Описание (клик - развернуть/свернуть):
«Мы делали этот фильм примерно так же, как американцы вели войну — нас было слишком много, мы тратили слишком много денег, и мы понемногу сходили с ума…» (Френсис Форд Коппола)

Если сравнивать этот фильм с шедеврами мировой литературы, то возникает только одна ассоциация — первая часть поэмы «Божественная комедия» Данте Алигьери, в которой поэт совершает мысленное путешествие по аду. Ад в понимании Данте имеет вид колоссальной воронки, состоящей из концентрических кругов, узкий конец которой упирается в центр земли.

Шаг за шагом, круг за кругом, поэт совершает нисхождение к самому дну гигантской воронки. На самом дне ада его встречает Люцифер, восставший некогда на Бога ангел, царь зла, обречённый на заключение в центре земли.

Вряд ли Коппола, создавая свой шедевр, стремился следовать замыслу «Божественной комедии». Но само построение и концепция фильма имеют настолько тонкую ассоциативную связь с поэмой Данте, что трудно удержаться от проведения определенных параллелей.

В сюжет фильма была заложена история об эксцентричном капитане Бенджамине Уилларде (Мартин Шин), которого высшие чины отправляют с секретным заданием уничтожить сумасшедшего полковника Уолтера Курца (Марлон Брандо), который отстранился от выполнения приказов и создал в далёком краю некое царство насилия. Чтобы добраться до Курца, Уилларду необходимо многие километры плыть вверх по течению реки в Камбоджу. Отправляясь на катере, Бен берёт с собой пятерых патрульных солдат. Путь отряда наполнен ужасами войны...

Само путешествие главного героя фильма капитана Уилларда по реке Меконг напоминает постепенное, шаг за шагом, круг за кругом, погружение не только в ад окружающей его войны, но и в ад подсознательных глубин собственной души. На дне этого ада он встречает полковника Курца, ангела зла этой вселенной абсурда, боли и духовного опустошения.

Круг первый: 1969 год, Сайгон, гостиничный номер капитана Уилларда. Уиллард, лишившийся привычной дозы наркотика под названием «война», испытывает самую настоящую психологическую ломку. Его мозг отказывается воспринимать мирную реальность настолько, что он слышит шум вертолетных лопастей во вращении гостиничного вентилятора, сам (за неимением реального врага) причиняет себе физический и психологический вред.

Круг второй: штаб. Мы видим изменившегося Уилларда. Получив свое задание, он обретает внешне нормальный вид. Его глаза по-прежнему пугающе пусты, но его жизнь снова обретает свой привычный вектор.

Круг третий: база полковника Билла Киргола. Разгромить под будоражащие звуки вагнеровской оперы деревню для того, чтобы покататься на доске для серфинга; расстрелять террористку-смертницу и тут же дать выпить из своей фляги умирающему вьетконговцу — для Киргола вещи абсолютно совместимые и прекрасно укладывающиеся в его собственную систему мировоззрения. Запах напалма и собственная доска для серфа для него дороже любой человеческой жизни, в том числе и своей собственной. Он единственный кто чувствует себя на войне как дома, но в глубине души даже этого отчаянного вояки занозой сидит мысль, рефреном звучащая в течение всего фильма: «когда-нибудь эта война закончится».

Круг четвертый: концерт звезд «Плейбоя». Эта сцена — наглядная демонстрация факта, описанного еще Фрейдом: война очень сильно затрагивает и невероятно легко высвобождает на волю бессознательные базисные инстинкты человека: инстинктивную энергию, поддерживающую жизнь, и силу, зовущую человека к смерти, деструкции, саморазрушению, если говорить упрощенно — сексуальный и агрессивный инстинкты.

Круг пятый: встреча и проверка мирной вьетнамской лодки, закончившаяся бессмысленной и жестокой бойней стариков и детей. Режиссер усиливает абсурдность ситуации, вводя сцену, в которой один из солдат предлагает, согласно инструкции штаба, отвезти истекающую кровью женщину в госпиталь. «Вот так: сначала мы их убиваем, а потом бинтуем…» Уиллард более честно ставит собственную точку в этом театре жестокого абсурда.

Круг шестой: последний рубеж американской армии у моста на реке. Самая страшная сцена в фильме. Обезумевшие солдаты, не нужные никому из штабной верхушки, потерявшие своих командиров, бессмысленно и механически делают свою кровавую работу. У них ужасающие в своей внутренней пустоте глаза. Они практически не спят, и в них уже не осталось почти ничего разумного и человеческого. Это — «потерянные солдаты», ходячие мертвецы, живые призраки этой страшной войны.

Круг седьмой: французская каучуковая колония. Это ад упрямого патриотизма и ад потерь близких и любимых людей. Но в то же время это единственный и последний оплот человечности. Только здесь мы увидим уважение к погибшим, только здесь капитан Уиллард впервые встретит уникальную чуткость, понимание и сострадание. Очень мудро, трогательно и по-женски точно вдова погибшего плантатора обозначит состояние его искалеченной души: «ты устал от войны, в тебе два человека: один — тот, который убивает, другой — тот, который любит». Именно здесь Уиллард почувствует, как в нем с каждым часом войны умирает способность любить…

Круг восьмой: поселение полковника Курца. Гений военной стратегии и тактики, великолепный знаток человеческой души, ярый сторонник организованной профессиональной армии, чьи таланты и способности оказались не востребованы и признаны вредными. Оскорбленная бессмысленностью этой войны душа полковника однажды обрела сияющее единение и алмазную твердость. Пережив сильнейший психологический шок, его сознание бесповоротно переродилось в нечто совершенно новое, выходящее за рамки ординарного человеческого начала, по-своему совершенное, хотя и дьявольски жестокое. На Востоке подобное состояние измененного сознания почитают как почти божественное.

Но на Востоке же существует легенда о Драконе, в которого превращается человек, поддавшийся опьянению приравнивания себя к Творцу. Убивший дракона сам становится им. И круг этот бесконечен, пока однажды понявший это человек не разорвет его, выдержав невероятное искушение. И «Дракон» Курц ждет именно такого человека, как Уиллард.

Круг девятый, последний: снова река Меконг, дно собственной души Уилларда. Измерив глубину пропасти собственного «я», капитан с ужасающей ясностью понимает, что после всего пережитого у него нет будущего. Есть лишь реальность мучительного возвращения в первый круг собственного ада…

В 60-х годах XX века профессора Гарвардского университета, доктора психологии Тимоти Лири и Ричард Олперт, проводили опыты с ЛСД на добровольцах по расширению сознания, позже признанные опасными для неподготовленной психики человека и запрещенные на государственном уровне.

Но порожденное этими опытами особое направление — психоделизм, как восприятие образов на чувственном уровне с последующим или одномоментным их осмыслением, нашло свой путь, перейдя в более безопасную и здоровую форму — медитацию, музыку или йогу. В современном понимании психоделизм — это способ свободной медитации, сочинение в состоянии полубодорствования-полусна. Такое состояние можно назвать «активной грёзой».

Именно такой психоделической стилистикой насквозь пропитан этот фильм.

Мистическая музыка и иносказательная поэзия «The Doors» с самых первых кадров наполняет зрителя тревогой и подчеркивает апокалиптичность картины. Плавная, текучая, медитативная форма повествования. Гипнотизирующий, почти галлюциногенный визуальный ряд. Путешествие капитана Уилларда как способ погружения в познание свойств и возможностей собственной психики. Психология измененного сознания полковника Курца. Сами монологи Курца, являющиеся почти в чистом виде актерской импровизацией Марлона Брандо.

