Описание (клик - развернуть/свернуть):
Узнав о том, что его брат, причастный к торговле наркотиками, находится при смерти, Лион Готье, солдат из иностранного легиона в Северной Африке, не получив разрешения начальства, дезертирует и вскоре объявляется в Нью-Йорке. Лион владеет приёмами кикбоксинга и, приняв по необходимости участие в ряде поединков, неожиданно делает удачную карьеру. Но по его следам уже направлены два наёмника для поимки дезертира, а красотка Синтия, делающая крупный бизнес на незаконных боях, задумала рассчитаться с непокорным Готье, который не пожелал стать её любовником.

«Самоволка» показывает нам, что существует очень опасный мир боёв без правил, где нет места жалости и состраданию. В этом мире выжить очень тяжело. Здесь мало быть сильным физически. Главное обладать крепким духом. Это мир больших денег, жёстких боёв, серьёзных опасностей. Попав в этот мир нужно быть готовым ко всему. Вот через всё это и предстоит пройти французскому легионеру Лиону Готье.

«Самоволка», привлекает не только эффектными сценами поединков и динамичным действием. Несмотря на наличие жестоких и кровавых эпизодов, он кажется человечным, по сути своей — добрым и даже сентиментальным, а порой на удивление забавным. Прежде прославившийся в качестве кикбоксёра Жан-Клод Ван Дамм доказал, что вполне неплох как актёр, к тому же он сам являлся автором сюжета и соавтором сценария.

Безусловно это один из лучших фильмов Жан-Клода Ван Дамма. Добрый, принципиальный, спокойный, неустрашимый — таким предстаёт Ван Дамм в этом фильме. Жан-Клод играет героя, который даёт нам понять, что в этом мире ещё есть люди, способные на большие поступки ради тех, кто дорог твоему сердцу. И что ради этих людей нужно пройти все испытания, которые посылает жизнь. Здесь это очень ярко продемонстрировано. Лион Готье — очень сильная роль Жан-Клода Ван Дамма. Смотря «Самоволку» нельзя не переживать за Лиона, наблюдая за тем, через какие трудности и препятствия он проходит. И глядя на это понимаешь, что его ни чем не сломишь, что он настоящий боец и готов сражаться до конца. Ван Дамм играет очень натурально, нет никакого переигрывания или пафоса. Он в точности передает эмоции главного героя. Его переживания, чувство вины, ярость и внутренний ультиматум ближе к концу фильма, завораживают мозг.

«Самоволка» стала режиссерским дебютом сценариста Шелдона Леттича — довольно примечательной фигуры в экшене 80-х. До режиссуры он написал сценарии к фильмам «Рэмбо-3» и «Кровавый спорт», а после «Самоволки» он ещё раз удачно сотрудничал с Ван Даммом на съемках «Двойного удара» (был режиссером и сценаристом фильма), а также поставил неплохой боевик с Марком Дакаскосом «Только сильнейшие». В дальнейшем, вместе с потерей популярности жанра классического боевика его голливудская карьера забуксовала, впрочем как и у многих других успешных экшен режиссеров, сценаристов и актеров тех лет. Пиком же его кинокарьеры однозначно является этот фильм, в котором он потрудился на славу и как соавтор истории, и как постановщик.

Несмотря на прекрасно поставленные поединки, «Самоволка» не является исключительно файтингом, потому что за оболочкой обычного экшена обнаруживается неожиданно мощное и трогательное зрелище о мужественном и благородном человеке, стремящимся несмотря ни на что помочь своим родственникам. «Львиное сердце» — прозвище, данное герою частично из-за имени Лион (то есть лев), но больше за исключительную стойкость и отвагу, проявленную в боях. Режиссер четко сдвинул акценты, выдвинув темы дружбы, семьи, чести на первый план, а зрелищные поединки оставил на фоне. Это грустная и эмоциональная история о настоящем преодолении, об обретении нового смысла в жизни, о стойкости в соблюдении своих принципов, о честности в каждом поступке и конечно о мужестве. Мужестве в бою и мужестве по жизни. «Самоволка» — это фильм с душой и сердцем. Побольше бы таких.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
В 1988 году Эндрю Уайт и еще 21 человек проводили последние исследования одной из самых протяженных подводных пещерных систем Австралии в равнине Налларбор. В завершающий день экспедиции пришедший с моря циклон небывалой силы произвел наводнение, которое залило выход из пещеры и оставило в ловушке 15 человек. Следующие двое суток стали самыми напряженными и долгими в их жизни. Рискуя быть зажатыми нестабильной породой, они метр за метр продвигались на глубину, чтобы найти новый выход на поверхность. К счастью для них — все закончилось хорошо, и ни один из спелеологов-дайверов не остался в тех пещерах навсегда. Спустя 23 года благодаря знакомству Уайта с Джеймсом Кэмероном на экраны выходит художественная адаптация упомянутых выше событий. В угоду не самого большого бюджета и требований кинематографа место действия картины было перенесено в Новую Гвинею, а количество ключевых участников событий сокращено до шести человек. Не обошлось и без формата 3D.

Прежде чем, собираться смотреть фильм «Санктум», нужно усвоить для себя несколько вещей. Во-первых, несмотря на привлечение к проекту Кэмерона в качестве продюсера, кино все-таки снимал не он. А потому местами (в основном в прелюдии к главному действу) картина производит самое унылое впечатление. Тут тебе и куча реплик, перегруженных специфическими терминами, сомнительный юмор и не самая блестящая актерская игра. Но не дайте себя обмануть — потенциал у ленты, вопреки отсутствию должного опыта у многих ее создателей, лежит гораздо глубже вариации на тему того, как выжить любой ценой.

«Санктум», по сути своей, и не претендует на лавры «супергиганта», это куда более скромное и простое кино, по сравнению с амбициозными режиссерскими проектами Джеймса Кэмерона. «Санктум» представляет собой недорогой приключенческий фильм. И воспринимать эту ленту нужно именно так, не требуя от нее стилистических и визуальных изысков.

Сценарий «Санктума» написан по классическим канонам «фильмов-катастроф» в сочетании с принципами «Survival horror», то есть кинокартин, в которых персонажи пытаются выжить, борясь с враждебными силами природы. Практически весь фильм — это борьба за жизнь в экстремальных условиях. Герои мучительно ищут выход к морю в огромной подземной полузатопленной пещере. И по мере продолжительности фильма, количество героев стремительно сокращается, в силу всевозможных трагических обстоятельств.

Фильм имеет ряд огромных плюсов по сравнению с похожими сюжетными линиями «Спуска», «Грот» и т. д. Главный из этих плюсов - отсутствие монстров, сводящих восприятие кино, как забавный экшен под попкорн. Главный герой Фрэнк Макгуайр не просто исследует пещеры, о которых мечтал и показывает свое мастерство и мужество, он, никогда не думавший о семье, весь поглощенный в свое увлечение дайвингом, наконец-то обретает сына. Именно в экстремальных условиях мы начинаем понимать, что и кто для нас дороже всего на свете. Пещеры расставляют акценты в каждой из человеческих историй, рассказанных в фильме. Каждому дайверу сочувствуешь, хорошо ли, плохо ли он поступает — потому, что никто не знает, как бы мы поступили в такой ситуации. Каждую трагедию ощущаешь до мозга костей и примеряешь на себя.

В целом фильм достаточно увлекателен и динамичен с позиции классической драмы-катастрофы. Да, лента изобилует клишированными пафосными фразами типа «Нам надо держаться вместе!» или «Мы не умрем!», а также не может похвастаться уникальными или незаурядными характерами героев, но, тем не менее, это все равно качественный драматический триллер, хорошее передающий всевозможные фобии, которые невольно возникают у людей, оказавшихся в подобной ситуации. Это страхи воды, высоты, замкнутого пространства, да и просто панический ужас перед неминуемой смертью, когда шансов найти выход — практически нет. В плане ситуационного саспенса, картина выстроена грамотно и придраться тут особо не к чему. Ну а то, что фильм все равно штампованный и стереотипный, так это уже в соответствии с запросами массового зрителя!

Интересные факты:

В переводе с латыни sanctum — святой, а с английского — святилище.

Стихи, которые декламирует Фрэнк (Ричард Роксбург):
«В стране Ксанад благословенной
Дворец построил Кубла Хан,
Где Альф бежит, поток священный,
Сквозь мглу пещер гигантских, пенный,
Впадает в сонный океан» -
являются первыми строфами поэмы английского поэта Семюэля Кольриджа «Кубла Хан или Видение во сне» (1797 год).

