Описание (клик - развернуть/свернуть):
Когда Элизабет встречает Джона, ее уравновешенность улетучивается в одно мгновение. Изощренный соблазнитель втягивает ее в эффектную любовную игру, которая заставляет ее отказаться от прежних жизненных принципов.

Их игра началась с первого взгляда. Он выбрал Её в толпе, такую печальную, красивую и одинокую, ибо одиночество читалось в глазах Элизабет, как отлично пропечатанный текст. Джон покорил эту женщину, как покорил бы и любую другую, будучи невероятно сексуальным, таинственным, манящим и обещающим привнести вместе с собой в её обыденную, скучную жизнь всё палитру острых ощущений и массу блаженства. Девять с половиной недель длилась их связь, всё это время он был сценаристом, режиссёром и актёром своего кино, главным стержнем которого являлась страсть, и всё это время Элизабет исполняла все прихоти своего кукловода, пребывая в прострации, ослеплении и ведомая одним лишь желанием…

Их свидания — это утоление голода, это мед, стекающий по ее груди, это клубника, которую он губами вынимает у нее изо рта.

Их постель — это металлическая лестница в подворотне, где они занимаются любовью. И сама их любовь — это дождь, льющийся из разверзшихся небес, это землетрясение, это всесокрушающий ураган.

Их любовь — это трагическая невозможность жить вместе, потому что вместо вопроса «что я могу сделать для тебя?» оба задаются вопросом «на что ты готов пойти ради меня?»…

Великолепная драма Эдриана Лайна, снятая в лучших традициях своего жанра, повествует зрителю о всей сложности отношений между мужчиной и женщиной, о совершенно разном восприятии ими любви, секса, самих отношений, того, как они должны строиться и на чём. Темы слишком сложные для одной рецензии, слишком многогранные и запутанные. Хочется лишь сказать, что после просмотра ещё раз убеждаешься, что в жизни нельзя получить сразу всё. Во всех областях. В том числе и в любви, которая не терпит того, что происходило между главными героями. Любовь не терпит пренебрежения, подавления близкого человека. А самое главное, что показано в фильме, — так это то, что никогда действительно любящий человек не бывает эгоистичен в любви, так как это именно то чувство, когда забываешь о себе, полностью растворяясь в любимом и желая лишь его счастья. И из всего этого можно с уверенностью сказать, что Джон никогда не любил Элизабет, она была лишь средством для удовлетворения его извращённых фантазий. А она же, к своему несчастью, влюбилась в него, в этого эгоиста с огромным количеством комплексов, в коих скорее разберётся психолог.

Внутренний мир мужчины и женщины — тема, которая никогда не утратит своей актуальности. Что нужно ей и ему для совместного счастья? Безусловно доверие, честность, терпение и конечно же взаимная любовь, как основа отношений. Может ли мимолетная страсть всё это непринужденно затмить? Фильм заслуживает внимания уже только потому, что как на блюдечке преподносит ответ на этот вопрос.

Элизабет любила Джона. Она ждала. Долго, терпеливо, ползая по полу, собирая деньги, танцуя стриптиз, измазываясь в меде. Она так надеялась, что все развернется наконец -таки другим боком и он остановится, скажет «Стоп». Но он не сделал этого. Джон запутался, чего ему больше хочется — секса или любви. Для него отношения с привлекательной Элизабет становятся, прежде всего, лишь игрой, в которой он не сумел вовремя сказать «Стоп». И она перегорела. А он заигрался. Даже когда Элизабет уходила, Джон думал, что она вернется, что это игра. Но она не вернулась.

Взявшись экранизировать одноименный роман Лиз Макнеил, знатный эротоман Эдриан Лайн наполнил свою работу глубоким психологизмом, на примере главных героев показал зрителю сущность межличностных отношений мужчины и женщины, не забывая снабдить всё это удивительно красивой картинкой.

Хочется особенно отметить музыкальное сопровождение, состоящее из потрясающих песен, абсолютно самостоятельных и не зависящих от фильма. Ими можно наслаждаться, слушая композиции снова и снова. И что особенно важно, каждая композиция звучит полностью, не обрываясь. Недаром режиссёр Эдриан Лайн ранее работал в рекламе, создавал видеоклипы, а затем поставил кассовую музыкальную ленту «Танец-вспышка» — следы всех этих видов его деятельности можно обнаружить и в фильме «Девять с половиной недель». Сцены в стиле видеоклипов — пожалуй, лучшие и самые привлекательные.

Секс под дождем на лестничной площадке, секс на кухне и в спальне, секс в заброшенной часовне. Море изысканности и фантазии, ни грамма фальши или искусственной наигранности, ни капли разврата или даже намека на пошлость! Эротика с большой буквы, которая буквально насквозь пропитана духом эпохи середины 80-х. Набившее оскомину нытье, на подобии, «так больше не снимают» в данном случае как никогда актуально. Так, действительно, больше не снимают. Даже Эдриан Лайн, который неоднократно пытался повторить успех своих же 9,5 недель.

Но эти недели тем и примечательны, что вспыхивают только один раз в жизни. Как у героев Рурка и Бессинджер, так и в творчестве Лайна. Сколько не пытался Эдриан вернуться к привычной ему тематике, он так и не смог изобразить хоть что-то, что отдаленно бы напоминало этот чудесный фильм. И дело совсем не в отсутствии мастерства у режиссера. С этим, как раз, у Эдриана полный порядок.

Эдриан Лайн всегда снимал драмы, по преимуществу так или иначе затрагивающие всевозможные аспекты такого понятного каждому чувства как любовь. В его лентах всегда предостаточно жизненности. Его любовь — не воздушная, неземная, его любовь это всегда — страсть, всегда — чувственность, всегда — краткое сумасшествие.

После, в его фильмографии будут красоваться «Непристойное предложение» с талантливым Робертом Редфордом и Деми Мур, «Неверная» с шикарной Дайан Лэйн в главной роли, «Роковое влечение» с Майклом Дугласом… будет даже римейк Кубриковской «Лолиты» по роману Набокова. Не пропустите!
Ещё на тему сумасшедшей любви очень порекомендую «Разоблачение» с Майклом Дугласом и Деми Мур и «Первородный грех» с Антонио Бандерасом и Анджелиной Джоли. Ну а «Главный инстинкт» можно пересматривать бесконечно...

Интересные факты:

В конце фильма, в сцене вечеринки в картинной галереи дважды засветился Ронни Вуд - гитарист из Rolling Stones. И не случайно. Ронни Вуд известен как коллекционер картин и антиквариата.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
1781 год. Антонио Сальери успешно справляется с обязанностями придворного композитора при императоре Иосифе II. Когда же при дворе появляется Моцарт, Сальери к своему ужасу обнаруживает, что божественный музыкальный дар, которым он так желает обладать, был отпущен какому-то непристойному, проказливому шуту. Ослепленный завистью, он замышляет во что бы то ни стало уничтожить Моцарта…

Триумфальный приём этой ленты большинством критиков и зрителей свидетельствует о том, что режиссёрская концепция Милоша Формана на основе известной пьесы английского драматурга Питера Шеффера пришлась по душе многим. Выдвинутый на первый план образ посредственного и завистливого композитора Антонио Сальери (его блестяще сыграл Фарид Мюррей Эбрахам, хороший театральный актёр с Бродвея, мало кому ведомый в кино, и заслуженно получил «Оскар», также победив своего замечательного партнёра Тома Халса), вроде бы интерпретирован в соответствии с ходячей легендой об отравлении гениального Моцарта. Однако вся история в «Амадее» Формана может быть понята почти как бред сумасшедшего, согласно прологу в доме умалишённых. Тут, кстати, обнаруживается внутренняя связь с другим знаменитым фильмом этого режиссёра («Пролетая над гнездом кукушки»), с восторгом принятым повсеместно.

«Амадей» — не столько рассказ о чуде гения, феномене беспечного таланта, загадке Моцарта, выглядящего простачком, дурачком, шутом, в лучшем случае — вечным вундеркиндом, который мимоходом, без особых усилий творит божественную музыку, остающуюся на века, в отличие от классически выверенных, сухих и строгих сочинений Сальери. Картина Милоша Формана, подхватывая мотивы его ранних чешских работ, является вдохновенным гимном во славу свободы, раскрепощённости, естественности, лёгкости, непринуждённости творчества и самой жизни. А этому противостоят регламентированные порядки, ритуализированные правила поведения, церемониальные глупости при дворе австрийского императора в конце XVIII века, размеренная и рассчитанная до мельчайших долей («гармония, поверенная алгеброй») классицистская музыка того периода.

Типично формановская тема «отрыва» (или иначе — прорыва к свободе, избавления от пут обывательского существования, вызволения из «смирительной рубашки» запретов и канонов) проигрывается не только в партитуре судьбы «стихийного бунтаря» Моцарта, но и на примере гипотетических мук Сальери. Спустя 32 года после трагической смерти гения он заново переживает события минувшего и надеется вырваться из плена жизни — хотя бы при помощи самоубийства. Посредственность и несвобода, тупое, сытое пребывание на этом свете и марионеточное состояние зависимости в искусстве, душевного и духовного гнёта — одно переплетается тесно с другим.
Лишь только «Дух веет, где хочет». Вихрь врывается в каждую из лент Формана и даёт героям надежду на освобождение души. В «Амадее» и Моцарт, и волшебная флейта его музыки — ипостаси этого Высшего Духа, самой Вечности. Даже предсмертный «Реквием» звучит торжественно и вселенски мудро.

Обидно, что остался без «Оскара» (хотя получил награду Британской академии кино и телевидения) восхитительный чешский оператор Мирослав Ондржичек, давний соратник режиссёра, снявший пражские интерьеры и экстерьеры именно в Праге. Знаменательно, что эмигранту Милошу Форману удалось добиться съёмок на своей родине — наперекор всему, в период неприязни и глухого замалчивания его имени в ЧССР, причём за 7 лет до возвращения гражданства.

С именем Вольфганга Амадея Моцарта неотрывно связано представление о всеобъемлющем музыкальном гении. Глазами Милоша Формана о гении чудаковатом, своеобразном и необычайно харизматичном. Кто станет отрицать тот факт, что творческая сила музыкальных произведений Моцарта волновала, волнует и будет волновать целые поколения ценителей настоящего искусства. Плодовитая и неустанная деятельность Амадея и в наши дни находит своих поклонников. Неудивительно, что личности подобного масштаба уделяют столько внимания, пытаясь снимать фильмы, писать биографические книги и ставить спектакли, чтобы хоть на одно мгновение познакомиться с этим Гением поближе.

Две противопоставленные фигуры в фильме — самородок Моцарт, руководимый творческим импульсом и его коллега Сальери, снедаемый черной завистью. На протяжении всего фильма мы наблюдаем за их скрытым от глаз общества поединком, что составляет суть этой истории. У одного в руках оружием является безграничный талант и неиссякаемое вдохновение, у другого же — козни и хитроумнейшие попытки нечестно победить своего соперника.

Довольно занятным является это действо, заканчивающееся так печально. Сюжет выстроен настолько грамотно, что ни на секунду не становится скучно, ты ощущаешь постоянный эмоциональный накал, и с каждой секундой все больше и больше ненавидишь старика Сальери, рассказывающего священнику в подробностях об их взаимоотношениях с Моцартом. Безмерное желание быть выше и знаменитее Амадея толкает Сальери на подлые поступки и заговоры против него. Он сам осознает, что не владеет таким талантом, какой был дарован Моцарту, что просто выводит его из себя. Он просит бога подарить ему эту творческую искру хоть малость похожую по мощи на моцартовскую, но все бестолку. В конечном итоге, искусно сплетенная ложь подлого Сальери является контрольным ударом по воспаленному мозгу Амадея. Его находят мертвым.

Невозможно передать всю глубину и разнообразие переживаний, вызванных этим фильмом. И пусть многое в «Амадее» является вымышленным, это кино можно отнести не только к одним из самых лучших экранизаций, но и к одним из лучших историко-биографических фильмов. Просто гениальная игра главных героев переплетается с многообразием характеров, костюмов, что уж говорить про грандиозные вставки опер с просто-таки божественной музыкой. Всем этим можно в полной мере насладиться, посмотрев кино шедевр «Амадей».

Браво Тому Халсу! Остается лишь дивиться, как ненавязчиво, естественно и поистине заворажительно он сыграл Вольфганга Амадея Моцарта, легкомысленного и веселого Моцарта, характер и душевное состояние которого меняется по ходу фильма, и Халс с легкостью улавливает эти веяния, что и демонстрирует на экране. Не зря же актёрские работы, одна из сильнейших сторон фильма.

Никто не знает наверняка, как и отчего умер гениальный композитор и музыкант Вольфганг Амадей Моцарт, но не возникает никаких сомнений, что его музыкальное наследие ещё многие-многие века будет почитаться и пользоваться успехом. И побольше бы таких качественных фильмов-посредников, которые могут по-новому открыть для зрителя ту или иную личность, заслуживающую внимания.

Интересные факты:

Вольфганг Амадей Моцарт умер в нищете и был погребен в могиле для бедняков на венском кладбище Св. Марка. Спустя много лет могилу пытались найти, но безрезультатно.

История, рассказанная в фильме, в достаточной степени является вымышленной. На деле Сальери в свое время был гораздо более популярен, чем Моцарт, и пользовался вполне заслуженным уважением. Шуберт, например, даже посвятил ему одно из своих произведений. А среди учеников композитора числятся Бетховен и Лист. Но с легкой руки Пушкина бедолага Сальери стал восприниматься как негодяй и завистливый монстр. К слову сказать, вина Сальери так никогда и не была доказана, и единственным свидетельством против него может служить самообвинение, сделанное на склоне лет в состоянии психического помешательства. От этого и отталкивается
Форман.

На роль Моцарта пробовался Мел Гибсон.

Опера «Дон Жуан» в фильме снималась на той же сцене, где впервые была поставлена.

В одной из сцен фильма Моцарт называет Глюка «нагоняющим скуку» и говорит «Мне он не нравится» о Генделе. На деле и Глюк, и Гендель были одними из любимых композиторов Моцарта.

Коммунистическая Прага с практически отсутствующим наличием современных ТВ-антенн, пластика и асфальта оказалась идеальной заменой для съемок Вены.

Для съемок было построено всего четыре декорации: палата Сальери, квартира Моцарта, лестничный марш и театр водевиля. Все остальное снималось на натуре.

Пьеса, которая легла в основу фильма, впервые была сыграна 2 ноября 1979 года на сцене Национального Театра в Лондоне.

Концепция раздражающего смеха Моцарта была взята из писем его современников. Один из них описывал его смех, как «заразительное легкомыслие», в то время, как другой сравнивал его со скрипом металла по стеклу.

Том Халс практиковался в игре на фортепиано по четыре часа в день, чтобы выглядеть убедительно.

Церемония награждения премией «Оскар» 1985 года проходила в Лос-Анджелесе 25 марта. В финале, для вручения награды за лучший фильм года на сцену поднялся престарелый Лоуренс Оливье, он был настолько взволнован, что вместо объявления номинантов просто прочитал: «Это «Амадей». Чиновник Академии поднялся на сцену, чтобы проверить, не ошибся ли Оливье и убедившись, что всё в порядке, сигнализировал об этом.

Имя Амадей при жизни Моцарта варьировалось: лат. Amadeus, нем. Gottlieb, итал. Amadeo, греч. Theophilus, что значит "возлюбленный Богом".

В одной из сцен Моцарт присутствует на первой аудиенции у императора Иосифа II, который играет марш, специально написанный Сальери. В конце сцены Моцарт играет этот же марш и решает «улучшить» его. Последний вариант, который он сыграл, является на самом деле мотивом известной арии «Мальчик резвый, кудрявый, влюбленный» («Non piu andrai») из оперы Моцарта «Женитьба Фигаро» («Le nozze di Figaro»).

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Вторая мировая война близится к концу. Молодая канадская медсестра ухаживает на заброшенной вилле за своим «английским пациентом», который получил страшные ожоги во время авиакатастрофы в пустыне Сахара. Медленно угасая, он воскрешает в памяти свой страстный роман с замужней женщиной, сметенный ураганом войны и банальными предрассудками, что в конце концов и привело к трагической развязке.

Основная идея фильма основана на воспоминаниях главного героя. Перед нами предстаёт его интересная жизнь и все его переживания. Главное событие его жизни — это любовь, которую он долго ждал. Любовь, которую он запомнит навечно, любовь которой он очень дорожил. Любовь, которая его покинула… и самое тяжёлое для него — его вина, из-за которой любви не стало. И единственное что есть в его жизни — это посторонний человек, человек который помогает ему дожить его последнюю жизнь. Это медсестра, которая не оставляет его.

Грустный, пронзительный, тяжелый и одновременно удивительно светлый фильм про то, каким верным может оказаться человек в любви, как он без раздумий отдает ради спасения любимой свое доброе имя, своих друзей, любимое дело и по сути свою жизнь. Замкнутый, довольно язвительный и помешанный на своих раскопках граф Олмаш в этой горькой истории любви к замужней англичанке Кэтрин оказался таким же цельной натурой, каким был и в дружбе и в работе. Из обычной интрижки выросло великое чувство, которое дало обоим невероятное счастье и погубило не только их самих, но и других людей, в том числе их близких и друзей. Так стоило ли? Да, да, сотни раз да!

Прекрасный фильм, бесподобный, наверное лучший что есть в англоамериканском кинематографе о любви. Можно залюбоваться безупречной операторской работой, прекрасной музыкой, видами Каира и пустыни, бесподобно точной игрой Файнса, Кристин Томас, Ферта, Бинош.

Можно просто влюбиться в Кристин Томас, эту женщину нельзя не заметить, в роли Кэтрин — это даже не 100, а 200% попадание в образ. Сколько в этой женщине огня, шарма, иронии в том числе и самоиронии, достоинства, мужества и вместе с тем бесконечной женственности. По книге она существенно младше Олмаша, но мне понравилось, что эту разницу стерли между героями, в фильме обоим примерно по 35 лет. Мне почему-то кажется, что граф не мог влюбиться в молоденькую девочку, а вот в эту умную красивую зрелую женщину — мог и еще как.

Про Файнса даже не знаю, что сказать, разве что удивиться, что ему не дали Оскара за лучшую мужскую роль за Пациента. Потому что так сыграть любовь, преданность которой оказалась сильнее преданности всему остальному в жизни — это надо быть бесконечно талантливым.

Увы, Энтони Мингелла ушел из этой жизни слишком рано. Но зато он оставил нам одну из лучших драм современного кинематографа. Можно конечно, упрекать автора за то, что он снял стопроцентную голливудскую драму, которая в любом случае выдавит из зрителя слезу, можно говорить, что такой любви не бывает. Но как-то не хочется.

Если верить хронометражу, «Английский пациент» фильм долгий, если верить собственным ощущениям, то он пролетает как миг.

Интересные факты:

Деми Мур претендовала на роль Кэтрин Клифтон, когда проект ещё принадлежал студии Двадцатый век Фокс.

Кип (имя героя Невина Эндрюса) — школьное прозвище сценариста картины Майкла Ондаатже.

В 2001 году на благотворительном аукционе в Нью-Йорке за 1900$ была продана рубашка Ральфа Файнса, которую он носит в фильме.

Продюсер Сол Зенц был большим поклонником фильма Мингеллы «Верно, безумно, глубоко» и давно хотел поработать с режиссером, поэтому он очень обрадовался, когда Мингелла сам пришел к нему со сценарием «Английского пациента».

Сценарий «Английского пациента» переделывался на протяжении четырех лет.

Писатель Майкла Ондатже, по книге которого и поставлена лента, тесно сотрудничал с кинокомпанией во время создания «Английского пациента» и заявил, что он доволен тем, как получился фильм.

Немцев, стреляющих в самолет Ласло де Алмаши в начале фильма, играют самые настоящие туристы, которых попросили поучаствовать в создании ленты уже в процессе съемок.

Сначала фильм получился на 4 часа 10 минут , затем он был сокращен до двух с половиной часов.

Грим «обоженного» Ральфа Файнса каждый день накладывался по 5 часов. Файнс настаивал, чтобы грим наносили полностью даже тогда, когда снималось только его лицо.

Нэвин Эндрюс и Кевин Уотли специально для фильма научились водить мотоциклы.

Номер бомбы, которую разминирует Кип, начинается с букв «K-K-I-P».

После съемок Ральф Файнс, Кристен Скотт-Томас и Жюльет Бинош стали хорошими друзьями.

Когда проект попал в руки студии Двадцатый век Фокс, её начальники попытались выставить из фильма Уиллема Дефо, а на роль Караваджио предложили Мингелле трех актеров: Джона Гудмана, Дэнни ДеВитто и Ричарда Дрейфуса.

В сцене, где героиня Жульетт Бинош разглядывает фрески на стенах, электроэнергия и дым для её факела передавались через веревку, на которой она раскачивалась.

Мотоцикл Кипа - Triumph 350cc 3HW.

После гибели Харди (Кевин Уотли), Кип, прежде чем уехать, собирает свои и его вещи. В вещах Харди можно заметить шарф футбольного клуба Сандерленд. В реальной жизни актер Кевин Уотли - преданный поклонник Ньюкасла, одним из сильнейших конкурентов которого является как раз Сандерленд.

Жульетт Бинош играет в фильме канадку, а Ральф Файнс венгерского графа. На самом деле Бинош - француженка, а Файнс - англичанин.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
«Мы делали этот фильм примерно так же, как американцы вели войну — нас было слишком много, мы тратили слишком много денег, и мы понемногу сходили с ума…» (Френсис Форд Коппола)

Если сравнивать этот фильм с шедеврами мировой литературы, то возникает только одна ассоциация — первая часть поэмы «Божественная комедия» Данте Алигьери, в которой поэт совершает мысленное путешествие по аду. Ад в понимании Данте имеет вид колоссальной воронки, состоящей из концентрических кругов, узкий конец которой упирается в центр земли.

Шаг за шагом, круг за кругом, поэт совершает нисхождение к самому дну гигантской воронки. На самом дне ада его встречает Люцифер, восставший некогда на Бога ангел, царь зла, обречённый на заключение в центре земли.

Вряд ли Коппола, создавая свой шедевр, стремился следовать замыслу «Божественной комедии». Но само построение и концепция фильма имеют настолько тонкую ассоциативную связь с поэмой Данте, что трудно удержаться от проведения определенных параллелей.

