ближе к финалу — по-настоящему трогательной. «Реванш» - определенно, удача. И этому есть всего одна, но веская причина. Де Ниро со Сталлоне здесь не просто отсчитывают часы до получения гонорара (в чем оба актера в последние десять лет были замечены не раз), а всерьез его отрабатывают. При этом актеры-тяжеловесы не только шутят, что им уже негоже появляться на ринге без лифчиков, но и отчаянно друг друга лупят, а тренируются со стоицизмом античных героев. Особенно это заметно в кульминационной сцене боя. При всей любви режиссера к рапиду и съемке с нескольких камер сразу нельзя не почувствовать, что апперкоты и хуки даются актерам совсем не легко (а в некоторых моментах за них и вовсе становится страшно). Да, оба побиты жизнью куда меньше, чем их герои. Да, гонорары за фильм, думается, стоят трудов. Но эту боль столкновения с собственной молодостью, что читается в глазах как у Де Ниро, так и у Сталлоне, не подделать.
В этом году им и Ким Бейсингер в сумме исполнится двести лет, а они все те же сверхлюди, какими мы их впервые увидели на VHS-кассетах...

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Участие в Первой мировой войне прививает ирландскому бостонцу Джо Кофлину (Бен Аффлек) такое неуважение к порядку и властям, что после демобилизации он становится бандитом и грабителем, хотя его отец служит в полиции. Кофлин рассчитывает никогда больше никому не подчиняться, но по собственной вине он вынужденно становится членом итальянской мафии, которая направляет его во Флориду организовывать поставки кубинского рома в разгар «сухого закона». Когда бригада Кофлина добивается успеха, его криминальный бизнес пытаются «отжать» члены ку-клукс-клана, для которых нестерпимо видеть сотрудничающих и богатеющих католиков и чернокожих.

Новая криминальная драма Бена Аффлека как режиссера, сценариста и исполнителя главной роли позиционирует себя как очередное гангстерское кино о временах «сухого закона» и Великой депрессии, когда даже неплохие в душе люди вынуждены были идти на компромиссы с совестью и совершать кровавые преступления. Джон Кофлин старается убивать только тех, кто этого заслуживает, и наживаться только на тех пороках, которые не кажутся ему смертельно опасными (он торгует спиртным, но не связывается с наркотиками). Также он хранит верность близким людям, даже когда те его предают. Что, конечно, не самое мудрое поведение в эпоху, когда от гангстера требовались паранойя и безжалостность.

Однако хоть криминальные перипетии и занимают основную часть экранного времени, поданы они так, как будто у режиссера, как и у главного героя, не лежит к ним сердце. Это и не залихватское бандитское повествование, смакующее криминального героя Кофлина, и не психологическая драма вроде «Крестного отца», исследующая погружение приличного человека в преступный ад, и не убедительная, прочувствованная история о грехопадении и искуплении.

В фильме есть отдельные удачные моменты, драматичные или забавные (картина начинается очень серьезно, но заметно расслабляется, когда действие переносится во Флориду), и она неплохо воспроизводит атмосферу 1930-х, но как криминальное повествование «Закон ночи» кажется бледным подобием более талантливых лент. Как-то вся эта красота выглядела фальшиво, бесчувственно что ли, смотришь фильм и не особо веришь актерам и происходящему на экране. Не внушают страха и соперники, попадающие на путь Джо. Бен Аффлек картину отнюдь не спасает. Джо Кофлин – одна из его худших актерских работ. Путь от бандита и бутлегера к расчетливому, умному и хладнокровному гангстеру, все это Аффлек смешал в ком. Не даются Аффлеку, как актёру и глубокие эмоции, в которых так нуждается картина.

Почему «Закон ночи» таким получился? Потому что он снят не ради криминальной истории. Истинная суть картины – в напоминании зрителям, что Америка изначально была центром кипучей и откровенной этнической ненависти. Ирландцы враждовали с итальянцами, испанцы презирали кубинцев, все вместе третировали негров и доминиканцев, а белые протестанты сбивались в ку-клукс-клан, чтобы держать остальных в узде и не допускать до власти и влияния.

Главный герой, Джо представляет не проблему, а ее решение. Он не страдает этническими предрассудками и постоянно это проявляет – работает на итальянцев, сотрудничает с кубинцами, женится на чернокожей красавице (Зои Салдана в сугубо декоративной роли). Он даже, с трудом преодолевая отвращение, пытается договориться с ку-клукс-кланом, но его члены понимают только язык свинца. Так что мораль картины не в том, какие принципы можно сохранить в криминальном сообществе, а в словах из известной песни: «Братва, не стреляйте друг друга, вам нечего в жизни делить».

Как говорят в таких случаях в Америке, картина «совершает движения, но не танцует», не вкладывает душу в повествование и чересчур полагается на сюжетные и диалоговые штампы. В итоге мы получаем пустой фильм в красивой обертке.

Интересные факты:

Об этом мало знают, но «сухой закон» был инспирирован протестантами-фундаменталистами, дабы прижать католиков, в чьей культуре алкоголь играл куда большую социальную роль, чем в культуре протестантов. Правда, фундаменталисты просчитались – нелегальная торговля спиртным дала американским католикам куда больше денег и власти, чем у них было прежде. В 1930-х президент-католик был такой же несбыточной мечтой, как президент-негр, а после войны Джон Кеннеди стал президентом, что воспринималось как эпохальное событие.

«Закон ночи» был проектом мечты Бена Аффлека, который хотел экранизировать этот роман Денниса Лихейна уже довольно продолжительное время. У Лихейна есть трилогия о семействе Кофлин, чей патриарх был уважаемым полицейским Бостона. Однако из всех трех книг вторая, пожалуй, является самой слабой. И именно она привлекала Аффлека.

Бен Аффлек решил отложить этот проект, чтобы исполнить главную роль у Дэвида Финчера в «Исчезнувшей» (2014). По словам Аффлека, он всегда искал возможности поработать с этим режиссером.

Оператор Роберт Ричардсон предполагал снять фильм с использованием анаморфотных объективов в формате Ultra Panavision 70, как и на «Омерзительной восьмерке» (2015), однако компания Panavision уже передала их в аренду для съемки картины «Изгой-один: Звездные войны.» (2016).