Американский режиссёр Фрэнсис Форд Коппола начал делать свою суперэпопею о Вьетнаме почти через год после окончания войны в Индокитае, в марте 1976 года, получив громадные доходы от проката двух частей «Крёстного отца». Ему позволили нарушить негласный запрет на «вьетнамскую тему», дали военную технику и солдат для массовых сцен, которые снимались на Филиппинах. Но судьбе было угодно, чтобы съёмки и монтаж картины затянулись на целых три года (была потрачена громадная по тем временам сумма — $31,5 млн., а ныне она составила бы $87 млн.). И в результате Копполу опередил более молодой и почти никому не известный Майкл Чимино, который «Охотником на оленей», первым серьёзным фильмом о войне во Вьетнаме, поверг американцев в состояние шока. Он раскрыл трагедию сыновей Америки, посланных ею в земной ад.

А в ленте «Апокалипсис наших дней», которая вышла только в 1979 году, американская публика и критика были потрясены, прежде всего, размахом, масштабностью, эпичностью и высочайшим техническим уровнем. Режиссёр создал величественную фреску о современном Апокалипсисе на земле Индокитая. Всех поразила замечательная сцена вертолётной атаки под музыку «Полёта валькирий» из вагнеровской оперы о Нибелунгах (одно из первых и новаторски применённых достижений системы звукозаписи «Долби-стерео» закономерно было вознаграждено премией «Оскар»). Была также отмечена удивительная работа итальянского оператора Витторио Стораро, приглашённого Фрэнсисом Фордом Копполой после его успеха в эпическом «Двадцатом веке». Мастерская работа оператора Витторио Стораро позволяет зрителю пройти весь путь главного героя вместе ним. Ощутить запах крови, порывы ветра, грохот земли под рвущимися снарядами. Окунуться во весь ужас происходящего. Фильм полон великолепных батальных сцен.

Но мало кто из американских критиков захотел вникать в философскую проблематику своеобразной одиссеи по кругам ада. Притча Копполы, вольно пересказывая мотивы романа «Сердце тьмы» Джозефа Конрада, говорила не только об ужасах бесчеловечной бойни, но и о битве между Добром и Злом, разумом и безумием, Дьяволом и Богом внутри человека, который подвергается испытаниям жестокостью, насилием, а главное — безграничной властью над другими людьми. Многим картина показалась слишком мрачной, усложнённой, неясной по мысли. Даже после получения главной премии в Канне постановщик посчитал необходимым сделать уступку ожиданиям зрителей, которые были разочарованы крайне странным, с их точки зрения, финалом.

В первом варианте капитан Уиллард на протяжении всего повествования пробирался с секретным заданием вглубь джунглей Камбоджи, чтобы уничтожить сошедшего с ума полковника Курца из отряда «зелёных беретов». И в конце фильма становился немым свидетелем того, как перед «новоявленным божеством», утопившим себя в крови, склонялась в слепом поклонении толпа. Но в окончательной прокатной версии Фрэнсис Форд Коппола всё-таки продлил этот финал, позволив свершиться правосудию над тем, кто вышел из повиновения и возомнил себя властителем. Безусловным является то, что «Апокалипсис ...» — замечательное кинопроизведение, которое служит одной из главных точек отсчёта для авторов, обращающихся к теме Вьетнама, вообще к проблемам войны и власти.

Интересно, что в 2001 году Фрэнсис Форд Коппола вновь вернулся к так и не отпускающему его материалу, смонтировав полную режиссёрскую версию, в которой появились сцены, изъятые в прежних вариантах (в частности, эпизоды на французской плантации), после чего фильм даже приобрёл новое эпическое дыхание. Хотя всё равно трудно отделаться от ощущения, что абсолютно покоряющее магнетическое свойство возникает только в тех сценах, где просто присутствует на экране, даже молча, великий актёр Марлон Брандо в роли полковника Курца. Знаменательно, что по опросу Американского киноинститута, проведённому в 2007 году, «Апокалипсис наших дней», занявший 30-е место среди лучших фильмов США за всю историю, опередил две других этапных ленты о войне во Вьетнаме — и «Охотника на оленей», и «Взвод».

Интересные факты:

Внимательно присмотревшись к дальним планам в сценах с Дэннисом Хоппером, можно заметить слова «Apocalypse Now», написанных на каменных сооружениях.

Френсис Форд Коппола сыграл небольшую роль-камео. Он снялся в роли журналиста, который делал репортаж во время боя. Его слова: «Не смотрите на камеру, делайте вид, что сражаетесь!».

По версии «Film4» фильм занял 1 место в списке «50 фильмов обязательных к просмотру, прежде чем вы умрете».

Когда Фрэнсис Форд Коппола предложил Аль Пачино сыграть Уилларда, тот отказался, сказав: "Я знаю на что это будет похоже. Ты собираешься сидеть там, в вертолете, и указывать, что мне делать, а я буду торчать в этом болоте пять месяцев." На самом деле съемка продлилась 1 год 4 месяца.

Коппола шутил, что если бы Аль Пачино согласился на роль Курца, ему пришлось бы снимать свой фильм в нью-йоркской квартире Пачино.

По законам Филиппин, после завершения съёмок фильма все декорации должны были быть уничтожены. Коппола решил разрушить декорации с помощью серии взрывов и снять это на плёнку, в надежде так или иначе использовать эти кадры впоследствии. Коппола со своими сотрудниками установил несколько камер с различными объективами и фильтрами, и снял взрывы с разных точек и с разной скоростью. На фоне этих кадров в оригинальной версии фильма на 35-мм плёнке шли титры в конце фильма, и многие посчитали это указанием на то, что Уиллард всё же вызвал бомбардировщики. Узнав о такой реакции, Коппола вырезал из концовки фильма эти кадры и оставил просто титры. Он отрицал, что бомбардировка поселения Курца рассматривалась как один из альтернативных вариантов окончания фильма.

Сначала предполагалось, что фильм будет снимать Джордж Лукас, который был в то время протеже Копполы в студии American Zoetrope. Коппола основал эту студию в качестве альтернативы основным голливудским студиям и планировал использовать её для поддержки молодых режиссёров, только что закончивших режиссёрские школы и курсы. Война во Вьетнаме была тогда ещё в разгаре, и первоначальный план состоял в том, чтобы снимать картину непосредственно во Вьетнаме, на партизанский манер. Однако компания Уорнер Бразерс, у которой был договор с Zoetrope, отказалась финансировать такой проект, мотивировав это как сомнениями в коммерческом успехе фильма, так и соображениями безопасности — риск в том, что создатели фильма пострадают при съёмках в зоне боевых действий, был немалый. Лукас позже утверждал, что и сама студия Zoetrope смотрела на этот проект как на «сумасбродный», да и к нему самому и его коллегам по проекту относились так же.

Свой сценарий Джон Милиус написал в 1969-м году. Сценарий назывался «Психоделический солдат». По его же версии, мятежный полковник не только провозгласил себя богом, но и вступил в непосредственную войну с американской армией.

На роль капитана Уилларда приглашали Стива МакКуина.

В момент, когда исполнителем главной роли хотели сделать МакКуина, сценарий назывался «Апокалипсис Три», в нем было три главных героя, и всех их, по замыслу Копполы, должны были сыграть крупнейшие звезды, в частности, Джин Хэкман.

Роль Уилларда уже начал играть Харви Кейтел, но спустя две недели Коппола заменил его на Мартина Шина.

Полное имя героя Шина – Бенджамин Уиллард. Старших сыновей Харрисона Форда зовут Бенджамин и Уиллард.

Во время съемок Коппола сбросил 100 фунтов веса.

Хуже всех вел себя на съемках Марлон Брандо. Ему заранее заплатили миллион долларов, ( в целом гонорар составлял три миллиона ) но всякий раз он угрожал уйти из фильма. Тогда Коппола заявил своему агенту, что ему все равно, и взамен Брандо он желает получить Джека Николсона, Роберта Редфорда или Аль Пачино. В конце концов, Брандо остался, набрал во время съемок 40 килограммов веса, отказался читать оригинальный сценарий и даже роман Конрада, отклонил режиссерский сценарий Копполы, согласился только на импровизацию своей роли и запрещал снимать себя на свету – лишь в темноте.