В сюжет фильма была заложена история об эксцентричном капитане Бенджамине Уилларде (Мартин Шин), которого высшие чины отправляют с секретным заданием уничтожить сумасшедшего полковника Уолтера Курца (Марлон Брандо), который отстранился от выполнения приказов и создал в далёком краю некое царство насилия. Чтобы добраться до Курца, Уилларду необходимо многие километры плыть вверх по течению реки в Камбоджу. Отправляясь на катере, Бен берёт с собой пятерых патрульных солдат. Путь отряда наполнен ужасами войны...

Само путешествие главного героя фильма капитана Уилларда по реке Меконг напоминает постепенное, шаг за шагом, круг за кругом, погружение не только в ад окружающей его войны, но и в ад подсознательных глубин собственной души. На дне этого ада он встречает полковника Курца, ангела зла этой вселенной абсурда, боли и духовного опустошения.

Круг первый: 1969 год, Сайгон, гостиничный номер капитана Уилларда. Уиллард, лишившийся привычной дозы наркотика под названием «война», испытывает самую настоящую психологическую ломку. Его мозг отказывается воспринимать мирную реальность настолько, что он слышит шум вертолетных лопастей во вращении гостиничного вентилятора, сам (за неимением реального врага) причиняет себе физический и психологический вред.

Круг второй: штаб. Мы видим изменившегося Уилларда. Получив свое задание, он обретает внешне нормальный вид. Его глаза по-прежнему пугающе пусты, но его жизнь снова обретает свой привычный вектор.

Круг третий: база полковника Билла Киргола. Разгромить под будоражащие звуки вагнеровской оперы деревню для того, чтобы покататься на доске для серфинга; расстрелять террористку-смертницу и тут же дать выпить из своей фляги умирающему вьетконговцу — для Киргола вещи абсолютно совместимые и прекрасно укладывающиеся в его собственную систему мировоззрения. Запах напалма и собственная доска для серфа для него дороже любой человеческой жизни, в том числе и своей собственной. Он единственный кто чувствует себя на войне как дома, но в глубине души даже этого отчаянного вояки занозой сидит мысль, рефреном звучащая в течение всего фильма: «когда-нибудь эта война закончится».

Круг четвертый: концерт звезд «Плейбоя». Эта сцена — наглядная демонстрация факта, описанного еще Фрейдом: война очень сильно затрагивает и невероятно легко высвобождает на волю бессознательные базисные инстинкты человека: инстинктивную энергию, поддерживающую жизнь, и силу, зовущую человека к смерти, деструкции, саморазрушению, если говорить упрощенно — сексуальный и агрессивный инстинкты.

Круг пятый: встреча и проверка мирной вьетнамской лодки, закончившаяся бессмысленной и жестокой бойней стариков и детей. Режиссер усиливает абсурдность ситуации, вводя сцену, в которой один из солдат предлагает, согласно инструкции штаба, отвезти истекающую кровью женщину в госпиталь. «Вот так: сначала мы их убиваем, а потом бинтуем…» Уиллард более честно ставит собственную точку в этом театре жестокого абсурда.

Круг шестой: последний рубеж американской армии у моста на реке. Самая страшная сцена в фильме. Обезумевшие солдаты, не нужные никому из штабной верхушки, потерявшие своих командиров, бессмысленно и механически делают свою кровавую работу. У них ужасающие в своей внутренней пустоте глаза. Они практически не спят, и в них уже не осталось почти ничего разумного и человеческого. Это — «потерянные солдаты», ходячие мертвецы, живые призраки этой страшной войны.

Круг седьмой: французская каучуковая колония. Это ад упрямого патриотизма и ад потерь близких и любимых людей. Но в то же время это единственный и последний оплот человечности. Только здесь мы увидим уважение к погибшим, только здесь капитан Уиллард впервые встретит уникальную чуткость, понимание и сострадание. Очень мудро, трогательно и по-женски точно вдова погибшего плантатора обозначит состояние его искалеченной души: «ты устал от войны, в тебе два человека: один — тот, который убивает, другой — тот, который любит». Именно здесь Уиллард почувствует, как в нем с каждым часом войны умирает способность любить…

Круг восьмой: поселение полковника Курца. Гений военной стратегии и тактики, великолепный знаток человеческой души, ярый сторонник организованной профессиональной армии, чьи таланты и способности оказались не востребованы и признаны вредными. Оскорбленная бессмысленностью этой войны душа полковника однажды обрела сияющее единение и алмазную твердость. Пережив сильнейший психологический шок, его сознание бесповоротно переродилось в нечто совершенно новое, выходящее за рамки ординарного человеческого начала, по-своему совершенное, хотя и дьявольски жестокое. На Востоке подобное состояние измененного сознания почитают как почти божественное.

Но на Востоке же существует легенда о Драконе, в которого превращается человек, поддавшийся опьянению приравнивания себя к Творцу. Убивший дракона сам становится им. И круг этот бесконечен, пока однажды понявший это человек не разорвет его, выдержав невероятное искушение. И «Дракон» Курц ждет именно такого человека, как Уиллард.

Круг девятый, последний: снова река Меконг, дно собственной души Уилларда. Измерив глубину пропасти собственного «я», капитан с ужасающей ясностью понимает, что после всего пережитого у него нет будущего. Есть лишь реальность мучительного возвращения в первый круг собственного ада…

В 60-х годах XX века профессора Гарвардского университета, доктора психологии Тимоти Лири и Ричард Олперт, проводили опыты с ЛСД на добровольцах по расширению сознания, позже признанные опасными для неподготовленной психики человека и запрещенные на государственном уровне.

Но порожденное этими опытами особое направление — психоделизм, как восприятие образов на чувственном уровне с последующим или одномоментным их осмыслением, нашло свой путь, перейдя в более безопасную и здоровую форму — медитацию, музыку или йогу. В современном понимании психоделизм — это способ свободной медитации, сочинение в состоянии полубодорствования-полусна. Такое состояние можно назвать «активной грёзой».

Именно такой психоделической стилистикой насквозь пропитан этот фильм.

Мистическая музыка и иносказательная поэзия «The Doors» с самых первых кадров наполняет зрителя тревогой и подчеркивает апокалиптичность картины. Плавная, текучая, медитативная форма повествования. Гипнотизирующий, почти галлюциногенный визуальный ряд. Путешествие капитана Уилларда как способ погружения в познание свойств и возможностей собственной психики. Психология измененного сознания полковника Курца. Сами монологи Курца, являющиеся почти в чистом виде актерской импровизацией Марлона Брандо.

Американский режиссёр Фрэнсис Форд Коппола начал делать свою суперэпопею о Вьетнаме почти через год после окончания войны в Индокитае, в марте 1976 года, получив громадные доходы от проката двух частей «Крёстного отца». Ему позволили нарушить негласный запрет на «вьетнамскую тему», дали военную технику и солдат для массовых сцен, которые снимались на Филиппинах. Но судьбе было угодно, чтобы съёмки и монтаж картины затянулись на целых три года (была потрачена громадная по тем временам сумма — $31,5 млн., а ныне она составила бы $87 млн.). И в результате Копполу опередил более молодой и почти никому не известный Майкл Чимино, который «Охотником на оленей», первым серьёзным фильмом о войне во Вьетнаме, поверг американцев в состояние шока. Он раскрыл трагедию сыновей Америки, посланных ею в земной ад.

А в ленте «Апокалипсис наших дней», которая вышла только в 1979 году, американская публика и критика были потрясены, прежде всего, размахом, масштабностью, эпичностью и высочайшим техническим уровнем. Режиссёр создал величественную фреску о современном Апокалипсисе на земле Индокитая. Всех поразила замечательная сцена вертолётной атаки под музыку «Полёта валькирий» из вагнеровской оперы о Нибелунгах (одно из первых и новаторски применённых достижений системы звукозаписи «Долби-стерео» закономерно было вознаграждено премией «Оскар»). Была также отмечена удивительная работа итальянского оператора Витторио Стораро, приглашённого Фрэнсисом Фордом Копполой после его успеха в эпическом «Двадцатом веке». Мастерская работа оператора Витторио Стораро позволяет зрителю пройти весь путь главного героя вместе ним. Ощутить запах крови, порывы ветра, грохот земли под рвущимися снарядами. Окунуться во весь ужас происходящего. Фильм полон великолепных батальных сцен.

Но мало кто из американских критиков захотел вникать в философскую проблематику своеобразной одиссеи по кругам ада. Притча Копполы, вольно пересказывая мотивы романа «Сердце тьмы» Джозефа Конрада, говорила не только об ужасах бесчеловечной бойни, но и о битве между Добром и Злом, разумом и безумием, Дьяволом и Богом внутри человека, который подвергается испытаниям жестокостью, насилием, а главное — безграничной властью над другими людьми. Многим картина показалась слишком мрачной, усложнённой, неясной по мысли. Даже после получения главной премии в Канне постановщик посчитал необходимым сделать уступку ожиданиям зрителей, которые были разочарованы крайне странным, с их точки зрения, финалом.

В первом варианте капитан Уиллард на протяжении всего повествования пробирался с секретным заданием вглубь джунглей Камбоджи, чтобы уничтожить сошедшего с ума полковника Курца из отряда «зелёных беретов». И в конце фильма становился немым свидетелем того, как перед «новоявленным божеством», утопившим себя в крови, склонялась в слепом поклонении толпа. Но в окончательной прокатной версии Фрэнсис Форд Коппола всё-таки продлил этот финал, позволив свершиться правосудию над тем, кто вышел из повиновения и возомнил себя властителем. Безусловным является то, что «Апокалипсис ...» — замечательное кинопроизведение, которое служит одной из главных точек отсчёта для авторов, обращающихся к теме Вьетнама, вообще к проблемам войны и власти.

Интересно, что в 2001 году Фрэнсис Форд Коппола вновь вернулся к так и не отпускающему его материалу, смонтировав полную режиссёрскую версию, в которой появились сцены, изъятые в прежних вариантах (в частности, эпизоды на французской плантации), после чего фильм даже приобрёл новое эпическое дыхание. Хотя всё равно трудно отделаться от ощущения, что абсолютно покоряющее магнетическое свойство возникает только в тех сценах, где просто присутствует на экране, даже молча, великий актёр Марлон Брандо в роли полковника Курца. Знаменательно, что по опросу Американского киноинститута, проведённому в 2007 году, «Апокалипсис наших дней», занявший 30-е место среди лучших фильмов США за всю историю, опередил две других этапных ленты о войне во Вьетнаме — и «Охотника на оленей», и «Взвод».

Интересные факты:

Внимательно присмотревшись к дальним планам в сценах с Дэннисом Хоппером, можно заметить слова «Apocalypse Now», написанных на каменных сооружениях.

Френсис Форд Коппола сыграл небольшую роль-камео. Он снялся в роли журналиста, который делал репортаж во время боя. Его слова: «Не смотрите на камеру, делайте вид, что сражаетесь!».

По версии «Film4» фильм занял 1 место в списке «50 фильмов обязательных к просмотру, прежде чем вы умрете».

Когда Фрэнсис Форд Коппола предложил Аль Пачино сыграть Уилларда, тот отказался, сказав: "Я знаю на что это будет похоже. Ты собираешься сидеть там, в вертолете, и указывать, что мне делать, а я буду торчать в этом болоте пять месяцев." На самом деле съемка продлилась 1 год 4 месяца.

Коппола шутил, что если бы Аль Пачино согласился на роль Курца, ему пришлось бы снимать свой фильм в нью-йоркской квартире Пачино.

По законам Филиппин, после завершения съёмок фильма все декорации должны были быть уничтожены. Коппола решил разрушить декорации с помощью серии взрывов и снять это на плёнку, в надежде так или иначе использовать эти кадры впоследствии. Коппола со своими сотрудниками установил несколько камер с различными объективами и фильтрами, и снял взрывы с разных точек и с разной скоростью. На фоне этих кадров в оригинальной версии фильма на 35-мм плёнке шли титры в конце фильма, и многие посчитали это указанием на то, что Уиллард всё же вызвал бомбардировщики. Узнав о такой реакции, Коппола вырезал из концовки фильма эти кадры и оставил просто титры. Он отрицал, что бомбардировка поселения Курца рассматривалась как один из альтернативных вариантов окончания фильма.

Сначала предполагалось, что фильм будет снимать Джордж Лукас, который был в то время протеже Копполы в студии American Zoetrope. Коппола основал эту студию в качестве альтернативы основным голливудским студиям и планировал использовать её для поддержки молодых режиссёров, только что закончивших режиссёрские школы и курсы. Война во Вьетнаме была тогда ещё в разгаре, и первоначальный план состоял в том, чтобы снимать картину непосредственно во Вьетнаме, на партизанский манер. Однако компания Уорнер Бразерс, у которой был договор с Zoetrope, отказалась финансировать такой проект, мотивировав это как сомнениями в коммерческом успехе фильма, так и соображениями безопасности — риск в том, что создатели фильма пострадают при съёмках в зоне боевых действий, был немалый. Лукас позже утверждал, что и сама студия Zoetrope смотрела на этот проект как на «сумасбродный», да и к нему самому и его коллегам по проекту относились так же.

Свой сценарий Джон Милиус написал в 1969-м году. Сценарий назывался «Психоделический солдат». По его же версии, мятежный полковник не только провозгласил себя богом, но и вступил в непосредственную войну с американской армией.

На роль капитана Уилларда приглашали Стива МакКуина.

В момент, когда исполнителем главной роли хотели сделать МакКуина, сценарий назывался «Апокалипсис Три», в нем было три главных героя, и всех их, по замыслу Копполы, должны были сыграть крупнейшие звезды, в частности, Джин Хэкман.

Роль Уилларда уже начал играть Харви Кейтел, но спустя две недели Коппола заменил его на Мартина Шина.

Полное имя героя Шина – Бенджамин Уиллард. Старших сыновей Харрисона Форда зовут Бенджамин и Уиллард.

Во время съемок Коппола сбросил 100 фунтов веса.

Хуже всех вел себя на съемках Марлон Брандо. Ему заранее заплатили миллион долларов, ( в целом гонорар составлял три миллиона ) но всякий раз он угрожал уйти из фильма. Тогда Коппола заявил своему агенту, что ему все равно, и взамен Брандо он желает получить Джека Николсона, Роберта Редфорда или Аль Пачино. В конце концов, Брандо остался, набрал во время съемок 40 килограммов веса, отказался читать оригинальный сценарий и даже роман Конрада, отклонил режиссерский сценарий Копполы, согласился только на импровизацию своей роли и запрещал снимать себя на свету – лишь в темноте.

В некоторых сценах звук взлетающих вертолетов был изобретен на синтезаторе, чтобы лучше синхронизировать его с музыкой.

Съемки шли на Филиппинах, и по контракту местный правитель Фердинанд Маркос должен был предоставить съемочной группе геликоптеры и пилотов. Однако время от времени Маркос забирал свою воздушную технику, чтобы вести сражения с местными мятежниками.

По графику съемки фильма должны были длится чуть больше шести недель. Они затянулись до 16 месяцев.

На несколько месяцев съемки прервал случившийся тайфун.

В фильме по-настоящему убивают корову.

До сих пор Апокалипсис окутывают легенды, что Коппола и многие из съемочной труппы снимали фильм, находясь под действием марихуаны и ЛСД. По крайней мере, в подобном точно уличили актера Сэма Боттомса.

Коппола отчаянно искал удовлетворившую бы его финальную сцену, пока его жена Элеанор не рассказала, что была свидетельницей жертвоприношения животного в местном племени ифугао.

У фильма нет начальных титров. Его название появляется лишь в самом конце.

Один из звукорежиссеров Рэнди Том рассказывал, что понадобилось девять месяцев, чтобы свести звук так, как того хотел Коппола.

Многие диалоги фильма были уже записаны на стадии пост-продакшна, так как записанные ранее шумы (например, звук геликоптеров) испортили большинство сцен с диалогами.

Ряд фотографий полковника Курца из его досье были кадрами из фильма «Отражения в золотом глазу» (1967) Джона Хьюстона, где Брандо сыграл военного офицера.

Героя Дж. Д. Спрэдлина зовут генерал Корман. Это намек на легендарного продюсера Роджера Кормана, у которого начинал свою работу Фрэнсис Форд Коппола.

Чтобы попасть в фильм Лоуренс Фишберн соврал о своем возрасте (съемки начались в 76-м, ему было на тот момент 14 лет).

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Форт «Клейтон» — это американская военная база на Панамском канале. Во время секретной тренировочной миссии отряд спецназовцев и их командир - инструктор непонятным образом пропали, а вернувшиеся на базу противоречат друг другу и запутывают этот инцидент все больше и больше.

Режиссер «Хищника» Джон МакТирнан, снова преподносит нам джунгли, но в абсолютно другой перспективе, с другими актерами и в другом жанре, и он снова заслужил овации зрителей и уважение.

Военный детектив, снятый с отличным осознанием того, что нужно зрителю, сочетает в себе как элементы экшена, так и триллер. Интереснейший сценарий, балансирующий между желанием прокручивать в голове каждую прошедшую сцену и тем фактом, что развязка этой истории предстанет только в самом конце. Эта картина из разряда тех увлекательнейших лент, когда одно и тоже событие освещается с разных сторон, разными людьми. Так как их жизнь зависит от показаний, то правда у каждого своя. А разобраться в чем истинная суть предстоит бывшему военному Харди в исполнении Джона Траволты, и молодой амбициозной женщине-капитану Осборн в исполнении ну очень привлекательной Конни Нильсен, ну и конечно зрителю. Смотрится все это действо с изумлением и большим интересом. Сюжет завязан на интригах, различных версиях исчезновения спец отряда в джунглях, допросах подозреваемых. Вас будут держать в напряжении все девяносто минут.

Агенты Харди и Осборн действуют разными методами, в результате чего способствуют сложившейся неразберихе. Все действие происходит практически в паре декораций той самой базы «Клейтон», не считая флэшбеков из джунглей. Они же весьма умело нагнетают атмосферу: нечеловеческие погодные условия, дикое напряжение, заряженное оружие — кажется, что непременно должно случиться нечто страшное. Атмосфера боевых действий в дождь обеспечивает некий перерыв между постоянными допросами лжецов. Но сюжет построен так, что в финале, после разъяснения ситуации, к нему не придерешься. А само объяснение удивляет, причем даже в том случае, если подобные детективные триллеры просмотрены множество раз.

Трудно сказать, где лучше выглядит Траволта, здесь или в схожей «Генеральской дочери», он везде крут. У Сэмюэля Л. Джексона очень хорошо получается быть злодеем в одном кадре, и уже отличным парнем в следующем. Джованни Рибизи вновь в роли странного и несчастного, такой уж типаж, но отыгрывает на все сто. Ну и Конни Нильсен в «военной» роли очень хороша. Вся «База Клейтон» построена на игре актеров, их умении убедить нас в том, что такие персонажи вполне возможны и в действительности. Кто тут лжет, а кто говорит правду, не досмотрев до конца, с первого раза понять невозможно, но кино настолько интересное, что его захочется пересмотреть еще раз.

Фильм из того редкого числа, когда удивительный и незабываемый сюжет, который на протяжении всего экранного времени ведет вас к разгадке, интересно познавать снова и снова, даже зная, чем это кончится. На эту тему ( военный триллер - детектив ) можно посмотреть также: «Генеральская дочь», «Несколько хороших парней», «Правила поединка», «Мужество в бою», «Особо тяжкие преступления».


Интересные факты:

Съемки картины начались 26 ноября 2001 года в окрестностях Флориды и Панамы. 9 апреля 2002 года съемки картины были завершены.

Рабочее название картины «Форт Клейтон».

Первоначально на главные роли в фильме рассматривались кандидатуры Бенисио Дель Торо и Кэтрин Кинер, а на место режиссера Ли Тамахори.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Америка, конечно, страна во многом уникальная. На этапе обретения независимости и становления государственности она представляла собой своеобразный котел, в котором варились представители самых разных наций и культур, эмигранты всех мастей, приехавшие в Новый свет в поисках лучшей жизни. Общество, которое сформировалось в результате, чем-то напоминало неуклюжего подростка. Много чего не знающего, много чего не умеющего, практически лишенного культурных традиций, но при этом наделенного кипящей энергией и огромным желанием жить.

И вот что интересно, за относительно короткий период времени этот подросток сумел не только создать могущественное государство, но и распространить практически на весь мир свою мораль, свой жизненный уклад и даже свои мечты. Не будем сейчас рассуждать на тему хорошо это или плохо, но зарождение такой нации — тематика для фильма, безусловно, интересная, а кроме того, так толком нигде и не раскрытая. Поэтому довольно логично то, что к ней обратился Мартин Скорсезе.

В центре картины конфликт коренных американцев и приезжих из старого света. В роли этой самой Нью-Йоркской лимиты предстаёт для зрителя герой Ди Каприо - Амстердам Вэллон, отца которого некогда убил Билл Каттинг по прозвищу «Мясник» в конфликте за господство на пяти улицах. Спустя годы Амстердам возвращается в Нью-Йорк, чтоб поквитаться за убитого отца.

Выразить настроения фильма можно такими словами: зрелищно, жестоко, безумно. Все происходящие события от начала и до самого конца нанизаны на эти три основные составляющие, которые отлично сумели передать царящий в Нью-Йорке в те годы дух настоящей городской войны.

В очередной раз порадовал своей игрой Леонардо ДиКаприо. В этой картине он предстаёт уже не тем милым смазливым мальчиком, которым всем казался после «Титаника». Да и Камэрон Диаз, несмотря на такую, немного «не её» роль, всё же отлично сыграла. Но на голову всех выше всё-таки оказался страшноватый мясницкий герой Дэй-Льюиса.

Интересные факты:

Роберт Де Ниро отказался от съемок в этой картине из-за нежелания путешествовать по Европе, где снималась часть фильма, из-за его задержания в 1999 году в Париже по подозрению в международной проституции.

На роль, которую сыграла Кэмерон Диаз, претендовали Клер Форлани, Хэзер Грэм, Моника Поттер, Кэти Холмс и Мена Сувари.

Харви Вайнштейн сказал о лауреате премии Оскара Дэниэле Дэй-Льюисе, когда тот согласился присоединился к съемочной группе фильма следующее: " Четыре года без Дэниэла на экране - это слишком."

В период съемок Лиам Нисон попал в аварию, угодив на своем мотоцикле в оленя в пригороде Нью-Йорка.

Во время съемок в Риме Леонардо ДиКаприо приходилось по несколько суток безвылазно сидеть в гостиничном номере, для того, чтобы толпы девушек, желающих взглянуть на своего кумира, покинули ближайшие улицы.

