Описание (клик - развернуть/свернуть):
Фильм начинается с того, что двое друзей, двое юных американцев приезжают в Англию, чтобы, что называется, отдохнуть. И, конечно, по злой насмешке судьбы, ребята попадают в какую-то забытую Богом деревеньку, окутанную туманом. Они заходят в местный паб с мрачным названием «Зарезанный ягнёнок», знакомятся с местными не самыми дружелюбными жителями, замечают сатанистскую звезду на стене… Короче говоря, завязка очень даже простенькая для фильма ужасов.

Дальше хуже (для героев, конечно, не для зрителя)! Гуляя по местным болотам, бравые американцы слышат какой-то странный и жуткий рёв, а уже через несколько минут на них нападает здоровенное животное, напоминающее то ли волка, то ли собаку. Зверь убивает одного, и яростно накидывается на другого. По счастью, местным стало стыдно, они вышли и пристрелили тварь. Парень остался жив, но, как выяснилось, лучше бы он умер.

Попав в больницу, американец знакомится с симпатичной медсестрой и влюбляется в неё. Казалось бы, всё не так уж и плохо, пусть и лучший друг ушёл к праотцам. Но нашему герою снятся сны, кошмары. Например, про то, как он бежит голый по лесу и набрасывается на оленя. Или про то, как его семью убивает шайка каких-то монстров в фашистской форме. Кажется, что он сходит с ума; а после того, как его гниющий друг возвращается с того света и убеждает приятеля в том, что он — оборотень, всё становится окончательно ясно.

Нужно отдать должное режиссёру картины Джону Лэндису, который с бюджетом 10 млн долларов (для того времени сумма огромная) снял уникальный фильм ужасов, в одночасье ставший классикой жанра. «Американский оборотень в Лондоне» и сейчас занимает особое место среди фильмов тематики «вампиры, оборотни и другие монстры». Необычайное кино. Уж для того времени — точно! Тема загадочного, сверхсущества, как оборотень, это целый жанр, целая история.

Джон Лендис выдумал новый жанр — ироничный ужастик. Злоключения героев фильма носят четко улавливаемый иронический оттенок. Именно оттенок, потому что это никоим образом не пародия и даже не черная комедия. Это именно фильм ужасов, где происходят действительно страшные вещи, но сам автор относится к этому легко, заставляя так же легко относиться к этому и зрителя. Зрителя не пытаются испугать тошнотворными ужасами растерзанной плоти (самый дешевый прием, нередко применяемый современными киношниками), наоборот, страх рождается из пофигистического отношения к событиям: чем легче и проще будет вступление к пугающему моменту, тем неожиданней и страшнее будет сам момент. Только что мы увидели весьма неприятно порванного ожившего мертвеца, как мертвец начинает говорить со своим другом вполне в стиле их живых разговоров и больше его появление не становится предметом страха. И наоборот — только что мы наблюдали, как герой мается от безделья и забавно волнуется, как вдруг он вскакивает и начинает превращаться в оборотня со всеми подробностями! Зритель готовился к этой сцене, но все равно прибывает в полной растерянности.

И при всем при этом фильм Лэндиса не ставит своей задачей напугать до обморока. Оборотень в фильме — как бы лицо случайное. Он просто нарушает жизнерадостную гармонию происходящего, к нему не чувствуешь никакой ненависти и злости. И сказать, что в финале добро победило зло никак нельзя. Почти символичная последняя сцена как бы говорит: «Простите, но так получилось. Такова стрела случайности! Такова цена приятной встречи в чужой стране».

Ирония сквозит в изображении британской глубинки, режиссер как бы мимоходом замечает: «М-да, только в такой стране с такими приятными людьми и такими отличными погодами могли появиться оборотни». Не упускает Лэндис и случая ужалить 3 типичных штампа-поведения предполагаемых жертв: веселое беззаботное шутовство с трагическим финалом, долгая и бессмысленная попытка сбежать и коллективное сумасшествие.

Конечно, этот фильм — не актерский, при всем уважении к обаятельному Дэвиду Нафтану, героически пытавшемуся скрыть срамные места всеми возможным способами и почти добившемуся в этом успеха, и к симпатичной Дженни Агаттер. Их лицедейские функции были минимальны. Удивление и восхищение вызывали режиссерские решения и, конечно, работа гримера. Если кто и совершил в кино революцию в гриме, это, без сомнения, Рик Бэйкер. А сцена превращения героя в оборотня стала одним из хрестоматийных элементов технического развития американского кино.