В некоторых сценах звук взлетающих вертолетов был изобретен на синтезаторе, чтобы лучше синхронизировать его с музыкой.

Съемки шли на Филиппинах, и по контракту местный правитель Фердинанд Маркос должен был предоставить съемочной группе геликоптеры и пилотов. Однако время от времени Маркос забирал свою воздушную технику, чтобы вести сражения с местными мятежниками.

По графику съемки фильма должны были длится чуть больше шести недель. Они затянулись до 16 месяцев.

На несколько месяцев съемки прервал случившийся тайфун.

В фильме по-настоящему убивают корову.

До сих пор Апокалипсис окутывают легенды, что Коппола и многие из съемочной труппы снимали фильм, находясь под действием марихуаны и ЛСД. По крайней мере, в подобном точно уличили актера Сэма Боттомса.

Коппола отчаянно искал удовлетворившую бы его финальную сцену, пока его жена Элеанор не рассказала, что была свидетельницей жертвоприношения животного в местном племени ифугао.

У фильма нет начальных титров. Его название появляется лишь в самом конце.

Один из звукорежиссеров Рэнди Том рассказывал, что понадобилось девять месяцев, чтобы свести звук так, как того хотел Коппола.

Многие диалоги фильма были уже записаны на стадии пост-продакшна, так как записанные ранее шумы (например, звук геликоптеров) испортили большинство сцен с диалогами.

Ряд фотографий полковника Курца из его досье были кадрами из фильма «Отражения в золотом глазу» (1967) Джона Хьюстона, где Брандо сыграл военного офицера.

Героя Дж. Д. Спрэдлина зовут генерал Корман. Это намек на легендарного продюсера Роджера Кормана, у которого начинал свою работу Фрэнсис Форд Коппола.

Чтобы попасть в фильм Лоуренс Фишберн соврал о своем возрасте (съемки начались в 76-м, ему было на тот момент 14 лет).

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Первая лента 34-летнего австралийского режиссёра Джорджа Миллера стала настоящей сенсацией во всём мире. Она была буквально даром продана американцам для мирового кинопроката и в результате принесла гигантские доходы в размере ста миллионов долларов! Таким образом, ничтожный бюджет (всего лишь $350 тысяч) был превзойдён почти в 286 раз! И благодаря этому «Безумный Макс» даже был включён в 1998 году в Книгу рекордов Гиннесса как самый прибыльный фильм на свете. А его постановщик нашёл верный путь для воплощения своих художественных пристрастий, избрав жанр фантастического боевика, проникнутого идеями подчас мрачноватых антиутопий, которые оказались столь распространёнными в искусстве ХХ века.

Полицейский Макс из недалёкого будущего был прозван Безумным за непримиримую, жестокую, тотальную борьбу с дорожными бандами ещё более сумасшедших отщепенцев на мотоциклах и автомобилях. В этой войне не на жизнь, а на смерть погибают жена и ребёнок Макса — и отныне его месть бандитам становится особенно безжалостной.

Так как это чуть ли не самая первая роль Мела Гибсона, придираться к его актерской игре было бы не корректно. Однако это и не нужно, поскольку сыграл он просто великолепно. Поначалу это типичный положительный герой-полицейский в типичном западном фильме. Но ближе к концу Мел великолепно демонстрирует перерождение, трансформацию персонажа Макса, который из доброго копа, помогающего людям становится безжалостным убийцей, не щадящим никого.

Миллер великолепно чувствует в «Безумном Максе» именно кинетическую сущность кинематографа, справедливо полагая, что кино изначально, уже по своей природе должно быть построено на действии, движении, изменении. Он искусно творит то, что на английском языке называется non stop action, то есть безостановочное, непрекращающееся действие, непредсказуемое развёртывание повествования. Это может напомнить эффект раскручивающейся, распрямляющейся пружины, которая прежде была туго сжатой. И как раз подобный «разжимающийся сюжет» даёт мощную энергию всему происходящему в этой ленте, несущейся с той же невероятной скоростью, с какой гоняется сам Макс, в чьей роли впервые прославился в кино 23-летний актёр Мел Гибсон, будущая мировая знаменитость. Неудивительно, что после такого грандиозного успеха затем были сняты Джорджем Миллером ещё два продолжения о «Безумном Максе».

«Безумный Макс» — разумеется, сейчас уже смотрится совсем не так, как в 70-ые. Но поверьте, классику знать надо и даже несмотря на большое количество условностей, фильм завораживает своей атмосферой и ярчайшими и зрелищными погонями, который порадуют вас своим реализмом и полным отсутствием компьютерной графики. Подобные ленты прошлого надо помнить. Заодно узнаете с чего началась история у жанра "пост - апокалипсис".

Интересные факты:

Мэл Гибсон специально не проходил пробы для фильма. Он пошел на пробы за компанию со своим другом. Так как в предыдущую ночь он подрался в баре, его лицо было в синяках и невероятно распухло. Мэлу сказали, что он может вернуться через три недели для проб на роли всевозможных фриков, присутствующих в фильме. Он пришел через три недели, его никто не узнал, но зато ему предложили пройти пробы на главную роль в фильме.

Только две оригинальные модели «Перехватчика» были использованы в трилогии о Безумном Максе. Машина, использовавшаяся в первом фильм, была модифицирована для съёмок второго фильма. После окончания съёмок второй части эта машина была куплена и восстановлена Бобом Форсенко. В настоящий момент она находится в «Cars of the Stars Motor Museum» в Англии. Второй автомобиль был использован только для сцен автомобильных погонь во втором фильме. Как и в фильме, автомобиль был разбит вдребезги. Автомобиль, который находится в «Planet Hollywood», является точной копией и никогда не был использован ни в одном из фильмов.

Машина Макса – «Ford XB Falcon Coupe». Данная модель продавалась в Австралии с декабря 1973 по август 1976.

Машина Ночного Ездока в начале фильма – «HQ Holden Monaro», продававшаяся в Австралии в начале 1970-х в различных комплектациях. Полицейские машины в фильме – седан-версии «XB».

Несколько фраз, которые Ночной Ездок говорит по радио, повторяют текст песни «Rocker» группы «AC/DC».

Из-за ограниченного бюджета, в фильме были использованы списанные полицейские машины. Только Мэл Гибсон носил одежду из настоящей кожи. Все остальные полицейские носили одежду из винилопласта.

«Безумный Макс» стал первым австралийским фильмом, снятым в широкоформатном аноморфном формате.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
После супер-оглушительного успеха предыдущей картины «Шпион, который меня любил», которая в сто раз качественнее и динамичнее, как в художественном (три номинации на Оскар) так и коммерческом плане (более ста млн. долларов) удачнее предыдущих четырех фильмов об агенте 007, было решено еще больше влиться в фантастику, оставить 52-летнего Роджера Мура и взять больше погонь, больше технологий, меньше реализма. Где еще не был Джеймс Бонд? В Бразилии не был, и… в космосе!

Космос — пространство, где слюнявые Чужие и поганые Хищники, храбрые Джедаи и коварные Ситхи, но никак не Джеймс Бонд. Тем не менее результат превзошел ожидания — все сцены сняты на таком высоком уровне, что в 1979-ом челюсть невольно болтается на уровне колен. Сцена лазерной битвы — самая яркая, жесткая и действительно классная.

Картина открывается очень зрелищной (очень неплохо она смотрится и в сегодняшнее время) экшен-сценой в самолете с последующим воздушным экшеном. Смотрелось все это вполне себе в духе сериала. И пусть завершение этого эпизода получилось сверхнадуманным (когда парень с железными зубами выживает после падения), все-таки общие впечатления об этом эпизоде остались положительными. Думаю, вряд ли кто-то мог предположить, что это самое надуманное падение — лишь начало крайне бредовой и ультрафантастической байки, которая совершенно не вписывается в дух франчайза.