Леонардо ДиКаприо рассматривался на главную роль Джо Кофлина, однако актер решил ограничиться продюсерской функцией.

Это второй раз, когда Бен Аффлек ставит экранизацию романа Денниса Лихейна, со времен выхода картины «Прощай, детка, прощай» (2007).

Изначально автор романа Лихейн опасался, что Бен Аффлек не подходит на роль Джо Кофлина, считая, что актер с такой экранной харизмой с трудом сможет передать таящиеся под поверхностью главного героя вероломство и стыд. Однако Аффлек, к его чести, не посчитал зазорным пройти пробы на роль, развеяв, судя по всему, все страхи автора.

На главные женские роли рассматривались кандидатуры Дженнифер Лоуренс и Линдси Лохан.

Это второй раз после фильма «Город воров» (2010), когда Крис Купер участвует в проекте, в котором Бен Аффлек выступает в качестве режиссера и актера.

Это вторая экранизация романа Денниса Лихейна, которую продюсирует Леонардо ДиКаприо, после триллера «Остров проклятых» (2009).

Съёмки фильма начались 28 октября 2015 года. В середине ноября съёмки проходили в Лоренсе, а также в Бостоне 20 ноября. С начала декабря 2015 года съёмки проходили в Лос-Анджелесе.

Прокат «Закона ночи» обернулся убытками для студии Warner.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
В райском бельгийском местечке Брюгге, где ретро гармонично сливается с модерном, где человеческий прогресс мирно уживается с особняками эпохи готики, жизнь идёт обыденно: день сменяет ночь, за осенью приходит зима, туристы приезжают и уезжают. Время плавно течёт и устоявшийся порядок вещей как то спокойствие городка, казалось бы, никто и ничто не может нарушить. В один ветреный и довольно прохладный день в Брюгге появляются два киллера, Рэй (Колин Фаррелл) и Кен (Брендан Глисон) которые провалили задание и теперь вынуждены залечь на дно по приказу своего босса Гарри (Ральф Файнс). И никто из них не догадывается, что следующие три дня перевернут их жизнь навсегда.

В фильме есть все, чем славится британское кино. Отличные характерные актеры, черный юмор, который не противоречит тому, что фильм в итоге оказывается трагедией. Хорошо закрученный сюжет и достоверные персонажи.

Тем не менее кино не для всех и это в полной мере подтверждают отзывы зрителей, большая часть которых по градации плавно перетекает от чистого пофигизма до полного отторжения и даже резкой и не всегда правдивой критики фильма. Как я мог судить по разным сайтам лишь единицы смогли уловить, что «Залечь на дно в Брюгге» — это не проходная лента, а настоящий подарок любителям фильмов в жанре криминала с элементами комедии. В принципе, здесь вся соль в том, какими глазами смотреть фильм: буквально или аллегорически.

Например, если внимательно присмотреться, то бельгийский городишка живёт своей жизнью как бы отдельно от главных героев, которые здесь оказались не по своей воле. Город — это отдельное действующее лицо, которое чувствует, сопереживает и понимает всё что происходит. Возьмём, например, финальную сцену, когда пошёл снег, пошёл впервые за всё нахождение героев в Брюгге. Снег как олицетворение прощения Рэя в финальном эпизоде, как будто сами ангелы плакали в ответ на духовные муки главного героя. Пафосно, но, на мой взгляд, точно.

Или еще: тихий, туристический Брюгге подробно обсуждается в картине — это то ли ад, в котором грешники застревают навечно, то ли чистилище, где решается их судьба, то ли просто провинциальная дыра, где все герои волей-неволей сталкиваются по три раза на дню на ратушной площади. Или — все сразу. Не случайно в фильме мелькает имя Данте Алигьери, который написал «Божественную комедию». Рэй как и Данте попадает по-началу в ад, только не телесный, а духовный, он не может найти места не потому что провалил задание и ему боязно перед заказчиком, а потому что случайно убил невинного ребёнка. Поэтому он не может сидеть на одном месте, его пожирают мысли о случившемся, но всё прекращается когда он встречает воровку Хлоэ (Клеманс Поэзи), которая как и римский поэт Вергилий сопровождает Данте, так и она Рэя «вводит в чистилище», где он кратковременно получает успокоение, радуется жизни, пьёт, отдаётся утехам с ночными бабочками, принимает наркоту. Но всё не то, экстаз проходит, начинается ломка, всплывают мысли о невинной жертве и это может привести лишь к одному решению…

Относительно молодой английский драматург Мартин МакДонах снимает свой первый полный метр, а до этого была короткометражка, и он получил за нее «Оскара»: если так пойдет и дальше, кому-то определенно придется подвинуться. Можно сколько угодно рассуждать о влиянии Тарантино, например, но тут есть нюанс: МакДонах пишет диалоги… скажем мягко, не хуже Квентина. Диалоги в фильме действительно блестящие, мимика актёров, их действия во время и после сказанного заставляют зрителя сопереживать. Причём все диалоги не сводятся к хохмам или прикольным ситуациям, возникающим после того как Рэй что-нибудь брякнет или сделает. Нет! Есть место и для возвышенного философствования, для поиска своего «я». В отдельных эпизодах по-настоящему удаётся добиться смешения иронии и трагизма (придурковатый диалог Рэя и Гарри в финале, а затем события последовавшие за ним). Вроде и смешно и в то же время грустно.

Первая половина фильма — почти абсурдистская черная комедия о том, как два ирландских хмыря бродят по городу, — только на диалогах и держится, и это какой-то праздник. Потом идет немного оживляжа: убийство ребенка, избиение женщины, кокаиновая оргия с карликом и шлюхами. И наконец, когда ты уже настроился гыгыкать вплоть до финала, появляется Ральф Файнс, босс наших героев, и «Брюгге» вдруг превращается в пронзительнейшую драму.

Финал неожиданный, а от того блестящий. Здесь герои обретают свою самость, обретают «своё я» причём как Фаррелл, Файнс, Глисон, так и воровка Хлоэ. В концовке картине зритель сполна сможет себя почувствовать творцом и напарником сценаристов. Спасибо за такую возможность. Если вы увидите фильм, то поймёте о чём я говорю.