Съемки картины начались 30-го августа 2000 года в Риме, где был восстановлен Нью-Йорк 19-го столетия. Первоначальный бюджет составил 90 миллионов долларов, но в итоге раздулся до 97 миллионов долларов.

Первоначальная дата премьеры была установлена на 21 декабря 2001 года. Фактически фильм вышел лишь через год - 20 декабря 2002 года.

Во время подготовки к своей роли Дэниэл Дэй-Льюис много времени проводил в одном из мясных магазинов Лондона.

Для съемок фильма в Риме был построен целый квартал Нью-Йорка образца середины XIX века, а также созданы более пяти тысяч костюмов.

В основу сюжета фильма легла знаменитая в США документальная книга Герберта Осбери «Банды Нью-Йорка» (The Gangs of New York : An Informal History of the Underworld; 1928), вышедшая на русском языке в 2004 году.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Америка, конечно, страна во многом уникальная. На этапе обретения независимости и становления государственности она представляла собой своеобразный котел, в котором варились представители самых разных наций и культур, эмигранты всех мастей, приехавшие в Новый свет в поисках лучшей жизни. Общество, которое сформировалось в результате, чем-то напоминало неуклюжего подростка. Много чего не знающего, много чего не умеющего, практически лишенного культурных традиций, но при этом наделенного кипящей энергией и огромным желанием жить.

И вот что интересно, за относительно короткий период времени этот подросток сумел не только создать могущественное государство, но и распространить практически на весь мир свою мораль, свой жизненный уклад и даже свои мечты. Не будем сейчас рассуждать на тему хорошо это или плохо, но зарождение такой нации — тематика для фильма, безусловно, интересная, а кроме того, так толком нигде и не раскрытая. Поэтому довольно логично то, что к ней обратился Мартин Скорсезе.

В центре картины конфликт коренных американцев и приезжих из старого света. В роли этой самой Нью-Йоркской лимиты предстаёт для зрителя герой Ди Каприо - Амстердам Вэллон, отца которого некогда убил Билл Каттинг по прозвищу «Мясник» в конфликте за господство на пяти улицах. Спустя годы Амстердам возвращается в Нью-Йорк, чтоб поквитаться за убитого отца.

Выразить настроения фильма можно такими словами: зрелищно, жестоко, безумно. Все происходящие события от начала и до самого конца нанизаны на эти три основные составляющие, которые отлично сумели передать царящий в Нью-Йорке в те годы дух настоящей городской войны.

В очередной раз порадовал своей игрой Леонардо ДиКаприо. В этой картине он предстаёт уже не тем милым смазливым мальчиком, которым всем казался после «Титаника». Да и Камэрон Диаз, несмотря на такую, немного «не её» роль, всё же отлично сыграла. Но на голову всех выше всё-таки оказался страшноватый мясницкий герой Дэй-Льюиса.

Интересные факты:

Роберт Де Ниро отказался от съемок в этой картине из-за нежелания путешествовать по Европе, где снималась часть фильма, из-за его задержания в 1999 году в Париже по подозрению в международной проституции.

На роль, которую сыграла Кэмерон Диаз, претендовали Клер Форлани, Хэзер Грэм, Моника Поттер, Кэти Холмс и Мена Сувари.

Харви Вайнштейн сказал о лауреате премии Оскара Дэниэле Дэй-Льюисе, когда тот согласился присоединился к съемочной группе фильма следующее: " Четыре года без Дэниэла на экране - это слишком."

В период съемок Лиам Нисон попал в аварию, угодив на своем мотоцикле в оленя в пригороде Нью-Йорка.

Во время съемок в Риме Леонардо ДиКаприо приходилось по несколько суток безвылазно сидеть в гостиничном номере, для того, чтобы толпы девушек, желающих взглянуть на своего кумира, покинули ближайшие улицы.

Съемки картины начались 30-го августа 2000 года в Риме, где был восстановлен Нью-Йорк 19-го столетия. Первоначальный бюджет составил 90 миллионов долларов, но в итоге раздулся до 97 миллионов долларов.

Первоначальная дата премьеры была установлена на 21 декабря 2001 года. Фактически фильм вышел лишь через год - 20 декабря 2002 года.

Во время подготовки к своей роли Дэниэл Дэй-Льюис много времени проводил в одном из мясных магазинов Лондона.

Для съемок фильма в Риме был построен целый квартал Нью-Йорка образца середины XIX века, а также созданы более пяти тысяч костюмов.

В основу сюжета фильма легла знаменитая в США документальная книга Герберта Осбери «Банды Нью-Йорка» (The Gangs of New York : An Informal History of the Underworld; 1928), вышедшая на русском языке в 2004 году.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Видимо, руководствуясь желанием сделать экранное повествование более философским, Джордж Миллер в третьей серии о Безумном Максе всё-таки решил пожертвовать кинетической энергией сюжета, а откликаясь на критику, избавить заглавного героя от чрезмерной ярости и прежнего безумия в поведении. Но лишённая бешеного развития действия и впечатляющих трюков (хотя постановщик каскадёрских сцен в «Безумном Максе 2» является в следующем фильме уже сорежиссёром Миллера), лента «Безумный Макс: Под куполом грома» стала похожей вовсе не на антиутопию, а на обычную фантазийную сказку, до краев напичканную философскими идеями о светлом будущем.

В финальной части Макс оказывается в городке Бартертаун, который возглавляет женщина по имени Тетушка (в её роли снялась знаменитая американская рок-звезда Тина Тёрнер). Но настоящий его владелец небольшой карлик, живущий под землей и обеспечивающий энергоресурсами весь город. По просьбе Тетушки Макс должен сразиться «под куполом грома» с охранником карлика, но в последний момент все выходит за рамки плана, и Макса ссылают в пустыню. Будучи при смерти, Макс лежит практически бездыханный, и его находит и спасает небольшое племя детей, которые верят в предание, что когда-то появится человек, который выведет их из джунглей и поможет построить новую современную цивилизацию. Этим человеком и оказывается Макс.

«Безумный Макс 3» мало чем схож со своими предшественниками, здесь безумством и не пахнет, если вспомнить, с каким волнением, нетерпением и здоровым ажиотажем смотрелись предыдущие серии. Главному герою здесь скорее подходит прозвище «Семейный Макс». Отсутствие длинной нескончаемой дороги превратило отличный гоночный фильм в неспешное полуживое ползанье по пустынным барханам и пескам. Яростный Макс превратился в защитника немощных и слабых, а банды фриков-байкеров превратились в племена наивных детишек, верящих в сказки. Сказкой стал и сам фильм, сказкой с умными светлыми мыслями и счастливым, дающим надежду на будущее концом. Неплохой бой в начале «под куполом грома», в честь которого и названа третья часть и небольшая гонка в финале по (внимание!) железной дороге — вот тот крошечный экшен-список, которым может похвастаться заключительная часть франшизы. И это не сравнится с длинным списком того экшена, который демонстрирует нам первая и в особенности вторая части «Макса».

Можно было бы посетовать на определённое влияние американских продюсеров (а благодаря им бюджет увеличился в 30 раз по сравнению с первым «Безумным Максом»!), которые хотели получить феерию, больше рассчитанную на детей и подростков — основную часть всех зрителей. Ведь два предшествующих фильма были разрешены только для аудитории старше 18 лет.

«Безумный Макс 3: Под куполом грома» — если рассматривать как самостоятельный проект, то вполне себе неплохая ретро-фантастика. Но поскольку это все же третья часть именитого франчайза, а не самостоятельный проект, мы продолжим сравнение с предыдущими частями. Третья часть «Безумного Макса» совсем не похожа на предыдущие серии цикла. Она лишена жестокости, ярости, откровенности и бескомпромиссности предшественников, за что потеряла многих поклонников первых фильмов. И здесь, самым обидным становится вовсе не снижение рейтинга, а отказ от привычного автомобильного сеттинга в пользу детской сказки про единоборства и детишек. Лично мне очень бы хотелось понаблюдать еще за парочкой автомобильных погонь и аварий, которые и сделали этот франчайз запоминающимся.

Сам Макс, как персонаж, стал куда мягче и добрее по отношению к окружающим. Теперь это скорее добрый самаритянин, нежели бывший полицейский со сломленной судьбой. Впрочем, и в конце второй он стал чуток мягче, но все-таки согласитесь, не до такой степени. Даже Мел Гибсон, у которого к тому времени уже лежал контракт с голливудской студией на участие в проекте «Смертельное оружие», здесь сыграл хуже чем во второй части. Хотя тут уж большая вина скорее у сценаристов, чем у самого Гибсона. Саму роль исковеркали и сделали невероятно покладистой. Максу такие вещи никогда не шли и третья часть окончательно стала доказательством того, что и не пойдут никогда.

Тем не менее, «Под куполом грома» определенно имеет свою прелесть и смотрится по-своему ярко и увлекательно. Перед нами красивая постапокалиптическая сказка с чудесной атмосферой и захватывающими приключениями. Вот уже который раз мои глаза провожают финальные титры под ностальгический хит Тины Тернер «We Don`t Need Another Hero», и я знаю точно, что обязательно снова к ней вернусь, ведь все мы и правда иногда нуждаемся в замечательных киногероях.

Интересные факты:

Самолёт, показанный в начале и конце фильма, называется Трансавиа PL-12 Airtruk. Это одномоторный биплан сельскохозяйственной авиации, разработан и производился корпорацией «Трансавиа» в Австралии. Самолёт выполнен целиком из металла, он имеет короткий фюзеляж с двумя хвостами и двигатель Continental O-520. Первый полёт состоялся 22 апреля 1965 года, сертифицирован самолёт 10 февраля 1966 года.

Наказание, которое выпадает Максу после боя в Куполе грома называется Гулаг, ставшее нарицательным после романа Александра Солженицына «Архипелаг ГУЛАГ».

В конце фильма показана панорама Сиднея, разрушенного в результате ядерной войны. Снимали эту сцену на миниатюрном макете города.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Евангелие от Голливуда.

Иудея, 26 год от Рождества Христова. Богатый аристократ Иуда Бен-Гур (Чарлтон Хестон) встречается с другом детства Мессалой (Стивен Бойд), который много лет назад уехал делать карьеру в Рим. Мессала вернулся в Иудею в качестве крупного военачальника с заданием окончательно подмять эту область под власть Цезаря. Бен-Гур, как иудей и патриот, выступает против римского захватничества, чем развязывает многолетнюю вражду с Мессалой, который несмотря на некогда дружеские отношения, заключает всю семью и самого Бен-Гура в темницу.

Одна из самых значительных исторических лент мирового кинематографа на библейскую тему, библейского же масштаба. Такой размах трудно осуществим даже для Голливуда. Доверили эту историю режиссеру «Римских каникул» Уильяму Уайлеру. И он снял фильм, продвинувший искусство и технологии кино далеко вперед. Одиннадцать статуэток Оскара — вполне заслуженная награда. Побить этот рекорд удалось только 40 лет спустя.

Конечно, искушенный современный зритель, привыкший к компьютерным технологиям и спецэффектам, ничего особенного не увидит. Поэтому стоит напомнить, что в массовке были задействованы 50 000 тысяч человек. Живых. Которых нужно было одеть в исторические костюмы, сделать соответствующий грим, каким-то образом ими управлять, кормить их, в конце концов. В одной только гонке на колесницах задействовали 15 000 человек. И зрелище это поражает воображение даже сейчас, в компьютерный век, и с точки зрения постановки, и с точки зрения операторской работы.

Полный заголовок фильма, как и литературного источника, «Бен-Гур. История Христа», но это не пересказ Священного Писания, нас ожидает совсем другое. Прежде всего — это великолепный приключенческий фильм, выстроенный по всем законам классической драматургии. История, замешанная на дружбе и предательстве, ведущая нас через вершины успеха и пропасти падения и снова к вершинам.

Один из самых титулованных оскаровских лауреатов фильм «Бен-Гур» представляет собой многочасовую историческую сагу — мощную, величественную и исторически интересную. Противостояние римской власти и самобытной Иудеи показано через кровную вражду Иуды Бен-Гура и Мессалы — абсолютно аполитичного аристократа и жадного до власти наёмника, считающего Цезаря равным Богу. В фильме очень хорошо показано развитие каждого из этих персонажей. Мессала из наивного и тщеславного мальчишки постепенно превращается в жестокого и коварного подлеца, а Иуда, пройдя через ад рабского труда на галерах и не выдержав жажды мести, пожирающей его душу, становится циничным и морально подавленным человеком.

Невероятный успех «Бен-Гура» заключается в смещении фокуса повествования. Это действительно Евангельская история, но показанная через судьбу иудейского аристократа, отказавшегося доносить римлянам на своих соотечественников, осужденного и проданного в рабство на галеры. События фильма происходят на фоне новозаветной истории Спасителя Христа, и не смотря на то, что Библейским сюжетам в фильме отведены всего несколько минут, они играют огромную роль в становлении главного героя. «Бен-Гур» — это, прежде всего, драма о человеке, ищущем самого себя, и, в конце концов, ему это удается посредством веры в Бога и любви к Христу.

Любой дружбе может прийти конец, даже самой крепкой, если лбами сталкиваются идеологии и мировоззрения. Мессала и Иуда были друзьями с детства, более того, однажды Иуда спас Мессале жизнь. Но Мессала был римлянином, он был верен идеалам вечного города, политике подчинения и завоевания, так расходившейся с благочестивыми помыслами Иуды. Эта история начинается с предательства, сломавшего, но не сломившего Иуду. Пара героев, исполненных Чарлтоном Хестоном и Стивеном Бойдом, демонстрирует не только конфликт двух старых друзей, но и противоборство разнополярных жизненных позиций. Если добродетельный иудей старается сохранить дружбу, хоть и не готов ради неё предать свой народ, то для гордого римлянина старый товарищ лишь инструмент для достижения личных целей. Дружба рушится словно старая черепичная крыша, а Бен-Гур не по своей воле отправляется в долгие и тяжелые странствия, обещая вернуться и отомстить.

Путешествие Иуды Бен-Гура — это та самая тернистая тропа лишений, ставшая проверкой его идеалов на прочность. Жажда мести за себя и свою семью сохранили Иуде жизнь, но он сумел сохранить и веру в свои принципы и Бога, не потонув в пучине злобы. Ненависть помогла Иуде вернуться домой, но обрести духовное счастье он смог лишь вытряхнув из души злобу. Хестон великолепно передает эмоции своего героя, будь то ярость во взгляде галерного раба или отчаянье вернувшегося домой человека узнавшего о неизлечимой болезни матери. Бен-Гур многолик, он радуется, страдает, ненавидит и сожалеет. Каждое новое изменение в его жизни влечет за собой эмоциональную смену, идеально выражаемую талантливым актёром.

И если бы создатели картины «Бен-Гур» остановились исключительно на историческом и человеческом факторах, то я был бы абсолютно доволен. Однако, ближе к концу фильм скатывается в религиозную агитку, картина замыкается на образе Иисуса, который способен исправить все ошибки прошлого и даровать людям успокоение. С одной стороны, каждый верит в то, что хочет, но когда в тщательно выверенной и исторически верной картине на экране начинают происходить чудесные и мгновенные исцеления прокажённых — извините, это перебор. Впрочем, у верующих это не вызовет никаких вопросов.

Выверенная игра актеров, глубокий художественный сюжет, высококлассная режиссура, все это делает фильм «Бен-Гур» истинным шедевром Голливудского кино.


Интересные факты:

Фильм получил 11 «Оскаров» — результат, который и по сей день не удалось превзойти. За последующие 50 с лишним лет только два фильма повторили рекорд «Бен-Гура»: «Титаник» и «Властелин Колец: Возвращение Короля». Но во-первых, это случилось через многие десятилетия, когда разыгрывалось куда больше технических наград. А во-вторых, ни один из них — в отличие от «Бен-Гура» — не взял «Оскаров» за исполнение ролей, как главных, так и второстепенных.

Несколько слов об очень деликатном воплощении на экране образа Спасителя. Зритель ни разу не увидит его лица и не услышит Его голоса, но при этом станет свидетелем Его милосердия, Нагорной проповеди, его Крестного пути и страданий на Голгофе.

Этот фильм должен был спасти студию MGM от банкротства. И спас — при бюджете в $15 миллионов он собрал по миру $70 миллионов.

Для съемок были приглашены актеры из восьми стран, предпочтения отдавались европейским аристократам.

В массовке фильма приняло участие 50000 человек (жители нескольких итальянских деревень), из них 15000 только в гонках на колесницах.

Для поддержания жизни массовки студия MGM выстроила специальные павильоны, где 5000 статистов запросто могли пообедать за 20 минут.

Итальянки прислали создателям фильма более 160 килограммов волос для изготовления париков и накладных бород.

Для съемок батальных сцен MGM хотела использовать точную копию римского корабля. Построенная лодка продержалась на океанской глади лишь несколько минут. Первая же крошечная волна ее перевернула. Так что пришлось переместить «древнюю» посудину в специальный водоем, и управлять ею с помощью канатов.

Чтобы превратить водоем с водой коричневатого цвета в настоящее Средиземное море, пришлось вызвать химика. Тот высыпал некое вещество — вода стала лазурной. Зато каждый, кто во время сражения падал за борт, долгое время не мог отмыться.

Создатели фильма пытались понять, как выглядел когда-то иерусалимский стадион. Первый археолог ответил — как римский, второй — как финикийский, третий — вообще удивился, что в Иерусалиме существовал стадион. Приняли решение сделать его таким же, как в фильме «Бен-Гур» 1926 года.

После съемок все декорации были разрушены.

В фильме нет ни одной законченной истории, взятой из Библии. Там есть две сцены, которые соответствуют некоторым фактам, изложенным в Новом завете.

В СССР фильм не демонстрировался в связи с тем, что его сюжет привязан к событиям Нового Завета и впервые был продемонстрирован на русском языке лишь в 1994 году на телеканале НТВ.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
На окраине в заброшенном складе собираются выжившие грабители и начинают выяснения того, где все-таки случился прокол и кто же виноват. Эти несколько часов из жизни разъяренных гангстеров, нашедших свое отображение в 90 с лишним минут фильма, стали настоящим событием в мире кино, будоражащих умы киноманов вот уже больше 15 лет. Вся ситуация обыгрывается в замкнутом пространстве и похожа на театральную постановку. Минимум декораций, максимум движения и реплик. Настолько живого звучания, таких длинных и своеобразных диалогов еще не добивался никто. Каждое слово, сказанное тем или иным героем словно повисает в раскаленном до предела воздухе. Их предали, подставили. И тот, кто это сделал, возможно, находится в помещении. Череда всплывающих в сознании персонажей историй и воспоминаний, а так же крупицы информации о произошедшем в банке и о самих грабителях, медленно, словно смакуя каждую минуту, подводит нас к решению главной проблемы несостоявшегося грабежа.

Разбитое на первый взгляд на несвязанные куски, складывающиеся ближе к концу в полное и цельное повествование — это стало визитной карточкой Тарантино. Квентин создал узнаваемый во всем мире и неповторимый стиль. «Бешеные псы» стал первым фильмом, на котором он протестировал свою формулу:
Незамысловатая криминальная история, остроумные диалоги, черный юмор, переходящий в цинизм, экстримальная жестокость, хороший подбор актеров, разделение истории на главы, запоминающийся саундтрек. Не похоже на секрет феноменального успеха? Но Тарантино появился в тот момент, когда ниша ироничного криминального фильма еще не была заполнена. По сути, его можно считать основателем данного направления в кино. Недаром «Бешеные псы» без особого успеха прошел в американском прокате, зато в Британии тот стал настоящим хитом, ведь там умеют ценить хороший стеб.

Не слишком оригинальная история о неудачном ограблении ювелирной лавки стала, чуть ли не классической криминальной лентой. Снятая на скудный по голливудским меркам бюджет, почти полностью ушедший на оплату гонораров актерам.

Как уже отмечалось Тарантино, несмотря на все трудности, удалось собрать отличный актерский состав. Роль Мистера Блондина в исполнении Майкла Мэдсена — украшение всего фильма, а сцена с пыткой полицейского и отрезанием уха под веселую музыку, заставит содрогнуться не одного зрителя. А диалоги Мистера Белого в исполнении Харви Кейтеля с Мистером Розовым в исполнении Стива Бушеми фанаты Тарантино знают наизусть. Появился в фильме даже сам режиссер, запомнился рассуждениями о творчестве Мадонны и своим знаменитым мерзким смешком. Мистер Оранжевый — самый немногословный, но ключевой персонаж этой истории.

Многими флэшбеками режиссер умело раскрывает каждого персонажа. А помните анекдот, который рассказывает герой Тима Рота на протяжении добрых пять минут? Это именно то, за что мне нравятся дядька по фамилии Тарантино. В фильме много юмора, особенно много его в тех самых знаменитых диалогах. И, что самое главное, он качествен и уместен.

Саундтреки фильмов Тарантино это совсем отдельный разговор. Помнится, когда-то большой популярностью пользовались сборники, состоящие целиком, из песен, играющих в фильмах с участием Тарантино. И эту хорошую традицию Квентин также заложил в своем дебютном фильме на большом экране.

Наибольшая ценность фильма «Бешеные псы» в том, что здесь мы наблюдаем Тарантино в чистом виде. Именно здесь, он заложит те традиции, от которых потом не отступит, и которых потом назовут тем самым «фирменным стилем Тарантино». Да, потом он снимет фильмы, которые прогремят на целый мир, но настоящие поклонники Великого и Ужасного, с внешностью психопата, Квентина всегда будут помнить его первый очень и очень неплохой опыт.

Интересные факты:

Режиссер и сценарист фильма Квентин Тарантино хотел, чтобы в картине снимался Джеймс Вудс, и даже пять раз повышал сумму гонорара, предназначенного для этого актера. Однако агент Вудса отклонил все эти предложения, даже не упомянув о них ему, поскольку суммы были смехотворно малы по сравнению с его обычными заработками. Когда же долгое время спустя Тарантино наконец-то познакомился с Вудсом и тот узнал о его предложении, актер настолько расстроился, что тут же уволил своего агента. Тарантино не стал говорить Вудсу, на какую именно роль он намеревался его пригласить, так как не хотел принижать талант актера, в итоге исполнившего ее. Однако все сходятся в едином мнении: Тарантино мог видеть Вудса только в образе мистера Оранджа.