Данный фильм — просто классическое собрание всех штампов, используемых в фильмах о Бонде — Злодей, который хочет уничтожить все человечество (причем абсолютно все), Бонд который в этой серии как никогда смахивает на супермена, и действует на земле, на воде и в космосе, с легкостью расстраивая все планы врага и уничтожая придурковатых прихвостней злодея, в конце «заваливая» прямо в космосе свою очередную подружку. Злодей - недотепа с острыми зубами - Челюсти, который весь фильм делает вид, что гоняется за Бондом, под конец избирает сторону добра и влюбляется в какую-то школьницу с косичками, при чем в настолько наивном, чуть ли не мультяшном стиле.

Лента совершенно лишена чувства меры и потому, под конец мы будем наблюдать натуральные «Звездные войны»: с космосом, космическими схватками и конечно, стрельбой из лазера. Очередная схватка Бонда со злым гением приводит его на космическую станцию, где и завершится эта, можно сказать, шокирующая история. Понятно, конечно, что в те времена все хотели посмотреть на космос и сценаристы не могли не воспользоваться этим рвением зрителей и отправили туда Бонда. Но ей-богу, все это можно было обставить куда более грамотно.

Если же забыть про все эти космические баталии и слащавое повествование, то в принципе, можно сказать, что остальные аспекты фильму вполне удались. Роджер Мур не растерял своей харизмы по пути в космос, а экшен-сцены прибавили (по сравнению с фильмом-предшественником) в зрелищности и качестве, что не может не радовать. По сути, главным недостатком фильма является именно сюжет и его атмосфера. Отдельными эпизодами он очень даже хорош. В фильме есть куча красивых съемок, эффектных погонь, и прочих подвигов в стиле супермена — собственно ради всего этого многие и смотрят Бонда. Просто в данном фильме создатели слишком сильно перегнули палку в плане пародийности. Слишком все сказочно, нелепо и без малейшего намека на интригу. Если вы хотите в очередной раз посмотреть как Бонд без особого напряга спасет мир и вас не беспокоит, что все это выглядит слишком нереально даже для Бонда — этот фильм для вас.

Интересные факты:

Спойте это ещё раз:

В начальных песнях каждый сам себе ищет лучшую. Выбор-то не маленький: Тина Тёрнер, Пол Маккартни, Мадонна, группа A-ha, группа Duran Duran, Нэнси Синатра — многие сделали свой вклад в Бондиану. Можно вспомнить и песню Луиса Амстронга «We have all time in the world», и мелодию «Another way to die», но чаще прочих напоминала о себе певица Ширли Бесси, подарившей три титульных песни — к «Голдфингеру», к «Бриллиантам навсегда», и, собственно, к «Лунному гонщику». Такой рекорд не то, что повторить — на него посягнуть никто не пытался. Наверное, потому, что нынешние создатели Бондианы не намерены повторяться в выборе певцов.

Когда вернётся Бонд?

Вообще, писать, в каком фильме появится агент 007, дело неблагодарное, слишком уж тернист путь героя и авторских прав на книги… Так что Бонд нередко менял места явок. В титрах «Голдфингера» следующим проектом значился «На секретной службе её Величества», но между ними втиснулись ещё два фильма. После «Шпиона, который меня любил» обещали «Только для твоих глаз». Но мода на космос вызвала из небытия форс-мажорного «Лунного гонщика». В конце концов, названия к фильмам закончились, и писать в титрах стали проще: «James Bond will return». Где и когда — гадайте сами, ведь что это за шпион, если заранее известны детали его очередного задания?

Лучшее враг хорошему:

В 1977 году, когда Льюис Гилберт сдал проект «Шпион, который меня любил» настала пора выбрать нового режиссёра. На место в кресле одно время претендовал Стивен Спилберг, который тогда с трудом закончил «Близкие контакты третьей степени». Казалось бы — тоже космическая тематика, отчего бы не взять человека режиссёром?.. Но не-англичанину Спилбергу ответили отказом, сославшись на недостаток у него режиссёрского опыта. Более того, ещё и дерзнули повесить на замок от секретной лаборатории мелодию из «Близких контактов…». Результатами отказа стали продление контракта с Льюисом Гилбертом, а из «менее значимого»: франчайз про Индиану Джонса и надменное молчание Спилберга, когда время от времени к нему приходят просьбы «одумавшихся» продюсеров Бондианы.

Все персонажи и события фильма не имеют никакого отношения к одноименной книге Яна Флеминга.

Бюджет фильма превышает суммарный бюджет первых шести картин «Бондианы».

Данное кино пролезло перед «Только для ваших глаз» потому, что создатели решили подзаработать на модной космической теме после успеха «Звездных войн».

Фильм до сих пор является рекордсменом по числу персонажей, занятых в сцене с невесомостью.

Когда Бонд, одетый в пончо, скачет на лихом коне в бразильскую резиденцию MI 6, расположенную в монастыре, за кадром звучит главная тема из «Великолепной семерки».

Описание (клик - развернуть/свернуть):
После супер-оглушительного успеха предыдущей картины «Шпион, который меня любил», которая в сто раз качественнее и динамичнее, как в художественном (три номинации на Оскар) так и коммерческом плане (более ста млн. долларов) удачнее предыдущих четырех фильмов об агенте 007, было решено еще больше влиться в фантастику, оставить 52-летнего Роджера Мура и взять больше погонь, больше технологий, меньше реализма. Где еще не был Джеймс Бонд? В Бразилии не был, и… в космосе!

Космос — пространство, где слюнявые Чужие и поганые Хищники, храбрые Джедаи и коварные Ситхи, но никак не Джеймс Бонд. Тем не менее результат превзошел ожидания — все сцены сняты на таком высоком уровне, что в 1979-ом челюсть невольно болтается на уровне колен. Сцена лазерной битвы — самая яркая, жесткая и действительно классная.

Картина открывается очень зрелищной (очень неплохо она смотрится и в сегодняшнее время) экшен-сценой в самолете с последующим воздушным экшеном. Смотрелось все это вполне себе в духе сериала. И пусть завершение этого эпизода получилось сверхнадуманным (когда парень с железными зубами выживает после падения), все-таки общие впечатления об этом эпизоде остались положительными. Думаю, вряд ли кто-то мог предположить, что это самое надуманное падение — лишь начало крайне бредовой и ультрафантастической байки, которая совершенно не вписывается в дух франчайза.

Данный фильм — просто классическое собрание всех штампов, используемых в фильмах о Бонде — Злодей, который хочет уничтожить все человечество (причем абсолютно все), Бонд который в этой серии как никогда смахивает на супермена, и действует на земле, на воде и в космосе, с легкостью расстраивая все планы врага и уничтожая придурковатых прихвостней злодея, в конце «заваливая» прямо в космосе свою очередную подружку. Злодей - недотепа с острыми зубами - Челюсти, который весь фильм делает вид, что гоняется за Бондом, под конец избирает сторону добра и влюбляется в какую-то школьницу с косичками, при чем в настолько наивном, чуть ли не мультяшном стиле.

Лента совершенно лишена чувства меры и потому, под конец мы будем наблюдать натуральные «Звездные войны»: с космосом, космическими схватками и конечно, стрельбой из лазера. Очередная схватка Бонда со злым гением приводит его на космическую станцию, где и завершится эта, можно сказать, шокирующая история. Понятно, конечно, что в те времена все хотели посмотреть на космос и сценаристы не могли не воспользоваться этим рвением зрителей и отправили туда Бонда. Но ей-богу, все это можно было обставить куда более грамотно.