Несмотря на банальное начало, фильм радует тем, что в нём, кроме страшилки, смешано ещё много всего. Это и хоррор, и история любви оборотня и обычной женщины, и комедия. Юмора кстати было много, и довольно качественного. Например, очень хорошо запоминается сцена в порнокинотеатре, где вервольф сидит в окружении окровавленных трупаков, своих вчерашних жертв. Или ещё раньше — его пробежка в костюме Адама по лондонскому зоопарку.

Но самой культовой и классической сценой стала основополагающая трансформация в монстра под аккомпанемент "Bad Moon Rising" бессмертных Creedence! Сейчас многим это превращение человека в животное покажется смешной и примитивной сценкой, но нужно делать акцент на возраст фильма: ему скоро стукнет тридцать. Или видок мёртвого дружбана, становящегося хуже и хуже с каждым днём и появляющегося в таком непотребном состоянии в такие приятные моменты, как, например, минуты после секса. Кстати, именно за грим этот «Американский оборотень» в своё время взял Оскар.

Безусловно, ажиотаж, многие годы не смолкавший вокруг этого фильма, толкал режиссеров на многочисленные подражания и заимствования. В фильмах Крейвена и Маршалла, Фоусета и Николса, Хикокса и Салливана, которые тоже понимают толк в ужастиках, отчетливо видны корни и формулы знаменитого фильма Лэндиса. Но уникальная история Лэндиса все таки не нашла себе достойного выразителя. Сам Джон вскоре окончательно ушел в комедию, все реже прибегая к жанровым отклонениям, а такие фильмы, как «Американский оборотень в Париже», старательно копирующие режиссерские решения Лэндиса, смотрятся лишь конвульсивными подергиваниями ни черта в них не понявших копировальщиков.

Кстати, скоро на экранах появится римейк «Человека-волка», который — да-да! — снимает еще один комедиограф, Джо Джонстон. Тут уж поневоле задумаешься — видать, только человек с большим чувством юмора может искренне бояться и не воспринимать свой собственный страх всерьез!

Интересные факты:

Дэвида Нафтона режиссер увидел в рекламе напитка «Dr. Pepper» и пригласил на роль Дэвида Кесслера.

Сценарий фильма Джон Лэндис написал в 1969 году, когда ему было всего 18 лет.

«Американский оборотень в Лондоне» очень понравился Майклу Джексону, поэтому он пригласил Лэндиса для съёмок клипа на песню «Триллер», результатом чего явился 14-минутный видеоролик, по сей день считающийся одним из лучших клипов за всю историю.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Клинт Иствуд, вернувшись в США «Человеком без имени» из своего триумфального похода в Европу, снялся в остросюжетном «Вздерни их повыше», а после этого начал сотрудничество с Доном Сигелом. Режиссер, снявший культовое «Вторжение похитителей тел», работавший с Джоном Уэйном, и актер, после «Долларовой» трилогии Серджио Леоне стремительно ворвавшийся на Олимп. Их совместной работе суждено было продлиться целое десятилетие, почти до самой смерти режиссера, и Иствуд неоднократно давал понять, что именно Сигел и Леоне сделали из него того, кем он стал — великолепного режиссера, обладающего своим творческим почерком. «Два мула для сестры Сары» — второй проект Иствуда и Сигела после «Блефа Кугана», куда более комедийный, но такой же насыщенный традиционным для вестерна действием.

События фильма разворачивается во время франко-мексиканской войны. Охотник за удачей Хоган спасает жизнь почти не одетой монашке Саре, на честь и достоинство которой покушалась тройка бандитов. Благодарная Сара рассказывает своему нежданному спасителю, что держит путь в одно место, которое заинтересовывает Хогана возможностью получить большие деньги. Хоган и сестра Сара пускаются в странствия через пустыню. По пути их подстерегают гремучие змеи, верующие индейцы, французы, хищники, революционеры с пламенными сердцами, масштабные взрывы мостов, сальные и не очень шутки, и прочее веселье.