На роль мистера Оранджа пробовался Сэмюэл Л. Джексон. Хотя он в итоге и не снялся в фильме, Тарантино был настолько восхищен им, что пригласил его в «Криминальное чтиво».

Джордж Клуни, пробовавшийся на роль мистера Блонда, получил отказ.

Роль мистера Пинка (ее исполнил Стив Бушеми) Тарантино писал для себя, но в итоге предпочел сыграть мистера Брауна.

Название картины родилось благодаря увлечению Тарантино фильмами «До свидания, дети» (1987) и «Соломенные псы» (1971). Плохо зная французский, Тарантино называл первую ленту «that reservoir movie». В результате простого комбинирования и сложилось название «Reservoir Dogs» — «Бешеные псы».

Первоначально Квентин Тарантино собирался снимать этот фильм на черно-белую пленку, заняв в нем своих друзей-актеров. Сценарий передавался из рук в руки и в конце концов попал к Харви Кейтелю, которому он настолько понравился, что актер моментально согласился сниматься в картине и даже помог в поисках источников финансирования.

Роберт Курцтман согласился делать специальный грим бесплатно при условии, что Тарантино, в свою очередь, согласится написать сценарий фильма «От заката до рассвета» (1996), основанный на сюжете Куртцмана.

На съемочной площадке присутствовал фельдшер «Скорой помощи», в обязанности которого входило следить за тем, чтобы количество крови, вытекавшей из мистера Оранджа, соответствовало реальности.

Чтобы не отпугнуть спонсоров, продюсер Лоуренс Бендер принял решение снимать в первую очередь эпизоды без крови и насилия, которые и были показаны инвесторам в качестве рабочего материала. Все основные сцены снимались позже.

Сюжет и многие сцены были позаимствованы Квентином Тарантино из гонконгского боевика Ринго Лама «Город в огне» (1987), который ему очень понравился. Главную роль в той картине исполнял Чоу Юнь-Фат.

Своих героев Тарантино решил одеть в черные костюмы и белые рубашки с черными галстуками, то есть так же, как были одеты персонажи гонконгского фильма Джона Ву «Право на жизнь 2».

Иногда Тиму Роту приходилось так долго лежать в луже искусственной крови, что она высыхала. В результате актера в течение нескольких минут отдирали от пола.

Бюджета ленты не хватало на костюмы, поэтому многие актеры снимались в собственной одежде. Кроме того, Майклу Мэдсену пришлось ездить на съемках на собственном кадиллаке.

Склад, фигурирующий в фильме, ранее использовался как морг. На складе, где происходит основное действие картины, можно заметить несколько гробов. Вдобавок, мистер Блондин сидит на старом катафалке.

Слово «fuck» произносится в картине 252 раза.

Тарантино всячески избегающий в своих фильмах рекламы различных торговых марок (product-placement), использовал в картине сигареты «Red Apples», которые он придумал сам, а также кукурузные хлопья с такими наименованиями, от которых отказались еще в 70-е годы.

Общее количество смертей в фильме (показанных и не показанных) — 17.

Картина была отмечена призами кинофестивалей в Торонто, Стокгольме и Каталонии, а также премией «Независимый дух» за лучшую мужскую роль второго плана (Стив Бушеми) и наградой лондонских кинокритиков за лучший режиссерский дебют.

Во время финальных титров можно заметить, что в графе «специальное спасибо» упомянут Терри Гиллиам. Тарантино поблагодарил Гиллиама за множество полезных советов, которые последний дал Квентину во время семинара на кинофестивале в Сандэнсе.

В одной из сцен фильма Джо спрашивает мистера Белого о девушке по имени Алабама. Это – ссылка на героиню Патриции Аркетт из «Настоящей любви» (1993). По словам Тарантино, Кларенс (Кристиан Слейтер) должен был погибнуть в концовке фильма Тони Скотта. Спустя некоторое время Алабама должна была познакомиться с мистером Белым и вместе с ним начать жить по другую сторону закона. Однако, продюсеры изменили концовку «Настоящей любви», сделав невозможной встречу мистера Белого и Алабамы.

Изначально в первой сцене фильма главные персонажи должны были ностальгировать по песне «Money» группы «Pink Floyd». Однако позднее Тарантино изменил песню на «Little Green Bag».

Первая монтажная копия картины была готова всего лишь за три дня до мировой премьеры на кинофестивале «Сандэнс».

Мадонне, песню которой активно обсуждают герои картины, очень понравился фильм, но, по её словам, интерпретация «Like a Virgin» совершенно не верна. Мадонна подарила Тарантино диск с альбомом «Erotica», подписанный следующим образом: «Квентину. Песня не о членах. Она о любви. Мадонна».

В квартире мистера Оранжевого можно заметить коробку с хлопьями «Fruit Brute». Точно такие же хлопья появляются в «Криминальном чтиве» (1994).

Предполагается, что мистер Блондин убил больше людей, чем любой другой персонаж фильма, однако зритель так ни разу не увидит в кадре, чтобы Блондин хоть кого-нибудь убил.

Актриса, сыгравшая женщину, которую застрелил мистер Оранжевый (Тим Рот), была его тренером по акценту. Тим специально настоял на том, чтобы она исполнила эту роль, т.к. таким нехитрым способом он «отомстил» ей за то, что она была слишком строга на занятиях с ним.

Фраза, которую говорит мистер Белый мистеру Розовому: «Мне нужно, чтобы ты успокоился. Ты спокоен?» – была добавлена в сценарий после возникшей драки между Лоуренсом Тирни и Майклом Мэдсеном. Для того чтобы разрядить атмосферу и продолжить съёмки, Квентин Тарантино сказал Лоуренсу: «Ларри, мне нужно, чтобы ты успокоился. Ты спокоен?».

Когда полицейский умоляет мистера Блондина не сжигать его, он говорит, что у него есть маленький ребенок. Данная фраза отсутствовала в сценарии и является импровизацией Кирка Балца. Когда он сказал её в первый раз, Майкл Мэдсен, у которого незадолго до начала съёмок родился сын, был настолько поражен и шокирован идеей оставить ребенка без отца, что не смог закончить сцену.

«Кадиллак» мистера Блондина на самом деле принадлежал Майклу Мэдсену.

По ходу действия фильма мистер Розовый неоднократно говорит, что важно оставаться профессионалами. Это – ссылка на Ховарда Хоукса, любимого режиссера Квентина Тарантино.

Внимательный зритель может заметить, что квартира мистера Оранжевого находится этажом выше склада, где происходит основное действие фильма. Из-за бюджетных ограничений создателям картины пришлось отремонтировать помещение, сделав его похожим на жилые апартаменты.

Кирк Балц попросил Майкла Мэдсена, чтобы он провез его в багажнике машины. Мэдсен согласился, т.к. посчитал, что для лучшего понимания своего персонажа ему также не мешало бы прокатить кого-нибудь в багажнике машины. Поэтому Майкл специально поехал по дороге с многочисленными выбоинами и ямами.

Изначально в сцене пытки должна была играть песня «Ballroom Blitz» группы «Sweet».

В США фильм вышел без рекламы, поэтому весьма посредственно прошел в прокате. Однако при выходе картины в Англии о Тарантино уже знали многие, а фильм стал настоящим хитом британского проката.

По версии журнала «Empire» картина была признана лучшим независимым фильмом всех времен. Читатели того же журнала назвали данное кино самым важным (наиболее влиятельным) фильмом последних пятнадцати лет.

Для европейской рекламной кампании фильма были использованы так называемые характер-постеры (отдельный постер для каждого персонажа). Сейчас подобные афиши выпускаются чуть ли не для всех картин, где присутствует множество главных героев, однако для того времени это было в новинку.

Все актеры, сыгравшие бандитов, в то или иное время попадали в тюрьму.

В сцене, где Клёвый парень Эдди разговаривает по мобильному телефону об ограблении, можно заметить оранжевый воздушный шарик, пролетающий за его машиной. По мнению некоторых зрителей, это было сделано намеренно, для того чтобы намекнуть, что мистер Оранжевый – крыса. Однако, по словам Квентина Тарантино, это – чистая случайность.

Когда мистер Белый и мистер Розовый говорят о том, что же пошло не так во время ограбления, на стене за ними можно заметить семь бутылок. Одна из них наполнена белой жидкостью, три – розовой жидкостью; оставшиеся три – оранжевой жидкостью. Белые и розовые бутылки стоят рядом друг с другом, а оранжевые – отдельно от них. В то же самое время мистер Белый и мистер Розовой находятся в одной комнате, а мистер Оранжевый – в другой.

По словам Эдварда Банкера, в фильме должна была присутствовать сцена, объясняющая, что случилось с его персонажем (мистером Синим), однако, она так и не была снята из-за бюджетных ограничений.

Поведение Мистера Пинка (герой Стива Бушеми) в самом начале фильма относительно чаевых официантке целиком списано с молодого Тарантино. Мистер Розовый говорит, что он не дает чаевых официантам, которые просто делают свою работу. Квентин признаётся, что раньше, когда у него к тому же не было материальной возможности (при зарплате примерно 50 долларов в неделю) оставлять чаевые, он руководствовался именно теми мотивами, которые высказывает мистер Пинк. Сам же Бушеми теперь очень боится, что люди будут говорить про него: «Это тот самый жадный парень!» И чтобы хоть как-то обезопасить себя от неверных взглядов со стороны, теперь переплачивает чаевые. А забыть дать кому-либо на чай-теперь одна из его фобий. Примечательно, что два года спустя Стив Бушеми сыграет подобного официанта в картине «Криминальное чтиво» (1994).

Сцена, где Блондин отрезает ухо полицейскому — прямая цитата из любимого Квентином спагетти-вестерна «Джанго»(1966).

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Наиболее амбициозный проект талантливого художника, аниматора, режиссёра и комического актёра Терри Гиллиама, который, расставшись с абсурдно-юмористической британской группой «Монти Пайтон» (из её состава участвует в «Бразилии» только Майкл Пейлин), дал полную волю своей неиссякаемой фантазии. Вдобавок ко всему в этом фильме, грандиозном по декорациям и размаху съёмок, он ещё сильнее подчеркнул манеру острой социальной сатиры, опробованную в несколько сказочной форме в «Джэбберуоки». И явно намекнул не только на знаменитый пророческий роман «1984» Джорджа Оруэлла (тем более что работа над лентой шла в том же 1984-м!), но и на традиции кафкианского, уже мрачно-абсурдного стиля.

«Бразилия» была снята режиссером Терри Гиллиамом еще в 1985 году, однако нисколько не утратила своей значимости и по сей день. Фильм этот с завидной регулярностью появляется в многочисленных антологиях, составляемых под заголовками вроде «Сотня лучших фильмов». Такое включение безусловно связано, в первую очередь, с тем, что Гиллиаму великолепно удалось воплотить на экране антиутопию, корнями восходящую к классике мировой литературы, роману «1984», написанному британцем Джорджем Оруэллом почти за сорок лет до выхода фильма. Лишенный красок тоталитарный мир писателя, будто застрявший в первой половине двадцатого столетия, узнается в «Бразилии» без особого труда. Да и рабочее название фильма было «1984 1/2». Однако, он не является калькой с романа. Здесь очень хотелось бы упомянуть, что к написанию сценария приложил руку Том Стоппард, автор культового шедевра «Розенкранц и Гильденстерн мертвы», в котором по-своему пересказал шекспировскую классику. Вот и контекст «Бразилии» иной, нежели в «1984». Авторов фильма не интересуют политические построения знаменитой антиутопии. Вместо этого, действие сосредотачивается на бытописании злоключений главного героя в мире постоянной слежки, контроля и бюрократии.

Главная задача антиутопии — показать негативную тенденцию развития общества. То, от чего
нормального человека воротит, вызывая чувство наслаждения от существования именно в своём мире. Да, наша система не идеальна… но, сравнивая с системой любого созданного мира антиутопии - мы понимаем, что человечество ещё хорошо отделалось. На антиутопическую тему можно выделить шедевральные картины: «Заводной апельсин», «Шоу Трумана», «Тёмный город», «12 обезьян», «Быть Малковичем».

Итак, «Бразилия»... Предположим, что в будущем власть будет принадлежать бюрократической машине тесно сращенной с силовым аппаратом (полицией, разведкой, войсками). Одним из её винтиков является Сэм Лаури, рядовой клерк который, несмотря на высокое положение своей семьи, предпочитает жизнь простого работника. Каждую ночь он видит яркие сны, где в образе прекрасного принца Сэм спасает незнакомку от чудовищ, но однажды он встречает её в здании своего министерства. Её зовут Джил, она пытается вызволить из застенков своего мужа Арчибальда Баттла задержанного по ошибке, якобы за нелегальную починку электроприборов.

На самом деле искали Таттла, но в машинке произошла опечатка и в итоге Джил осталась вдовой. Мало того, своими поисками она бросает тень на министерство, которое во избежание дальнейшей огласке решает убрать Джил. Узнав об этом, Сэм взламывает базу данных министерства с целью помешать исполнению приказа.

Несмотря на традиционный гиллиамовский сюр: гротескные здания, нелепая обстановка, отчаянно
гримасничающие люди, лента навевает жуть. В ленте преобладают темные оттенки, будь это стены
коридоров или облицовка здания. Все обстановка угнетает человека (например: огромные приемные в которых проситель буквально теряется), её назначение в том что бы указать ничтожность личности перед невидимой но всеобъемлющей системой. Людей перевозят в тесных вагонах общественного транспорта как скот, а частные автомобили больше напоминают инвалидные кресла с привинченным мотором. Весь мир «Бразилии» чрезвычайно неуклюж, природа в нем убита, нет ни единого деревца или цветка, на котором глаз мог бы отдохнуть от давящей громады города. Мы смотрим на огромную могилу, которую человек вырыл сам себе.

По мере просмотра «Бразилии» отчетливо понимаешь, что все увиденное это не фантастика, а
возможное будущее, которое неизбежно наступит, ведь его контуры уже отчетливо видны. В гигантских коридорах бюрократической организации бессмысленно перемещаются тысячи людей, которые, зажав под мышкой пачки бумаг, переносят их с этажа на этаж. Создается ощущение, что весь этот круговорот не имеет смысла, похоже, что его цель это непрерывное движение, которое поддерживает жизнь этой махины. Если же она хоть на секунду прекратит плодить тонны бумаги, перестанет выпускать инструкции и указания, то она тут же отдаст концы. Поэтому люди должны напрягая все силы, носится взад - вперед, бегать без передыха, исполняя приказы, лишь бы все продолжало работать, вопреки логике и здравому смыслу. Человеческие тела похожи на червяков, которые ползут по каменным кишкам монстра, что бы в итоге попасть в его желудок, где чудище переварит их души, превратив в своих слуг - существ лишенных эмоций, цель которых служение бессмысленной силе.

Гиллиам удачно совмещает в фильме «Бразилия» антиутопию и сатиру на современное
«демократическое» общество. Карикатурные здания, словно сделанные из картона, совершенно
абсурдные системы труб, свисающие с потолка, жестокая полиция с тупоголовыми офицерами,
лицемерное «светское» общество миссис Лаури, бюрократия во всех слоях общества, когда простой ремонтник, работающий не по «форме» становится преступником.

За внешним «бутафорским» благополучием города, срывается глупость, бессмыслица, жестокость
и пустота. Мир этот столь же карикатурен, сколько и узнаваем. За два часа экранного времени Гиллиам успевает пройтись по самым разным «больным» местам жизни общества, начиная от бездушности властной машины и упомянутой бюрократии (идеально воплощенной в образе Бумажного человека), и заканчивая пластической хирургией и энергетическими корпорациями.

Все это «сшивается» трубопроводами, тема которых неустанно поднимается на протяжении всего
фильма. Трубопровод - как образ линии передачи данных в информационном обществе. С другой
стороны - как образ среды жизнеобеспечения, по которой можно передавать электричество, газ, воздух и даже, извините, дерьмо (последнему в этой злой сатире тоже найдется место). И горе тому, кто впустит в свою квартиру инженеров (а не впустит — так они вломятся сами, помахивая перед лицом соответствующей разрешающей бумагой), которые не только ничего не отремонтируют, а напротив, с ухмылками раскурочат все, что попадется им под руку, оставив владельца квартиры путаться, подобно мухе в паутине, в кольцах многочисленных труб и проводов. От всего этого и смешно, и жутко одновременно.

Стоит остановиться на главном герое. Попытки Сэма помочь вдове вовлекают его в конфликт с
бюрократической системой в борьбе, с которой у человека нет ни каких шансов, вызывают уважение к этому персонажу. Перед нами довольно заурядная личность, которая, однако, возомнив себя рыцарем, начинает поход во славу свой прекрасной дамы. Сэму Лаури не нужна справедливость во всем мире, только свой маленький уютный мирок с любимой женщиной, но достижимый только в мечтах или, как хотите, предсмертной галлюцинации. Но по причине того, что Сэм непобедим лишь во снах, в реальности его попытка помочь оборачивается страшной катастрофой.

Терри Гиллиам, однако, не был бы собой, если бы не соединил бесчеловечную оруэлловскую вселенную со… сказкой. Главный герой Сэм Лаури, днем работающий программистом в правительственном учреждении, по ночам парит высоко над облаками. Во сне - он рыцарь, облаченный в сверкающие доспехи, который стремится достичь зовущей его принцессы. Всякий раз Лаури безуспешно просыпается - и так и осталась бы его принцесса несбыточной мечтой, не повстречайся она ему случайно в действительности. И рыцарь тотчас принимает решение отыскать девушку и объясниться ей в любви.

Тут и начнутся кафкианские приключения злополучного Лаури, которому в ходе его поисков откроется вся чудовищность властного аппарата, опутавшего мир сетью щупалец- трубопроводов. А сказка - она будет постепенно нарастать, проявляясь в словах героев и классических символах - образах вроде зеркала, в котором Лаури впервые наяву видит свою принцессу. Исподволь происходящее становится подобием одного бесконечного сна, люди в котором выглядят странными изувеченными фигурами, полицейский превращается в грозного великана, а опальный инженер Гарри Таттл в исполнении Роберта де Ниро - в супергероя, приходящего на помощь в минуту самого кромешного отчаяния. Так, и без того причудливый мир с его «картонными» полицейскими машинками, огромными грузовиками, перевозящими дома, телевизорами, умещающимися на ладони, пневмопочтой и телефонами с дюжинами проводов, становится совсем уж сюрреальным…

Как итог всему: Лаури свободен. Под приподнятым забралом его рыцарского шлема виднеется
глуповатая улыбка. А Гиллиам в очередной раз напоминает нам, что сказки заканчиваются лишь для тех людей, которые перестают в них верить. Иные же — будут «жить долго и счастливо».

Фильм этот безусловно как для тех, так и для других. Но каждые поймут его по-своему. Фильм вполне доступен для массового зрителя, хотя многим необходимо приложить усилия для просмотра этой картины. Эта сложная своей многофигурностью и многоплановостью, наполненная сочными образами и мощными метафорами картина поднимает всегда актуальные проблемы свободы в обществе, поиска идеала, абсурда всякой строго соблюдающейся системы, да и вообще самой жизни, проблемы смысла жизни и борьбы.

«Бразилия» - это визуально эффектный карикатурный фильм, построен и выдержан в классической нуарной схеме - загадочные события, таинственная незнакомка, расследование, но вместе с тем он будоражит, ставит вопросы, заставляет задуматься. Фильм сложился из массы мелких и больших находок и решений. Взять хотя бы образ матери Сэма - эгоистичная молодящаяся старушка, идеальный потребитель, прекрасный образец идиотизма системы, жертва мод и прочих иллюзий, жалкая пародия на идеал. Она выглядит крайне комично с туфлей на голове, с натянутой кожей (её сильно накрашенное лицо больше похоже на маску), идиотскими манерами, улыбками, движениями.

В эпизоде в ресторане никто не поворачивается, когда происходит взрыв, никто не спешит на помощь к искалеченным, все продолжают заниматься своим делом. Атмосфера всеобщего эгоизма и затхлости подавляет всё свободное (порывы альтруизма Таттла и Джил), и извращает естественное (например собака с запечатанной попой, или жертвы пластической хирургии). Так люди усиленно пытаются забыть о высших ценностях, смерти, не видеть уродство, упиваясь иллюзиями. Отличная метафора.

Страшная система, где никто ни за что не ответственен, приводит к пустому формализму, власти бумаг. Так, например, сантехники (точнее люди, уполномоченные ими быть). Они не чинят трубопровод, по сути они выполняют всего лишь формальные предписания (и не дай Бог не поладить с сантехником, он с помощью власти, данной ему бумагами может выгнать Вас на улицу).

И настоящим супергероем выступает человек, который делает дело по-настоящему. Гарри Таттл - гроза бумаг. И именно поэтому он становится врагом этой абсурдной системы. Каждый выполняет лишь предписанные ему действия, совершенно не задумываясь ни о морали, ни о последствиях, ни о чём. И случайная ошибка в системе предписаний приводит к трагедии, за которую никто не собирается нести ответственность. Всё спихивается на Сэма Лаури, который и становится козлом отпущения. И, наверное, в какой-то степени он получает по заслугам за то, что был во всём этом повязан. Но, с другой стороны, он отрекается от вскормившей его системы и становится против неё. И пусть финал не оптимистичен, не дарит ложных надежд, но все же герой смог вырваться из оков системы.

Интересные факты:

В фильме спародирован знаменитый эпизод из картины Сергея Эйзенштейна «Броненосец Потёмкин».

С этим фильмом Терри Гиллиам объездил 80 стран и в каждой ему говорили одну и ту же фразу:
«Знаете, а в вашем фильме есть частичка и нашей страны».

В 2004 году фильм «Бразилия» был включён журналом Total Film в двадцатку величайших английских фильмов всех времён. В 2005 году кинообозреватели журнала Time Ричард Корлиш (Richard Corliss) и Ричард Шикель (Richard Schickel) назвали «Бразилию» в числе 100 лучших фильмов всех времён. В 2006 году «Channel 4» незадолго до показа по «BBC Four» признал «Бразилию» одним из «50 фильмов, которые нужно посмотреть, прежде чем умереть».

Критик Кэнс Тюрэн (Kenneth Turan) охарактеризовал фильм как «самое мощное произведение
политической киносатиры со времени Доктора Стрэйнджлава».

Лейтмотивом фильма является песня 1939 года «Aquarela do Brazil» Ари Барросо, исполняемая в
различных вариациях — от возвышенных и воодушевляющих до угрожающе зловещих.