Описание (клик - развернуть/свернуть):
В 1988 году Эндрю Уайт и еще 21 человек проводили последние исследования одной из самых протяженных подводных пещерных систем Австралии в равнине Налларбор. В завершающий день экспедиции пришедший с моря циклон небывалой силы произвел наводнение, которое залило выход из пещеры и оставило в ловушке 15 человек. Следующие двое суток стали самыми напряженными и долгими в их жизни. Рискуя быть зажатыми нестабильной породой, они метр за метр продвигались на глубину, чтобы найти новый выход на поверхность. К счастью для них — все закончилось хорошо, и ни один из спелеологов-дайверов не остался в тех пещерах навсегда. Спустя 23 года благодаря знакомству Уайта с Джеймсом Кэмероном на экраны выходит художественная адаптация упомянутых выше событий. В угоду не самого большого бюджета и требований кинематографа место действия картины было перенесено в Новую Гвинею, а количество ключевых участников событий сокращено до шести человек. Не обошлось и без формата 3D.

Прежде чем, собираться смотреть фильм «Санктум», нужно усвоить для себя несколько вещей. Во-первых, несмотря на привлечение к проекту Кэмерона в качестве продюсера, кино все-таки снимал не он. А потому местами (в основном в прелюдии к главному действу) картина производит самое унылое впечатление. Тут тебе и куча реплик, перегруженных специфическими терминами, сомнительный юмор и не самая блестящая актерская игра. Но не дайте себя обмануть — потенциал у ленты, вопреки отсутствию должного опыта у многих ее создателей, лежит гораздо глубже вариации на тему того, как выжить любой ценой.

«Санктум», по сути своей, и не претендует на лавры «супергиганта», это куда более скромное и простое кино, по сравнению с амбициозными режиссерскими проектами Джеймса Кэмерона. «Санктум» представляет собой недорогой приключенческий фильм. И воспринимать эту ленту нужно именно так, не требуя от нее стилистических и визуальных изысков.

Сценарий «Санктума» написан по классическим канонам «фильмов-катастроф» в сочетании с принципами «Survival horror», то есть кинокартин, в которых персонажи пытаются выжить, борясь с враждебными силами природы. Практически весь фильм — это борьба за жизнь в экстремальных условиях. Герои мучительно ищут выход к морю в огромной подземной полузатопленной пещере. И по мере продолжительности фильма, количество героев стремительно сокращается, в силу всевозможных трагических обстоятельств.

Фильм имеет ряд огромных плюсов по сравнению с похожими сюжетными линиями «Спуска», «Грот» и т. д. Главный из этих плюсов - отсутствие монстров, сводящих восприятие кино, как забавный экшен под попкорн. Главный герой Фрэнк Макгуайр не просто исследует пещеры, о которых мечтал и показывает свое мастерство и мужество, он, никогда не думавший о семье, весь поглощенный в свое увлечение дайвингом, наконец-то обретает сына. Именно в экстремальных условиях мы начинаем понимать, что и кто для нас дороже всего на свете. Пещеры расставляют акценты в каждой из человеческих историй, рассказанных в фильме. Каждому дайверу сочувствуешь, хорошо ли, плохо ли он поступает — потому, что никто не знает, как бы мы поступили в такой ситуации. Каждую трагедию ощущаешь до мозга костей и примеряешь на себя.

В целом фильм достаточно увлекателен и динамичен с позиции классической драмы-катастрофы. Да, лента изобилует клишированными пафосными фразами типа «Нам надо держаться вместе!» или «Мы не умрем!», а также не может похвастаться уникальными или незаурядными характерами героев, но, тем не менее, это все равно качественный драматический триллер, хорошее передающий всевозможные фобии, которые невольно возникают у людей, оказавшихся в подобной ситуации. Это страхи воды, высоты, замкнутого пространства, да и просто панический ужас перед неминуемой смертью, когда шансов найти выход — практически нет. В плане ситуационного саспенса, картина выстроена грамотно и придраться тут особо не к чему. Ну а то, что фильм все равно штампованный и стереотипный, так это уже в соответствии с запросами массового зрителя!

Интересные факты:

В переводе с латыни sanctum — святой, а с английского — святилище.

Стихи, которые декламирует Фрэнк (Ричард Роксбург):
«В стране Ксанад благословенной
Дворец построил Кубла Хан,
Где Альф бежит, поток священный,
Сквозь мглу пещер гигантских, пенный,
Впадает в сонный океан» -
являются первыми строфами поэмы английского поэта Семюэля Кольриджа «Кубла Хан или Видение во сне» (1797 год).

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Когда эпоха гангстеров уже отжила свое, когда уже не осталось ничего, из чего можно было бы вытянуть свежий сюжет о криминальных «семьях», когда Коппола и Леоне уже оставили значительный след в жанре «гангстерская драма», когда Пачино уже считался иконой мафии… Мартин Скорсезе дал миру абсолютно свежий, девственный подход к криминальному жанру. Это чувствуется, лишь стоит посмотреть пару минут. Первая, и наверное самая главная отличительная черта — сюжет рассказывает нам не о боссах, которые заправляют целыми семьями, нам рассказывают о славных парнях, которые есть само сердце криминала!

Действие картины охватывает почти три десятилетия с середины 50-х по середину 80-х и сосредотачивает в первую очередь внимание на пареньке по имени Генри, который с юных лет мечтал стать гангстером. Практически первая же фраза, произнесенная им в фильме — «Для меня быть гангстером звучало заманчивее, чем стать президентом США» — дает нам понять, чем грезит и живет этот мальчишка. Сын ирландского рабочего, чье детство прошло в бедности, уже с тринадцати лет вовсю «шестерил» на мафию, выполняя различные мелкие поручения. Попав под опеку местного крестного отца и самого известного американского преступника второй половины ХХ века, Генри становится своим в мафиозной среде. И вот уже, вместо того, чтобы бегать на побегушках у сильных мира сего, наш герой сам проворачивает опасные операции и грабит свой первый в жизни аэропорт.

Скорсезе словно двуликий Янус весьма неоднозначно изображает своих бандитов. С одной стороны бережно и с любовью, а с другой — он вовсе их не идеализирует. Скорсезевские мафиози не могут вызывать симпатию. Они убийцы, которые ради собственной наживы готовы пустить в расход любого. Вы можете знать их 20—30 лет, и они все равно убьют вас, только из-за того, что после очередного налета вы потребовали лишнюю пару тысяч от общей доли. Даже кровное родство и неприкосновенный статус не дают вам гарантии, что в один прекрасный день ваш труп не найдут в багажнике, припаркованной кем-то на окраине города, машины. Это страшный мир, в который легче попасть, чем выбраться из него. Мир, в котором разрешение на убийство зарабатывается собственным имиджем, но в котором считается дурным тоном опоздать на свидание с любимой девушкой.

Генри осознанно выбрал этот мир. Он знал, на что шел и какие последствия это может вызвать. С ранних лет он наблюдал, как его несчастный отец вкалывал с утра до вечера за гроши и затем трясся над каждым заработанным долларом. Генри не хотел себе такой участи. Он желал брать все и сразу. И мафия давала ему это.

Скорсезе во всем шике и блеске показывает подпольную жизнь мафиози, купающихся в деньгах, прожигающих жизнь в обществе красивых женщин в самых дорогих ночных клубах и ресторанах, одевающихся по последнему писку моды. Кому-то даже может показаться, что «Славные парни» пропагандируют преступный образ жизни, но это не так. И пример Генри тому подтверждение. Ведь если хорошенько вдуматься, то Скорсезе в первую очередь снимал кино о выборе, который каждый в жизни делает сам. Или ты выбираешь быструю яркую жизнь преступника, где тебя все будут бояться и уважать, либо выбираешь долгий извилистый путь трудяги, полный унижений и страданий, где с твоим мнением не будет считаться ровным счетом никто. Жизнь, в которой твои денежные накопления будут зависеть от количества ограбленных банков и загубленных жизней, в противовес жалкому, но в тоже время достойному существованию честного человека вкалывающего с 9 до 6. Не правда ли любопытная дилемма, над которой каждый из нас, хотя бы раз в жизни, да призадумался? Вот только в первом случае рискуешь в любой момент оказаться за решеткой и быть убитым собственным же подельником, но не факт, что и во втором, возвращаясь домой с очередной зарплатой, вас не пришьет в подъезде какой-нибудь начинающий Джимми Конвей. Выбор за вами, говорит Скорсезе своим фильмом.