Кастинг выше всяких похвал. Рэй (Колин Фаррелл) — в фильме играет довольно меланхоличного, с кратковременными приступами агрессии парня. Он в одном из флэшбеков выступает в роли неуверенного и совсем не хладнокровного киллера с дрожащим пистолетом и бегающими глазами, который по ошибке замочил молодого паренька. После этого случая он начинает раскаиваться в содеянном поступке. С самого переезда в город у Рэя накапливается клубок противоречий, возникающий в мыслях, он приходит к экзистенциональному кризису и…пытается совершить...

Великолепное раскрытие своего персонажа. Фаррелл сыграл не просто на все 100, это без преувеличений одна из лучших его ролей. Причём здесь нужно отдать должное не только Фарреллу. Файнс с Глисоном справились на отлично, сколько напряжения создали оба за разговором в кафе, столкновение двух ярких образов, неприятие противоположной позиции, только и ждёшь кто первым выхватит ствол!

Кен (Брендан Глисон) — тоже яркая птица в криминальном дуэте. Они с Рэем в одной упряжке и, соответственно, Кен отвечает за ошибку напарника. Поэтому когда ему поступает приказ от босса убрать персонажа Фаррелла за оплошность, то тот с болью в сердце (вспомним томления в парке) идёт на это. В целом образ Кена воплощен Глисоном замечательно. Умеренный романтизм, жадная любовь к архитектуре и к искусству, то самое хладнокровие необходимое каждому профессиональному киллеру, трезвый рассудок, опытность — всё это потрясающе сочетается с харизмой этого актёра. А какова их игра на пару с Фарреллом, это надо видеть и слышать!

Главный антигерой фильма, босс Рэя и Кена — Гарри (Ральф Файнс) обладает исключительным даром — портить жизнь всем кто находится рядом с ним, не важно жена это, дети или его подчинённые. Постоянные приступы агрессии Гарри заставляют зрителя держать руку на пульсе, потому что любая следующая выходка этого героя неизвестна. Это и втягивает. Да и вообще Файнс как главзлодей смотрится очень колоритно и гармонично.

Резюмирую. Шедевр. Безусловный. Это огромный прорыв Колина Фаррелла как актёра мирового класса, он поразил больше всех. Но не только главные актёры завораживают, здесь всё прекрасно: отличный саундтрек, великолепная работа режиссёра и сценаристов, операторов. Понравилась «Старая Европа», воплощённая в «чёртовой дыре» Брюгге. Понравилась идея фильма, которая как я понял, в том, чтобы показать людям, что самый страшный Ад - это наши мысли. Внутренняя клетка, которую мы сами же себе строим. От нее нельзя убежать и нет кары страшнее этой.

Интересные факты:

Колин Фаррелл получил «Золотой глобус» в номинации Лучший актер (мюзикл / комедия) за фильм «Залечь на дно в Брюгге».

Идея фильма у Мартина МакДонаха родилась после того, как он посетил Брюгге и испытал два противоречивых чувства: глубокий восторг и ужасную скуку. Отсюда и разное отношение к городу двух главных героев.

Для того, чтобы создать ощущение курортного сезона, рождественские украшения держались на некоторых улицах города Брюгге до конца марта. Городской совет сделал официальное сообщение жителям Брюгге с объяснением причины.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
История начинается с того, что небогатый студент Чарли в целях заработать, берётся на выходные присмотреть за довольно недружелюбным слепым офицером в отставке. Откуда же ему было знать, на что именно он подписывается!

У Фрэнка Слэйда, того самого офицера, свои планы. Он намерен отправится в Нью-Йорк, «столицу уродства» и там с достоинством, с размахом и шиком, прожить несколько дней, чтобы потом добровольно уйти из жизни… У него давно всё спланировано, оставалось только найти себе « поводыря», спутника…

Полковник Фрэнк — слепой человек. Но это не мешает ему видеть жизнь своими чувствами гораздо более ярче, чем большинство из нас. Это не мешает быть ему уверенным в своих поступках, поступать так, как считаешь нужным. Да, он бывает груб с людьми, даже не груб, скорее решителен, напорист. А это всегда лучше, чем лицемерие. Он тверд с мужчинами, обходителен и нежен с женщинами. Он чувствует и любит слушать ароматы женщин… он обожает их, он ими восхищается. Женщина для него не просто домохозяйка и объект вожделения, а существо, которое нужно тонко чувствовать, ощущать и одаривать нежностью. Он способен подсесть за столик к незнакомой девушке, сказать какой у неё красивый смех (класс!) — и через минуту СЛЕПОЙ человек уже танцует с ней танго. Это надо видеть своими глазами.

Фрэнк живет на пределе: перед его глазами темнота, его не уважает его семья. Может показаться чересчур вызывающим его поведение, но это состояние души. Полное, холодное, безысходное одиночество. Зачем жить? Кажется выход найден...

Однако встреча Слэйда с Чарли Симмсом, юным студентом престижного колледжа Бэрд, который согласился за триста долларов присмотреть за якобы беспомощным слепцом, многое меняет в жизни каждого из них. Преодолевая первоначальную неприязнь, они становятся душевно близки и нужны друг другу. Получившийся тандем Чарльза и Фрэнка великолепен. Мальчик помогает полковнику найти выход, продолжать жить, а полковник учит юношу радоваться жизни, так как жизнь - самая главная ценность человека, учит его стойкости, честности, умению придерживаться правильных решений.

С первой минуты фильма ты чувствуешь, как сюжет начинает закручиваться по спирали, гипнотизируя тебя, словно маятник. И ты уходишь в эту историю двух судеб, тесно сплетенных самим провидением, начиная сопереживать молодому студенту, попавшему в довольно часто случающуюся в наше время безвыходную ситуацию, когда приходится делать нравственный выбор, решающий всю твою судьбу, когда понимаешь- богатенькие мальчики используют тебя, но твои нравственные идеалы мешают пойти по очевидному пути- и просто сдать их со всеми потрохами. И, конечно, очерствевшему, слепому, полковнику, который, словно Воланд, из бессмертного романа Булгакова, искушает молодого юношу, изначально относясь к нему пренебрежительно, начинает проникаться к нему всей душой, заставляя себя задуматься- все ли кончено в его жизни. Человеку нужно было лишь немного участия и тепла со стороны, чтобы снова почувствовать вкус жизни.