Если же забыть про все эти космические баталии и слащавое повествование, то в принципе, можно сказать, что остальные аспекты фильму вполне удались. Роджер Мур не растерял своей харизмы по пути в космос, а экшен-сцены прибавили (по сравнению с фильмом-предшественником) в зрелищности и качестве, что не может не радовать. По сути, главным недостатком фильма является именно сюжет и его атмосфера. Отдельными эпизодами он очень даже хорош. В фильме есть куча красивых съемок, эффектных погонь, и прочих подвигов в стиле супермена — собственно ради всего этого многие и смотрят Бонда. Просто в данном фильме создатели слишком сильно перегнули палку в плане пародийности. Слишком все сказочно, нелепо и без малейшего намека на интригу. Если вы хотите в очередной раз посмотреть как Бонд без особого напряга спасет мир и вас не беспокоит, что все это выглядит слишком нереально даже для Бонда — этот фильм для вас.

Интересные факты:

Спойте это ещё раз:

В начальных песнях каждый сам себе ищет лучшую. Выбор-то не маленький: Тина Тёрнер, Пол Маккартни, Мадонна, группа A-ha, группа Duran Duran, Нэнси Синатра — многие сделали свой вклад в Бондиану. Можно вспомнить и песню Луиса Амстронга «We have all time in the world», и мелодию «Another way to die», но чаще прочих напоминала о себе певица Ширли Бесси, подарившей три титульных песни — к «Голдфингеру», к «Бриллиантам навсегда», и, собственно, к «Лунному гонщику». Такой рекорд не то, что повторить — на него посягнуть никто не пытался. Наверное, потому, что нынешние создатели Бондианы не намерены повторяться в выборе певцов.

Когда вернётся Бонд?

Вообще, писать, в каком фильме появится агент 007, дело неблагодарное, слишком уж тернист путь героя и авторских прав на книги… Так что Бонд нередко менял места явок. В титрах «Голдфингера» следующим проектом значился «На секретной службе её Величества», но между ними втиснулись ещё два фильма. После «Шпиона, который меня любил» обещали «Только для твоих глаз». Но мода на космос вызвала из небытия форс-мажорного «Лунного гонщика». В конце концов, названия к фильмам закончились, и писать в титрах стали проще: «James Bond will return». Где и когда — гадайте сами, ведь что это за шпион, если заранее известны детали его очередного задания?

Лучшее враг хорошему:

В 1977 году, когда Льюис Гилберт сдал проект «Шпион, который меня любил» настала пора выбрать нового режиссёра. На место в кресле одно время претендовал Стивен Спилберг, который тогда с трудом закончил «Близкие контакты третьей степени». Казалось бы — тоже космическая тематика, отчего бы не взять человека режиссёром?.. Но не-англичанину Спилбергу ответили отказом, сославшись на недостаток у него режиссёрского опыта. Более того, ещё и дерзнули повесить на замок от секретной лаборатории мелодию из «Близких контактов…». Результатами отказа стали продление контракта с Льюисом Гилбертом, а из «менее значимого»: франчайз про Индиану Джонса и надменное молчание Спилберга, когда время от времени к нему приходят просьбы «одумавшихся» продюсеров Бондианы.

Все персонажи и события фильма не имеют никакого отношения к одноименной книге Яна Флеминга.

Бюджет фильма превышает суммарный бюджет первых шести картин «Бондианы».

Данное кино пролезло перед «Только для ваших глаз» потому, что создатели решили подзаработать на модной космической теме после успеха «Звездных войн».

Фильм до сих пор является рекордсменом по числу персонажей, занятых в сцене с невесомостью.

Когда Бонд, одетый в пончо, скачет на лихом коне в бразильскую резиденцию MI 6, расположенную в монастыре, за кадром звучит главная тема из «Великолепной семерки».

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Общество всегда лелеяло мечту о возведении совершенной тюрьмы, из которой невозможно было бы бежать. И такое заведение удалось построить на острове неподалеку от Сан — Франциско. Тюрьма называлась «Алькатрас» или «Скала», из-за горной породы на которой она была построена. Двадцать девять лет считалась она самой надежной тюрьмой США. В ней сидели знаменитые воры, мошенники и даже сам Аль Капоне. Но в один прекрасный день порог этой страшной тюрьмы переступил грабитель банков Фрэнк Моррис. Он не пожелал отбывать в «гостеприимных» стенах назначенный судом срок и осуществил один из величайших побегов в истории криминалистики.

Касаемо самой картины можно отметить то, что она больше похожа на документальный фильм. А это всё потому, что сценаристы не стали ничего придумывать и углубляться, а просто напросто переписали реально произошедший случай. Поэтому персонажи остались не раскрытыми и мы абсолютно не знаем их предыстории, кто кем был до того как угодил в «Алькатрас». Даже о Фрэнке Моррисе мы не знаем ничего. Загадочный преступник, бежавший из нескольких тюрем — вот всё, что известно внимательному зрителю в начале многообещающего кино. Также мы видим строчку «I. Q. Superior» в досье нашего главного героя, что может говорить о феноменальных умственных способностях заключенного. Самое интересное чувство, которое возникает во время просмотра — это сопереживание. Хотя главный герой, по-сути, угроза для общества, беглец со стажем, а вот радеешь за его благополучное избавление от тюремных оков Алькатраса. Происходит это потому, что герой Клинта Иствуда хоть и преступник, но явно не подонок, а настоящий мужик с сильным характером. Он брутален, силен, спокоен.

Выбор Клинта Иствуда на роль главного героя весьма удачен. Поскольку харизматичность и недюжинные актерские способности этого человека, позволили ему правильно вписаться в образ своего персонажа и сделать его для зрителя интересным и загадочным. У его героя, на подготовку к побегу ушло целых семь месяцев. Режиссер Дон Сигел, разумеется уменьшил семь месяцев до двух часов, создав в фильме великолепную атмосферу происходящего. Сигел мастерски показал развитие сюжета, вводя нас в начале в курс дела, в обстановку происходящего и, постепенно, ближе к концу, накаляя атмосферу побега до предела, создав ее благодаря, мастерски выстроенной логической цепочке, по которой мы, вместе с главными героями следуем от начала до конца, наполняясь попутно ощущением, что сами совершаем побег и неистово пытаемся покинуть столь ненавистные стены Алькатраса.

Из фильмов на данную тематику «Побег из Алькатраса», безусловно, один из лучших, потому что в нем все держится на захватывающей, интересной и реальной истории, которую вы нигде больше не увидите. Само собой напрашивается сравнение с «Побегом из Шоушенка» — фильмом, оставившим неравнодушным не одно поколение зрителей. Но можно ли сравнить их? Думаю нет. В «Алькатрасе» основной акцент сделан на побеге, а в «Шоушенке» главная цель — показать характер героя. И то, и другое по своему интересно!

Данная картина хороша типичностью для своего времени, на ее примере можно рассматривать эволюцию фильмов о тюремных заключенных. Как добрый представитель «старого» кино, «Побег из Алькатраса» спустя более 30 лет после выхода на экраны увлечет далеко не каждого, что лишь напоминает о неумолимом течении времени, никак не обличая фильм с негативной стороны. Любителям историй о побегах, сильных личностях, поклонникам ретро и Клинта Иствуда стоит обратить внимание на эту ленту.

Интересные факты:

Фрэнк Моррис — реальный человек, родился 1 сентября 1926 года в Вашингтоне, округ Колумбия. Совершил свое первое преступление в возрасте 13 лет. За свой колоритный список правонарушений, начиная с употребления наркотиков и заканчивая вооруженным ограблением, не раз мотал срок в различных тюрьмах Америки. Неоднократно совершал из них побеги, благодаря высокому уровню интеллекта (его IQ равнялся 133 баллам). После побега с Алькатраса 11 июня 1962 года, официально считался пропавшим без вести.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
После невероятного и суперсложного поединка за звание чемпиона мира, в котором, несмотря на то, что Рокки и проиграл решением судей, но в тоже время приобрел невероятную популярность, жизнь его круто меняется. Появившиеся вслед за этим деньги и последовавшие перемены: новый дом, машина, одежда и побрякушки, не слишком радуют Эдриан, которая была счастлива и в старой квартирке. Рокки же лишь хочет обеспечить любимую всем необходимым.