Фильм выполнен в уникальном стиле. Фантазия режиссера поражает. Глаз Скорсезе создал уникальные продолжительные сцены, снятые одним планом: камера двигается, словно от лица персонажа, в то время как на экране, жизнь идет своим чередом, это мелкие детали, которые отполированы до блеска, стоит лишь обратить внимание. Нельзя не отметить музыкальное сопровождение. Достоверный факт, что Скорсезе большой поклонник рок-музыки, и в его фильмах всегда звучат, знакомые сердцу, композиции. И этому фильму абсолютно не нужен сильный размах, ибо не все гангстеры достигают высот, и уникальность заключается в том, что фильм повествует нам об обычных парнях, чьи жизни смешаны с кровавыми деньгами. Без пафоса, присущего трилогии «Крестный Отец», без особой глубины, присущей «Однажды в Америке», без абсолютной злости и агрессии, присущей «Лицо со шрамом» (вышеперечисленные фильмы, ни в коем случае не подвергаются критике, это всего лишь констатация факта), Мартин Скорсезе вложил нечто более притягательное, он вложил долю юмора, легкой безалаберности, которая кстати наблюдается в шедеврах еще одного гения — Тарантино. Ведь невозможно не хохотать, наблюдая за сценой с вертолетом, от которого скрывался герой Лиотты. Невозможно не давиться от смеха, наблюдая за сценой разговора Пеши и Лиотты в баре о том, что Пеши якобы смешной человек, как бы не была эта сцена банальна. А теперь задумайтесь, не все ли эти приемы, в дальнейшем, были скопированы с этого гениального фильма?

Итало-американец создал нерушимую классику, на которую будут ровняться десятки других картин криминального жанра будущих лет. Сказать браво здесь будет неуместно, ибо фильм действительно достоин большего. Роберт Де Ниро, также как и Аль Пачино, оба начавшие с крестного, обеспечили себе вечное будущее легендарных кино-гангстеров. Мартин Скорсезе, который удостоился Оскара лишь через 16 лет после Славных Парней, навсегда останется гением, чьи приемы, будут скопированы еще не раз, в самых разнотипных фильмах. Славные парни — это закат эпохи настоящих мужчин, чьими идеалами, впоследствии, восторгались еще долгие времена.

Учитывая, что книга Николаса Пиледжи «Умник», по которой снят фильм является описанием реально произошедших событий, ценность этого фильма просто не имеет границ. Многие персонажи фильма — прототипы реально существовавших людей. Один из самых знаменитых героев фильма — Джимми Конвей, легенда преступного мира, прославившийся «легендарным ограблением Люфтганзы», про которого написано свыше десятка книг и снято немало фильмов. Интерпретация его образа Робертом Де Ниро весьма интересна. Актер в очередной раз доказал, что в ролях мафиози ему нет равных.

Про актерскую работу здесь можно писать книгу, каждый диалог это сплошное зрелище, но особенно конечно это Джо Пеши в роли Томми ДеВито, что можно описать, как последняя стадия актерского сумасшествия в самом лучше смысле слова. Джо в этой роли было просто не остановить. А какой взгляд Де Ниро, какой смех Рэя Лиотты, какое обаяние Лоррейн Бракко. Все характеры были не то что раскрыты, а просто на просто вывернуты на изнанку.

Протеже Скорсезе — уже на тот период, лауреат премии Оскар, Роберт Де Ниро, около 30 лет, снимался почти во всех крупных постановках режиссера. Джо Пеши — близкий друг Де Ниро, некогда игравший с ним в более ранней картине Скорсезе «Бешеный бык», а позже в шедевре Серджио Леоне «Однажды в Америке», также присоединился к актерскому составу «Славные Парни», за что был награжден Оскаром за лучшую мужскую роль второго плана. Рэй Лиотта — главная роль в сюжете, возможно самая крупная из ролей в его карьере. Через десяток лет, после релиза шедевра Скорсезе, Лиотта грянет в безызвестность, появляясь лишь в мелких или же второстепенных ролях. Три славных парня, которые создали, точнее доработали, образы, с которых будут писаться огромное количество персонажей всевозможных криминальных сюжетов.

Славные Парни занимают почетное второе место в списке Американского Института Кино (AFI) в 10 лучших гангстерских фильмов всех времен, находясь между первой и второй частью Крестного Отца, что очень высоко для фильма 1990 года выпуска.

А также находится в списке 100 лучших американских фильмов в истории все того же рейтинга AFI 100 лет… 100 фильмов.

Интересные факты:

Томми ДеВито убивает Билли Бэттса. Это уже второй раз в фильмах Скорсезе, когда герой Джо Пеши убивает героя Фрэнка Винсента; впервые это случилось в «Бешеном быке» (1980) – там Пеши избивает Винсента до полусмерти. Винсент получил возможность отомстить в «Казино» (1995), где его герой убивает героя Пеши на кукурузном поле.

В сцене, когда Сисеро навещает Генри в тюрьме, Пол Сорвино сымпровизировал пощечину своему партнеру; реакция Рэя Лиотта была искренней и неподдельной.

В фильме в маленьких эпизодах появились отец и мать Мартина Скорсезе.

Лиотта провел много времени в беседах со своим «героем» - Генри Хиллом. Позже в интервью Хилл рассказал, что многие гангстеры говорили ему, будто в фильме не его история, а их.

Джимми Берк скончался в тюрьме в 1996 году. В фильме речь идет о том, что его досрочно могли отпустить только в 2004-м.

Ходили устойчивые слухи, будто настоящий Джимми Конуэй (подлинное имя – Джимми Берк) был настолько в восторге от того, что его сыграет Де Ниро, что позвонил ему из тюрьмы и дал несколько ценных советов. Однако Николас Пиледжи всячески отрицает эти слухи, утверждая, что Конуэй и Де Ниро никогда не общались. Тем не менее, он не отказывается, что в проекте участвовали люди, знавшие настоящих главных героев довольно близко.

Настоящий Хилл также говорил, что авторы фильма попали в образ реального Томми ДеВито практически на 99%, за одним лишь «но» - Томми был огромным, как шкаф, что очень контрастирует с маленьким ростом Джо Пеши.

Настоящий Генри Хилл (Рэй Лиотта) в свое время переехал в Редмонд, где открыл итальянский ресторан. Однако после выхода фильма он вернулся. Одна из его дочерей появляется в сцене свадьбы.

После того, как мать Джо Пеши посмотрела фильм, она позвонила сыну, сказала, что кино хорошее, но плохо, что он так часто ругается.

Слово «fuck» в фильме использовано 246 раз; в большинстве случаев им пользуется герой Джо Пеши.

Бестселлер Николаса Пиледжи назывался «Умники». Скорсезе тоже хотел это название, но в то же самое время популярностью пользовался одноименный криминальный сериал (1987-1990).

Финальный выстрел Томми прямо в камеру считается своеобразной цитатой из «Большого ограбления поезда» (1903) Эдвина С. Портера, где уже после всего действия бандит в исполнении Джастуса Д. Бэрнса также стреляет из револьвера прямо в зрительный зал.

По просьбе Скорсезе Джо Пеши сам придумал и снял сцену, где его герой Томми ДеВито выходит из себя под любимую фразу «Думаешь, я забавный?»

Описание (клик - развернуть/свернуть):
В небольшой провинциальный городок на юге США приезжает голливудский сценарист Дэвид со своей женой Эми, которая выросла в здешних местах. Казалось бы, кому как не ей знакомы нравы горожан, однако, напротив, она ведёт себя чересчур вызывающе. Постепенно начинает назревать конфликт, который закончится несчастьем. Городскому писателю придётся «перейти черту» защищая свой дом…
Загнанные в ловушку группой «местных» во главе с безжалостным хищником, герои вынуждены провести ночь непрерывной кровавой резни. Не имея путей к отступлению, Дэвид и Эми понимают: их единственный выход — стать ещё более безумными, чем их беспощадные палачи.