Кафкианство - это литературный термин, названный так в честь чешского писателя - модерниста Франца Кафки ( 1883 - 1924 г.). Кафка, уничтоживший в своих произведениях границу между фантазией и реальностью, получил мировое признание лишь после 1945 года. В последующие годы его уникальный стиль вошел в историю литературы под термином «кафкианство», который подразумевал описание атмосферы абсурдности, безысходности, депрессии, заранее обреченных на неудачу действий и поступков.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
«Этот мир делится на тех, кто делает, что хочет, и тех, кто не делает», — говорит героиня фильма Максин (Кэтрин Кинер) супружеской паре Крейгу и Лотте. Похоже, в этом фильме только она одна самодостаточная личность, хотя и малопривлекательная, ведь только она не побывала в теле знаменитого актера Джона Малковича.

Начнем сначала: Крейг (Джон Кьюсак) — виртуозный кукловод, который устраивает уличные представления без какого-либо успеха. Лотте (Камерон Диас) помешана на животных, например, у нее дома шимпанзе, которую она предлагает лечить психотерапией. Они так похожи: оба так увлечены своим делом, поэтому отчуждены друг от друга. Крейг, устроившись на работу в странный офис на седьмом с половиной этаже, находит там странную дверь, которая ведет внутрь тела Джона Малковича. Крейг влюбляется в сослуживицу Максин, но она видит в нем только чокнутого неудачника.

Возможность очутиться в другом теле уникальна, именно поэтому столько желающих попасть туда. Для Максин этот ход в Малковича — всего лишь бизнес, на котором она зарабатывает деньги. А Крейгу выпал шанс в жизни управлять не марионетками, а телом Малковича. Запутавшаяся в себе Лотте, оказавшись в теле Малковича, вдруг понимает или думает, что понимает, что она хочет. И не случайно она тоже влюбляется в Максин, ведь слабых личностей всегда тянет к сильным. И даже Малкович хочет попасть в тело Малковича.

Проще всего было бы сказать, что фильм Спайка Джонза — это всего лишь фарс, бред, абсурд, безумная комедия, создатели которой сами смеются над зрителем, погружая его в нелепый сюжет о проникновении в чужую голову. Собственно говоря, так оно и есть — всё вышеописанное в фильме присутствует в полной мере. Но не только это.

Фильмы по сценариям Чарли Кауфмана (и «Быть Джоном Малковичем» в том числе) кажутся мне философскими головоломками, поданными в виде подчеркнуто безумного сюжета. Вот и этот фильм, если о нём хорошо поразмыслить, может оказаться рассуждением на вполне себе серьезную тему. И эта тема — тема Другого, столь популярная в современной философии.

Так вот, в фильме проблема Другого раскрыта в полной мере. Мы видим жизнь и самих себя через призму Другого, мы сами хотим стать Другими, потому что быть собой порой бывает просто невыносимо. И вот главный герой, который раньше реализовывал это свое желание только с помощью марионеток, получает шанс стать Другим по-настоящему. Но воспользовался ли он им? Став Малковичем, он всё равно остался собой, тем же самым кукловодом, просто его марионетки приобрели иной масштаб.

За абсолютным абсурдным сценарием скрывается действительно интересный взгляд на одно из самых сокровенных желаний почти каждого человека:хоть на 15 минут стать кем-то другим, кем-то более успешным, знаменитым, богатым. Хоть на 15 минут забыть о себе, о своей старой жизни, о своих проблемах и неудачах, ведь всегда всем, кроме нас, живется легче и интереснее, и если бы у нас были бы такие же возможности, то мы бы смогли добиться того же. И как мы забываем о собственной жизни, когда мечтаем или пытаемся управлять чужими телами и судьбами, как кукловоды.

Кауфман и Джонз обыгрывают эту тему на разные лады, показывают её под разными углами, и апофеозом здесь является знаменитая сцена, где Джон Малкович попадает в собственную голову, обнаруживая, что кроме него там никого нет. Что самое интересное, эта сцена является своеобразным киновоплощением тезиса Жана Бодрийяра о том, что «Другой — это то, что позволяет мне не повторяться до бесконечности».

Фильм дает возможность почувствовать, что разум (он же душа, он же сознание) тело (вкупе с сознанием) все же можно рассматривать в отдельности друг от друга и вместе с тем в единстве. Сознание (то есть я) живет в теле, тело - это сосуд, в котором оно находится, скафандр, аватар, через который сознание взаимодействует с внешним миром, меняет его. Но тело несовершенно, обладает ограниченным набором возможностей и запасом прочности, поэтому приходится предпринимать определенные действия, чтобы поддерживать в нем жизнь. Кроме того тело испытывает боль, массу различных неудобств, но в то же время с помощью тела можно получить массу наслаждений, которые повлияют и на сознание.

Фильм очень многогранен: он о том, чего мы можем добиться, обладая другим телом. И о том, что вами, возможно, тоже кто-то управляет. А также о том, что даже такому известному актеру, как Малкович, смена амплуа только на пользу. А еще он о любви, будет ли счастлив человек, живя с телом одного человека и душой другого? Наверное, многие об этом мечтали.

Честно говоря, для первого сценария в своей жизни, Чарли Кауфман написал довольно смело, учитывая, что он описывал возможность залезть в голову человека, причём не самого безызвестного. Малкович — актёр первой величины, знаменитость, в некоторых сценах с которой, Чарли обратился довольно бесцеремонно. Кукольник обращается с ним, как хочет, и по большей степени, пытается с помощью знакомого лица, исправить все проблемы своей жизни и стать счастливым.

«Быть Джоном Малковичем» — это блестящий пример того, как надо снимать современное философское кино. Без затянутости и нудных диалогов, с налетом эпатажности и абсурда, с иронией и ухмылкой. Мысль от этого не теряется, не становится более плоской — она остается серьезной, но перестает быть скучной.

Действительно, «Быть Джоном Малковичем» можно назвать каким угодно, но только не скучным. В этом заслуга и режиссера, и сценариста, и актеров (среди них, конечно, в первую очередь нужно отметить самого Малковича). В конце концов, если нет желания копаться в философских проблемах, можно посмотреть этот фильм и просто так — он этого действительно заслуживает.

Блестящие диалоги, едкая сатира и восхитительный черный юмор. Наблюдать за тем, как персонажи плюются друг в друга ядом — одно удовольствие. При этом сюжет абсолютно непредсказуем, петляет, извивается, сюжетные твисты следуют один за другим. Все это дополняется сильным актерским составом — игра невероятной мощи. Исполнителя главной роли Джона Кьюсака я узнал лишь на 20-ой минуте фильма. Эта роль настолько отличается от тех, которые я привык видеть в его исполнении («Воздушная тюрьма» или «1408»), что приходится какое-то время к нему привыкать. Ему отлично удался образ несчастного человека! Камерон Диаз я тоже узнал не сразу с её кустистыми волосами. Довольно нестандартная роль, учитывая, что её приходится видеть в основном в романтических комедиях. Очень понравилась Кэтрин Кинер: не самая красивая женщина на свете, но в этом фильме она создала образ такой притягательной и обворожительной женщины. Она полностью заслуживает номинации на Оскар. Эволюция героев на экране стремительна. Героиня Диаз, которая в начале кажется серой и унылой в середине фильма преображается, становится невероятно живой. Так же разительны перемены в Крэйге — он становится невероятно эгоистичным, зацикленным только на себе.

Если вы стали поклонником предыдущих фильмов Чарли Кауфмана, таких как «Адаптация» или оскароносное «Вечное сияние чистого разума», то вам непременно имеет смысл посмотреть и этот фильм. Если вы хотите увидеть что-то новое, необычное и неизбитое, то вам сюда.

Интересные факты:

В фильме полное имя Малковича: Джон Горацио Малкович, в реальности же его зовут Джон Гевин Малкович.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Эта американская комедия с рядом цензурных купюр имела очень большой успех в советском кинопрокате в 1966 году (43,9 млн. зрителей всего при 208 копиях!), вообще-то известна во всём мире с иным заглавием — «Некоторым нравится погорячее». И, между прочим, самой знаменитой и часто цитируемой фразой, которая даже использовалась в названиях других фильмов, является финальное высказывание одного из героев картины — «Никто не совершенен», что парадоксально заключает прежде поведанный сюжет с явными мотивами трансвестизма. Ведь некоторым действительно хочется чего-то «погорячее» или же более нетрадиционного, в том числе — и в сфере сексуальных предпочтений.

А вот советский вариант «В джазе только девушки» намеренно уводил в сторону эксцентрики. Впрочем, это заявлено и по сюжету: когда чикагские музыканты Джо и Джерри случайно становятся свидетелями бандитской перестрелки, дело происходило сразу после знаменитой гангстерской «резни в день святого Валентина» в 1929 году, они в срочном порядке смываются на поезде во Флориду, прикинувшись женщинами. Теперь они — Джозефина и Дафна, новенькие и хорошенькие инструменталистки женского джаз — банда, где, конечно же, блистает весьма соблазнительная певичка «Душечка» Кейн в исполнении Мэрилин Монро.

До поры до времени их маскировка срабатывает. Но вскоре любвеобильная солистка «западает» на переодетую Джозефину, престарелый плейбой влюбляется в Дафну, а босс мафии, разгадав тайну маскарада, решает срочно разделаться со свидетелями…

Оригинальная версия названия, безусловно, намекала на возможность не столько внешнего, сколько внутреннего трансвестизма, который может почувствовать в себе вполне добропорядочный американец, по уши влюбившись в одного из переодетых музыкантов и не будучи склонным отказываться от объекта своей страсти даже тогда, когда этот невольный подлог обнаружился.

Мэрилин Монро, Тони Кертис и Джек Леммон — вот всем известные имена актеров, составивших великолепнейшее трио, доставляющее безграничное удовольствие своей игрой. Они создали пять колоритных образов, запоминающихся навсегда. Мэрилин — своим обворожительным видом и музыкально-песенными номерами. Кертис и Леммон — неповторимыми двойными персонажами, каждый из которых (Джо, Джозефина, Джерри, Дафна) будто бы отдельный человек. Банальное, но совершенно уместное, браво!

Снятое в черно-белых цветах (иначе бы грим Кертиса и Леммона не выглядел бы столь органично) кино изобилует множеством шикарных сцен. Может быть они бы и стали красочней от цветной пленки, но ч/б картинка уже настолько прочно ассоциируется с этим фильмом, что об альтернативе и не думаешь. Эдакий отличительный штрих!

Хорошее настроение, море улыбок и смеха, умилительные истинно романтические моменты, замечательную концовку — вот что дарит нам фильм «В джазе только девушки». Люди его смотрели, смотрят, и будут смотреть. И это опять не удивительно. Два часа сплошного позитива на дороге не валяются!

Режиссер фильма - австрийский еврей Вилли Вильдер (Билли Уайлдер) сделал прекрасную карьеру в американском кино, снимая ленты различных жанров. Знакомая и любимая многими комедия «В джазе только девушки» — это лёгкая и вполне деликатная история на вроде бы двусмысленную тему. Забавно, что единственный «Оскар» данной картине, которая была признана и зрителями (в прокате США бюджет в размере $3,5 млн. был превзойдён более чем в семь раз!), и критиками (по опросу Американского киноинститута в 2001 году, она вообще названа лучшей комедией за всю историю), достался лишь за костюмы в чёрно-белом фильме. Но всё объясняется очень просто — в тот год на Киноолимпе царствовал библейский суперколосс «Бен Гур», отхвативший рекордное количество призов (а именно — 11).

Интересные факты:

Так как Уайлдер считал, что снимать фильм по законченному сценарию нельзя, то во время съемок он продолжал работу над сценарием вместе с Даймондом. Занимались они этим чаще всего в выходные прямо на съемочной площадке. Завершить же работу над сценарием они смогли лишь за четыре дня до окончания съемок.

Картина снималась по мотивам немецкого фильма «Фанфары любви» (1951), который в свою очередь, представлял собой римейк одноименной французской ленты 1935 года. Правда в немецком фильме не было никаких гангстеров.

Знаменитая фраза «У каждого свои недостатки» родилась совершенно случайно. Ее произнес Даймонд в беседе с Уайлдером, когда они обсуждали финал фильма.

Первоначально фильм планировалось снять в цвете, но после нескольких экранных тестов, от этой идеи отказались из-за очевидного зелёного оттенка вокруг тяжёлой косметики Кёртиса и Леммона в образах Джозефины и Дафны.

Фильм занимает 32-е место по посещаемости среди зарубежных лент в советском кинопрокате.

Во время повторного выпуска в советский кинопрокат в 1985 году этот фильм посмотрели 28,9 млн. человек. Общая аудитория за два выпуска в прокат СССР составила 77,9 млн. зрителей.

Фильм был сокращён в советском кинопрокате на 17 минут.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Вампиры, оборотни, Дракула c невестами, Франкенштейн с Игорем, доктор Джекил и мистер Хайд. Дааа, Стивен Соммерс явно не стал мелочиться. В отличие от создателей фильма «Другой мир», у Соммерcа оказалась фантазия куда богаче — скрестить всю эту компашку в одном фильме дорогого стоит. Правда, и результат оказался соответствующим — каламбур из экшена, спецэффектов, трюков, взрывов и немножко брутального Хью Джекмана. Фильм ценен не художественными достоинствами, а атмосферой и актерами.

«Ван Хельсинг» — очень бойкое и динамичное кино, которое захватывает всё внимание и не отпускает до финала. Картина для тех, кому нравится готика, вампиры, мрачные замки, всякая нечисть… Пейзажи мертвецки красивы, и лишены яркости и жизненной окраски, что придаёт фильму жутковатый оттенок. Музыка - то жуткая и резкая, то невероятно лирическая - но везде потрясающая и захватывающая. Есть много поединков, гонки на карете, сражения с вампирами, в общем, всё как надо.

Ван Хельсинг — это такой Джеймс Бонд образца 19-го века, который работает не на Британскую спецслужбу, а на Римскую церковь; расправляется не с международными террористами, а с дьявольскими слугами; вместо пистолета — скорострельный арбалет, а взамен Q — распутный монах Карл; одет попроще, да и популярности поменьше. Но, как и Джеймс Бонд, Хью Джекман обаятелен, симпатичен и чертовски крут.

Девушка Бонда, тьфу ты, - Ван Хельсинга - Кейт Бекинсейл красива как никогда. Дизайнеры костюмов одели её в каком-то стиле а-ля «госпожа из салона»: обтягивающий корсет со шнурками, бархатные сапожки, брюки, длинные вьющиеся волосы, томный взгляд — в общем, настоящая принцесса, которую она в принципе тут и играет.

Не стоит также забывать и про гламурного Дракулу, вид имеющего скорее не вампирский, а онегинско-утомленный. Ричард Роксбург открыл нам нового Дракулу, особенного, - не менее обаятельного и привлекательного, чем Дракула Гэри Олдмена. Обаяние и аристократизм до мозга костей. И глобальные цели покорить весь мир. Интересно то, что Дракула летает, его длинный черный плащ превращается в крылья.

Даже отважная красавица Анна, борющаяся с силами тьмы, не смогла устоять перед чарами Дракулы, хотя и говорила, что ненавидит его «всеми силами души» - да и было за что. Одна из самых волнительных сцен- бал-маскарад в Будапеште, где бледный принц Тьмы закружил в своих объятиях красавицу в красном платье и великолепных украшениях. Разумеется, Ван Хельсинг должен был победить Дракулу - и сделал это весьма оригинально. Да в этом фильме все оригинально...

Интересные факты:

Еще в 1994 году данный проект задумывался как сиквел к оригинальному фильму Брэма Стокера «Дракула», главную роль в котором должен был исполнить Энтони Хопкинс. Однако с тех пор утекло много воды, и первоначальный сценарий изменился до неузнаваемости.

Хью Джекман снимался в двух фильмах одновременно: «Люди Икс 2» и «Ван Хельсинг». Причем, предпочтение было отдано именно «Ван Хельсингу». Неслучайно съемки одной из сцен «Людей Икс 2» были перенесены на тот промежуток времени, когда Хью получил выходной день на съемочной площадке «Ван Хельсинга». Тем не менее, в мировой прокат «Ван Хельсинг» вышел на год позднее.

Роль Карла по слухам должна была достаться Полу Хогану. Но в итоге Карлом был избран Дэвид Венхэм.

Оригинальный персонаж по фамилии Ван Хельсинг из «Дракулы» волею обстоятельств сменил свое имя с Абрахама на Гэбриель.

Стивен Соммерс хотел пригласить Кейт Бекинсейл на роль Анны, но подумал, что персонаж слишком похож на ее роль в фильме «Другой мир» (2003), снимавшемся одновременно. Однако агент актрисы попросил режиссера просто послать ей сценарий, и Бекинсейл немедленно согласилась на роль.

Роль Игоря была специально написана для близкого друга режиссера Кевина О’Коннора.

Начало фильма совпадает с началом « Невесты Франкенштейна » (фильм 1935 г.), где также сгорает мельница, а создание Франкенштейна спасается в колодце.

Во время съемок пришла трагическое известие о смерти отца режиссера, Стивена Соммерса. Поэтому надпись «In memory of my Dad» в финальных титрах вполне понятна.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Вампиры, оборотни, Дракула c невестами, Франкенштейн с Игорем, доктор Джекил и мистер Хайд — дааа, Стивен Соммерс явно не стал мелочиться. В отличие от создателей фильма «Другой мир», у Соммерcа оказалась фантазия куда богаче — скрестить всю эту компашку в одном фильме дорогого стоит. Правда, и результат оказался соответствующим — каламбур из экшена, спецэффектов, трюков, взрывов и брутального Хью Джекмана. Фильм ценен не художественными достоинствами, а атмосферой и актерами.

«Ван Хельсинг» — очень бойкое и динамичное кино, которое захватывает всё внимание и не отпускает до финала. Картина для тех, кому нравится готика, вампиры, мрачные замки, всякая нечисть… Пейзажи мертвецки красивы, и лишены яркости и жизненной окраски, что придаёт фильму жутковатый оттенок. Музыка - то жуткая и резкая, то невероятно лирическая - но везде потрясающая и захватывающая. Есть много поединков, гонки на карете, сражения с вампирами, в общем, всё как надо.

Ван Хельсинг — это такой Джеймс Бонд образца 19-го века, который работает не на Британскую спецслужбу, а на Римскую церковь; расправляется не с международными террористами, а с дьявольскими слугами; вместо пистолета — скорострельный арбалет, а взамен Q — распутный монах Карл; одет попроще, да и популярности поменьше. Но, как и Джеймс Бонд, Хью Джекман обаятелен, симпатичен и чертовски крут.

Девушка Бонда, тьфу ты, - Ван Хельсинга - Кейт Бекинсейл красива как никогда. Дизайнеры костюмов одели её в каком-то стиле а-ля «госпожа из салона»: обтягивающий корсет со шнурками, бархатные сапожки, брюки, длинные вьющиеся волосы, томный взгляд — в общем, настоящая принцесса, которую она в принципе тут и играет.

Не стоит также забывать и про гламурного Дракулу, вид имеющего скорее не вампирский, а онегинско-утомленный. Ричард Роксбург открыл нам нового Дракулу, особенного, - не менее обаятельного и привлекательного, чем Дракула Гэри Олдмена. Обаяние и аристократизм до мозга костей. И глобальные цели покорить весь мир. Интересно то, что Дракула летает, его длинный черный плащ превращается в крылья.

Даже отважная красавица Анна, борющаяся с силами тьмы, не смогла устоять перед чарами Дракулы, хотя и говорила, что ненавидит его «всеми силами души» - да и было за что. Одна из самых волнительных сцен - бал-маскарад в Будапеште, где бледный принц Тьмы закружил в своих объятиях красавицу в красном платье и великолепных украшениях. Разумеется, Ван Хельсинг должен был победить Дракулу - и сделал это весьма оригинально. Да в этом фильме все оригинально...

Интересные факты:

Еще в 1994 году данный проект задумывался как сиквел к оригинальному фильму Брэма Стокера «Дракула», главную роль в котором должен был исполнить Энтони Хопкинс. Однако с тех пор утекло много воды, и первоначальный сценарий изменился до неузнаваемости.

Хью Джекман снимался в двух фильмах одновременно: «Люди Икс 2» и «Ван Хельсинг». Причем, предпочтение было отдано именно «Ван Хельсингу». Неслучайно съемки одной из сцен «Людей Икс 2» были перенесены на тот промежуток времени, когда Хью получил выходной день на съемочной площадке «Ван Хельсинга». Тем не менее, в мировой прокат «Ван Хельсинг» вышел на год позднее.

Роль Карла по слухам должна была достаться Полу Хогану. Но в итоге Карлом был избран Дэвид Венхэм.

Оригинальный персонаж по фамилии Ван Хельсинг из «Дракулы» волею обстоятельств сменил свое имя с Абрахама на Гэбриель.

Стивен Соммерс хотел пригласить Кейт Бекинсейл на роль Анны, но подумал, что персонаж слишком похож на ее роль в фильме «Другой мир» (2003), снимавшемся одновременно. Однако агент актрисы попросил режиссера просто послать ей сценарий, и Бекинсейл немедленно согласилась на роль.

Роль Игоря была специально написана для близкого друга режиссера Кевина О’Коннора.

Начало фильма совпадает с началом « Невесты Франкенштейна » (фильм 1935 г.), где также сгорает мельница, а создание Франкенштейна спасается в колодце.

Во время съемок пришла трагическое известие о смерти отца режиссера, Стивена Соммерса. Поэтому надпись «In memory of my Dad» в финальных титрах вполне понятна.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
В 1998 году Стивен Содерберг решил отдохнуть от своих арт-хаусных экспериментов и снять жанровое кино. В результате, «Вне поля зрения» получило восторженные рецензии критиков, многие из них признали его лучшим фильмом года. Джордж Клуни окончательно утвердил себя в статусе голливудской звезды. Зритель получил одну из лучших экранизаций книги Элмора Леонарда. Стивен Содерберг ворвался в коммерческий кинематограф, и с тех пор умело чередует жанровые картины с арт -хаусными работами.