«Запах женщины» — это безоговорочный шедевр! Абсолютно весь фильм можно разделить на цитаты! Каждая фраза по своему самобытна, гениальна, остроумна. Сценаристы трудились исключительно честно! Замечательное тому подтверждение то, что почти каждое упоминание женщины в фильме пускает по телу мурашки, а монолог Аль Пачино в конце фильма, образует ком в горле.

Фильм подарил всем нам яркого и неповторимого героя. Уверен, что образ полковника Фрэнка Слэйда всегда будет очаровывать новые поколения любителей кино. Его странный взгляд в никуда, где он видит гораздо больше, чем все думают, коронный возглас «Ху-а!», всякий раз вырывающийся из его груди с новыми интонациями и новым смыслом, уже ставшее легендарным в его исполнении чудесное танго и, конечно же, блистательный монолог в школьном суде — право, это высший образец искусства! Трудно было не отметить, хоть и с опозданием, уникальный актёрский талант — и Аль Пачино познал на шестом десятке лет фейерверк славы, получив «Оскар» (причём с восьмой попытки!) за роль Слэйда, и ещё не менее именитый «Золотой глобус».

Интересные факты:

К своей роли Аль Пачино готовился в школе для слепых. По его словам, стремясь выглядеть слепым, он не позволял себе останавливать на чем-либо свой взгляд.

В сцене дисциплинарного заседания директор школы обращается к Слэйду со знаменитой фразой «Вы неисправимы!», которую до этого пришлось выслушать другому герою Аль Пачино в фильме «И правосудие для всех» (1979).

Эпизод, в котором Слэйд спотыкается на улице о мусорную корзину, не был запланирован.

Когда Фрэнк только садится за руль «Феррари», камера показывает нам кадр с мостом, этот кадр - точная копия аналогичного кадра из фильма «Однажды в Америке».

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Фильм снят по одноименному роману Стивена Кинга. Стоит сказать что это одна из лучших экранизаций книг. Каким талантливым и мудрым человеком нужно быть, чтобы написать такую историю!

Тюремная жизнь 30-ых годов... Джон Коффи осужден за страшное преступление, которое не совершал. Теперь он ожидает смертной казни, коротая дни среди таких же осужденных на смерть. Но он не такой как все. У него есть дар — он может исцелить любую болезнь. Даже в последние дни своей жизни он готов помочь всем, взять боль людей на себя, быть ЧУДОМ для окружающих! Герой поражает своей душевностью, своей открытостью, любовью к людям, своим чувством справедливости. Жалость к человеку, который отдавал самого себя и тот дар, которым был наделён, но будет казнён просто безгранична.

Стивен Кинг как мастер мистики добавил долю мистицизма в книгу, по которой был снят фильм. Но Фрэнк Дарабонт, режиссёр и сценарист картины, показал не только мистику. Он поставил на первый план глубочайшую трагедию - зло, которое не всегда наказуемо и добро, которое подчас бессильно что-либо изменить. И тебе остается лишь смотреть на то, как вершится суд над тем, кто не должен сидеть на скамье подсудимых.

Этот фильм полностью пронизан любовью и состраданием ко всему живому в лице Джона Коффи. Эта картина напоминает то время, когда жил Иисус Христос, о его чудесных исцелениях людей, история о тернистом пути праведника, о вере в Отца своего до конца, до гроба. Он никого не осуждал и любил врагов своих. Что-то подобное можно увидеть в образе Джона Коффи, который просто устал от жестокости в мире и непонимания людей. В системе дьявола, на Земле, он просто не мог выжить. Несмотря на свой внушительный вид, который может нести огромную разрушительную силу, Джон Коффи по фильму сходен с безобидным мышонком. Это неспроста, С. Кинг пытался показать, что все живые существа едины перед природой и ее законами и равны перед Богом.

Качественная, профессиональная актерская игра, неподдельные эмоции. Браво! Всему актерскому составу, режиссеру, оператору, сценаристу и всем всем всем выражаю огромную признательность за этот шедевр, такие произведения — будут жить. Потому что они наполнены смыслом, потому что ни один человек, посмотревший его, в жизни не останется равнодушным.

Интересные факты:

События картины развиваются в 1935 году (в книге – в 1932). Данное изменение было вызвано желанием упомянуть о картине 1935 года «Цилиндр».

Дэвид Морс ниже Майкла Кларка Дункана всего на один дюйм. В ходе съемок было применено несколько различных способов, дабы создать иллюзию того, что Джон Коффи был невероятным гигантом.

Исполнитель роли Эдуарда Делакруа, Майкл Джетер, к моменту съемок картины уже имел опыт совместных съемок с «одаренными» мышами. Этим фильмом стала лента 1997 года – «Мышиная охота».

Для того чтобы придать картине соответствующее настроение, все тюремные охранники были одеты в униформу, хотя в 1935 году в тюрьмах такого правила еще не существовало.

По первоначальной задумке, Том Хэнкс должен был исполнить и роль постаревшего Пола Эджкомба. После пары-тройки экспериментов гримеров было решено, что должным образом загримировать Тома не удастся, и тогда на эту маленькую роль был выбран Дэббс Грир.

В момент, когда Пол представляет Элейн мистера Джинглса, возраст мыши должен составлять как минимум 64 года. Для справки, мыши-долгожители доживают максимум до семи лет.

Модель электрического стула, задействованная в ходе съемок картины, была сконструирована по оригинальным чертежам допотопного электрического стула, известного под названием «Old Sparky». Стивен Кинг попытался понять, что испытывают приговоренные к смертной казни, и попросил привязать себя к стулу. По его словам, ощущения были не из самых приятных.

Одной из главных проблем кастинга стал поиск кандидатуры на роль Джона Коффи. И тогда Брюс Уиллис посоветовал продюсерам обратить внимание на Майкла Кларка Данкана, вместе с которым именитый актер принимал участие в съемках «Армагеддона».

Актеру Дагу Хатчинсону, исполнившему роль Перси, достались самые скрипучие ботинки, которые он когда-либо видел и слышал. Даг посчитал это обстоятельство приятным подарком судьбы – столь скрипучая обувь прекрасно дополняла омерзительный характер его персонажа.