Схватка заскорузлых провинциалов и махровых буржуа — эта тема остра во все времена. Битва между двумя кланами магическим образом притягивает любого, даже самого взыскательного, зрителя. Сколько угодно можно дискутировать (и вполне аргументировано) о вторичности сюжета, банальности парадигмы, тем не менее, публика с огромным интересом взирает на противостояние между жителями затхлой глубинки и чопорного мегаполиса. Род Лури показывает нам настоящую инфернальную оргию, сатанинское чистилище. Боль от адского пламени становится невыносимой и, одновременно с этим, чарующей и манящей. Режиссер грамотно накаляет обстановку. Столбик воображаемого термометра неторопливо ползет вверх. Кульминация украдкой поглядывает из-за угла, ожидая выхода на авансцену. Секунда за секундой, кадр за кадром складывается мозаика для стремительно приближающегося апогея. Похоже, эта главная задумка мистера Лури. Слоган его творения «У каждого есть предел» — полностью отражает настроение картины. Подобно чаше, переполненной водой, концовка фильма дает неслыханное количество событий, выбрасывая на возбужденных наблюдателей всю накопившуюся мощь. Актерская игра и впечатляющие пейзажи сельской глубинки здорово работают на атмосферу. Начинаешь попросту понимать, что особо заняться местным жителям нечем, тогда они начинают звереть. Пробуждаются звериные порывы, сперва несколько заглушаемые охотой, но со временем этого становится недостаточно, и случается то, что случается...

Ставя себе целью сделать римейк такого классического фильма, как «Соломенные псы», снятого Сэмом Пекинпа в 1971 году, и вызвавшего, в своё время, массу споров об оправданности подобной жесткой формы кино-повествования; Род Лури заведомо обрёк себя на недоверие и со стороны зрителей и критиков, которые, несомненно, будут предъявлять повышенные требования к реализации проекта, подозревая Лури в желании эксплуатировать славу первого фильма. И в этом случае, сравнения с оригиналом ему никак не избежать, учитывая то, что Лури оставил не только запоминающееся название ленты, но и выстроил сюжет, практически один в один повторяющий оригинал.

Это ещё одна история о том, как далеко способен зайти человек, спасая себя и то, что ему дорого, отстаивая свои принципы и интересы. Какие силы способны проснуться в нём под влиянием острой необходимости в критической ситуации. В центре сюжета молодая и обеспеченная семейная пара, переезжающая в поисках тишины и уединения в провинциальный Блэкуотер на юг страны. Их выбор обусловлен тем, что Эми, супруга Дэвида, выросла в этом месте, и у неё там пустует отцовский дом. Местные, разумеется, смотрят на новых богатых соседей с неприязнью, считая, что Дэвид, являясь сценаристом, не знает, что значит по настоящему зарабатывать деньги физическим трудом. Масла в огонь подливает Чарли, бывший парень Эми; по началу кажущийся дружелюбным и великодушным, он, со временем, всё больше намекает на то, что точка в их отношениях ещё не поставлена.

В самом начале, когда нам представляют героев, можно видеть несколько шаблонных и немного наигранных диалогов, что вызывает подозрение, как и чересчур «правильный» симфонический саундтрэк, но вскоре повествование выруливает на ровную дорогу, становится более уверенным, постепенно обрастая глубиной и психологизмом отношений героев. В оригинальном фильме Дэвид был математиком, но здесь он предстаёт голливудским сценаристом. В такой перемене есть смысл — в данный момент Дэвид работает над сценарием про Сталинград, и его интересует, как русские в их положении могли найти в себе силы, чтобы изменить ход войны. В концепции сюжета это выглядит весьма символично. Джеймс Марсден в роли Дэвида, конечно, уступает Дастину Хоффману из оригинала, но это не его вина, сложно представить актёра, который мог бы в этой роли тягаться с одним из лучших перфомансов Хоффмана. Момент внутреннего перелома героя Хоффмана тут не ощутился так остро. И разбитые очки не вызвали мыслей о разбитом вдребезги внутреннем мире Дэвида. Это были просто разбитые очки. Вот именно психологической глубины не хватает современному Дэвиду.

Персонаж Джеймса Марсдена с самого приезда в провинциальный городок чувствует себя не в своей тарелке и предстает в глазах местных жителей напыщенным снобом, глядящим на них сверху вниз. Здесь таких не любят, здесь живут люди «попроще». В здешнем баре не подают легкое пиво, потому что настоящий мужик его не будет пить, а это бар для настоящих мужиков. Если ты угощаешь посетителей, не брезгуй их обществом и выпей с ними, тогда подобный жест доброй воли не будет расценен как подачка. Здесь свои понятия, с ними нужно считаться, но при этом не давать слабины. Дэвид из другого теста: он хочет стать «своим», но ему чужд этот мир, он улыбается собеседникам, но его дружелюбие кажется им напускным, он пытается «ставить на место» Чарли и его бригаду, но, в действительности, совершенно не желает конфронтации и лишь сильнее обнажает свою бесхарактерность. Вплоть до самой кульминации главный герой выглядит беспомощно, и животный кураж просыпается в нем только перед лицом смертельной угрозы. Интересно, узнай он о произошедшем с женой, взялся бы первым за ружье? Перестрелял бы плохих ребят из жажды отмщения?

Джеймс Марсден хорошо справился с ролью улыбчивого и легкого в общении светского ботаника, работника пера и ноутбука. Для убедительности актера снабдили забавными кудряшками. Антагониста Чарли сыграл Александр Скарсгард, имеющий при своей эффектной скандинавской внешности актерский талант и харизму. На мой взгляд, это самая яркая роль в фильме. Чарли — свой человек в маленьком городке. Приятный в общении, всегда спокойный и уверенный в себе, к нему проникаешься симпатией и уважением, однако добродетели Чарли не мешают ему творить вещи, далекие от библейских канонов, которым он, вроде как пытается следовать. Джеймс Вудс блестяще сыграл вспыльчивого неуравновешенного тренера местной футбольной команды. Вот уж где чистая экспрессия! Несмотря на взбалмошный характер, бывший тренер у многих пользуется уважением. Презирающий слабость во всех ее проявлениях, он допекает тех, кто не может дать ему достойный отпор. К несчастью, среди таких людей оказывается слабоумный паренек, чья вина лишь в том, что малолетняя дочь тренера вьется вокруг него.

Кейт Босворт выглядит гораздо убедительнее Сьюзен Джордж, но здесь стоит похвалить сценарий: здесь характер Эми изрядно доработан, и её поступки более логичны и понятны зрителю. Эми в исполнении Джордж была избалованной богатой наследницей, не работающей, не слишком знающей жизнь. Героиня Босворт же получилась более серьёзной и адекватной, и по фильму она актриса, а не бездельница. Здесь Дэвид ни разу не произносит фразу «Когда же ты повзраслеешь?», в отличии от героя Хоффмана. Говоря об актёрах, стоит отметить также, что Александр Скарсгард в роли Чарли смотрится весьма органично, он обладает приятной внешностью, и способен по началу вызвать у зрителя доверие и симпатию, именно так и должен выглядеть Чарли. Но самый яркий перфоманс здесь — это, безусловно, Джеймс Вудс в роли Тома Хэддона. Очень эмоционально, очень ярко и при этом абсолютно естественно. По эмоциональному накалу он в разы превосходит Питера Вона из оригинального фильма.

Фильм получился не таким атмосферным, как оригинал, снятый в холодной монохромной гамме. Но зато здесь создатели разбавили всю «воду», и развили некоторые темы, которые оригинал касается лишь вскользь: в частности — тема религии имела место в первом фильме в виде непродолжительного диалога Дэвида с представителем местной церкви, и не производила особого эффекта. А вот Лури добавил лишь пару диалогов, коротких, но весьма содержательных и эффектных, которые раскручивают эту тему до необходимого уровня. Так же есть очень важный эпизод, который, по логике, должен был быть в оригинале — но его там не было. Речь идёт о сцене, когда Эми защищает слабоумного Найлза от побоев Тома Хэддона. Этот момент очень важен, его параллель с позицией Эми в финале картины имеет существенное значение для восприятия сюжета.

В целом, можно сказать, что Род Лури использовал потенциал оригинального фильма в полной мере. При этом, римейк не стал менее осмысленным, и не скатился лишь к эксплуатации показного насилия, а сохранил сюжетный посыл, где-то даже развив его в большей степени. Если говорить о восприятии «Соломенных псов» 2011 года, как независимой картины обычным зрителем, то стоит отметить, что для кого-то проблемой будет жестокость, а кто-то наоборот посчитает фильм затянутым и не достаточно зрелищным. Но в целом, Род Лури уверенно балансирует между драмой и психологическим триллером, постепенно подводя зрителя к мощной развязке. Есть ли предел жестокости, и существует ли граница терпения? Именно это предстоит увидеть зрителю. А увидеть это действительно стоит.

На данную тему можно посмотреть ещё «Я плюю на ваши могилы», «Последний дом слева», «Райское озеро» и может быть «Заводной апельсин».