Каркас фильма основан на остроумном общении Хогана и Сары, и именно поэтому, когда в определенный момент его становится мало, то действие начинает серьезно пробуксовывать. Нет, за мытарствами мексиканских революционеров интересно наблюдать (наверное), но конкуренции с дуэтом Иствуд-Макклейн они совсем не выдерживают. Именно поэтому фильм словно разделен на две части: веселые похождения сладкой парочки в первой половине, и оружейные пострелушки и бум-бум погремушки — во второй. И не скажешь, что в какой-то из них начинаешь скучать, просто пострелушкам нужно гораздо меньше времени, чтобы надоесть зрителю, особенно в сравнении с остроумно-язвительным подкалыванием друг друга.

«Два мула» прежде всего комедийный, а уж потом вестерн, со всеми вытекающими отсюда последствиями. Все герои не раз порадуют зрителя своими опереточными выходками, перестрелки стремятся скорее повеселить, нежели размять адреналиновые железы — кино Сигела предельно честно со своим зрителем. Плохие французы, даже несмотря на угарные желтые помпоны на головных уборах, остаются плохими оккупантами. Хорошие мексиканцы, даже несмотря на отсутствие угарных желтых сомбреро, остаются хорошими повстанцами. И никаких тебе тяжелых нравственных терзаний, душевных мук, и прочих пережитков темного прошлого. Комедия должна оставаться комедией, что Дон Сигел четко понимал и делал.
У фильма есть еще один большой плюс. Композитором в фильме выступает величайший Эннио Морриконе. Его музыка известна всем и останется в наших сердцах на всегда. Любителям вестернов и Клинта Иствуда смотреть в обязательном порядке.

Интересные факты:

Роль Сары предлагалась Элизабет Тэйлор, но она отказалась от неё.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
В основу сюжета положен одноименный роман Николаса Спаркса, автора литературных бестселлеров, чье сотрудничество с Голливудом можно назвать успешным: фильмы «Спеши любить» и «Послание в бутылке», поставленные по мотивам его произведений, стали хитами.

В «Дневнике памяти» рассказана история настоящей любви, преодолевшей время и препятствия, но так и оставшейся несбыточной мечтой. Действие фильма начинается в доме для престарелых. Одну из пациенток (Джина Роулэндс) часто навещает странный посетитель. Этот немолодой чудак читает больной женщине историю давней любви, почерпнутую из потрепанного дневника. Написанные кем-то слова едва ли проникают в затуманенное сознание старушки.

И лишь спустя время мы понимаем, что это чтение – не бессмысленная блажь безумного старика. В этом дневнике описана их собственная молодость: первая любовь, единственное счастливое лето, проведенное вместе. После этого их разлучают сперва родители, затем Вторая мировая война. Каждый проживает собственную жизнь, но судьба вновь сводит их – пусть и на пороге вечности. Такая вот качественная «слезовыжималка» от лучших производителей.

Интересные факты:

Фильм снят по мотивам романа Николаса Спаркса «Дневник памяти» (The Notebook, 1996), ставшего бестселлером в первую же неделю продаж.

Лента должна была выйти в прокат осенью 2003. Однако New Line Cinema перенесла релиз сначала на весну 2004, а потом на 25 июня того же года.

«Дневник памяти» — один из многочисленных проектов, до которых не дошли руки у Стивена Спилберга. Также режиссером картины мог стать Мартин Кэмпбелл.

Сыгравшая пожилую Элли Нелсон актриса Джина Роулэндс — мать режиссера Ника Кассаветеса.

Фильм был в разработке на New Line с 1995, и тогда предполагалось, что главной его звездой станет Том Круз. В 1999 студия подошла буквально вплотную к производству с режиссером Джимом Шериданом и еще слабо раскрученной Эшли Джадд в роли молодой героини. Кроме того, роли старого и молодого возлюбленного Элли предлагались Роберту Дювалю и Мэтту Деймону.

Джастин Тимберлейк рассматривался в качестве кандидата на роль Ноя.

Съемки фильма проходили в Южной Каролине с ноября 2002 года по февраль 2003.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Фильм продолжает жанр «разговаривающих аки люди животных», начало которому положил, кажется, фильм про поросенка «Четвероногий малыш». Тот фильм действительно был прорывным и чем-то новым, поэтому и смотрелся с таким интересом.