Со спортом и боксом в частности он решил покончить, так как из-за поврежденного глаза в бою, в следующем он может вообще ослепнуть. Итальянский жеребец делает все, чтобы не боксировать, ищет спокойную работу, дабы содержать семью, но без образования ему ничего не предлагают, кроме физической работы, от которой он хотел отказаться. Все, абсолютно, все намекают ему, что неплохо бы снова «надеть перчатки», вот только сделать это будет не так-то легко.

Несмотря на то, что для Рокки все кончено, для Аполло Крида еле-еле вырванная победа в поединке с неизвестным доселе боксером стала настоящим ударом по чемпионскому самолюбию. К тому же после обвинений в договорном матче и спектакле, сделанном из боя за титул, ему нужен реванш. Уж на этот бой Крид настроится очень серьезно и подойдет на пике своей формы, потому что как он сам скажет: «Я выиграл, но не победил», а для таких людей это самое важное.

Матч реванш в итоге состоится, как и второй фильм про легендарного боксера. Ещё один шанс, ещё один поединок, в котором точно определится Чемпион.

Феноменальный успех первого фильма бросил свою тень и на второй фильм. «Рокки 2» по силе воздействия, конечно, несколько уступает оригиналу, но это по прежнему отличный жизненный фильм. Есть даже что-то символичное, что история повторяется снова. Сиквел точно следует логике первого фильма, его структуре, манере подачи и т.д. Сталлоне в интервью говорил, что цель этого фильма — раскрыть характера главного героя, показать его переживания и сделать так, чтобы зритель уверовал именно в силу человеческого духа! Сильвестр Сталлоне во второй раз представил пример того, что человек никогда не должен отступать перед жизненными трудностями, всегда двигаться только вперед, и уметь радоваться самым простым вещам. «Рокки 2» вновь демонстрирует не торжество грубой физической силы и банальное избиение на ринге, а силу и справедливость главного героя, идущую от сердца. Вновь незабываемая музыка Билла Конти, бегущий по ступенькам неутомимый боксер, жесткие тренировки с тренером Микки, и любовь к Эдриан. Нельзя сказать, что последующие части получились хуже, но именно первая и вторая обладают уникальной атмосферой мрачноватой Филадельфии с ее пустыми улочками, которую делает светлее самый упорный и скромный ее житель, Рокки Бальбоа. Уже после двух таких фильмов вклад Слая в мировой кинематограф трудно переоценить.

Интересные факты:

Помимо написания сценария, Сильвестр Сталлоне выступил еще и как режиссер фильма.

Около 800 школьников были привлечены к съемкам сцены пробежки Рокки через Южную Филадельфию.

В сцене тренировочного боя спарринг-партнера Рокки сыграл чемпион мира по боксу Роберто Дуран.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
В далеком будущем возвращающийся на Землю грузовой космический корабль «Ностромо» перехватывает исходящий с неизвестной планеты неопознанный сигнал. Экипаж принимает решение совершить посадку и разобраться, в чем дело. Оказавшись на планете, астронавты повсюду обнаруживают неопознанные предметы, по виду напоминающие гигантские коконы…

У каждого режиссера есть фильм, который становится отправной точкой его признания и популярности. Именно такой отправной точкой для Ридли Скотта и стала эта лента. Недавно перебравшись из рекламного бизнеса в игровое кино, Ридли успел снять несколько лент. Но сняв эту ленту, он навечно записал своё имя в историю кинематографа и даже если он впредь будет снимать отстойное кино, это не испортит мнение о его персоне. Фильмов о многочисленной угрозе человечеству в будущем, просто огромное количество. Какие только монстры и инопланетные организмы не уничтожали всё живое на планете Земля. Но Ридли успел внести нечто действительно уникальное, яркое и действительно качественное. В связи с чем, фильм будучи снятым в далёком 1979 году, не уступает ни одной современной ленте. Потому что, в данной ленте прослеживается всесторонне идеальная режиссура. Первая часть из цикла о «Чужих» стала фантастическим фильмом ужасов и ужас тут держится абсолютно на всём. А местами даже ни на чём. Таким образом, пустые коридоры, полусветлые отсеки и режущая слух тишина пугает намного больше, чем само появление Чужого на экране. Ведь так оно и есть. Ридли действительно держит в напряжении и страхе все два часа экранного времени. Не смотря на то, что Чужой появляется на экране всего то на 15 минут максимум. Абсолютно идеальные сцены. Страх в каждом кадре и кадры полные неописуемой пустоты. В этом то и выделяется весь талант режиссера. Где за неимением высоких технологий и уникальных спецэффектов, режиссер держит зрителя в напряжении и показывая самого монстр лишь пару раз. Нечто подобное повторялось и в «Челюстях» Стивена Спилберга. Но в целом, такие ленты единицы.

Ридли Скотт в «Чужом» мастерски играет на нервах публики, предлагая ей вроде бы коммерческий супербоевик о внушающем ужас восьмом пассажире космического звездолёта «Ностромо». Чужак пожирает по очереди всех членов экипажа, кроме отважной женщины, офицера Рипли, которой удаётся выбросить чудовище в открытый космос. Довольный таким исходом зритель может благополучно покинуть зал, радуясь, что все страхи миновали, а в реальной жизни подобных «бяк» никогда не встретишь. Однако эта картина гораздо глубже и умнее распространённого сюжета о борьбе людей с вторгшимся инопланетным монстром.

Те, кто запрограммировал в компьютере втайне от экипажа доставку космического Нечто на Землю для изучения и научных экспериментов, вовсе не осознавали своей ответственности ни за жизнь «великолепной семёрки» с корабля «Ностромо», ни за судьбу всего человечества. И нет особой причины радоваться тому, что в финале Чужой был выкинут из звездолёта в космос: разлетевшись мириадами частиц по Вселенной, он вполне способен попасть на Землю и опять регенерироваться.

Именно такие ленты как «Чужой», нельзя обвинять в штампах и в дефиците идей. Потому что, именно они сформировали каноны и правила жанра. Именно под влиянием подобных картин и разрослось огромное количество лент, где инопланетные существа угрожали всему живому. Да и что кривить душой, угрожали всему живому не только инопланетные существа. Но и всякие монстры, природные катаклизмы и многочисленные астероиды. Но сюжет этой ленты абсолютно уникален и актуален даже спустя тридцать с лишним лет. Главное достоинство картины именно в неведении. Так как, сюжет картины развивается настолько динамично и монотонно одновременно, что ты не знаешь, чего стоит ожидать в следующую секунду. Сама же история просто завораживающая и очень атмосферная. Многочисленные диалоги ничуть не нервируют. А их отсутствие воспринимается даже лучше. Несмотря на обилие научных терминов и заумных слов, зритель вполне легко понимает их значение. Сама же история полностью погружает зрителя в экранное действие и делает так же членом команды «Ностромо». При этом, картина оставляет огромное количество вопросов. Откуда взялись Чужие ? Их кто либо создал ? Как оборвалась жизнь «Пациента Стоматолога» ? Всё это делает историю еще более таинственней и острей. А сам процесс «появления на свет» Чужого просто впечатляет. Сюжет развивается по классике жанра. Члены экипажа погибают один за другим и действие набирает еще больший оборот и динамику. Тем самым, подводя к просто великолепному финалу, которая идеально раскрывает каждого персонажа на экране. Хотя нереализованная концовка Ридли Скотта, мне была бы приятней более. Но на этом история о Ксеноморфе закончилась бы. А это допускать просто нельзя.