Интересные факты:

Название фильма взято авторами из известного изречения древнекитайского философа Лао Цзы: «Небо и Земля не милосердны — люди для них — лишь соломенные псы».

Изречение восходит истоками к древней китайской традиции украшать религиозные праздники чучелами собак, выполненными из соломы, которые по окончании церемонии выбрасывались или сжигались. Соломенными псами главный герой называет пятерых молодых мужчин, которые в школе были звездами футбольной команды. Футбольный сезон для них закончился, и теперь жизнь их выбросила на обочину, они никому не нужны.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Эпическая и масштабно снятая, особенно для того времени (1960 год), лента о знаменитом восстании рабов под предводительством гладиатора Спартака.

72 год до Рождества Христова. Великая Римская Империя правит античным миром своей железной рукой. Каждая новая страна, которую захватывают имперские центурионы, становится новым источником свежих рабов для римских хозяев.
Спартак был фракийским наёмником, который в первом веке до рождества Христова служил в римской армии, но потом за некие прегрешения был разжалован в рабы и продан в школу гладиаторов. Гладиатором Спартаку быть не хотелось, и он совместно с другими рабами задумал побег. Но какая-то крыса их сдала, и к Спартаку с товарищами пришла вооружённая охрана с целью мягко объяснить их неправоту. Гладиаторы, однако, не растерялись — схватили, что было под рукой (а дело происходило на кухне), и буквально вилками затыкали всех подряд. Выйдя за порог школы, бывшие рабы (в количестве человек семидесяти) вдохнули воздух свободы и незамедлительно принялись за достойные свободного человека занятия: а именно, за грабежи и рейды. Спустя некоторое время, отряд Спартака увеличился за счёт присоединившихся рабов аж в тысячу раз и превратился в настоящую армию. В течение всего восстания (которое длилось пару лет) свирепые рабы неоднократно побеждали превосходящие силы римских легионеров, высылаемых для подавления, пока наконец благородные патриции не поняли всю серьёзность положения и не отрядили на борьбу со Спартаком почти все имеющиеся легионы. При таком раскладе выиграть сражение было нереально, и почти всех восставших рабов римляне порубили в мясо прямо на поле битвы. А выживших шесть тысяч рабов в назидание остальным распяли вдоль всей дороги из Капуи в Рим.

Примерно так всё происходило на самом деле (по крайней мере, согласно античным историкам). Фигура Спартака навеки стала символом борьбы против всевозможных угнетений — недаром дедушка Карл Маркс считал его одним из любимых своих героев пролетариата. А в 1951 году другой коммунист (уже американский) по имени Говард Фаст написал про Спартака книгу — сидя в демократической штатовской тюрьме за свои политические взгляды. Лет десять спустя права на экранизацию книги купил Кирк Дуглас, пригласил в качестве режиссёра Стэнли Кубрика и нанял ещё одного коммуниста (Далтона Трамбо) для написания сценария. Так на свет появилась эпическая трёхчасовая лента, ставшая для Кубрика первым опытом съёмки настоящего блокбастера.

Съемки «Спартака» были очень проблемными. Неудача за неудачей. Сначала режиссером этого фильма был Энтони Манн, но Кирка Дугласа он по каким-то причинам не устраивал, поэтому, будучи продюсером этого фильма, он решил его заменить. Выбор пал на начинающего режиссера Стэнли Кубрика и не случайно, ведь предыдущей работой Кубрика был великолепный фильм «Тропы славы», в котором главную роль исполнил как раз Кирк Дуглас.

Режиссер Стэнли Кубрик хорош тем, что снимает весьма неоднозначные картины по смыслу, а самое главное, не ведется на поводу у тех людей, что финансируют производство фильмов. Снимает, так как хочет, а не так как сказали — и это важно. К сожалению, со «Спартаком» так не вышло. Кубрик вносил свои изменения в сценарий, а это не очень нравилось Кирку Дугласу. Хотя многие изменения Стэнли Кубрика вошли в конечную версию фильма, некоторые ему изменить не позволили. Последнее слово все равно оставалось за Кирком. После съемок Кубрик скажет, что отныне будет работать только над такими проектами, где последнее слово стоит за режиссером, то есть за ним.

Сделанный на волне популярности историй Древнего Рима и Древней Греции, «Спартак», на протяжении всего времени создания контролировался продюсерами, которые хотели повторить успех «Бен Гура» и никак не хотели давать режиссёру снимать так, как он хочет. Именно поэтому от фильма так и веет голливудщиной, пафосом и откровенной высокопарностью.

Фильм выпадает из стиля, мышления Кубрика… Сама тема интересная, но сценарий сильно утрирован и сведён к банальному героическому эпосу. Уж слишком сильная идеализация самого Спартака и его соратников. Рабы показаны морально сильными и благородными (если не изначально, то — под воздействием вдохновляющих речей вождя), готовыми отдать жизнь за своих товарищей и за своего лидера.

Вольность трактовки биографии Спартака, о которой сохранились неполные сведения, простительна и даже закономерна, поскольку диктовалась стремлением не только драматизировать (в голливудской традиции — мелодраматизировать) историю и придать действию максимально зрелищный характер. Историческую достоверность здесь покрывает эпика и масштаб истории.

Самое поразительное — это сильная эмоциональность картины, особенно любовной линии. Это весьма необычно для Кубрика, известного своей бесстрастностью и сдержанностью. Особенно удивительно смотреть финал, когда Спартак, прикованный к кресту, видит своего сына и любимую живыми, но уходящими от него вдаль. Но не надо забывать, что скорей всего так захотели продюсеры, а не Кубрик. Распятый на кресте Спартак не случайно вызывает ассоциацию с Иисусом Христом ибо мы имеем дело с красивой сказкой, повествующей о сильной Личности, а потому и крест можно воспринимать как аллегорию того, что эта Личность страдала ради людей, как и Христос в свое время. И женщина, рыдающая у его ног, словно Пресвятая Дева. Лишь герой Питера Устинова не стал апостолом, ибо все поступки его связаны с деньгами. Спартак, отчаянно сопротивлявшийся языческой тирании Рима и, как говорится в закадровом тексте, опередивший время на две тысячи лет в стремлении свергнуть рабство, отказавшись, вопреки обыкновению, наречь себя «царём», слышит слова Варинии, что его сын будет жить свободным, достигнув того, что стало мечтой и делом жизни отца… Разрыдаться можно, если не обхохочешься.

Кубрик наверняка не получил именно того, чего желал, но даже здесь, снятой абсолютно не в «некубриковской» ленте можно углядеть мотивы его творчества, которые будут более явными в других его картинах, в которых он уже будет полностью контролировать производство. Насильственная сторона человека, которую провоцирует время, люди, общество. Так называемая «темная сторона» человека, воспитанная, а возможно и заложенная в нас с рождения. Разве всё это не напоминает Рим с его гладиаторскими боями и моральным падением? И всё это мы можем увидеть в последующих работах Кубрика, но в данной ленте мотив покрыт плёнкой героизма, категоричности и однозначности.

Здесь нет характерных для Кубрика визуальной выразительности, общения со зрителем посредством композиции кадра, многоуровневого подтекста, но все же эта картина остается классикой мирового кинематографа, ввиду мощных художественных образов, ярких характеров, а также великолепных актерских работ.

Кирк Дуглас в роли Спартака смотрится невероятно убедительно, создавая практически канонический образ борца и человека, ставшего легендой. Его героический лик вполне неплохо смотрится на экране, хотя по актёрской работе Дуглас уступает своим напарникам по площадке, особенно Лоуренсу Оливье, который своей ролью высокомерного, уверенного и жестокого диктатора Красса сыграл, конечно, выше остальных и порой становится истинным центром картины. Шикарный и величавый Лоуренс Оливье выделялся на экране аристократизмом и уверенностью в своих деяниях. Именно он являлся властителем мира, как реального исторического, так и художественного кинематографического. Лоуренс Оливье в роли Красса показывает восхитительный уровень актерского мастерства, создавая интересный и противоречивый образ настоящего протагониста. Его игра безупречна и стала одним из безусловных украшений фильма.

Джин Симмонс (Вариния): очень естественная актриса, по-настоящему красивая, в ней есть шарм, тот самый, старый голливудский, которым восхищались простые горожане, обсуждая внешность той или иной актрисы. Хотя Симмонс не обрела культовый статус, подобно Натали Вуд или Мэрилин Монро, она стала очарованием «Спартака», которое не забывается и после просмотра.