С тех пор развивающиеся компьютерные технологии поставили на поток подобные фильмы: часть из них полностью создавала анимированное животное, вписанное в реальный мир типа «Гарфилда», а другая часть — где реальным животным анимировали «морду лица», чтоб точно передать человеческую мимику и эмоции.

Этот фильм относится ко второй категории и в первую очередь он понравится «собачникам», хотя в эпизодическая роль досталась и кошке. Сюжет у фильма достаточно стандартный. Семья переезжает в новый дом и новым соседям придется привыкнуть к тому, что датский дог по имени Мармадюк вносит постоянный хаос в их жизнь — его хозяева к этому уже давно привыкли. У Мармадюка начинаются новые приключения. Ему придется покататься на сёрфе, обзавестись друзьями и тут же потерять их, столкнуться с пафосными собаками, провалиться в канализацию и много еще чего другого.

Мармадюк удивительно смешной и современный пёс, со своим мышлением и взглядом на мир. У него есть лучший советчик и друг, по совместительству сводный брат — кот Карлос, также умиляющее создание с которым связано много отличных шуток. Остальных животных перечислять не буду, скажу только, что все очень понравились и полюбились за эти короткие 87 минут. У каждой собаки свой характер и фобии, каждая собака выдаёт такие фразы, что мгновенно пробирал хохот.

А Мармадюк тем временем живёт по-крупному. Вечеринки, подруги, сёрфинг, танцы… И всё казалось бы весело и беззаботно, но в семье нашего дога не всё так гладко, как кажется. Подобные проблемы в родственных отношениях конечно затрагивались и в других фильмах, но «Мармадюк» наполнен и другими сюжетными линиями, помимо семейных непониманий. Наверно больше к счастью, чем к сожалению, почти все сюжетные темы раскрыты слабо, поверхностно. Это хорошо, это делает фильм очень лёгким и не напрягающим.

«Мармадюк» — это семейный фильм с обычным, но интересным сюжетом, шаблонными, но добрыми героями, правдоподобно нарисованным Мармадюком, хорошим юмором, правильной моралью и зажигательным танцем в хеппи энде.


Интересные факты:

Фильм «Мармадюк» — это экранизация газетных комиксов Брэда Андерсона о вредном и хулиганистом доге, живущем в семье Уилсонов.

В оригинальном комиксе Мармадюк никогда не разговаривал.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Захолустный американский городок замер от ужаса: в Главную героиню — участницу команды болельщиц — вселился бес, и она, по никому неизвестным причинам, убивает парней. На хрупкие плечи ее лучшей подруги ложится непосильная ноша — она должна найти способ остановить адски разбушевавшуюся убийцу.

Новое творение оскароносной сценаристки Диабло Коуди уже давно вызывало интерес в кругах кинолюбителей. После «Джуно» ожидать от этой сценаристки чего-то некачественного и неудачного невозможно. Но «Тело Дженнифер» вызывает очень много противоречий.

Жанр фильма определить трудно. Прокатчики позиционируют фильм, как молодежный ужастик-слэшер, отталкивая потенциальную аудиторию фильма и разочаровывая любителей мяса, крови и криков. Но ужасов мало. Фильм напичкан сленгом, молодёжным юмором и парочкой неприятных, но не страшных сцен. Он держит в напряжении. Весь фильм сидишь с натянутыми нервами. Но были натянуты они не от страха, а от ожидания следующего резкого кадра. Любят в фильмах ужасов создатели наращивать напряжение. И в этом плане «Тело Дженнифер» сделан великолепно. Расслабится не даст никто! Я бы назвал это арт-хаусным ужастиком с прекрасным сценарием, режиссером, отличными актрисами. Просто смотря фильм, попробуйте увидеть в нем большее, чем то, что рекламируют прокатчики, тогда совсем другое сложится мнение. Так что главное увидеть, ибо истина в новом фильме сценаристки Диабло Коуди «Тело Дженнифер» есть, просто она слишком замусорена молодежным инфантилизмом.

Вообще сам фильм чисто феминисткое произведение. Режиссёр — женщина, сценарист — женщина, две главные роли играют женщины. И к тому же в фильме женщина активно поедает мужчин. Это наталкивает на вопрос: Карин Кусама не мужененавистница ли? Для Голливуда редкость снять и пустить такой чисто женский фильм в прокат.