С самого начала картины, нам показывают замечательное развитие сюжета — грабитель Джек Фоули, с ловкостью обманывает банковскую служащую, опустошив кассу заведения. Но, к сожалению, далеко уехать ему не пришлось — машина, ожидающая на парковке, как назло не завелась и ловкого Джека повязали. В тюрьме, Джек быстро освоился и однажды, удачно проскочил на волю в момент побега парочки заключенных. По ту сторону тюремных стен, Джек прихватил с собой в плен работницу прокуратуры, Карен Сиско. По дороге из тюрьмы, немного познакомившись с пленницей, Джек почувствовал, что между ними проскочила искра. С помощью одного из напарников Джека, Карен удается убежать от грабителя, но что случилось, — почему она постоянно о нем думает и почему он снится ей во снах? А тем временем на воле, Джек начинает потихоньку осуществлять свой план по одному ограблению, который начал развевать до побега из тюрьмы. Карен, четко идет по его следу, но окончательно запутавшись в своих чувствах, кажись сама не знает с какой целью…

На первый взгляд, сюжет фильма не блещет оригинальностью: перед нами стандартная история преступника, сбежавшего из тюрьмы, идущего на свое последнее дело и точно решившего, что он лучше умрет, чем снова вернется в тюрьму. С другой стороны, Скотт Фрэнк ( автор сценария )предпочел нелинейное повествование с постоянно возникающими флэшбэками, придающими новую сторону в раскрытии образа того или иного персонажа. Более того, если бы фильм шел в хронологическом порядке, одни и те же сцены по разному воспринимались зрителями. Например, разговор Джека и Рипли в его офисе смотрится в середине фильма совершенно иначе, чем если бы он находился в начале картины, потому что нам уже многое известно о персонажах, и подобные диалоги воспринимаются уже на ином эмоциональном уровне.

Наибольший вклад в успех фильма внесли актеры, каждый из которых идеально вписался в роль. Стив Занн своим первым появлением на экране, еще до того как он что-то скажет, заставит вас смеяться до боли в животе. Совершенно неузнаваемый Альберт Брукс не только отпускает шикарнейшие ремарки, но и великолепно играет мимикой. Винг Рэймс предстал в совершенно невообразимой для себя роли: здоровенного громилы, после каждого дела звонящего своей сестре, чтобы исповедаться. Дон Чидл, отличный драматический актер, не менее блестяще смотрится в комедийной роли, но при этом ему удалось создать образ невменяемого отморозка, с регулярной периодичности отпускающего лучшие шутки в фильме. Дэннис Фарина, Сэмюэл Л. Джексон, Майкл Китон появляются на экране в одной или двух сценах, но этого времени им достаточно, для того чтобы создать запоминающиеся образы.

Главным украшением фильма стали Джордж Клуни и Дженнифер Лопез. Он никогда не был настолько обаятельным, а она никогда не была так хороша. Вместе они составили одну из самых запоминающихся и необычных пар в кинематографе девяностых. Джек — сбежавший преступник, Карен — федеральный маршал. Их первое свидание прошло в багажнике машины, где прятался Джек, сбежав из тюрьмы и взяв в заложницы Карен. Но в отличие от большинства подобных ситуаций разговор у них пошел о «что если», бывшей жене Джека, кинематографе и прочих пустяках. Самый шик и прелесть этого фильма - это безусловно диалоги Клуни и Лопез. Они неоднозначны, проницательны, откровенны и заслуживают внимания.

Случайная встреча перерастет во взаимное влечение. Уже после первого получаса начинаешь переживать не за, казалось бы, главную сюжетную линию — удастся ли Джеку провернуть последнее дело или нет — а волнуешься, останутся ли вместе Джек и Карен. Содерберг прекрасно чувствует изменившуюся ситуацию и медленно подводит зрителей к главной сцене фильма.

Сцена в кафе, смонтированная вперемежку с отелем, которую невозможно смотреть в полглаза, на которой невозможно жевать и которую нельзя прервать, — вот, что заботит режиссера. Кадр от и до заполнен красотой, которая не слипается в вязкую патоку, картинка заполнена нескрываемым эротизмом, который не сворачивает в пошлость.

Два человека. Он и она. Полупустой бар в одном из отелей. Снег за окном. Приглушенный свет. Разговор тет-а-тет. И даже здесь режиссер остался верен себе, постоянно перемещаясь по средствам монтажа между баром и комнатой в отеле. Камера блуждает по бокалам с бурбоном, переплетенным рукам, лицам так, будто режиссер находится в той же комнате, это уже не объектив камеры — это взгляд человека. Регулярные стоп-кадры в сцене — желание остановить время, именно здесь и сейчас происходит настоящее, происходит то, ради чего вообще стоит смотреть кино. Он создал потрясающую постельную сцену, избежав всякой обнаженки, и невообразимую по красоте прелюдию к ней, где Джек и Карен сидят за столиком и разговаривают друг с другом. А у зрителя за эти десять минут сердце готово выпрыгнуть из груди от осознания того, что перед нами творится самая настоящая магия кино, где всё гениальное просто, но при этом невероятно красиво.

Стивен Содерберг связал в прочные узелки все ниточки сценария, актерской игры и обаяния персонажей, добавил по своему усмотрению различные цветофильтры, придающие необходимую атмосферу той или иной сцене, и создал один самых запоминающихся фильмов второй половины девяностых годов прошлого века. Мы видим прекрасную криминальную драму с элементами чёрной комедии и щедро сдобренную романтикой. В целом - красивое, умное, смешное, немного грустное и невероятно притягательное кино. Ценителям качественного многопланового кино к просмотру обязательно.


Интересные факты:

Сцены в «Глэйдс» снимались в тюрьме «Ангола» в Луизиане. Массовкой выступили 500 настоящих заключенных.

Количество дублей сцены в багажнике: 45. Однако в окончательный монтаж не попал ни один из них. Дело в том, что изначально предполагалось снять данную сцену одним планом, но такая манера съёмок не понравилась зрителям во время тест-просмотра. Поэтому сцену пересняли, добавив в неё упоминания бывшей жены Джека и разговор о «Трех днях кондора» (1975).

Фотография Джека Фоули (Джордж Клуни) в его личном деле была сделана еще во время съёмок «От заката до рассвета» (1996).

На момент выхода фильма в прокат «Вне поля зрения» была единственной картиной, где сыграли два актера, ранее исполнившие роль Бэтмана: Майкл Китон и Джордж Клуни.

Майкл Мэлоун сыграл одного из посетителей банка в начальной сцене фильма. Однако в титрах он указан как Элджин Марлоу. Майк – хороший друг Стива Содерберга, сыгравший в его фильме «Шизополис» (1996).

Сэмюэл Л. Джексон бесплатно сыграл небольшую роль: заключенный в последней сцене фильма.

Майкл Китон вновь сыграл Рэя Николетта. В первый раз он исполнил данную роль в другой экранизации книги Элмора Леонарда – «Джеки Браун» (1997).

Внешний вид особняка Рипли – реально существующий дом. Однако внутренние помещения – декорации. Владельцам особняка так понравились комнаты, созданные декораторами, что они попросили эскизы и наброски.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
А вот и оно — самое известное кино-произведение мастера ужасов Клайва Баркера, которое он сам сочинил, и сам же представил на большом экране. Творчество таких людей не попадает в привычные рамки, они всегда умудряются удивлять. Даже такими вещами, как насилие, бесконечные страдания и всевозможные представления Ада как самого страшного места, какое только можно себе представить. По своей сути «Восставший из Ада» — обыкновенный фильм ужасов, снабженный мистикой и скромным даже по тем временам бюджетом в 1 млн.$. При этом здесь нет ни одного выдающегося актера, а сам Клайв Баркер на тот момент был мало известен, по крайней мере, широкой публике. Правда, есть очень симпатичная Эшли Лоуренс. А творца выручил его талант создавать неповторимую атмосферу буквально из ничего.

Холодная и сдержанная Джулия Коттон (Хиггинс) замужем за Ларри (Робинсон). Между ними уже давно не чувствуется какой-либо химии, они больше похожи на двух людей, которые живут вместе в силу привычки, а не в силу какой-то там великой любви. И вскоре становится ясно, почему: за несколько дней до свадьбы Джулия изменила жениху с его братом Фрэнком (Чепман) и в порыве страсти, которую, судя по всему, не испытывала ни с кем, поклялась сделать для Фрэнка всё, что угодно.

Через какое-то время Ларри и Джулия переехали в старый дом, где когда-то жил Фрэнк, и неверная жена начала сходить с ума от тоски по любимому. К счастью для Джулии, Ларри нечаянно проливает несколько крупных капель крови на пол. Кровь поможет братцу, которого все считали пропавшим без вести, вернуться…из Ада. Фрэнк сбегает от демонических существ — ксенобитов — и просит Джулию помочь ему остаться на Земле. Всё, что для этого требуется, — человеческая кровь.

Нужно отдать Баркеру должное: в 80-е, когда почти все мастера жанра были увлечены слэшером, он, сев в режиссёрское кресло, сделал фильм ужасов, охватывающий тему, не получившую столь широкого распространения. Тема страсти! Джулия, которая всем вокруг кажется скучной и зажатой, на самом деле испытывает оргазм от секса с плохими парнями, вроде Фрэнка, расстёгивающего лифчик с помощью ножа. Cколько похоти, секса и безумия в ее глазах ! Непреодолимая зудящая тяга страсти движет Джулией, и она начинает убивать, насыщая дорогого любовника, который и сам стремился к запредельному наслаждению, купив на каком-то Богом забытом азиатском рынке шкатулку, приносящую удивительное чувство: нечеловеческую боль, смешанную с таким же нечеловеческим удовольствием. Шкатулка, цена которой — человеческая душа, была послана на Землю ксенобитами, чтобы искушать грешников, вроде Джулии и Фрэнка.

Ужастиков и триллеров в Голливуде натворили немыслимое количество. Каждый месяц уже много лет подряд появляются десятки похожих друг на друга историй про какой-либо особняк с потусторонними силами и страшными тайнами. А уж сколько подобных фильмов отснято про загадочные медальончики и шкатулки, и вспомнить трудно. «Восставший из Ада», в принципе, создавался по такой же основе — главный персонаж Фрэнк стал владельцем необычного кубика, который, оказывается, открывает двери в Ад. Но Ад необычный, не такой, каким его представляют в большинстве картин — с озерами крови и морями огня, да рогатыми демонами. У Баркера фантазия оказалась куда более богатая и в итоге зрители увидели то, что раньше даже в кино казалось труднодоступным для понимания:

Человек хочет заставить посланцев Ада служить ему и выполнять его сексуальные фантазии. Однако жители Ада вовсе не для того отправили шкатулку ЛеМаршана в мир людей, чтобы удовлетворять сладострастие последних. Наоборот, дурманя головы сказкой о невероятном наслаждении, они преследуют свою цель. Открой шкатулку и мы придём. ЗА ТОБОЙ. Ибо ТЫ будешь нашей игрушкой, мы будем экспериментировать на ТЕБЕ. Инженер умён и изобретателен, он сможет придумать такое, что тебе даже не снилось в кошмарных снах… Ты хотел наслаждений Ада? Так получай и не наша вина, что они несколько отличаются от тех, о которых ты мечтал.

Потусторонний мир, открывающийся перед владельцем зловещей шкатулки, представлен как будто наоборот — вместо огня и воплей странные темные коридоры, настоящий лабиринт ужаса. Никаких сотен тысяч грешников, вместо этого садо-мазохистские сценки, с разрыванием плоти и безумными страданиями тех, кто скрывает от внешнего мира свою истинную сущность. Это вначале Фрэнк кажется безобидной жертвой, но постепенно, именно благодаря кубику, становится ясно, что это не так. И все свои страдания он получит сполна. А проследят за этим крайне необычные существа, обитатели жуткого лабиринта — ксенобиты. Дизайн уродцев способен напугать даже сейчас, особенно тех, кто в свое время не посмотрел первые части «Восставшего из ада».

Что и говорить — с точки зрения представления такого ада фильм уникален. Жуткая музыка, которая, кстати, присуща всем экранизациям баркеровских фантазий (как, например, и Стивена Кинга) нагоняет еще больше страха перед непонятным. Все эти темные комнатки, адский лабиринт, гвоздеголовый лидер ксенобитов, цепи и крючья, разрывающие нехорошего Фрэнка на куски и сдирающие с него кожу — все это запоминается после первого же просмотра на всю оставшуюся жизнь.

Клайв Баркер создал настоящий, культовый фильм ужасов - мрачный, стильный, страшный, сексуальный.

Интересные факты:

Первоначальное название картины было «Садомазохисты из потустороннего мира» (Sadomasochists From Beyond The Grave).

Исполнителя роли ксенобита Дага Брэдли перед появлением на съемочной площадке в течение шести часов гримировали, закрепляя на его голове сотни гвоздиков.

Дагу Брэдли перед съемками было предложено на выбор две эпизодические роли – переносчика мебели или «гвоздеголового» ксенобита. Начинающий актер посчитал, что важнее, конечно, для молодого актера, чтобы его лицо появилось на экране, но все-таки выбрал роль ксенобита. И не прогадал.

Даг Бредли - друг и одноклассник Клайва Баркера.

Первоначально роль Ларри Коттона была предложена Лэнсу Хэнриксену, но тот отказался.

Для писателя Клайва Баркера это был режиссерский дебют. Его книга «The Hellbound Heart», по которой поставлен фильм, состоит всего из 60 страниц.

Головоломка, при помощи которой герои фильма попадают в ад, известна как «Шкатулка Лемаршана» или «Конфигурация плача» («Lament configuration»).

Фрэнка Коттона в его человеческом облике, и Фрэнка-«восставшего» играют разные актеры.

По мотивам фильма были выпущены несколько комиксов, выпускались пластиковые модели ксенобитов.

Следует заметить, что в литературном первоисточнике никакого Пинхэда не было и в помине, а его функции выполняло существо, называемое «Инженером» - странный субъект с телом человека и сгустком света вместо головы. Однако в самом начале повести встречается описание нескольких ксенобитов, и один из них – девушка – выглядит следующим образом: «Каждый дюйм головы был татуирован сложнейшим узором, на каждом пересечении горизонтальных и вертикальных линий сверкала булавка с драгоценным камнем, насквозь прокалывавшая кость».

Ксенбит - это церковный термин, обозначает жителя монашеской коммуны. Это слово греческого происхождения. Баркер описывает ксенобитов как «теологов Ордена Ран или Разрезов». Ксенобиты могут проникать в нашу реальности только через особый пространственно-временной пролом - «схизму» — который можно открыть и закрыть с помощью особых приспособлений. Таким приспособлением для создания «пролома» является Шкатулка—Головоломка (англ. The Puzzle Box), впервые сделанная неким создателем игрушек Филипом Лемаршаном в 1784, по заказу и чертежу Дюка де Лиля (аристократа, практикующего темную магию).

Первоначально саундтрек к фильму записывала известная английская индустриальная команда Coil, но несмотря на протесты Клайва Баркера, давнего знакомого группы, продюсеры из New Line Cinema не приняли их композиции по собственным причинам.

Первоначальный сценарий Баркер изменил под влиянием Тони Ренделла (Tony Randel) и Питера Аткинса (Peter Atkins), снимавших продолжение «Восставшего». Это касается сцены в которой Керсти забирает Шкатулку у Джулии, убитой крючками ксенобитов. Необходимо было ввести связующий серии элемент - матрац с кровью Джулии.

Прообраз Шкатулки Лемаршана - головоломка, которую маленькому Клайву подарил дедушка.

В 2012 году планируется выпустить ремейк картины. На самом деле еще в 2009 году предпринимались попытки его съемок, но после месяца работ Паскаль Ложье, взявшийся за этот проект, покинул его. И фильм забуксовал…

Описание (клик - развернуть/свернуть):
1942 год, разгар Сталинградской битвы. Немецкое командование направляет на передовую своего лучшего стрелка, майора Кенига, с особым заданием. Этот опытный и терпеливый профессионал — единственный, кто может попытаться справиться с русским «ангелом смерти» — неуловимым снайпером Василием Зайцевым.

Зайцев — легенда и икона для защитников Сталинграда. Каждый день он выносит смертный приговор десяткам захватчиков, попавших в перекрестье его прицела. Между двумя уникальными снайперами начинается смертельная схватка, победителем из которой будет суждено выйти лишь одному…

Картину Жан-Жака Анно можно смело включить в список самых увлекательных фильмов о войне не в последнюю очередь потому, что собственно батальных сцен в ней довольно мало. Одна такая сцена есть в начале фильма — по кровавости и жестокости ее сравнивают с изнурительной схваткой, которой открывается "Спасение рядового Райана". Но этим какое-либо сходство между двумя историческими полотнами исчерпывается: "Враг у ворот" абсолютно лишен той навязчивой идеологии, которая составляет основное содержание спилберговской картины.

Строго говоря, фильм Анно совсем не про войну, он про двух людей, соединенных фатальной связью и знающих, что разорвется она только тогда, когда один из них убьет другого. Такая психологическая конструкция присуща не столько военным фильмам, сколько триллерам про маньяка и сыщика, между которыми заочно складываются сложные взаимоотношения. Только тут трудно разделить, кто хороший, а кто плохой, кто охотник, а кто жертва,— оба друг друга стоят, и оба настолько обаятельны, что об исторической справедливости как-то забываешь. Здесь и речи нет о противостоянии нацизма и марксизма, Германии и России, Гитлера и Сталина: оба героя готовы в любой момент умереть, но не за идею и даже не за родину, а просто ради красивого финала опасной игры.

Большую часть фильма Зайцев и Кениг ползают по развалинам города и подстерегают друг друга. Все решит один выстрел...
Актеры, по слухам, учились у настоящих снайперов: чистили винтовки, стреляли по мишеням, узнавали секреты маскировки. Так что особенности суровой работы Анно демонстрирует по-голливудски убедительно. Редкостная интуиция интеллигентнейшего Кенига вызывает восхищение и изумление, особенно после того, как в конце он на удивление глупо подставляется под пулю русского. Впрочем, после двух с лишнем часов равной борьбы, разбавленной ужасами сталинизма и прелестями военно-полевого романа, режиссеру проще убить персонажа, которого в реальной истории, скорее всего, и не было.

Василий Зайцев в исполнении англичанина Джуда Лоу (Jude Law) выглядит явным барчуком, потомком белогвардейцев, таким же аристократом, как его противник майор Кениг (Эд Харрис, Ed Harris). Сам-то Зайцев, конечно, выдает себя за пастуха с Урала, который выработал невероятную меткость в результате систематического отстрела волков, но достаточно посмотреть на его руки с тщательно напиханной под ногти грязью, чтобы понять, какой из него пастух.

Зная содержание фильма, по инерции ждешь от него привычной развесистой клюквы в изображении советских нравов, но она если и присутствует в небольших количествах, то воспринимается безболезненно, не как фальшь, а как условность. Видимо, оттого, что картина сделана очень культурным режиссером с художественным вкусом,— и это тот редкий случай, когда при слове "культура" рука не тянется к снайперской винтовке. "Враг у ворот" снят со всей классической красивостью, на какую способен Жан-Жак Анно, создатель таких живописных полотен, как "Имя розы" (The Name of the Rose) и "Семь лет в Тибете" (Seven Years in Tibet).

Но если говорить серьезно, то следует выразить американскому французу огромную человеческую благодарность. Пусть пусть бешеные миллионы, потраченные на строительство убедительных руин, пропали зря – все равно не убеждают, пусть актеры одинаково фальшиво произносят панегирики тирану и антисоветскую пропаганду (чего только в этом фильме нет)… Все можно простить ради одного – русские удостоились чести войти в пантеон позитивных голливудских героев, а Сталинградская битва в первых же титрах объявлена ключевым сражением мировой войны. Судьба человечества решалась на Волге!

Пожалуй, единственное недоразумение фильма — имеющая мало отношения к основному сюжету любовная линия, треугольник между Зайцевым, еврейской девушкой Таней и политруком Даниловым (Джозеф Файнс). Вот уж где действительно уступка Голливуду — или заигрывание с женской аудиторией, которая может заскучать, наблюдая, как два мужика с ружьями играют в прятки среди сталинградских руин. Полная саспенса сексуальная сцена Тани и Зайцева в казарме среди спящих солдат прекрасна, спору нет, но замаскировать ненужность всей любовной линии она не может: когда человек каждый день играет со смертью, любовь едва ли доставит ему более острые ощущения.

Интересные факты:

Образ Людмилы — возможная ссылка на другого известного советского снайпера, Людмилу Павличенко. Она имела на своем счету более трехсот убийств, а Василий Зайцев — приблизительно 257.

Название фильма взято из книги «Враг у ворот: Сражение за Сталинград» (1973) Уильяма Крейга (William Craig), в которой задокументированы реальные военные подвиги Василия Зайцева.

Некоторые советские ветераны Сталинграда были настолько оскорблены неточностями в фильме, что они расценили как оскорбление то, как изображена Красная Армия. 7 мая 2001 года, вскоре после того, как прошла премьера фильма в России, ветераны выразили своё недовольство в Думе, требуя запрета фильма, однако эта просьба не была удовлетворена.

В действительности никакого счастливого воссоединения Василия Зайцева и Тани Чеховой не было. До конца войны они считали друг друга мертвыми, и о том, что Василий жив, Таня узнала через несколько лет; он уже был женат.

В действительности никакого майора Кенига не существовало. Немцем, застреленным на поединке снайперов, был ас-снайпер полковник СС Хайнц Торвальд. Немцы, не желая признавать убийство своего лучшего снайпера, заявили, что убитый — майор Кениг. Документы же, найденные Зайцевым на теле убитого, подтверждали, что это — Торвальд.

На банкете звучит Гимн СССР, принятый в 1944 году, со словами 1977 года, хотя события в фильме датированы концом 1942 года.

В фильме в партийном билете Зайцева указана неверно его дата рождения 3 марта 1915 г. Василий Зайцев родился 23 марта 1915 г.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
В 2048 году жизнь простого рабочего парня Дага Куэйда скучна и однообразна. Поэтому, чтобы хоть как-то поразвлечься, он решает воспользоваться услугами некой компании, которая за определенную плату посылает в его мозг импульсы, создающие полную иллюзию того, что он — другой человек, живущий другой, интересной жизнью.