Этот фильм стал во многом классическим примером подражания для многих других лент. Ранее главными героями боевиков и сильными личностями были исключительно мужчины. Они доминировали над женщинами. Но именно Ридли разрушил этот барьер и создал Рипли, которая идеально сочетает в себе женственность и невероятно сильный характер. Тем самым, образ Рипли стал отправной точкой для того, что бы в столь сильных образах начали появляться женщины. Во многом это заслуга Сигурни Уивер и спору нет, её игра просто великолепная. Она буквально прожила на экране свою героиню. Показать настоящий страх, смелость, испуг удается не многим. От чего, она кажется столь реальной и эту её роль можно смело посчитать лучшей в её карьере. Остальные актеры так же сыграли просто великолепно. Одна игра Тома Скеррита, Джона Хёрта и Йена Холма чего стоит. Станиславский бы аплодировал.

Безусловно, композитора для подобных лент нужно было поискать. Ведь ничего подобного ранее не снимали! И Джерри Голдсмит всегда был лучшим и останется таковым даже после своей смерти. Никто не способен его затмить. Даже его ученик Марко Белтрами. Этот гений заслужил огромное уважение своими невероятными работами. Вот и данную его работу, я спешу назвать лучшей за всю его карьеру. Описать услышанное не возможно. Джерри идеально проникся всем содержанием картины и сделал музыку действительно пугающей, напряженной и очень тяжелой. За счет чего, именно музыка порой делала фильм острее и заставляла зрителя крепче держатся за своё кресло. Те же чувства можно испытать даже просто прослушивая музыку вне просмотра картины.

Фильм получил всевозможные награды за спецэффекты и не зря. Футуристический дизайн корабля, коридоров и всего остального действительно впечатляет. (Не забываем, что фильм создан в 1979 году). Даже сейчас, когда визуальные эффекты далеко шагнули вперёд. Но главное достоинство спецэффектов именно в самом Чужом и тут нельзя не отдать должное великому Хансу Руди Гигеру. Гигер всегда был передовым монстрмейкером Голливуда. Даже выше Стэна Уинстона и Патрика Татополоса. На экране действительно уникальное существо. Острые когти, мощные зубы, внутренняя змеиная пасть, кислота вместо крови. Слов нет. Можно лишь аплодировать. За счет чего, первое появление Чужого при ужине, до сих спор считается культовой сценой.

Фильм Ридли Скотта, безусловно, культовый. Он стал родоначальником не только целой серии подражаний и сиквелов, но и во многом определил каноны и основы жанра. И тем не менее он устарел. Сильно устарел и навсегда. Устарел не только метод съемки фильма, устарели приемы пугания, устарели спецэффекты (хотя я не сомневаюсь, что люди в 79-м вскрикивали от страха), да и сама космическая тематика значительно устарела, а в наше время вообще поменяла полярность. Все эти Чужие, Хищники, Коконы и замаскированные под банан злобные пришельцы давно утратили былой смысл и блеск. От них осталась лишь оболочка, да некие ностальгические воспоминания.

Приевшиеся методы пугания, темные ходы с капающей водой и кровью, роботы-андроиды, сам Чужой, которого показывают от силы два раза — и то по частям, героическая тетка Эллен Рипли, скафандры, нарисованные звезды — скучно, приелось это все. Посмотреть ради ностальгии — всегда можно, но шедевром я его сегодня назвать уже никак не могу. Этот фильм стал чужим в 21 веке.


Интересные факты:

Ридли Скотт признавался в многочисленных интервью, что он хотел снять более мрачный фильм с фатальной развязкой. В частности, картина должна была заканчиваться сценой откусывания головы Рипли. Но кинокомпания «20th Century Fox» не пошла на поводу у режиссера и предложила смягчить окончание.

Ридли Скотт занял режиссерское кресло после того, как его покинули четыре предыдущих кандидата.

В первом варианте сценария Рипли была мужчиной.

Роль Рипли изначально предлагалась Веронике Катрайт, но впоследствии выбор пал на Сигурни Уивер. Впрочем, Вероника также получила в проекте одну из главных ролей.

Многие диалоги являются импровизацией.

Для съемок было изготовлено три варианта «Чужих»: сама модель и два костюма, в которые облачались статисты.

В костюм «чужого» мог облачиться Питер Мэйхью, исполнитель роли Чубаки в «Звездных Войнах». Рост этого британского гиганта составляет 2,21 м. В итоге эта роль досталась Боладжи Бадеджо (2,18 м).

Боладжи Бадеджо, сыгравший чужого, до начала фильма брал уроки пантомимы и занимался Тай-Цзи Цюань (китайская гимнастика).

Для сцен, где чужой перемещается по кораблю, декорации помещений специально перестраивали под Боладжи Бадеджо, для того чтобы облегчить его движения и предоставить ему больше мест, где можно спрятаться. Однако, несмотря на все усилия декораторов, Боладжи несколько раз рвал костюм чужого.

По сценарию между Рипли и Далласом должна была пройти постельная сцена, но ее решили не снимать.

Вероника Картрайт после выхода картины на экраны призналась, что в сцене, где ноги ее героини опутывает хвост «чужого», на самом деле ноги не ее. Они принадлежат Гарри Дину Стэнтону (Брэтт), и происходит данное событие при съемках абсолютно другой сцены.

В первых набросках художника пришелец был снабжен глазами, но для съемок картины было принято решение избавиться от них, дабы придать существу более зловещий вид.

Ни одна из кинокомпаний не хотела браться за этот проект, посчитав его слишком жестоким и кровавым. Однако вскоре нашелся смельчак по имени Уолтер Хилл, представляющий интересы компании «20th Century Fox». Тем не менее, он тоже внес свою лепту в судьбу картины, посчитав первый вариант сценария чересчур мрачным. Ридли Скотт был вынужден удалить слишком жестокие сцены.

«Сырой» вариант картины длился 192 минуты. Итоговая версия намного короче — 117 минут,
а данная режиссерская версия - 137 минут.

Режиссерская версия фильма, вышедшая в 2003 году, стала возможной благодаря 100 коробкам с пленками картины, обнаруженным на одном из складов студии.

Йен Холм, исполнитель роли Эша, признался, что при съемках гибели своего героя, муляж головы персонажа был нашпигован спагетти и луковыми кольцами.

Уолтер Хилл и Дэвид Гилер изменили имена всех персонажей в сценарии Дэна О’Бэннона и Рональда Шусетта. В сценарии О’Бэннона и Шусетта герои были прописаны таким образом, что их могли сыграть как мужчины, так и женщины. По словам сценаристов, они писали роль Рипли исключительно как мужскую.

На одном из этапов разработки проекта создатели фильма подумывали сделать тело чужого полупрозрачным.

Известнейший слух — никто из актеров, за исключением Джона Хёрта, не знал, что случится при «рождении» чужого — по большому счету, правдив. Актерам лишь в общих чертах, не вдаваясь в подробности, рассказали о том, что будет происходить в данной сцене: например, Вероника Картрайт никак не ожидала, что её обрызгают кровью.

По словам Дэна О’Бэннона, идея, вынашивания чужеродного организма в человеческом теле, пришла ему в голову после того, как он узнал, что осы дорожные откладывают свои личинки в брюшках пауков. Однако, данный вид ос откладывает яйца на теле своей жертвы, а не внутри неё. Стоит добавить, что отдельные виды ос всё же откладывают яйца в телах других организмов: например, осы ихневмон и осы бракониды. Первые откладывают яйца в различных жуков, вторые — в определенные виды гусениц. В обоих случаях организм-носитель погибает при рождении осы.

Для сцены внутри инопланетного космического корабля было создано 130 яиц чужих.

Восемнадцать лет спустя после выхода фильма на экраны Х. Р. Гигер подаст в суд на студию «20th Century Fox» за то, что его имя отсутствовало в титрах к «Чужому: Воскрешение» (1997), и выиграет дело.