Питер Устинов (Батиат): несмотря на талантливых Кирка Дугласа и Лоуренса Оливье, этот актёр переиграл их, по праву заслужив «Оскар» за роль второго плана. Это яркая роль плута, льстеца и торговца в одном флаконе. Абсолютно все эпизоды с участием Устинова интересны, голос актёра удачно передаёт его внутреннее состояние, эту несколько ироническую, несколько трусливую жилку в характере персонажа. Следует учитывать, что это единственный комический герой в фильме. И он придаёт фильму некоторое оживление, забавную атмосферу. Надо видеть, как вытягивает из окружающих деньги герой Питера Устинова. Обаятельный мошенник.

А в принципе, «Спартак» — великая хренотень. Что признавал, по большому счету, и сам Кубрик, считая сценарий глупым и пафосным, навязанным студией. Его предыдущий фильм с тем же Дугласом, «Тропы славы», на порядок жизненнее, причем примерно на ту же тему — война и роль личности, пусть и пару тысяч лет спустя.


Интересные факты:

Стэнли Кубрик взялся за постановку картины после того, как исполнитель главной роли Кирк Дуглас повздорил с режиссером Энтони Манном. По словам Питера Устинова, сцена на соляных копях была единственной, которую успел снять Манн.

От постановки отказался Дэвид Лин, а Лоуренс Оливье не захотел совмещать актерские и режиссерские функции.

Будучи сопродюсером фильма, Кирк Дуглас сумел настоять на том, чтобы к работе над картиной были привлечены находившиеся в то время в «черном списке» за свои политические
убеждения кинодраматург Далтон Трамбо и актер Питер Брокко.

Кубрику не был предоставлен контроль над сценарием, который он считал «глупым морализаторством». С тех пор Кубрик полностью контролировал производство своих картин.

Из 167 дней, потребовавшихся Кубрику для съемок фильма, шесть недель ушло на постановку масштабных боевых сцен, в которых 8500 статистов воссоздавали сражения между римскими войсками и армией Спартака.

От роли Варинии отказались Ингрид Бергман, Жанна Моро, Эльза Мартинелли и Джин Симмонс. В итоге ее должна была сыграть Сабина Бетманн, однако, когда Кубрик пришел в проект, он уволил эту актрису и вновь пригласил Симмонс, которая на сей раз приняла его предложение.

Сценарист Далтон Трамбо хотел, чтобы роль пирата была отдана Орсону Уэллсу. Но ее в итоге исполнил Герберт Лом.

Чтобы привлечь звезд на роли второго плана, Кирк Дуглас давал им разные варианты сценария, в которых образы их героев выглядели наиболее предпочтительно.

По слухам, Тони Кертис, уставший от долгих и изматывающих съемок, спросил Джин Симмонс: «С кем нужно переспать, чтобы убраться с этой картины?». На это Симмонс ему ответила: «Когда узнаешь, дай мне знать».

Оператор Расселл Метти покинул съемки, жалуясь на то, что Кубрик не дает ему работать. Когда же Метти все-таки вернулся на съемочную площадку, Кубрик продолжал на него давить, да еще взял на себя большую часть операторской работы. Метти был этим очень недоволен и даже хотел, чтобы его имя изъяли из титров.

Фильм снят по одноименному роману Говарда Фаста. Экранизация романа Говарда Фаста, прилизанная, голивудизированая, с кучей исторических ляпов. Но все равно — классика жанра. К сожалению, фильм устарел. Новый фильм, снятый по тому же роману Фаста, ближе к первоисточнику.

Считается, что Спартак пал в бою весной 71-го года до н. э., во время генерального сражения с армией Красса, а вовсе не был распят вместе с шестью тысячами других повстанцев.

Юлий Цезарь не командовал гарнизоном Рима, и в принципе не мог командовать, так как на момент событий фильма в Риме попросту не было гарнизона.

В реальности Красс не горел желанием преследовать армию Спартака. Считается, что решающее сражение началось с попытки рабов заманить римлян в ловушку. Кроме того, Красс фактически выиграл битву в одиночку — роль Помпея ограничилась уничтожением 6000 бежавших с поля боя рабов.

События сцены «Я — Спартак!», как и всех последующих, являются выдумкой сценаристов и не имеют под собой исторического основания: большинство источников сходится в том, что Спартак погиб в бою.

На самом деле Спартак был лишь одним из руководителей восставших рабов, а не единоличным лидером, как показано в фильме.

Фильм был повторно выпущен в советский прокат в 1984 году, и его посмотрели по 28,2 млн. зрителей на серию при тираже 1171 копия. Общее количество проданных билетов на «Спартак» в СССР составило (с учётом двух серий) 178,4 млн. Даже при средней цене в пределах 30 коп. кассовые сборы фильма в советском прокате могли исчисляться суммой 53,5 млн. рублей, что по тогдашнему официальному валютному курсу равнялось бы $86,3 млн.
Фильм занимает по итогам первого выпуска в советский кинопрокат 5-е место по посещаемости среди зарубежных лент.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Не секрет, что братья Коэн давно вписали свои фамилии в плеяду великолепных режиссеров современности. Помимо продуманных сценариев их отличает фирменный стиль, сочетающий в себе «черный юмор» и пародии на отдельные классы людей или целые государства. Коэны стараются не снимать в одном жанре, ищут что-то новое, стараются выйти за рамки обыденного жанра. Братья Коэн достаточно много внимания уделяют различным деталям, что помогает создать полную, структурированную картину событий. Фильм «Старикам тут не место», снятый по одноименной книге лауреата Пулитцеровской премии Кормака МакКарти, впитал в себя лучшее от стиля Коэнов.

Фильм начинается со слов шерифа Эда Тома Бэлла, который рассказывает о новой волне насилия и жестокости, захлестнувшей штат. С самого начала фильма братья Коэн кидают зрителя в круговорот кровавого хаоса, представляя одного из главных персонажей фильма — наемного убийцу Антона Чигура. Одновременно с этой сюжетной линией разворачивается другая: в пустыне ветеран Вьетнама Мосс находит грузовик с героином, трупы и сумму в два миллиона долларов. Результатом взятия денег становится волна насилия, которую никто не может остановить. Мосс — человек работящий, у которого есть жена, свое собственное жилье, жадность оказалась высшим фактором для него, и результатом стала пословица «жадность до добра не доведет». Да, Мосс хотел как лучше, но от судьбы не убежишь.

Фильм о бесчеловечной жестокости, насилии, пути понимания этой волны насилия, фильм о борьбе за выживание и человеческих ценностях. Именно Антон Чигур - олицетворение насилия и современной жестокости, настоящее воплощение зла. Он явно не из этих мест, «дьявол», пришедший быстро, также быстро скрывшийся, оставив след в виде множества человеческих жертв. Кажется, что этот персонаж наделен какой-то мистикой. Чигур верит лишь в одно — в судьбу, что жизнь и смерть зависят от нее. Это достаточно своеобразная личность со своими принципами. Так все-таки кто он? Что движет Чигуром? И вообще почему так изменился мир? Это старается понять шериф Эд Том Бэлл на протяжении всей картины: персонаж, наделенный острым умом и человеческой простотой.

Фильм содержит достаточно обильное количество философских рассуждений, пропитан традиционным Коэновским «черным юмором». Характерной особенностью фильма является то, что три главных персонажа никогда вместе в кадре не пересекаются, хотя на протяжении всего фильма ищут друг друга. В простом сюжете — один преследует другого, в то время как третий преследует второго — мы так и не увидим кадра, на котором были бы вместе два из трех главных персонажей, что, в свою очередь, символизирует несовместимость друг с другом взглядов различных поколений. Нет места для стариков в этом изменившемся мире: молодость ушла безвозвратно, остались лишь только сны, где вспоминаются несбывшиеся надежды и мечты. Молодое поколение сметает старые законы. Его невозможно остановить. Жизнь продолжается: и то, что вчера казалось невероятным, превращается в обыденность; а то, что воспринимается сейчас, как невозможное, через поколение превратиться в реальность.