Роман писался частями, и вначале издавался отдельными брошюрами.

Инициалы Джона Коффи (J. C.), как писал сам Кинг, соответствуют инициалам Иисуса Христа (англ. Jesus Christ).

Стивен Кинг до самого конца написания книги не мог определиться, как закончится история для Джона Коффи - останется он жив или нет.

«Зеленая миля» Стивена Кинга получила премию «Stoker» в номинации «Лучший роман 1996-го года».

Данкан очень смущался из-за того, что ему нужно схватить Хэнкса за пах, когда Коффи «лечит» Эджкомбу инфекцию. Чтобы преодолеть смущение Данкана, Хэнкс положил в штаны пустую бутылку.

В фильме снялись сразу 30 мышей, которые играют Мистера Джинглеса. Все мыши были названы в честь актеров и членов съемочной группы.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Герой этого фильма, Чак Ноланд, - сотрудник всемирно известной службы доставки «Federal Express». Чак - скрупулезный практик и неисправимый педант. Жизнь Ноланда, высокопоставленного инспектора международных отделений «FedEx» расписана по минутам. И этих драгоценных минут катастрофически не хватает ни на личную жизнь, ни на любимую женщину...

Однако безжалостная судьба заставила Ноланда иначе взглянуть на отпущенное ему время... Самолет, на котором путешествует Чак, падает в океан. Он - единственный, кому посчастливилось остаться в живых, попадает на необитаемый остров. Здесь Ноланду предстоит провести мучительно долгие годы в жестокой битве за выживание...

Робинзон Крузо не единственный человек, за которым было бы интересно наблюдать в столь нестандартных обстоятельствах как пребывание в одиночестве на необитаемом острове. Сегодня эта тема в кинематографе кажется пока неисчерпаемой, и потому каждая история о новом «робинзоне» привлекает внимание зрителей.

С точки зрения реалистичности поведения главного героя и возможности соотнесения себя с ним «Изгой» – определённо лучший из фильмов о выживании человека в тех или иных экстремальных условиях. Здесь нет банального появления ниоткуда каких-нибудь аборигенов, нет опасных диких зверей, которые могли бы угрожать главному герою и таким образом искусственно создавать на экране какой-то экшен. Только человек и его природа. Человек обычный, без всяких там суперспособностей, необычных знаний или умений, которые очень вовремя пригодились бы ему на острове. Человек, который, так же как и большинство из нас, знает все эти трюки с трением палочек друг о друга только из кино или книг. Человек, который и понятия не имел, что разбить кокос намного сложнее, чем в рекламе «Баунти».

Роль в «Изгое» – одна из лучших в карьере актёра Тома Хэнкса! Вряд ли кто-то будет спорить, что Том очень и очень талантлив! Большую часть фильма он в кадре абсолютно один, и те простые человеческие эмоции, которые он демонстрирует, и та драма, которую он переживает вместе со своим героем, по-настоящему трогают. Ну и с физической точки зрения он, конечно, тоже выглядел очень натурально. Том действительно впечатляюще похудел для съёмок!

Есть чему порадоваться и с точки зрения режиссуры. Сцена авиакатастрофы для тех времён снята очень эффектно – прям дух захватывает! А музыка Элвиса очень органично вписалась в общую атмосферу кино. Ну и до боли знакомые заснеженные русские дороги и Russian Babushka в титрах – для (нашего) смеха тоже имеются.

Однако в фильме есть не только увлекательная картинка и впечатляющая актёрская игра. Имеет фильм и свою порцию грустной философии. Невольно задумаешься: а что бы ты предпочёл? Умереть на необитаемом острове с верой, что дома тебя кто-то ждёт и скорбит, храня память о тебе, или же рискнуть, чудом спастись и титаническими усилиями наконец вернуться в цивилизацию, но обнаружить, что твоя вера была лишь сладкой иллюзией, помогавшей тебе держаться и надеяться на лучшее? Что страшнее: физические муки от голода и болезней или душевная боль от того, что, пока ты боролся за жизнь, надеясь, что где-то там тебя любят и ждут, тебя уже успели вычеркнуть из собственной жизни все, по кому ты скучал? Что болезненнее: быть одиноким физически или духовно? Быть изгнанным на необитаемый остров или быть изгоем среди людей, не сумев вклиниться в собственную жизнь?

Драма героя намного глубже, чем может показаться на первый взгляд, но на этом не сделано акцента. В целом, фильм посвящён именно бытности новоявленного «робинзона» и философских дилемм в голове оного: смиренно ждать помощи или рисковать, продолжать искать пути спасения или отпустить ситуацию и принять новую реальность? Все эти дилеммы, естественно, можно вынести за рамки их буквального значения и перенести на другие жизненные ситуации, в которых мы вынуждены решать для себя, что лучше и правильнее в данный момент: терпеливо ждать или агрессивно действовать.

На мой взгляд, «Изгой» скорее подходит для философского «киновечера», нежели для развлекательного. Это хороший, душевный, драматический фильм. Но всё-таки – довольно грустный.

Интересные факты:

Производство картины было приостановлено на один год, чтобы Том Хэнкс смог потерять около 20 кг веса и отрастить густую шевелюру. За это время команда Земекиса успела снять картину «Что скрывает ложь».

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Нгок Мин Кван (Джеки Чан) — ветеран вьетнамской войны, пытается начать новую, мирную жизнь в Лондоне. Это непросто: в прошлом Нгока были не только окопы и последовавшая за ними тюрьма, но и смерть жены и старшей дочери от рук тайских пиратов. Все, что у него осталось, — это младшая дочь, вся жизнь Нгока посвящена только ей.

Но в тот день, когда дочка захотела себе новое платье, и папа повез ее на шопинг, в центре Лондона произошел взрыв. Среди погибших оказалась и малышка. Ответственность за теракт взяла на себя группа «бойцов Ирландской республиканской армии», но имена конкретных виновников никто так и не смог выяснить. Проведя несколько часов в приемной чиновника Лиама Хеннесси (Пирс Броснан) и решив, что именно Хеннесси с его сомнительным ирландским прошлым знает убийц его дочери, Нгок выходит на тропу войны.