Все бы хорошо, но после сеанса Дагу совершенно невозможно понять, кто же он на самом деле — простой работяга или спецназовец, владеющий всеми видами оружия и боевых искусств. Его боятся, его хотят убить, на него открыт сезон охоты; даже любимая жена пытается свернуть ему шею. Теперь, чтобы выжить, ему необходимо вспомнить, вспомнить все…

Много Вы помните случаев, когда экранизация оказывалась лучше книжного оригинала? Не много? Так вот, перед Вами, несомненно, один из наиболее ярких случаев такого вот феномена и к тому же, абсолютная классика фантастического боевика. Крепко скроенный, без лишней скромности гениальным Полом Верховеном, что в то время успел отметиться культовыми «Плотью и кровью» и «Робокопом», фильм снят по рассказу знатного фантаста Филиппа Дика «Бегущий по лезвию»

Трудно передать свои ощущения во время просмотра. Словно кому-то пришло в голову смешать шпионскую трилогию Ладлэма с «Марсианскими хрониками» Эдгара Берроуза, разбавив, сей причудливый коктейль лихими спецэффектами, сногсшибательным гримом и ставящей всё с ног на голову концовкой, в сравнении с которой, творения Линча уже не кажутся странными или запутанными.

Не будет преувеличением сказать, что в карьере «Железного Арни» «Вспомнить всё» занимает одно из лидирующих мест. Во многом, именно благодаря нетривиальному сценарию, помноженному на впечатляющее количество колоритнейших героев второго плана, начиная с сексапильной жёнушки в исполнении Шерон Стоун и «бой-бабы» Рейчел Тикотин и заканчивая «вечными» злодеями Ронни Коксом и обладателем незабываемого голоса Майклом Айронсайдом. Все они настолько органично вписаны в сюжет, что шальная мысль о том, что кто-то из них необязателен или, упаси Бог, не нужен, не то, что не приходит в голову, а и вовсе обходит её десятой дорогой.

Помимо прочего, неизменно радуют атмосферная музыка Джерри Голдсмита и юмор, чернее самой тёмной ночи. Чего стоит, герой Шварценеггера, с подобием чалмы, свёрнутой из полотенца на голове, «рассекающий» по ночному городу или уморительная в контексте картины фраза Арнольда «Встретимся на вечеринке, Рихтер», «вытряхивающего» оторванные руки злодея из кабинки лифта.

Кстати, о жестокости и насилии. Уровень и первого, и второго в творении Верховена бьёт все рекорды. Кровь бьёт фонтаном каждые пять минут, количество убитых, специально и по ошибке не поддаётся подсчёту, при этом, создатели чрезвычайно творчески подошли к способам истребления. Тут Вам разнокалиберные пистолеты-автоматы, и случайно попавшие под руку железки, с довольным чавканьем вонзающиеся в тела врагов, а также буровая машина, не говоря уже о старом, добром методе — свернуть шею или загнать нос поглубже в затылок. Всё это получается с тем фантастичным правдоподобием, что бывает только в фильмах со Шварцем, глядя на параметры которого, веришь — легко, даже не устанет.

Сейчас, в эпоху «юбочных» героинь вроде Милы Йовович и Анжделины Джоли, за которых всё делают каскадёры и компьютер, «Вспомнить всё» особенно дорог, и любим, ведь это были времена, когда Арни ещё не помышлял о кресле Губернатора, трава была зеленее, а в боевики вкладывали всю душу без остатка. И получали за это главную награду — любовь зрителей.

Интересные факты:

Когда человек попадает в открытый космос или вакуум, его глаза не могут разорваться, как это показывается в фильме. Человек приблизительно 10-20 секунд находится в нормальном состоянии, благодаря чему может вернуться к безопасному месту. Но даже если он не вернется, то все еще будет жив в течение приблизительно минуты, хотя и без сознания. Единственная проблема, которая могла бы возникнуть - это разрыв барабанных перепонок и возможная слепота (при сохранении глазных яблок).

«Вспомнить все» – экранизация романа Филипа К. Дика «Ради вас мы можем вспомнить все» о жалком клерке-неудачнике Куэйле, который мечтает попасть на Марс.

Сценарий фильма находился в разработке 10 лет.

Над сценарием работал Ричард Дрейфус, на другом этапе - Дэвид Кроненберг. Кроненберг написал 12 вариантов сценария.

Продюсер фильма Рональд Шуссетт хотел создать «Искателей утраченного Ковчега», которые отправляются на Марс.

Арнольд Шварцнеггер изначально хотел получить главную роль.

На главную роль также претендовали Уильям Херт и Патрик Суэйзи.

Роль режиссера была предложена Брюсу Бересфорду.

Реализацией проекта занималась студия Дино Де Лаурентиса. Уже начали строиться декорации в Австралии, когда компания Де Лаурентиса обанкротилась.

После того, как за дело взялась Carolco, главную роль отдали Шварцнеггеру.

После утверждения Арни на роль, зачуханный клерк Куэйл превратился в мускулистого строительного рабочего Куэйда и был переписан финал картины.

После просмотра «Робота-полицейского» Арнольд сам добился утверждения сценария, состава съемочной группы и настоял на том, чтобы режиссером фильма был Верховен.

Даг Куэйд регистрируется в отеле под именем Брубэйкер. Точно так же звали капитана из «Козерога 1» (1978), где речь шла о вымышленном путешествии на Марс.

Роберт Пикардо озвучил Джонникэба, а сам робот был создан на основе внешности Роберта.

Когда Куэйд одет, как толстая женщина, паспорт, который он передает охраннику, - настоящий паспорт Присциллы Аллен, сыгравшей толстую женщину.

Самые большие рекламные плакаты, которые можно заметить в сцене, где Куэйд выходит из метро, - настоящие биллборды, которые находились около станции «Insurgentes» в Мехико Сити. Наиболее заметные из них - Fuji Film и Coca Cola.

Оригинальная версия фильма получила рейтинг «Х» из-за чрезмерного насилия на экране. В дальнейшем фильм был перемонтирован: наиболее жестокие моменты были вырезаны, а также были использованы новые ракурсы камеры. Перестрелка в метро, где Куэйд использует человеческое тело в качестве щита от пуль, больше всего подверглась дополнительному монтажу. В конце концов, фильм получил рейтинг «R».

Если верить диаграмме, которую показывают Куэйду в «Rekall», то с каждым годом космические путешествия становятся менее безопасными.

Права на экранизацию рассказа были выкуплены в 1974 году, однако потребовалось 16 лет, чтобы фильм наконец-таки добрался до экранов кинотеатров.

В металлическом чемодане Куэйда можно заметить пропуск рабочего в «Пирамидные рудники» на Марсе.

Вся съёмочная группа получила пищевое отравление во время съёмок, за исключением Арнольда Шварценеггера, который ел исключительно еду, доставленную из США, и Рональда Шусетта, который предпринимал чрезмерные меры личной гигиены, например, чистил зубы исключительно кипяченой водой.

Миниатюрные модели, использовавшиеся для съёмок марсианских ландшафтов, были сделаны на основе фотографий поверхности Марса.

Количество трупов в фильме: 77.

Кертвуду Смиту предлагали роль Рихтера, но он отказался, т.к. посчитал её слишком похожей на его персонажа в «Роботе-полицейском» (1987).

Роль Дугласа Куэйда была предложена Кристоферу Риву.

В ранних версиях сценария главного героя звали Дуглас Куэйл, так же как и в рассказе Филипа Дика.

Однако во время съёмок вице-президентом США был Дэн Куэйл. Скорее всего, это стало главной причиной изменения имени героя Арнольда Шварценеггера.

Сцена, в которой доктор Эджмар (Рой Броксмит) объясняет Куэйду, что он находится в состоянии сна, основана на сцене между Полом Ньюманом и Людвигом Донатом в «Разорванном занавесе» (1966).

Первоначально Ричард Раш должен был поставить картину. Также режиссером мог стать Брюс Бересфорд.

Перестрелка в метро снималась на станции «Chabacano» в Мехико Сити. Единственным дополнением к естественным декорациям стали указатели и названия станций на английском языке.

Дэвид Кроненберг должен был поставить картину. Для этого он отказался от кресла режиссера на «Мухе» (1986), которую, в свою очередь, должен был поставить Роберт Биерман. Однако в дальнейшем Роберт покинул проект, а Дэвид из-за затянувшегося пре-продакшна также отказался от режиссерских полномочий на «Вспомнить всё» и вернулся к постановке «Мухи».

Хотя время действия ни разу не упоминается в фильме, на обложках DVD и VHS говорится о 2084 годе.

Испанское название фильма – «El Vengador Del Futuro», что в дословном переводе означает «Будущий мститель».

Кандидатуры Джеффа Бриджеса, Мэттью Бродерика и Ричарда Дрейфусса рассматривались на роль Куэйда.

По словам монтажера Фрэнка Джей Уриосте, первоначально не предполагалась делать панорамные кадры города на Марсе, т.к. по мнению продюсеров, они были слишком затратные и могли привести к перерасходу бюджета. С данной проблемой Фрэнк поделился с Арнольдом Шварценеггером, которому удалось убедить продюсеров снять данные сцены.

В сцене в метро, где Арнольд Шварценеггер разбивает стекло вагона и запрыгивает в поезд, использовался небольшой заряд взрывчатки. Однако в одном из дублей взрывчатка не сработала, и Арни на самом деле разбил стекло рукой.

Потребовалось 15 кукловодов для контроля движений Куато.

Имя Куато происходит от испанского слова «cuate», что означает двойник.

Во время съёмок Шэрон Стоун жаловалось Полу Верховену, что она не уверена, является ли её героиня воображением Дага Куэйда, либо её персонаж на самом деле замужем за Дагом.

Когда Куэйду показывают картинки на мониторе в «Rekall», на одной из них изображен тот самый реактор на Марсе.

Картина заканчивается кадром с плавным переходом в белый фон, для того чтобы оставить сомнения у зрителей, что всё показанное в фильме происходило в воображение Куэйда, и в конце фильма он подвергся лоботомии.

Прибор, используемый Майклом Чэмпион (Хэлм) для определения местоположения Куэйда, был создан компанией Casio.

В киноленте присутствует несколько отсылок к не менее известному произведению другого популярного автора — «Автостопом по Галактике» Дугласа Адамса. Одна из них — полотенце, в которое обернута голова Куэйда во время погони на Земле. Именно в «Путеводителе» было сказано: «Чтобы скрыться от преследователей, оберните полотенце вокруг своей головы».

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Фильм "Гладиатор" нельзя рассматривать, как кино — этакий развлекательный вариант, получивший прекрасные отзывы и успех. Нет. Предлагаю рассмотреть данный фильм, как часть искусства. Искусства, которое, как и Римская империя, остается в веках. Ибо «Гладиатор» — фильм-легенда. Фильм-феномен. Ибо все в этом фильме прекрасно. Начиная от воссозданного древнего Рима и заканчивая актерами.

А теперь можно разобраться по порядку:

- Актеры: Кроу получил Оскар по праву. Сыграл эмоционально, красиво. Как можно не сочувствовать герою, который пережил такую трагедию и терпит такие страдания. Феникс сыграл блестяще хитрого и сволочного человека. Во время просмотра банально захотелось ударить его сильно по лицу. Дань уважения Ричарду Харрису, ныне покойного. Хорошо сыграл своего персонажа, Марка Аврелия. Джимон Хонсю сыграл неплохо роль философа. Интересны его изречения.

- Спецэффекты: не зря, не зря получил этот фильм Оскар за лучшие визуальные эффекты, ибо это такие эффекты, которых не увидишь ни в одном историческом фильме. Детализация мельчайших деталей, максимальное приближение к реальности, добавляют большие впечатления от фильма. Очень красиво показан Колизей и вход в Рим. Браво!

- Постановка боев: все настолько красиво, эффектно, изящно, кроваво и жестоко снято и поставлено и это хочется пересматривать и пересматривать. Сцена с колесницами прекрасна поставлена. И понравилась, в буквальном смысле, животная финальная схватка.

- Декорации, костюмы: красиво, нет слов. Тоже все воссоздано в максимально приближенных к реальности деталях. Понравились костюмы Максимуса и Коммода, который был в финале. Еще замечательные костюмы были у женщин, красивые, подчеркивающие красоту и женственность.

- Операторская работа: великолепна! Камера хорошо передает атмосферу схватки мечась из одного угла в другой. Камера берет красивые панорамы, крупные планы Рима, да и вообще окружающей природы так, что аж от восторга захлебываешся…

Итог: Фильм на века. Легенда кинематографа. Оскар заслужил, но не за историческую достоверность!
Придирчивый зритель заметил, что: миссионерское одаривание хлебом бедняков (!) на первом (!) ряду (куда подевались все сенаторы и полководцы, если народ уже сместился с четвертого яруса?); выход полководца на арену с гладиаторами, дабы воспроизвести сражение (римская элита развлекает простолюдинов? Воистину демократическое общество!).

Ну и просто очень смешные ляпы: всадники на лошадях, укомплектованных седлами и стременами, появившимися через два века, и мальчики, раздающие листовки за несколько сот лет до изобретения печатного станка.

Интересные факты:

В стартовой сцене фильма, где главный герой идет по полю и проводит рукой по траве, на самом деле задействован дублер Рассела Кроу.

Съемки фильма начались 1 февраля 1999 года. Первой снятой сценой стал эпизод, в котором Максимус своей речью поднимает боевой дух римских воинов перед сражением с варварами.

В роли волка, сопровождавшего Максимуса в сцене битвы с германцами, была использована немецкая овчарка.

Рана на правой щеке Рассела Кроу, полученная во время первой батальной сцены, абсолютно настоящая. Конь актера чего-то испугался и понесся на деревья, одна из веток проткнула щеку главного героя.

Для съемок начальной битвы с германцами были построены две катапульты в натуральную величину. Каждая из них весила около тонны, а снаряд, выпущенный такой катапультой, улетал на 140 метров. Стоит отметить, что настоящие катапульты были способны поражать цель на растоянии 250-300 метров.

Первая батальная сцена снималась 20 дней. Роли варваров по большей части исполняли шотландские статисты, многие из которых в свое время участвовали в съемках фильма «Храброе сердце».

Рассел Кроу начал съемки в картине спустя всего несколько месяцев после завершения работы над фильмом «Свой человек» (1999). Специально для роли он набрал порядка сорока фунтов и с завидной легкостью сбросил их перед «Гладиатором». Рассел уверял, что не делал ничего сверхъестественного для этого, всего лишь работал на своей австралийской ферме.

Актер Оливер Рид (роль Проксимо) скончался во время съемок от сердечного приступа. Поэтому в некоторых сценах пришлось применять компьютерную графику, на что было выделено порядка 3 миллионов бюджетных долларов. Фильм посвящен памяти этого актера.

Кони Нильсен нашла в одном из античных магазинов кольцо, изготовленное около двух тысяч лет назад. Именно это кольцо она одевала в ходе съемок.

В сценах, проходящих в Колизее, лишь две трибуны были действительно наполнены статистами. Остальная часть массовки была прорисована на компьютере.

В действительности Коммодус был единственным римским императором, позволявшим себе время от времени выходить на арену. На самом деле погиб он вовсе не на арене — он был задушен в комнате для переодевания атлетом по имени Нарцисс. Именно так и хотели назвать героя Рассела Кроу в первых вариантах сценария.

Роль Максимуса была написана специально для Мэла Гибсона, но актер по каким-то причинам отказался от съемок.

Несмотря на долго ходившие слухи, Эния не записала к саундтреку ни единой композиции. Действительно, заглавная песня очень похожа по стилистике на творчество Энии, однако практически весь саундтрек был записан Лизой Джеррард.

Саундтрек на "Гладиаторе," например на девятой минуте, точно такой же, как на "Пиратах Карибского моря".

Автор сценария Дэвид Франзони начал работу над сюжетной линией еще в далеких 70-х.

Посетив настоящий Колизей, Ридли Скотт отметил для себя его «достаточно небольшие размеры». Поэтому, разрабатывая макет декораций, Скотт увеличил реальные размеры сооружения чуть ли не в два раза.

В сцене с участием тигров принимало участие 5 животных, на съемку этого эпизода было отведено 4 дня, но съемки растянулись на несколько недель.

Съемочный процесс был завершен 1 июня 1999 года.

21 ноября 2000 года было выпущено 2-х дисковое издание фильма на DVD, что было большой редкостью для того времени. Данный релиз картины стал самым продаваемым за всю историю DVD продукции.

Татуировка S.P.Q.R.на плече Максимуса означает Сенат и граждане Рима (Senatus Populus Quіrіtіum Romanus)

Малую арену, где Максимус обучается в школе гладиаторов, построили в Марокко на месте футбольного поля, гармонично вписав ее в окружающие здания.

Максимус носит в фильме звание генерала. В действительности, это звание появилось лишь в XVI веке во Франции.

По непонятным причинам, создатели изменили имперский цвет Рима — пурпурный - на синий. В фильме все атрибуты власти и армии Рима (флаги, вексиллумы, мантии и экипировка солдат) из общеизвестного пурпурного цвета стали синими.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
В современном Нью-Йорке происходят загадочные убийства с отсечением головы мечом.
Журналистка Бренда Уайэт узнаёт о том, что таинственный антиквар Рассел Нэш — это
средневековый воин из Шотландии по имени Коннор МакЛауд, который был убит на поле боя в 1536 году. По предначертанию свыше он возродился и получил наставления от испанского рыцаря Рамиреса, тоже из числа бессмертных, кто должен вести спор за высшее предназначение. А оно будет дано лишь одному оставшемуся в живых, буквально — сохранившему свою голову на плечах.

Культовый фантастический фильм, давно ставший легендарным.

Перед зрителем на протяжении почти двух часов раскрывается история удивительной жизни
Коннора МакЛауда. Это целая эпическая сага, о любви и бессмертии, о многовековой борьбе добра и зла. События, показанные в ретроспективе, повествует о жизни и странствиях вечно молодого Маклауда, который на протяжении столетий был тенью человеческой истории.
Причём режиссёр отступает от линейного повествования и действие, начавшись в настоящем времени, будет то и дело прерываться на воспоминания главного героя о прошлом, в результате в фильме воссоздаются два мира. Первый, мир прошлого — Шотландия 16 века.

Второй — мир настоящего. Жизнь изменилась, лишь им, Бессмертным суждено оставаться такими же. И у каждого из них одна цель — остаться единственным, чтобы получить обещанную награду.

Но у Коннора кроме цели есть ещё и трагедия в сердце. Он хочет любви и в то же время боится полюбить. Он не хочет больше хоронить любимых — слишком больно, слишком тяжело.

Режиссура Малкахи, Музыка Queen, потрясающие съемки в Шотландии и Англии (большинство
нью-йоркских сцен снималось в Лондоне), игра актеров Кристофера Ламберта, Шона Коннери,
Клэнси Брауна , действительно интересная история, богатая визуальная фантазия постановщика создают великолепный фильм родом из 80-х.

Наряду с идеальным сюжетом, так же стоит отметить грамотную постановку. Пожалуй, это лучшая работа Рассела Малкахи в его карьере. Невооруженным глазом видно, что до Горца» Малкахи снимал видеоклипы. Угловой обзор и движения камеры придают особый шарм всей картине. Согласен с тем, что местами спецэффекты даже для 86-го года, мягко говоря, не впечатляющие. Но это как раз тот случай, когда содержание настолько важно, что на обложку мало обращаешь внимания.

Бесподобен актерский состав. Кристофер Ламберт для нас навсегда останется единственным и неповторимым горцем. В этой картине он великолепен — брутальный, небритый, с проницательным взглядом карих глаз, он создает потрясающий образ воина, обреченного на победу в состязании бессмертных. Ламберт чрезвычайно талантлив и харизматичен. Острый взгляд и британский акцент (выработанный им специально для фильма) воплощают на экране романтизированного воина, веками страдающего от одиночества. А чего только стоит злорадный смех, который станет его визитной карточкой в последующих фильмах.

Бесспорно гениален Шон Коннери, чей герой Рамирез настолько понравился зрителю, и, в частности, Ламберту, что даже во второй части нашлось месту педантичному «испанскому дворянину». И особых аплодисментов, конечно же, заслуживает Клэнси Браун. Его Курган стал одним из самых любимых кинозлодеев, наряду с Дарт Вэйдером и Фредди Крюгером. Жестокий шрам на всю шею, звериный взгляд, черное, как ночь, чувство юмора, и особый демонический ржач (не смех, а именно ржач) в совокупности дают нам эпически могучего темного рыцаря.

Остальные актеры так же отлично вписались в общий ансамбль. Это относится и ко вторым
половинкам Маклауда, Хэзер и Бренде. И к типичным полицейским, к фанатичному вояке-параноику и т. п.

И, гвоздь программы, музыкальное сопровождение, состоящее из двух частей. Песен группы Queen и мелодий композитора Майкла Кэмена. Напишу по порядку. Наверное мало кто не слышал «Princes Of The Universe», заглавной песни Горца, и не только фильма, а еще и сериала. Она стала настолько узнаваема, что стоит лишь услышать пару первых строк «Here we are, born to be kings», как сразу появляется картинка в глазах… Но в «Горце» и остальные песни из репертуара Queen доставляют эстетическое удовольствие. Это и хеви-метал «Gimme The Prize», тема Кургана, и депрессивная «One Year Of Love», музыка в баре. И берущая за самое сердце, лирическая баллада «Who Wants To Live Forever». Аж на слезу пробивает, когда смотришь те сцены на фоне этой песни. А так же другие, заводные ритмы Queen, который так же можно найти на их альбоме «A Kind of Magic» 1986 года. Но не будем обделять вниманием и основного композитора, Майкла Кэмена. Чьи эпические и проникающие в душу мотивы, являются неотделимой частью саундтрека к «Горцу».

Бессмертная история. Бессмертный фильм.

Интересные факты:

Клэнси Браун чуть не отказался от роли Кургана, ссылаясь на то, что его аллергия на грим помешает ему носить на съемках специальную маску.

Замок, в котором жил Маклауд, тот же, что фигурирует в фильме «Монти Пайтон и Святой Грааль» (1975 г.).

Конор Маклауд произносит в фильме фразу «Это сродни волшебству». Примерно также «A Kind of Magic» называется альбом группы Queen, песни из которого вошли в саунтрек картины.

Ветеран войны во Вьетнаме, пытающийся застрелить Кургана, слушает в своей машине песню
«Hammer to Fall» в исполнении Queen.

Почти все сцены фильма, где действие происходит в Нью-Йорке, на самом деле снимались в
Лондоне. В частности, сцену схватки Кургана и Кастагира сняли в аллее, предназначенной на слом через несколько месяцев. Там же устроили взрыв, который оказался столь громким, что на него съехалась полиция с восьми округов.

Европейская версия фильма включает в себя ретроспективные кадры событий во время Второй Мировой войны, когда Маклауд спасает Рейчел, тогда еще маленькую девочку. Из американского варианта фильма эти эпизоды были вырезаны.