Детали для декораций внутренних помещений «Ностромо» были найдены на кладбище самолетов.

В сцене, где команда «Ностромо» просыпается после гиперсна, груди Вероники Картрайт и Сигурни Уивер были покрыты киперной лентой.

Для того чтобы создать эффект резкого ускорения «Ностромо», несколько человек трясли и раскачивали кресла, в которых сидели актеры.

Когда таможенники увидели модели фэйсхаггеров Х. Р. Гигера, то они были настолько шокированы, что немедленно задержали его на американской границе. Дэну О’Бэннону пришлось приехать в аэропорт Лос-Анджелеса и объяснить властям, что это — модели для фильма ужасов.

Для того чтобы испугать кота Джонса, перед ним посадили немецкую овчарку.

Сцена, в которой Даллас преследует чужого в вентиляционных шахтах, а остальная команда корабля предупреждает его, чтобы он поскорее покинул вентиляционную систему, была снята за один день.

Рон Кобб, делавший наброски для фильма, предложил, чтобы у чужого в качестве крови была кислота.

Джерри Голдсмит был в ярости, узнав, что Ридли Скотт и монтажер фильма Терри Роулингс существенно изменили его музыку, написанную специально для фильма.

Эш отсутствовал в первой версии сценария Дэна О’Бэннона.

Сигурни Уивер была утверждена на роль Рипли, после того как продюсеры увидели пробы актрисы, на которых она произносила финальный монолог на борту спасательной шлюпки «Ностромо».

Идея фильма возникла у Дэна О’Бэннона, после того как он разочаровался реализацией своего первого сценария, «Темная звезда» (1974), который поставил Джон Карпентер. О’Бэннон писал сценарий «Чужого» с прицелом на гораздо больший бюджет, чем был у «Темной звезды», и значительно расширив хоррор-элемент.

Еще до начала работы над сценарием к «Чужому» Рональд Шусетт приобрел права на рассказ Филипа Дика «We Can Remember It for You Wholesale» (который впоследствии трансформируется в сценарий к картине «Вспомнить всё» (1990)) и попросил Дэна О’Бэннона помочь ему адаптировать произведение известного фантаста для большего экрана. В то же самое время О’Бэннон придумал историю об инопланетянине на космическом корабле.

Первоначальное название картины — «Star Beast».

Уолтер Хилл и Дэвид Гилер предложили идею того, чтобы Эш был роботом.

Слово «fuck» произносится по ходу действия фильма 5 раз (Рипли говорит «fuck» четыре раза за фильм).

Студия «20th Century Fox» увеличила бюджет фильма в два раза (с $4,2 миллионов до $8,4), после того как Ридли Скотт показал свои раскадровки.

Три модели «Ностромо» различной длины и массы были построены для съёмок фильма.
Изначально космический корабль должен был называться «Снарк» (фантастическое животное из поэмы Л. Кэрролла «Охота на Снарка» — прим.), затем название изменили на «Левиафан» (морское чудовище, описанное в Библии; громадина, плавучая махина (о судне) — прим.). В конце концов, было решено остановиться на «Ностромо» (название корабля повторяет название книги Джозефа Конрада. На итальянском «nostromo» означает «боцман» — прим.).

Длина «Ностромо» составляет 800 футов (примерно 245 метров), в то время как он транспортирует груз длиной в полторы мили (примерно 2,4 километра).

Космические костюмы, в которые одеты Том Скерритт, Джон Хёрт и Вероника Картрайт, были чрезвычайно неудобны, сделаны из нейлона и не пропускали воздух. Актеры, одетые в такие костюмы, изнывали от невероятной жары и очень часто падали в обморок. На съёмках постоянно присутствовала медсестра, которая следила за физическим состоянием трех актеров, и оказывала им первую помощь. Только после того, как для съёмок одной из сцен в костюмы одели детей Ридли Скотта и Дерека Ванлинта (оператор), и они также потеряли сознание, были внесены некоторые изменения в дизайн костюмов.

В начале съёмок Ридли Скотту приходилось каждый день выслушивать наставления девяти продюсеров, которые постоянно жаловались на то, что Ридли уж слишком много времени тратит на съёмки той или иной сцены.

В первый день съёмок сцен с участием кота Джонса, кожа Сигурни Уивер покрылась сыпью. Сигурни испугалась, что у неё аллергия на кошек, и её вполне могут уволить, т. к. для студии было намного проще заменить никому неизвестную актрису, чем найти четырех идентичных котов. Как оказалось, у Уивер была аллергия на глицерин, который служил имитацией пота на коже актрисы.

Сцена «рождения» чужого была снята с первого дубля, используя четыре камеры.

Для того чтобы снять сцену «рождения» чужого, Джону Хёрту пришлось просунуть голову, плечи и руки в специальную дыру в столе, соединенном с искусственным туловищем, в котором содержался сжатый воздух и множество внутренностей животных.

Вопль, который издает новорожденный чужой, — это комбинация звуков шипения гадюки, свинячьего визга и плача ребенка.

Для того чтобы снять сцену гибели Паркера, была сделана специальная резиновая голова Яфета Котто, набитая свинячьими мозгами. Лоб был сделан из воска, для того чтобы зубы чужого могли с легкостью его пробить.

В сцене, где Эш проводит аутопсию фэйсхаггера, тело последнего было сделано из свежих моллюсков, устриц и овечьей почки.

Эмбриональные движения фэйсхаггера (до того как он выпрыгивает из яйца) были созданы руками Ридли Скотта, одетыми в резиновые перчатки.

В сцене, где Ламберт, Даллас и Кейн осматривают инопланетного пилота, их роли исполнили дети Ридли Скотта и Дерека Ванлинта, для того чтобы придать помещению и инопланетянину больший размер.

В минисериале «Голубая планета» (2001), Дэвид Аттэнборо говорит, что чужой был смоделирован с фронимы, существа, обитающего на очень больших океанских глубинах. Его тело составляет 2,5 сантиметра в длину. На вид существо напоминает креветку с глазами, челюстью и зубами как у монстра, созданного Х. Р. Гигером.

Для того, чтобы добиться эффекта пара, идущего из шлемов, был использован аэрозоль, который распрыскивали изнутри шлемов.

Автор рекламных слоганов Барбара Гипс придумала известнейший тэглайн: «В космосе, никто не сможет услышать твой вопль».

Для создания тонкого слоя тумана, который покрывает яйца чужих, была использована дымовая установка, позаимствованная у группы «The Who».

На пост режиссера рассматривались кандидатуры Роберта Олдрича, Питера Йэтса, Джека Клэйтона, Дэна О’Бэннона и Уолтера Хилла.

Внутренности яиц чужих, которые рассматривает Кейн, содержали настоящие органические элементы. В их дизайне были использованы сердца и желудки коров. Хвост фэйсхаггера — овечьи кишки.

Желая узнать женское мнение о Сигурни Уивер в роли Рипли, Ридли Скотт показал её пробы нескольким женщинам из производственного отдела, которые положительно отозвались о её игре.

По словам Ридли Скотта, вдохновением для съёмок фильма ему послужили «Звездные войны» (1977) и «Космическая одиссея 2001» (1968) за изображение космоса, и «Техасская резня бензопилой» (1974) за атмосферу страха.

Упомянутая в фильме звездная система Zeta-2 Reticuli реально существует. Это двойная звезда, на расстоянии 39 световых лет от Земли.

Некоторые сцены, не вошедшие в театральную версию, но представленные в режиссерской:
— Рипли обнаруживает Далласа и Брэтта, завернутых в коконы. Даллас практически полностью покрыт личинками и умоляет Рипли убить его. Рипли удовлетворяет просьбу товарища и сжигает его огнеметом;
— Рипли и Ламберт обсуждают, является ли Эш девственником.