Карин Кусама выстраивает в этом по сути маленьком фильме нешуточную атмосферу — представьте себе американский городок, с его школой и единственным, но уж очень экзотическим баром, название которого «Дьявольский котел», прибавьте ко всему этому приехавшую в провинцию нестандартную рок группу — в каждом эпизоде, начиная с самого начала, происходят интересные события. В одном эпизоде мы восторгаемся эффектными готическими видами, в другой феерическими убийствами, в третьей черным юмором — скучать, от самого начала и до конца, уж точно не придется. К тому же сама история в картине пусть и не блещет драматической продуманностью, зато безумна оригинальна, смешна и ужасающе красива! Наверное как и его героиня Меган Фокс, которой роль Дженнифер идет как влитая…

Все актёры молоды и талантливы, акцент был сделан на Меган Фокс. Кто бы что ни говорил, но девушка растёт. Это видно. Понравилось, как она сыграла сцену у водопада. Это было по-настоящему хорошо. Просто очень нравится на неё смотреть. Одним словом, красавица! Конечно же, всегда в душе остается фраза вроде — а могло бы быть еще интересней! Действительно могло, если бы главная героиня была бы менее поверхностна, то весь происходящий с ней драматизм, имел бы огромные масштабы, сыграй вместо Меган Фокс, более драматически одаренная актриса. Но тогда весь эффект картины полетел бы к черту на рога, так как вся суть в самой личности Меган, в ее внешних данных, взгляде, движениях — это ее роль!

А вот с Амандой Сэйфрид дела обстоят по другому. Девушка и красива, и талантлива. Из неё создатели попытались сделать дурнушку-ботаника. Но красоту не скроешь, как и талант. Её образ более яркий и полный. Она эмоциональнее и выразительнее играет, чем Мэган. Актёрский дуэт этих двух красавиц просто великолепен. Образы двух подружек, из которых одна явный лидер, сексуальна, раскрепощена, другая - этакий тихий омут, в котором кроется, по сути, ни чуть не меньшая сексуальность легко воплощаются в реальность. Но если Меган Фокс остается на одном месте и после странного ритуала, возможно, более гипертрофирована во всех тех же чувствах, то Аманда Сэйфрид начинает раскрываться и за этим превращением, лихо диктуется образ перевоплощения, знакомый по прошлой работе Диабло Коуди, героини «Джуно».

Понравилась манера съёмки. Акцентировка камеры на деталях, которые играют немалую роль в сюжете, довольна интересна и оригинальна. Это придаёт фильму изюминку. Это, например, стакан, выскользнувший из рук Ниди, на вечеринке, или медальон, летящий на пол, сорванный Ниди с шеи Дженнифер. Казалось бы, незначительные детали, но смотрятся очень эффектно. Плюс ко всему потрясающий саундтрек. Вот здесь просто придраться не к чему.

«Тело Дженнифер» можно долго разбирать по частям и вертеть со всех сторон. Он балансирует на грани дешёвого ужастика и кино со смыслом. Что именно хотели сказать создатели, до конца не понятно. Может говорили о женской дружбе? Может о самой агрессивной степени сексуальности, выраженной в Дженнифер, поедающей парней? Может это игра с воображением и психикой? Понять довольно сложно. В целом фильм неплохой. В меру интересный, напряжённый, местами противный и забавный. Любителям молодежных ужастиков и фанатам Меган Фокс и Аманды Сэйфрид этот слэшер будет по душе, а остальным как получится. И не зря кстати многие критики обозвали картину «Тело Меган» — данное определение является точным, и ничего плохого в этом нет — согласен с ними на счет того, что фильм бредовый, но я влюблен в его бредовость, и очень уважаю режиссеров, берущихся за такие хоть и безусловно спорные, зато эффектные и атмосферные картины…

Интересные факты:

На роль музыканта Николая рассматривались такие рок-звезды, как Питер Уэнц и Джоэл Мэдден. Роль в конечном счете получил Адам Броди.

Название фильма взято из песни «Jennifer's Body» группы Hole, солисткой которой является Кортни Лав.