Как такового, саундтрека в фильме нет, в конечных титрах звучит одна мелодия. Думается Коэны просто не стали перенасыщать и без того яркий, держащий в напряжении на протяжении всего просмотра триллер. По настоящему необычный триллер! Эта картина, как белая ворона, среди сборника детективного кинематографа. Именно детективного! Потому что такой жанр включает в себя, как элементы триллера и боевика, так и элементы психологической драмы. Бесспорно все вышесказанное существует здесь как опора фильма. А белая ворона, потому что не было ничего хоть немного похожего на такой сюжет. И не потому, что главный убийца нашел такой изощренный способ для своих деяний; не потому, что деньги найдены при странных обстоятельствах; а из за того, что сюжет действительно захватывает своей остротой. Отличия от обыкновенных триллер-боевиков налицо. Ну во-первых на протяжении всего фильма не происходит идеализация главных героев, делая из них «крутых парней». Во-вторых персонажи прежде всего думают, перед определенным действием, параллельно с чем показывается ход мыслей. В отличии от близких по смыслу фильмов, где законы природы полностью не соответствуют идеям и движениям. И в-третьих, уже по первым кадрам «Стариков» безошибочно определяется какой жанр повлиял на новый фильм братьев Коэнов. Вот только братьям не интересно играть по правилам: перенеся действие из 80-х гг. девятнадцатого века в 80-е годы двадцатого, Коэны решили не останавливаться на достигнутом и вывернуть каноны вестерна наизнанку.

Да, здесь есть обязательные герои подобных фильмов — плохой парень, типа положительный герой и шериф; богом забытые городки, рядом с которыми плохие парни прокручивают свои грязные делишки; вместо дилижанса — джипы наркоторговцев, набитые дурью и наличкой; вместо индейцев — мексиканцы; вместо нескольких тысяч долларов — два миллиона.

Но главный персонаж с красивым и необычным именем, Ллюэлин Мосс (Джош Бролин), — не бравый герой-одиночка, а «охотник на оленей», который на свое несчастье находит два миллиона проблем в небольшом чемоданчике, и теперь совершенно не представляет, как замести следы и выйти сухим из воды, поэтому и избегает открытых столкновений с плохими парнями, постоянно убегая. В году, определяющем его карьеру, Бролин наконец-таки получил главную роль, сыграв по большому счету неудачника, в котором еще осталось немало места для последнего решающего боя. Удерживая баланс между пофигистическим отношением к происходящему и заботой о своих близких, Джош заставляет зрителей переживать за своего героя и надеяться, что для него всё закончится хорошо.

Фильм, несмотря на кажущуюся простоту и якобы невнятность, так не понравившиеся некоторым зрителям, имеет чёткую структуру и если хорошо подумать, не имеет ни одного тёмного пятна. В центре внимания — история человека, ставшего на путь смерти и до последнего момента не понимающего этого, хотя всё говорит за то, что дни его сочтены. Однако эта история служит лишь развёрнутым подтверждением другой, более весомой истории, которая затрагивает целое поколение людей — стариков, которые с трудом вписываются в современную жизнь, стремительно меняющую ориентиры. Именно это и вынесено в заголовок, на который и стоит обращать внимание людям, имеющих много вопросов к фильму после просмотра. Если кто-то хотел посмотреть очередную стёбную комедию от братьев Коэнов, его может постигнуть жестокое разочарование: юмора здесь не очень много и он очень тонкий, действие развивается крайне неспешно, а во главу угла ставятся размышления о смерти.

Так как фильм фактически состоит из двух разных историй, хоть и пересекающихся, но имеющих разную важность для понимания сути фильма, скажу о них отдельно.

Условно центральная история, которую можно назвать «Мертвец», — это эпизод из жизни техасского ковбоя Ллюэлина Мосса случайно оказавшегося перед выбором: как ему казалось, перед выбором взять деньги или не взять, а на самом деле, перед выбором жить или умереть. И эту историю не нужно понимать буквально, как сделали отдельные зрители, насчитавшие якобы невероятное количество сюжетных ляпов. Братья Коэны сняли историю Ллюэлина так, как сочли нужным. Они насытили фильм тысячей подробностей, которые, возможно, далеко не все имеют отношение к действительности, но великолепно создают нужную им атмосферу. Если бы режиссёры хотели пояснить, что да как, тогда бы они уж точно потрудились раскрыть тайну Антона Чигура.

Другая, главная, история касается пожилых людей и может быть названа «Старик». Здесь два смысла. Один — более узкий. Это ностальгия заканчивающего активный образ жизни шерифа (Томми Ли Джонс) по тем временам, когда на улицах и в окрестностях было настолько спокойно, что представителям полиции даже не надо было носить оружие. Второй — более широкий. Это размышление о невозможности понять современную жизнь и вписаться в неё людям старшего поколения, которым пора уже задуматься о вечном и приготовиться к путешествию туда. Собственно, всё о первом заключается в начальном монологе шерифа, с чего фильм и начинается, а всё о втором заключается в финальном монологе шерифа, чем фильм и заканчивается. Удивительно, что братья Коэны обратились к такой теме и сделали это столь мощно и впечатляюще. Даже трудно представить, что можно снять после подытоживающего земную жизнь фильма.

Насчет актерской работы - сплошной восторг! Каждый пропитан своей ролью вплоть до продавца в магазине. Все персонажи максимально детализированы и отлично воплощены на экране великолепной игрой актеров: Хавьера Бардема, Томми Ли Джонса, Джоша Бролина, Вуди Харрельсона…

Томми Ли Джонс отлично сыграл провинциального шерифа, которому опыт позволяет не рисковать и путём наблюдений и размышлений делать больше, чем его бодрящие молодые коллеги. Усталый, его герой постепенно понимает, что он — уходящая натура, которой нет места в этой жизни. Его финальный монолог про призрачный костёр, у которого его ждёт давно умерший отец, пожалуй, самый сильный эпизод в фильме. Томми Ли Джонс за свою карьеру переиграл столько всевозможных шерифов и федеральных маршалов, что образ хранителя закона сидит на нем, как идеально подогнанный костюм от всемирно-известного портного. Актер знает всё, что возможно и невозможно о подобных персонажах, что, в свою очередь, помогает ему создать более чем запоминающийся образ шерифа, пассивно наблюдающего за событиями и старающегося не вмешиваться в происходящее, повторяя про себя: «Я слишком стар для этого дерьма».

Талантливый Джош Бролин выдал не менее выдающуюся игру, исполнив роль настоящего ковбоя, который будет упрямо идти к своей цели, пусть и ошибочно считая её спасительной для себя.

Вуди Харрельсону в «Стариках…» досталась не столь большая роль, однако он проявил себя очень хорошо. Судьбу его персонажа вполне очевидно можно предугадать, вот только от этого фильм не становится скучнее.

И наконец, Хавьер Бардем. Его исполнение ангела смерти с кислородным баллоном наперевес иначе как блестящим не назовёшь: невозмутимый, неторопливый, неумолимый, дающий шанс, но всегда берущий своё. Воплощённое безумие в стиле лучших коэновских персонажей. Недаром киноакадемики это заметили и наградили Бардема «Оскаром» за лучшую роль второго плана.

Тривиальная идея фильма о деньгах, наркотиках и погонях была исполнена глубинным смыслом, едва улавливаемым, для невнимательного глаза, но всё же сильным для ценителей подобного жанра. Диалоги, стоящие на распутье между безумием и гениальностью, харизматичный злодей с пистолетом для скотобойни, не просто кровавое месиво, а психология убийства. Всё это в своей совокупности, составляет фильм, который достоин самых высоких оценок. Начав с простого, перейдя к сложному, братья Коэны решили закончить свою историю простейшей и старой, как мир, истиной: не важно, к какому поколению ты принадлежишь, у тебя всё равно должны быть принципы или правила, которым ты следуешь в жизни, иначе существует большая вероятность не увидеть финальные титры.


Интересные факты:

«Старикам тут не место», получил 76 номинаций на различные кинонаграды (включая 8 «оскаровских») и выигравшей 31 приз (включая 4 «Оскара», один из которых главный).

Стоит отметить, что успех картины во многом зависел от работы практически бессменного оператора братьев Коэн — Роджера Дикинса.

Название фильма взято из первой строки поэмы Уильяма Батлера Йитса «Плавание в Византий».

Аптека, возле которой Чигур взрывает припаркованный на улице автомобиль, называется «Mike Zoss Pharmacy». В аптеке с таким же названием в Миннеаполисе Джоэл Коэн и Итан Коэн в детстве проводили множество времени. Их собственная кинокомпания также называется «Mike Zoss Productions».

Причёска убийцы-маньяка Антона Чигура взята с фотографии посетителя борделя, сделанной в 1979 году. После того, как эта причёска была воплощена в жизнь, Хавьер Бардем воскликнул, глядя на себя в зеркало: «О нет, теперь я на два месяца остался без секса!».

Продюсеры вели переговоры с Хитом Леджером на роль Ллюэлина Мосса, однако последний в конечном итоге отказался от участия в фильме.