В сцене, когда Маклауд отрубил голову Кургану, режиссер хотел оживить дракона на шлеме
Кургана. Дракон должен был снова напасть на Маклауда и только после победы над Драконом
-призраком Маклауд бы получить свою награду. Эта идея в конечном итоге была отвергнута из -за ограничений бюджета картины.

Когда Бренда сравнивает подписи на различных свидетельствах о рождении Маклауда, то на экране монитора мы видим предыдущие псевдонимы Коннора Маклауда: Adrien Montagu,
Jacques Lefebert, Alfred Nicholson и Rupert Wallingford.

Среди многих старинных вещей в хранилище Маклауда можно заметить шляпу и камзол Рамиреса.

Из фильма была вырезана сцена, где Курган сражается с бессмертным Юн Дол Кимом.

Кристофер Ламберт и Шон Коннери находились в прекрасных отношениях во время съемок картины и называли друг друга именами своих персонажей и вне съемочной площадки. Именно по настоянию Ламберта продюсеры вернули героя Коннери во второй фильм.

Небольшой отрывок из песни «Нью-Йорк, Нью-Йорк» был исполнен группой Queen специально для фильма и не входит ни в один альбом группы.

Когда Кристофер Ламберт приступил к съемкам этого фильма, он еще плохо говорил по-английски, единственный фильм на английском языке в котором он до этого снимался, был «Легенда о Тарзане, Бог обезьян» («The Legend of Tarzan, Lord of the Apes») 1984 года. И там он говорил на английском всего несколько слов.

В 2000 году в США на компакт-дисках вышла опера, написанная по мотивам знаменитых
приключений бессмертного Горца. Авторами оперы стали Роджер Беллонн и Харлан Коллигз.

Церковная сцена с участием Кургана (Клэнси Браун) была снята в ночное время под наблюдением священников. Выданные экспромтом реплики Брауна были настолько кощунственными, что священники, стоящие вне кадра, услышав их, перекрестились.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Доктор Райан Стоун, блестящий специалист в области медицинского инжиниринга, отправляется в свою первую космическую миссию под командованием ветерана астронавтики Мэтта Ковальски, для которого этот полет — последний перед отставкой. Но во время, казалось бы, рутинной работы за бортом случается катастрофа. Шаттл уничтожен, а Стоун и Ковальски остаются совершенно одни; они находятся в связке друг с другом, и все, что они могут, — это двигаться по орбите в абсолютно черном пространстве без всякой связи с Землей и какой-либо надежды на спасение.

«Гравитация» — один из главных претендентов на премию Оскар-2014 — фильм весьма специфический и оригинальный. И не только потому, что в ней нет ярких перестрелок, героев — всего двое (а затем и вовсе одна Сандра Буллок), а так присущий американским кинолентам динамизм и напряжение заключается в редком нарушении гробовой тишины, что буквально окутывает мировой космос, где и разворачивается сюжет фильма.

Кинолента полна трагизма и по сути дела представляет собой хорошее психологическое творение: о смысле нашего существования, когда в нём уже всё утеряно, о бесконечной и безграничной воле к жизни, о гордости и отчаянии, о жестокой потере и разочаровании… Хотя многие увидят в этом фильме лишь простую космическую историю, развлекательную, но вряд ли имеющую отношение к действительности.

Всемирно известный режиссёр Джеймс Кэмерон назвал творение Альфонсо Куарона лучшим в истории фильмом о космосе. В главных ролях снялись Сандра Буллок и Джордж Клуни. Известно, что последний присоединился к проекту позже всех. Он пришёл на смену Роберту Дауни-младшему, который из-за своей комичности в философский триллер никак не вписался. Вот как прокомментировали они этот фильм на премьерном показе в Нью-Йорке в октябре прошлого года: «Обычно такие фильмы делаются на звуковых эффектах, чтобы был драйв, — отмечал Джордж Клуни. — Вы понимаете — оглушительный грохот и большие взрывы. Но поскольку в космосе полная тишина — то роль звуковых эффектов выполняет музыка, и она делает фильм гораздо более изысканным».
«Картина снята в космосе, но это лишь пейзаж. В принципе это то же самое, что поехать в Аризону, чтобы рассказать историю людей, которые потерялись. Историю про поиск смысла жизни, о том, что заставляет людей вставать по утрам, когда им незачем жить. Это история могла случиться в Арканзасе, Нью-Йорке или Космосе. Альфонсо понравилась аналогия: «Буквально затеряться в космосе». Потому что там ты по-настоящему одинок», — заявляла Сандра Буллок.

Сенсационной стала технология съёмок, основной смысл которой заключался в том, что проецируемое изображение двигалось, в то время как сами актёры оставались на месте. Артистам приходилось играть, выполняя по-настоящему акробатические трюки. Практически каждый момент перед началом съёмок детально обсуждался с самим режиссёром. Подвешенные на многочисленных тросах, они изображали свое бытие в невесомости. Перед съемками Сандра Буллок, исполнившая в фильме роль доктора Райан Стоун, тренировалась практически полгода. А Клуни и вовсе усомнился, под силу ли ему это?

Понравилось, что есть в фильме и русский элемент: всё время упоминается Анатолий Соловьёв — реальный космонавт из России, установивший рекорд продолжительного пребывания в открытом космосе; героиня Сандры Буллок спасается в русском космическом аппарате «Союз». И представлен этот русский элемент здесь, как ни странно, отнюдь не в уничижительном плане — а это уже значит многое.

«Гравитация» по большому счету — это фильм об одиночестве. Ночное небо манит нас не только красотой далеких звезд, но и мечтой о встрече с себе подобными. Одиночество нашей маленькой обитаемой планеты в бесконечности вселенной, одиночество человечества как особенного вида живых существ, населяющих эту планету, рождают тоску и стремление к поиску — мы всегда мечтали о других мирах, населяя их плодами своего воображения. Одиночество среди себе подобных, ощущение «вокруг враги» рождают дух соперничества — «холодная война» подарила нам космос. Все самые важные решения своей жизни (держать или отпустить, бороться или сдаться) мы принимаем в одиночестве — такова плата за свободу выбора. В одиночестве мы рождаемся и умираем, даже если это происходит не на околоземной орбите. Одиночество и сознание собственной бренности побуждают нас бороться за право оставить что-то после себя — детей, знания, книги, картины. Но даже если ничего из перечисленного нет, все равно остается желание рассказать, как и кого мы любили, как жили и умирали те, кто был нам близок. Это инстинкт, долг сродни тому, что заставляет ухаживать за чужими могилами, в надежде что кто-нибудь когда-нибудь окажет тебе ту же услугу.

Пожалуй, это и есть ответ на вопрос, что же такое «гравитация», что тянет героиню Буллок вниз, на Землю. Желание рассказать историю тех, кого она отпустила.

Интересные факты:

Имя героини Сандры Буллок — Ryan Stone — звучит как «rhinestone», что переводится как «фальшивый бриллиант».

Альфонсо Куарон, оператор Эммануэль Любецки и супервайзер визуальных эффектов Тим Уэббер (Tim Webber) решили, что они не могли снимать фильм с помощью традиционных методов. Таким образом, для сцен выхода в открытый космос было решено снимать только лица актеров, а все остальное создавать при помощи компьютерных технологий. Для этого приходилось освещать лица в полном соответствии с цифровой средой, в которую их помещали. Поскольку персонажи перемещались в космосе, то и освещение лиц должно было идеально соответствовать Земле, Солнцу или звездам на фоне. Вся эта идея могла провалиться, если бы освещение не менялось с нужной скоростью, если было бы неправильно выбрано положение источника света, если контраст или концентрация освещения на лицах были бы неправильно подобраны. Любецки предложил поместить светодиодный экран в коробку, и в нее же поместить актера. Таким образом, вместо того чтобы перемещать Сандру Буллок или Джорджа Клуни при статично установленных осветителях, проецируемое изображение могло двигаться, в то время как они оставались на месте. Эта световая коробка стала ключом к сценам с выходом в открытый космос. Единственным минусом было то, что это был всего лишь трехметровый куб, достаточно большой для одного актера, но маленький для того, чтобы поместить туда еще и съемочную группу.

Хотя сам фильм является точным в научном плане, и в нем соблюден тот факт, что в космосе звуки не слышны, звуковые эффекты все же были добавлены в трейлерах, чтобы они выглядели более захватывающими.

На главную женскую роль рассматривались Анджелина Джоли, Марион Котийяр, Скарлетт Йоханссон, Блейк Лайвли, Эбби Корниш, Кэри Маллиган, Сиенна Миллер, Ребекка Холл, Оливия Уайлд, Рэйчел Вайс, Наоми Уоттс и Натали Портман.

Съемки фильма проходили с мая по июль 2011 года в Shepperton Studios, графство Суррей, Англия, и на территории водохранилища Пауэлл, штат Аризона, США.

Британская компания Framestore ruen, занимавшаяся разработкой спецэффектов для картины, заявила на своем сайте, что фильм по амбициозности будет сравним с фильмом «Аватар» (2009). В частности, около 60 % событий, происходящих на экране, будут создаваться с помощью компьютерной графики.

Исполнительный продюсер Кристофер ДеФариа сообщил, что фильм начинается 17-минутной сценой без единой монтажной склейки.

Сандра Буллок перед съемками в фильме потратила шесть месяцев на физическую подготовку. Вместе с Альфонсо Куароном они прорабатывали сценарий в мельчайших подробностях. Они обсуждали каждую сцену с ее участием. Куарон и Буллок сошлись во мнении, что важнейшим аспектом ее игры является дыхание Стоун и то, как оно будет передавать ее эмоции. Джеймс Кэмерон, лучший друг Куарона, отметил, что та работа, которую проделала Буллок, впечатлила его больше, чем технологии, использовавшиеся во время съемок фильма.

Астронавтка Кэди Коулман (Cady Coleman) устроила телефонный разговор о жизни в космосе между Сандрой Буллок и Международной космической станцией.

Первоначально сценарием фильма заинтересовалась студия Universal Pictures, с которой Альфонсо Куарон сотрудничал при создании фильма «Дитя человеческое» (2006). Студия Universal надеялась, что главную роль сыграет Анджелина Джоли, но в итоге посчитала, что фильм будет слишком дорогим, и отказалась им заниматься. Проект подхватила студия Warner Bros. Pictures, и Куарон взял Буллок и Роберта Дауни-мл. на главные роли в конце 2010 года. Дауни впоследствии покинул проект, и вместо него роль досталась Джорджу Клуни.

Натали Портман была первой в списке претендентов на главную роль, после того как Анджелина Джоли дважды отказалась от этой роли. Позже Портман отказалась от роли незадолго до того момента, как объявила о своей беременности.

Фильм находился на стадии разработки в течение четырех лет, потому что амбиции фильма с точки зрения кинематографии, визуальных эффектов и реалистичного ощущения космоса было слишком сложно реализовать. Куарон был вынужден ждать, пока технологии станут более продвинутыми, чтобы полноценно воплотить свое видение этого фильма. И только после выхода фильма «Аватар» (2009) он понял, что время пришло.

Джеймс Кэмерон назвал «Гравитацию» лучшей кинолентой о космосе в истории кино.

В фильме «Аполлон 13» (1995) Эд Харрис сыграл Джина Кранца, ведущего руководителя полетом во время миссии «Аполлон-13». В «Гравитации» Харрис озвучил руководителя миссии в Хьюстоне.

Практически все сцены фильма были подготовлены с помощью компьютера, затем в них были интегрированы лица актеров. Рендеринг производился с помощью программы Arnold.

Герой Джорджа Клуни шутит о том, что стремится побить рекорд по суммарной продолжительности работ в открытом космосе, который принадлежит реальному космонавту Анатолию Яковлевичу Соловьёву.

В тех кадрах, когда Стоун и Ковальски подлетели к МКС и запутались в стропах парашюта, персонажа Джорджа почему-то с большой силой отталкивает от персонажа Сандры, хотя он не мог создавать на нее давления без использования реактивной тяги.

Вес использующихся сейчас скафандров для космонавтов составляет 120 кг. Скафандр, в котором приземляется Стоун, весит отнюдь не 120 кг. Это скафандр серии «Сокол», он не предназначен для выхода в открытый космос, его задача — спасение экипажа в случае разгерметизации, и его вес составляет порядка 10 кг. Космонавты надевают его еще на Земле и без труда ходят.

Высота орбиты «Хаббла» — 559 км, а расположение вблизи экватора. Высота орбиты МКС — 418,3 км, располагается над Россией. Чтобы добраться от одного объекта до другого понадобится очень много энергии, но даже у космических челноков не будет достаточно топлива, чтобы сделать это. А герои фильма делают это с одним только реактивным ранцем.

Слезы у Стоун ведут себя как питьевая вода, вытекающая из трубочки емкости в условиях невесомости. Плакать в космическом пространстве физически невозможно. Слезы не польются из глаз в буквальном смысле, а останутся внутри в виде жидких шариков, жгущих глаза и мешающих видеть.

Волосы Райан Стоун не парят свободно как это должно быть при невесомости, а аккуратно уложены.

Почти все спутники на околоземной орбите перемещаются с запада на восток. Однако в фильме осколки спутников движутся с востока на запад.

Стекла скафандров астронавтов для выхода в открытый космос имеют ультрафиолетовые фильтры, отчего выглядят зеркальными. В фильме все стекла абсолютно прозрачные, что в реальности привело бы к ожогам роговицы и мгновенной слепоте.

Во время старта с космодрома, посадки и выхода в открытый космос космонавты надевают специальные подгузники. Стоун, снимая свой скафандр, оказывается в обычных шортах.

В фильме есть кадры, когда зажигается северное сияние в области экватора. В реальности северное сияние появляется только около полюсов, так как там самое слабое магнитное поле Земли.

Когда Райан Стоун добралась до МКС, там начинался пожар. В фильме языки пламени лишь немного видоизменили, но в большей степени они похожи на земной огонь. В условиях невесомости огонь распространяется сферически от центра горения. То есть огонек свечки выглядел бы как маленький светящийся шарик.

После всех приключений и испытаний можно сказать,что Райан Стоун родилась заново. Неспроста Райан кружится в позе эмбриона в шлюзе МКС или выныривает со дна озера через водоросли в стиле рождения Венеры.

Согласно греческому мифу, Венера родилась из морской пены и достигает берега в морской раковине. Самая знаменитая картина Сандро Боттичелли связана с сюжетом о рождении богини любви из морской пены и называется «Рождение Венеры».

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Проходит время, уходят люди, но их творчество живет вечно, особенно если это такой фильм как «Грязные танцы». Одна из блистательнейших ролей Патрика Суэйзи, принесшая ему мировую популярность.

Это не закрученный сюжет, это не гениальнейшие спецэффекты, это лишь прописные истины, которые рассказываются зрителю необыкновенно завораживающим языком, языком танца. Сексуальность и страсть, чистая и необузданная любовь воплощена в столь изысканных па, которые мы наблюдаем на протяжении всего фильма. Это история любви, рождающейся в танце, расцветающей в танце и вечно прибывающей в танце жизни двух влюбленных сердец.

И пусть все мы знаем, что сказка редко выходит на улицы реальности, но ведь никто не отменял, возможно и наивной, но веры в то, что обеспеченная девушка полюбит бедного танцора, прекрасный и опытный любовник вспыхнет искренними чувствами к невинному созданию, что классовые предрассудки и различные взгляды на жизнь не послужат преградой, что в конце концов найдется общий язык, язык грязного танца чистой любви.

Этот американский фильм стал настоящим сюрпризом сезона 1987 года. Явно непримечательная по сюжету и дешёвая по затратам картина попала в число рекордсменов проката не только в США, но и далеко за пределами Америки, в итоге превзойдя свой бюджет почти в 36 раз! По всей видимости, такому успеху способствовала ностальгия многих людей, где бы они ни находились, по безвозвратно ушедшей эпохе иллюзий и надежд начала 60-х годов. Знаменательно точное определение времени действия: лето 1963 года, за несколько месяцев до убийства Джона Кеннеди и ещё до триумфального завоевания Америки группой «Битлз». Вроде бы несопоставимые события уравнены, но в этом нет ничего кощунственного. За гибелью президента последовали бурные политические потрясения, а бунт молодёжи 60-х годов как раз проходил под знаком «битломании».

В ленте «Грязные танцы» (а таковыми называли излишне откровенные по тем временам хореографические начинания юных танцоров, подражавших латиноамериканцам) воспроизведён несколько наивный период «ритм-энд-блюза», но многие прежние мелодии кажутся песнями в стиле «диско» конца 70-х или же поп-музыки 80-х годов. Не случайно, что написанные специально для фильма музыкальные номера тоже не выделяются из общего стиля. Всё возвращается — и новое оказывается давно знакомым. Вот и картина дебютировавшего в большом кино 44-летнего режиссёра Эмиля Ардолино (прежде он снимал документальные работы о танцах и телевизионные игровые ленты), пожалуй, построена в расчёте на эффект своего рода узнавания и припоминания.

"Грязные танцы" не похож на обычные мелодрамы. Это уникальная картина, откровенная, романтичная,душевная, которая с первых же кадров заставляет смотреть, не отрываясь, переживать все чувства, которые передают потрясающей игрой актеры. Сейчас так уже не играют. Отдавая душу, отдаваясь полностью делу. Этот фильм — легенда, классика, произведение искусства, НАСТОЯЩЕГО ИСКУССТВА. Всё — от сценария, до саундтреков — заслуживает огромного уважения.

Вечная память Патрику Суэйзи, замечательному актеру, талантливому танцору и просто сильному человеку. Он ушел от нас очень рано, хотя ещё на многое был способен. Очень больно...

Интересные факты:

Cцена, где Джонни и Бэйби ползут по полу навстречу друг другу не планировалась в фильме. Актёры просто дурачились и разминались перед съёмками танцевального номера, но режиссёру так понравились эти кадры что их решили оставить в фильме.

Фильм снимался летом, но сцена с поддержкой снималась в октябре. Так как листья на деревьях уже поменяли цвет, съёмочной команде пришлось красить листья на заднем плане, и если хорошенько приглядеться, то можно заметить несколько пропущенных мест.

На протяжении всего фильма Джонни и Бэйби постоянно носят очень контрастные цвета: она в светлых тонах, а он — в очень темных.

Исполнителям главных ролей в фильме - семнадцатилетней Бэйби и «юноши» Джонни - на самом деле было 27 и 35 лет.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Сейчас имя Роланд Эммерих, у всех ассоциируется с разрушением Америки и всего мира стихийными бедствиями, древними племенами, или инопланетянами, которые режиссер пытается показать во всех его фильмах. Один из наиболее успешных фильмов на эту тему и стал фильм " День независимости".

Практически всю свою карьеру режиссер Роланд Эммерих посвятил научно-фантастическому жанру. Переехав в Голливуд, он продолжил развиваться в этом жанре: " Универсальный солдат", " Звездные врата". И вот, достигнув определенных успехов в научной фантастике и получив от продюсеров достаточно большой бюджет в 75 000 000 $, Эммерих взялся за съемку фильма, который позже войдет в историю кино как один из самых популярных в истории жанра. И имя ему — День независимости.

Фильм сразу же берет масштабом и эпичностью. Если инопланетное вторжение, то сразу по всему миру, если инопланетные тарелки, но неимоверно больших размеров, если персонажи — то много. Сюжет сразу удивляет присутствием почти десятка основных персонажей, которые поначалу вроде бы совершенно не связаны. И лишь ближе к финалу они очень органично входят в основную сюжетную линию. Кстати, подача сюжета здесь представляет собой хроники инопланетного вторжения, состоящие из подробного описания трех дней накануне главного праздника США — 4 июля.

Поскольку событий и персонажей в фильме предостаточно, а на раскрытие эпичности нужно время, хронометраж в фильме тоже эпический. Благодаря подаче сюжета в виде хроник, события можно четко разделить по хронометражу. Например, первый час — это знакомство со всеми персонажами и медленная подготовка к прибытию инопланетян, заканчивающееся невероятно зрелищным уничтожением нескольких городов США, включая исторически достопримечательности: Белый Дом, Капитолий и т. д. Второй час — продолжающаяся борьба людей с инопланетянами и бесчисленные попытки выяснить способ борьбы с ними (самая динамичная часть). Последние полчаса — собственно, уничтожение инопланетных кораблей и одна из самых зрелищных сцен в истории жанра (самая зрелищная часть фильма).

Несмотря на довольно медленное развитие событий в начале, к 55-й минуте фильм разгоняется, а ввиду огромного количества персонажей, мы будем постоянно перемещаться от одной точки действия к другой, совсем позабыв про скуку. В фильме полно юмора, из-за чего фильм становится гораздо легче смотреть. Во — многом, этому способствует персонаж Уилла Смита.

Уилл Смит играет полную копию своего персонажа из «Плохих Парней» Майкла Бэя, только теперь он летчик, а не полицейский. Хотя здесь он тоже был к месту и разбавлял серьезность фильма юморными моментами. Но фильм берет именно количеством. Именно благодаря огромному количеству персонажей, та или иная личность не раздражает тебя и не надоедает однообразностью. Фильм постоянно бежит вперед, преподнося что-то новое.

Фильм вышел в 1996 году, но в отличие от многих конкурентов, зрелищность фильма спустя четырнадцать лет назад, ни на миг не стала хуже. Визуально инопланетяне выглядят очень красиво и качественно, взрывы и по сей день поражают своей натуральностью, языки пламени, похожие на пламя из самого ада, небоскребы и здания, которые разлетаются как карточные домики и самое главное — это инопланетные корабли; которые поражают взгляд своим масштабом и великолепием.

Стоит отметить, что как бы кто не относился к пафосу и к американскому патриотизму, этот фильм действительно произвел фурор в своем жанре и был популярен во всем мире (феерические сборы в 816 000 000 $ говорят об очень многом). Именно этот фильм ввел моду на фильмы-катастрофы. Именно этот фильм в очередной раз укрепил звездный статус Уилла Смита и дал ему очередной мощный толчок к карьерному росту. Именно этот фильм многие зрители еще долго будут помнить, как одну из самых атмосферных и масштабных научно-фантастических картин в истории кинематографа. Именно этим фильмом Роланд Эммерих заслужил себе место на Голливудском Олимпе.

Интересные факты:

На основе фильма в 1997 году компанией «Fox Interactive» была создана одноименная компьютерная игра.

Аббревиатура «ID4», которой первоначально именовался этот фильм, была создана после того, как возникли юридические проблемы с правом на название «День независимости».