Диабло Коуди написала сценарий «Тела Дженнифер» ещё в 2006 году, но продюсеры пригляделись к нему только после успеха «Джуно».

Первый постер фильма, на котором Меган Фокс слизывает кровь с губ, был представлен на Комик-Коне (Сан-Диего) в июле 2008 года.

Фильм стали рекламировать за 15 месяцев до премьеры.

Первоначальная версия сценария просочилась в Интернет в начале 2008 года.

Колин приглашает Дженнифер в кинотеатр Бижу. Бижу - студенческий кинотеатр Университета Айовы, который окончила Диабло Коуди.

В предыдущем сценарном проекте Диабло Коуди, фильме «Джуно» (2007 года), упоминается фитнесс-тренер Тони Литтл. В этом же фильме можно увидеть его рекламный ролик дважды: в начале и конце фильма.

На роль Дженнифер рассматривалось около 7 000 женщин, в конечном варианте она досталась Меган Фокс.

В комнате у Ниди висит постер фильма «Зловещие мертвецы».

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Кот Том и мышонок Джерри — парочка, прославившаяся на весь мир. Уже несколько десятков лет Том гоняется за Джерри с неослабевающим азартом. Том придумывает всё новые и новые хитроумные уловки, чтобы поймать Джерри, но мышонок всё время выкручивается с не меньшей изобретательностью.

Знаковый мультсериал, известный любому человеку, родившемуся после 40-ых годов ХХ века, пережил немало аниматоров, менял режиссеров и продюсеров, преображал героев, но сюжет про то, как кот пытается поймать мышь, пережил все эти перемены. Авторы обыграли кучу декораций, начиная с обычного дома и заканчивая сказкой про Робина Гуда и мушкетерами, они давали Тому и Джерри помириться, объединяли их общей целью, но итог всегда оставался один — кот бежит за мышью, попутно спотыкаясь об препятствия.

В этом и есть вся фабула сериала — изощренное издевательство над беднягой котом, а в редких случаях над собакой или мышью. «Том и Джерри» пережил свои лучшие годы под руководством Джозефа Барбера и Уильяма Ханны, последующие режиссеры не смогли показать зрителям того легкого и изобретательного садизма что принес сериалу популярность. Или же идея просто изжила себя. Даже если смотреть мультфильм небольшими порциями от первого выпуска до последнего, все равно нетрудно заметить что авторы самоповторяются или же не могут придумать ничего нового. К тому же наиболее удачными были серии снятые в необычном или стилистически выдержанном антураже, например серии про мушкетеров или про какой либо из американских праздников.

Многим придется не по душе бесконечные избиения главных героев, да и детям, возможно, не стоит показывать столь изощренное, хоть и мультяшное насилие. Но вот для зрителя, которому наплевать на отсутствие воспитательных элементов, доброты и всепобеждающей дружбы, «Том и Джерри» — один из лучших мультфильмов. Он заставляет хохотать в голос каждый раз, когда Том смачно встречается со стеной, когда Спайк в очередной раз попадается на глупости, и особенно когда Джерри берет какой-нибудь увесистый предмет и описывает им медленный полукруг, который завершается где-то в районе головы кота. Столь ярко выраженного смакования насилия вы не найдете ни в одном другом мультфильме, разве что «Симпсоны» своей пародией перещеголяли первоисточник.

Все мы помним Тома и Джерри как часть своего детства, но самое большое удовольствие от их противостояния можно получить лишь в более сознательном возрасте.

Интересные факты:

Уильям Ханна и Джозеф Барбера создали поистине непревзойдённый шедевр мировой мультипликации. Этот мультфильм 14 раз был номинирован на премию «Оскар» за лучший мультипликационный фильм года и 7 раз брал заветную статуэтку! Это говорит о том, что мультфильм «Том и Джерри» был признан кинокритиками всего мира.

Мультсериал создавался голливудской студией MGM с 1940 по 1958 гг.

В 1961-м году MGM продала права на производство мультфильма пражской студии Рембранд Филмс, во главе которой стоял Джин Дейч. Рембранд Филмс выпустила 13 серий, признанные наихудшими за всю историю мультфильма.