Мартин Кэмпбелл известен прежде всего как режиссер двух серий «бондианы» — фильмов «Казино «Рояль» и «Золотой глаз» (в последнем, кстати, снимался Пирс Броснан). Это значит, что ему отлично удаются сцены погонь, взрывов и перекрестных допросов. Но «Иностранец» не просто боевик про шпионов, это драма о пожилых людях с тяжелым прошлым, которые не могут простить это прошлое самим себе. Главные роли играют 63-летний Джеки Чан и 64-летний Пирс Броснан — и возраст в данном случае имеет значение. Потому что герой Броснана, ирландец Хеннесси, слишком много пьет, устало, видимо, по старой привычке, крутит роман, и требует у своих бывших «коллег» из ИРА прекратить насилие во имя чего бы то ни было. А герой Чана с израненным лицом, и абсолютным неумением улыбаться, словно и не возвращался с той, старой войны: хотя у него уже болит спина, а бомбы он мастерит из сигарет и бутылок от газировки.

Главное достоинство фильма — это игра Джеки Чана, нетипичная для него роль, которая требует как высокого уровня актерской игры, так и умения показать неоднозначного персонажа. Джеки за всю карьеру ни разу не играл злодеев — из принципа не хотел размывать свой экранный образ, и тут вдруг реалистичный триллер с жесткими экшен-сценами, в котором он как минимум антигерой вроде Карателя: не стесняется стрелять, убивать и пытать, устраивать взрывы. Помимо этого, персонаж глубоко трагичный, что дало шанс Чану показать свой актерский талант — и это у него получилось великолепно. Вроде ничего сложного — он играет человека, потерявшего всю семью, молчаливого и кроткого на вид, смотрит в одну точку. Но глаза актера в этот раз настолько правдоподобно потухшие, мертвые, что боль своего персонажа Джеки эффективно передает одним этим взглядом.

Главный и самый очевидный вопрос, который возникает уже на стадии сюжета — почему вдруг Ирландская республиканская армия, когда ответственность за все известные европейские теракты берет сейчас группировка «Исламское государство»? Ответ прост: «Иностранец» — экранизация романа четвертьвековой давности, когда ирландских боевиков в Лондоне боялись больше, чем мусульманских. Впрочем, эта старомодность в стиле «Иностранца», где все, так или иначе, обманывает ожидания: и Джеки Чан, который не шутит, и Броснан, который не пользуется своим обаянием, и даже финал.

Как парадоксально бы это ни прозвучало, «Иностранец» – это не совсем «фильм Джеки Чана», но Джеки Чан – это лучшее, что в нем есть. «Иностранец» делался не для Джеки Чана, это в первую очередь фильм Мартина Кэмпбелла – новозеландца, выросшего в Лондоне. Так вот, для Кэмпбелла ИРА и конфликт Великобритании с Ирландией – нечто настолько близкое, понятное и родное, что он даже не считает нужным в него углубляться. Персонажи плетут интриги против Лондона, обсуждают дела Ирландии и то и дело кидаются фразами вроде: «Мы уже шли по пути террора и к чему нас это привело?», а среднестатистический фанат Джеки Чана, пришедший посмотреть на то, как их кумир раскидывает террористов, силится выудить из закоулков памяти все, что он помнит по теме, и не может понять, за кого ему здесь «болеть» (это, к слову, одна из причин, по которой «Иностранец» прошел в обожающем Джеки Чана Китае слабее других его фильмов последних лет).

Еще более усложняя ситуацию, «Иностранец» то и дело надолго отвлекается от Чана, превращая его не столько в полноценного героя, сколько в живой катализатор событий: он ходит по пятам за Хеннесси и постоянно его прессует – этакий «подгоняющий» таймер, подкидывающий углей в топку саспенса. При этом, если вдуматься в сюжет, Чана вообще можно было бы вырезать из фильма без ущерба для основной интриги – по сути своей это «кабинетный» детектив о подковерной возне с участием политиков, властьимущих и фанатиков-радикалов, а Чан – такая девочка-чирлидерша, которая прыгает вокруг всего этого с цветастыми помпонами и «создает движуху».

Другое дело, без Чана «Иностранец» превратился бы в довольно унылое зрелище – в фильме не так уж много экшена, однако он весь выпадает на долю Чана, который, конечно, моложе не становится, но осилить несколько несложных трюков, равно как и эффектно раскидать пару-тройку нападающих, еще в состоянии. Кроме того, Джеки в последние годы оформился в крепкого драматического актера, и в «Иностранце» он – сердце фильма. В тяжелых эмоциональных сценах он рвет душу одним взглядом – кино стоит смотреть уже только ради его игры.

Интересные факты:

Фильм основан на книге Стефена Лезера «Китаец» (англ. The Chinaman), изд. 1992.

Ник Кассаветис получал предложение стать режиссёром фильма.

В феврале 2016 года во время съёмок эпизода, в котором на двухэтажном автобусе на Ламбетском мосту происходит взрыв, в лондонскую полицию поступило два звонка о террористическом акте от обеспокоенных прохожих.

Отчаянная борьба ирландцев Ольстера снискала симпатии нравственно здоровых людей во всем мире. Официальная английская пропаганда прилепила им ярлык террористов, бессмысленных убийц. Что, конечно же, было далеко от истины — эти люди боролись за элементарные права, которых ирландцы в Великобритании были лишены столетиями.

Во времена английского владычества в Ирландии ирландцы были лишены права избираться в местный парламент, свободно исповедовать католическую религию, заключать браки с протестантами, поступать в университеты или учиться за границей. Были запрещены ирландские школы, и даже обучение на дому. Всячески преследовался гэльский язык, в результате чего он практически вышел из употребления. К культурному и социальному геноциду добавлялся экономический и чисто физический: все ирландские земли были захвачены английскими лендлордами, ирландцам отводилась участь слуг и батраков, их морили голодом и истребляли по малейшему поводу.

В 1921 г. Ирландия освободилась от колониального рабства. Но англичане, по привычке, и здесь урвали кусок, в виде шести северных графств, где продолжали заниматься привычным делом: расовой и религиозной сегрегацией. В 70-90-е годы ХХ века ирландцы Ольстера жили в гетто, оцепленных колючей проволокой, не имели пассивного избирательного права, а активное было ограничено, подвергались законодательно оформленной дискриминации во всех областях жизни. Людей арестовывали без суда и следствия, сгоняли в концлагеря, где подвергали их издевательствам, калечили и убивали. Вот это была политика настоящего, узаконенного терроризма.