В 1963-м году производство мультфильма вернулось в Голливуд, в студию Чака Джонса «Сиб-Тауэр 12 Продакшнс» и длилось до 1967-го года.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
«Что для тебя Иерусалим? Ничего… И Весь Мир!».

Вот и Ридли Скотт, который своим «Гладиатором» в 2000 году практически вернул моду в Голливуде на масштабные и дорогостоящие историко-эпические блокбастеры, вновь решил «перейти Рубикон» — правда, уже не на материале Древнего Рима, но всё равно обратившись к значительно отдалённым по времени событиям средних веков, когда совершались крестовые походы христиан в Иерусалим. Но весьма важно, что в промежутке между «Гладиатором» и «Царство небесным» этот режиссёр успел, помимо прочего, снять одну из лучших картин в собственном творчестве — впечатляющий военно-политический боевик «Падение Чёрного ястреба», основанный на подлинных фактах армейской операции американских спецназовцев в Сомали, где не стихали ожесточённые междоусобные распри.

И данная работа Скотта поневоле звучит как чрезвычайно актуальная — особенно в свете военных действий США в Афганистане и Ираке, где американцы стремились установить мир и порядок, навязывая понятия о западной демократии явно не демократическим путём, говоря по-прежнему — «огнём и мечом» (весьма знаменательно, что сборы фильма в других странах превысили в 3,5 раза результаты американского проката). Поэтому финальное послесловие по поводу так и не достигнутого «царства небесного» представляется довольно горьким и неутешительным итогом борьбы христианской цивилизации за то, чтобы на Земле воцарился желанный рай, а Иерусалим воистину стал «местом обетованным» не только для последователей Иисуса, но и для всех, кто признаёт Господа в его различных ипостасях.

Противостояние Запада и Востока, христианства и мусульманства, а конкретно — посвящённого своим незаконным отцом в рыцари, бывшего французского кузнеца Балиана, который стал предводителем крестоносцев в осаждённом Иерусалиме, и арабского султана Саладина (правильнее — Салаха ад-Дина), чьё многотысячное войско пошло на штурм Святого города, где некогда распяли Христа, заключается не столько в споре религий. Это конфликт двух совершенно разных образов жизни — и речь может идти только о мирном сосуществовании при негласном соблюдении правила невмешательства в дела и помыслы друг друга.

Не случайно, что Балиан и Саладин, признавая воинское искусство друг друга на поле брани, отказываются от продолжения бессмысленного смертоубийства — так что толпы мирных граждан, как и вооружённые крестоносцы, покидают Иерусалим, отдав его на милость превосходящих сил противника. А лично Балиан, не найдя искупления за свои грехи — напротив, даже преумножив их — возвращается в родные края, словно в истинную «землю обетованную», постигнув, прежде всего, то, что христианское всепрощение сокрыто в человеческой душе.

Возможно, окончательный вывод «Царства небесного» покажется программно пацифистским на фоне предшествующих кровавых баталий, кстати, реализованных Ридли Скоттом на экране действительно убедительно и с уже подзабытым ощущением рукотворного мастерства, несмотря на неизбежное применение спецэффектов. Но ведь и эпоха крестовых походов, которая сопровождалась разорением и уничтожением так называемого «мира неверных», оказалась одной из позорных страниц в истории человечества, отнюдь не избавив его от чувства вины, а наоборот, намного усугубив. Что привело, в частности, в пределах христианской культуры к последующему разгулу Великой инквизиции — начиная с XIII века, когда движение крестоносцев полностью себя исчерпало.

Несмотря на всю свою эпичность и зрелищность — «Царство небесное» это фильм, который нужно смотреть куда как более внимательно и вдумчиво, чем может показаться на первый взгляд. Здесь сразу же хотелось бы отметить, что это тот редкий случай, когда режиссерская версия делает фильм куда как полнее и глубже, а добавленные цены играют весьма весомую роль в общей сюжетной линии, а некоторые моменты даже заставляют переосмыслить.

Зачем такая внимательность в эпическом историческом блокбастере? На мой взгляд, весь смысл фильма заключается отнюдь не в замечательно воссозданной атмосфере, не в отменно жёстко и реалистично снятых батальных сценах, не в классной постановке сражений на мечах, и даже не в достойной актёрской игре. Главное достоинство фильма — его сценарий, та идея, которую пытались до нас донести создатели. А главная идея: «Церковь — творение рук человеческих. А вера она в твоём сердце и в твоей голове». И эта мысль идёт нитью через всю сюжетную линию. Что есть вера, как не жизнь в гармонии с самим собой — царство совести. Иисус, Аллах, да какая разница? Не такое уж и большое значение это имеет в контексте веры. Однако определяющее значение в контексте церкви. А должно ли так быть? Что есть Иерусалим: просто город или же святая святых, рай на земле? И все эти важные и, не побоюсь этого слова, «вечные» темы, поднимаются на фоне весьма зрелищного и захватывающего действа.

Ответы на подобные вопросы у каждого персонажа свои и ответы эти весьма убедительны. А самая прелесть в том, что на них нет неверного ответа, потому что нет и верного. И как знать может быть кому-то данная картина поможет отыскать свои ответы на них, а кому-то просто позволит наладиться яркостью и зрелищностью происходящего на экране. Как бы там ни было — к внимательному вдумчивому просмотру фильм обязателен.

Интересные факты:

Во время последнего дня осады Иерусалима можно заметить горящую осадную башню, которая по несчастному стечению обстоятельств загорелась во время съёмок.

Сценарий картины состоит из 260 страниц. Этот объем примерно в 2 раза превышает среднестатистический Голливудский сценарий.

Специально для съемок в эпосе Орландо Блум набрал лишних 9 кг веса. Во время работы над фильмом Орландо простудился и проболел примерно месяц. Также актер получил серьезную травму руки во время съемок батальных сцен.

В действительности Болдвин, прокаженный король, умер в 1185 году в 24-летнем возрасте, за год до начала развития событий фильма.

Для съемок картины было сшито примерно 14 тысяч костюмов. Кольчуга была произведена в Китае, а одежда сшита в Таиланде и Турции.

Было отстроено три осадных башни, каждая весом в 17 тонн. А также было построено 4 катапульты.

В картине использовано около 800 спецэффектов (для примера: в фильме «Звездные войны: Эпизод 3 — Месть Ситхов» (2005) около 2200).

С позволения короля Марокко — Мохаммеда Шестого — киноделы наняли около полутора тысяч марокканских солдат в качестве статистов.

Изначально Ханс Циммер должен был написать музыку к фильму, однако был заменен Гарри Грегсоном-Уильямсом. Примечательно, что пару недель спустя Грегсон-Уильямс был заменен Зиммером для написания музыки к фильму «Мадагаскар» (2005).

В фильме, армия Саладина атакует лишь одну часть стены Иерусалима. Однако, в реальности войска Саладина сначала осаждали северо-западную, а затем северную сторону.

Все сцены с участием Эдварда Нортона были сняты за две недели.

Уильям Монахэн позаимствовал множество идей и метафор для «Царства небесного» из своего нереализованного сценария «Триполи».

Изначально Эдварду Нортону была предложена роль Ги Де Шатиньона, но он отказался, предпочтя сыграть короля Болдуина. Так как король носит маску, Эдвард потребовал убрать его имя из финальных титров. Однако, его имя всё-таки было включено в финальные титры, но только при выходе фильма на видео.

Для съёмок Керака были использованы немного перестроенные декорации Иерусалима, благодаря чему удалось сэкономить около $5 миллионов.

С самого начала разработки проекта студия позиционировала его как историко-приключенческое кино, а не как исторический эпик. Поэтому когда боссы студии увидели первоначальную версию картины, они посчитали её слишком длинной и потребовали от Ридли Скотта сократить фильм до двух часов двадцати минут. В итоге расчет студии не оправдался: фильм заработал в прокате $211 миллионов, что было признано провалом. В 2006 году вышло специальное издание фильма на DVD, куда вошла первоначальная версия картины, названная режиссерской версией.

Хронометраж данной режиссерской версии составляет 194 минуты.

Несколько кадров для сцены кораблекрушения были взяты из фильма Ридли Скотта «Белый Шквал» (1996).

В сцене похорон короля Балдуина звучит композиция Vide Cor Meum — ария на слова из «Новой жизни» Данте Алигьери, написанная Патриком Кэссиди в сотрудничестве с Хансом Циммером для одного из предыдущих фильмов Ридли Скотта «Ганнибал» (2001).