Долгое время ИРА придерживалась своего рода гандизма, ставки на мирную борьбу за права. Но после расстрела мирных демонстраций в Дерри («Кровавого воскресенья») в 1972 г., она, в лице наиболее здравомыслящих членов, составлявших т. н. Временную ИРА (PIRA), встали на закономерный путь вооруженной борьбы. Их-то и обозвали террористами. Кстати, о террористах. В 1971 г. была создана экстремистская, вооруженная до зубов протестантская (т. е. английская) «Ассоциация обороны Ольстера». Первым ее деянием был взрыв, в том же году, католического бара — 15 убитых и вдвое больше раненных. PIRA ответила 22 взрывами. Итог — всего 9 (!) убитых. Все — военные и экстремисты. Ни одного гражданского, поскольку целями были исключительно военно-полицейские объекты и узлы инфраструктуры. Никаких баров, и тем более, универмагов. Большую часть времени Ирландская республиканская армия защищала мирное население католических кварталов от нападений экстремистов и военных. Звание таких террористов можно носить с гордостью. Позже, когда к власти в 51-м штате (т. е. Великобритании) пришла «болонка Рейгана» Тэтчер, объявшая открытую войну всему североирландскому народу, PIRA перешла к тактике точечных персональных ударов. Она ликвидировала английского посла в Нидерландах и еще пару самых одиозных расистов-политиков. В 1984 г. был организован взрыв занимаемых Тэтчер апартаментов в ГрандОтеле в Брайтоне. Акция, к сожалению, не достигла цели. И только к концу 1990-х гг. был достигнут компромисс между ИРА и Лондоном.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Двое бандитов колесят по американской провинции, оставляя после себя многочисленные трупы. Однажды они оказываются в тихом городке Миллбрук, штат Индиана. В этом городе живёт Том Столл, уважаемый всеми владелец небольшой закусочной, и его семья — жена Иди и двое детей. При попытке вооружённого ограбления своей закусочной Том Столл убивает бандитов и становится местным героем, о его подвиге упоённо рассказывает телевидение. Вскоре в Миллбруке появляются загадочные люди, которые почему-то называют Тома именем Джоуи и расспрашивают его о Филадельфии.

Дэвид Кроненберг сказал, что название его фильма «A History of Violence» имеет три аспекта, которые не совсем точно отражают переводы «История насилия» или «Оправданная жестокость». Первый аспект названия этой ленты заключается как раз в предыстории конкретного человека, в частности, Тома Столла. Второй указывает на историческое использование инструмента жестокости в разрешении споров. А третий — на врождённую жестокость человека, которая, согласно теории эволюции Дарвина, является определяющим фактором в борьбе за существование. Третий аспект больше всего подходит к фильму Дэвида Кроненберга, который во многом о том, как человек приспосабливается к нормальным условиям существования, преодолевая возникающие на его пути преграды путём жестокости и насилия.

Дэвид Кроненберг рисует счастливую жизнь человека, у которого двое прекрасных детей, страстные отношения с женой и… смутное прошлое. И вот, в один прекрасный день жизнь Тома Столла переворачивается с ног на голову, а в тихую гавань бесцеремонно врываются кошмарные образы из прошлого, которые он и рад бы забыть, словно герой Кристофера Уокена из кроненберговской экранизации романа Стивена Кинга «Мёртвая зона», да ничего не получается, потому что бумеранг прошлого, запущенный нами когда-то вдаль, всегда возвращается назад.

Дэвид Кроненберг провёл кропотливое исследование двойственности человеческой души, создав напряженную картину не столько о жестокости, сколько о человеческом характере, в котором всегда борются две противоположные сущности. И одна из них всегда оказывается сильнее другой. Это и отражено в характере Тома Столла, который решил порвать не только со своим прошлым образом жизни, но и со своей прошлой личностью, создав оплот в крепких семейных отношениях. Однако Том также самоотверженно готов пойти на всё, лишь бы обезопасить свою семью от взбушевавшихся призраков своего прошлого и сохранить нажитое благополучие. Здесь-то и оказывается оправданным перевод «Оправданная жестокость» (уж простите за тавтологию), ибо всё, что делает Том, он делает ради сохранения себя и своей семьи. Чем не дарвинизм? Дэвид Кроненберг ставит перед семьёй Тома Столла моральную дилемму. Что сделают жена и дети Тома, когда узнают о нём всю правду? Отвернутся от него? Или примут правду о нём со смирением? Чувства всех персонажей кроненберговской истории жестокости проходят проверку на прочность: продолжит ли жена Тома любить его таким, какой он есть, или отвергнет его, не выдержав натиска истины? Уверяю, вам интересно будет это узнать. Ну а неопровержимым доказательством того, что Кроненберг является чистейшим дарвинистом, является наследственная склонность сына Тома к жестокости, которую он оправданно проявляет по отношению к своему однокласснику.

Сложно ли убить человека? Вопрос тяжёлый лишь до определённого момента. До наступления непреодолимых обстоятельств. А после их наступления, это всего лишь вопрос техники. Нет, вы конечно можете прислушаться к голосу разума, совести или пацифизма. Но в следующее мгновение, вы уже будете лежать на полу медленно остывая. Все высокопарные слова бессильны перед дулом пистолета или лезвием ножа. И только от нас зависит конечный выбор. Быть безропотной дичью, не способной защитить себя и окружающих, и ждущей своей участи или «уделать» охотника, возомнившего себя лучше вас. Вы всё ещё сомневаетесь?

Дэвид Кроненберг продемонстрировал насилие не как нечто из ряда вон выходящее или противоречащее здравому смыслу. Выстрелить в голову, забить нос в мозг, сломать шею каблуком ботинка здесь так же просто и обыденно, как выкурить сигарету или выпить чашку кофе. Никаких эмоций. Ни отвращения, ни удовольствия. Действия доведены до автоматизма. Только рефлексы и инстинкты. Это лишь чуть более нетривиальный способ устранения препятствий на своём пути.

Вигго Мортенсен идеально подошел на эту роль, органично воплотив в своём образе две совершенно разные личности. «Переключение» между которыми происходит интуитивно, мгновенно и без колебаний. Второй звездой здесь был конечно же Эд Харрис. Прекрасная игра и удивительно проработанный характер персонажа, даже несмотря на малое экранное время.

Жестокость Тома имела свою историю. А близкие… они просто были жестоки, сами по себе. И здесь нам показана совершенно иная жестокость: жены, еще недавно утверждавшей, что ее муж — лучший мужчина на свете, а после всего произошедшего ставшей для него совершенно чужой. Сына, такого похожего на своего отца — кроткого и смиренного, пока вдруг не выплеснется наружу долго копившийся гнев. Похожего и — не желающего понять и простить отца. Дочери, которую Том так любовно успокаивает ночью, когда она плачет, напуганная приснившимися ей чудовищами. И которая замирает, отгораживается от отца, когда эти чудовища из ночного мрака настигают так неожиданно его самого.

И все они — и жена, и сын, и дочь — гораздо хуже, чем Том. Жестоким и страшным его сделала жестокая и страшная жизнь. И через что он прошел для того, чтобы стать другим? Как он говорит сам — пришлось умереть и родиться снова, так что до встречи с будущей женой его даже и не было…

А что сделало такими жестокими их? Маленький, но говорящий эпизод. Том пытается поговорить с женой, когда его прошлое уже открылось, объясниться с ней. Он как всегда предельно вежлив. Но она… Она вырывается и бьет его. И тогда в нем оживает на мгновение зверь. Он валит ее с ног и уже готов совершить насилие. Однако секунда, и взгляд Тома становится совершенно другим — он ужасается от того, что делает, и хочет встать… Только жена не отпускает его — она хочет насладиться совокуплением с этим зверем… Так кто же из них по-настоящему жесток? И в ком больше звериного?

Финальная сцена как бы тонет, растворяется во взгляде Тома. Во взгляде, полном страха и надежды. Страха быть отвергнутым. Надежды на прощение.

Мрачная и жестокая история. Чудовищно реалистичная в своей обыденности и столь же притягательная в своём драматизме. Кроненберг как всегда оставляет зрителя один на один с собственными мыслями.

Фильм идет полтора часа, но возникает чувство, что целых три. Очень медленно поставлен, отлично отыгран, напряжен и бьет по нервам. Что действительно поражает - это игра Вигго Мортенсена, его перевоплощение из законопослушного гражданина в опасного убийцу вне всяких похвал.

В заключении можно сказать, что «A History of Violence» фильм на любителя, кому-то может показаться, что это шедевр с отличной идеей, что насилие может быть оправданным, когда это нужно, что человек может исправиться, но в душе остаться таким же опасным и жестоким. А кому-то фильм может показаться только очередной попыткой достучаться до человеческого понимая насилия и жестокости.

Интересные факты:

Фильм основан на графическом романе Джона Вагнера и Винса Локка "A History of Violence" 1997 года.

Съёмки картины проходили на родине режиссёра Дэвида Кроненберга в Канаде. Роль вымышленного американского города Миллбрук, штат Индиана, сыграл город Миллбрук в провинции Онтарио; сцены фильма, происходящие в Филадельфии, снимались в Торонто.

Одна из самых затратных и жестоких сцен ленты — сон Тома Столла, в котором он убивает Карла Фогарти, — в фильм не попала. Режиссёр счёл её неуместной ссылкой на свои предыдущие работы.

Все эпизоды в закусочной Тома были отсняты в павильоне студии «Торонто Филм». Таким образом, и сама закусочная, и улица, которая видна за окнами и стеклянной дверью, — всё это декорация.

Дэвид Кроненберг решил пригласить на роль Тома / Джоуи Вигго Мортенсена, после того как увидел его в роли Арагорна в трилогии Питера Джексона «Властелин Колец» и в дополнительных материалах к этим фильмам. Режиссер был просто поражен несоответствием заурядно-безобидной внешности актера в жизни и мощного образа хладнокровного бойца, созданного им в кино.

Вигго Мортенсен сам купил большую часть реквизита для закусочной и дома Столлов во время своей поездки по американскому Среднему Западу. Это помогло ему лучше проникнуть в суть своего героя.

Чтобы освоить филадельфийское произношение Джоуи, Вигго Мортенсен часами общался с дядей и братом Марии Белло, жителями Филадельфии.

Уильям Хёрт присутствовал на съемочной площадке всего 5 дней.

Стивен МакХэтти и Грег Брик, сыгравшие бандитов Лиланда и Билли, будучи большими поклонниками системы Станиславского, сами придумали себе предысторию своих героев.
Согласно ей, Лиланд и Билли — соответственно родные дядя и племянник. Лиланд вышел из тюрьмы года полтора назад, поехал навестить свою семью, встретился с Билли и решил, что должен показать ему мир.

На футболке Билли мы видим рекламу бильярдной «Ночная сова». Это — отсылка к знаменитому криминальному триллеру Кёртиса Хэнсона «Секреты Лос-Анджелеса» (1997), сюжет которого вращается вокруг убийств в кафе «Ночная сова».

Эпизод, в котором Билли направляет пистолет на маленькую девочку, — это цитата из легендарного вестерна Серджо Леоне «Однажды на Диком Западе» (1968). Сцена копирует знаменитый эпизод, в котором Фрэнк направляет револьвер на последнего оставшегося в живых члена клана Макбэйнов, тоже ребенка, только сразу после этого вместо свистка паровоза раздается пронзительный крик дочери Столлов.

В оригинальном сценарии гангстеры — представители итало-американской мафии. Однако после того как на роли Карла Фогарти и Ричи Кьюсака были утверждены соответственно Эд Харрис и Уильям Хёрт, Дэвид Кроненберг решил сделать гангстеров ирландцами, так как чувствовал, что Харрис и Хёрт не смогут убедительно сыграть итальянцев.

В оригинальном сценарии, как и в оригинальном романе-комиксе, Джоуи и Ричи были всего лишь старыми друзьями. Однако Дэвид Кроненберг решил усилить драматизм ситуации и сделать их родными братьями.