В отличие от многих картин, снятых по книгам, большинство событий фильма развивается в той же последовательности, что и в книге.

Братья Коэны отказали Джошу Бролину в пробах на фильм. Поэтому Джош попросил Роберта Родригеза помочь ему записать пробы на роль. Пробы Джоша снимались на камеру стоимостью $950,000, за камерой стоял Роберт Родригез, съёмками руководил Квентин Тарантино.

Оружие, которое использует Антон Чигур - пистолет с выдвигающимся ударным стержнем, который часто применяется на скотобойнях.

В фильме отсутствует оригинальный саундтрек. Только на финальных титрах зритель услышит музыку, написанную для фильма.

Джоэл и Итан Коэны не только выступили продюсерами, сценаристами и режиссерами фильма, но и сами его смонтировали. Однако в титрах указан их общий псевдоним Родерик Джэйнс.

Коэны любят давать ссылки на одного из любимых своих режиссеров – Стэнли Кубрика. Так, в фильме появляется комната в мотеле с номером 114; этот номер неоднократно появлялся и в фильмах Кубрика.

Съемочный период: 23 мая – 16 августа 2006.

Братья Коэны пытались сохранить не только дух, но и букву романа – большинство диалогов и монологов в фильме, в частности, финальная речь шерифа Белла, повторяют слово в слово книжные диалоги и монологи.

Город Одесса, в который по сюжету бежит Карла Джейн Мосс, находится вовсе не в Украине. На самом деле, здесь имеется ввиду одноимённый городок с населением 78 тыс жителей на юге США (штат Техас).

Фильм снимался одновременно с «Нефтью» Пола Томаса Андерсона, и съёмочные площадки находились недалеко друг от друга, на расстоянии двух холмов. Однажды Коэнам пришлось прервать съёмки, потому что со съёмочной площадки «Нефти» валил густой дым, попадающий в кадр.

Действие происходит в Техасе, но по финансовым соображениям фильм снимался в Лас-Вегасе, штат Нью-Мексико. Тем не менее, по настоянию Томми Ли Джонса, братья Коэны сняли несколько сцен на западе Техаса.

Пол Уокер активно претендовал на роль Мосса. По его словам он всегда хотел сняться у братьев Коэнов. В «Старикам тут не место» Пол даже прошел кастинг. Но братья предпочли Хита Леджера, после отказа которого роль перешла Джошу Бролину.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Не секрет, что братья Коэн давно вписали свои фамилии в плеяду великолепных режиссеров современности. Помимо продуманных сценариев их отличает фирменный стиль, сочетающий в себе «черный юмор» и пародии на отдельные классы людей или целые государства. Коэны стараются не снимать в одном жанре, ищут что-то новое, стараются выйти за рамки обыденного жанра. Братья Коэн достаточно много внимания уделяют различным деталям, что помогает создать полную, структурированную картину событий. Фильм «Старикам тут не место», снятый по одноименной книге лауреата Пулитцеровской премии Кормака МакКарти, впитал в себя лучшее от стиля Коэнов.

Фильм начинается со слов шерифа Эда Тома Бэлла, который рассказывает о новой волне насилия и жестокости, захлестнувшей штат. С самого начала фильма братья Коэн кидают зрителя в круговорот кровавого хаоса, представляя одного из главных персонажей фильма — наемного убийцу Антона Чигура. Одновременно с этой сюжетной линией разворачивается другая: в пустыне ветеран Вьетнама Мосс находит грузовик с героином, трупы и сумму в два миллиона долларов. Результатом взятия денег становится волна насилия, которую никто не может остановить. Мосс — человек работящий, у которого есть жена, свое собственное жилье, жадность оказалась высшим фактором для него, и результатом стала пословица «жадность до добра не доведет». Да, Мосс хотел как лучше, но от судьбы не убежишь.

Фильм о бесчеловечной жестокости, насилии, пути понимания этой волны насилия, фильм о борьбе за выживание и человеческих ценностях. Именно Антон Чигур - олицетворение насилия и современной жестокости, настоящее воплощение зла. Он явно не из этих мест, «дьявол», пришедший быстро, также быстро скрывшийся, оставив след в виде множества человеческих жертв. Кажется, что этот персонаж наделен какой-то мистикой. Чигур верит лишь в одно — в судьбу, что жизнь и смерть зависят от нее. Это достаточно своеобразная личность со своими принципами. Так все-таки кто он? Что движет Чигуром? И вообще почему так изменился мир? Это старается понять шериф Эд Том Бэлл на протяжении всей картины: персонаж, наделенный острым умом и человеческой простотой.

Фильм содержит достаточно обильное количество философских рассуждений, пропитан традиционным Коэновским «черным юмором». Характерной особенностью фильма является то, что три главных персонажа никогда вместе в кадре не пересекаются, хотя на протяжении всего фильма ищут друг друга. В простом сюжете — один преследует другого, в то время как третий преследует второго — мы так и не увидим кадра, на котором были бы вместе два из трех главных персонажей, что, в свою очередь, символизирует несовместимость друг с другом взглядов различных поколений. Нет места для стариков в этом изменившемся мире: молодость ушла безвозвратно, остались лишь только сны, где вспоминаются несбывшиеся надежды и мечты. Молодое поколение сметает старые законы. Его невозможно остановить. Жизнь продолжается: и то, что вчера казалось невероятным, превращается в обыденность; а то, что воспринимается сейчас, как невозможное, через поколение превратиться в реальность.

Как такового, саундтрека в фильме нет, в конечных титрах звучит одна мелодия. Думается Коэны просто не стали перенасыщать и без того яркий, держащий в напряжении на протяжении всего просмотра триллер. По настоящему необычный триллер! Эта картина, как белая ворона, среди сборника детективного кинематографа. Именно детективного! Потому что такой жанр включает в себя, как элементы триллера и боевика, так и элементы психологической драмы. Бесспорно все вышесказанное существует здесь как опора фильма. А белая ворона, потому что не было ничего хоть немного похожего на такой сюжет. И не потому, что главный убийца нашел такой изощренный способ для своих деяний; не потому, что деньги найдены при странных обстоятельствах; а из за того, что сюжет действительно захватывает своей остротой. Отличия от обыкновенных триллер-боевиков налицо. Ну во-первых на протяжении всего фильма не происходит идеализация главных героев, делая из них «крутых парней». Во-вторых персонажи прежде всего думают, перед определенным действием, параллельно с чем показывается ход мыслей. В отличии от близких по смыслу фильмов, где законы природы полностью не соответствуют идеям и движениям. И в-третьих, уже по первым кадрам «Стариков» безошибочно определяется какой жанр повлиял на новый фильм братьев Коэнов. Вот только братьям не интересно играть по правилам: перенеся действие из 80-х гг. девятнадцатого века в 80-е годы двадцатого, Коэны решили не останавливаться на достигнутом и вывернуть каноны вестерна наизнанку.

Да, здесь есть обязательные герои подобных фильмов — плохой парень, типа положительный герой и шериф; богом забытые городки, рядом с которыми плохие парни прокручивают свои грязные делишки; вместо дилижанса — джипы наркоторговцев, набитые дурью и наличкой; вместо индейцев — мексиканцы; вместо нескольких тысяч долларов — два миллиона.

Но главный персонаж с красивым и необычным именем, Ллюэлин Мосс (Джош Бролин), — не бравый герой-одиночка, а «охотник на оленей», который на свое несчастье находит два миллиона проблем в небольшом чемоданчике, и теперь совершенно не представляет, как замести следы и выйти сухим из воды, поэтому и избегает открытых столкновений с плохими парнями, постоянно убегая. В году, определяющем его карьеру, Бролин наконец-таки получил главную роль, сыграв по большому счету неудачника, в котором еще осталось немало места для последнего решающего боя. Удерживая баланс между пофигистическим отношением к происходящему и заботой о своих близких, Джош заставляет зрителей переживать за своего героя и надеяться, что для него всё закончится хорошо.

Фильм, несмотря на кажущуюся простоту и якобы невнятность, так не понравившиеся некоторым зрителям, имеет чёткую структуру и если хорошо подумать, не имеет ни одного тёмного пятна. В центре внимания — история человека, ставшего на путь смерти и до последнего момента не понимающего этого, хотя всё говорит за то, что дни его сочтены. Однако эта история служит лишь развёрнутым подтверждением другой, более весомой истории, которая затрагивает целое поколение людей — стариков, которые с трудом вписываются в современную жизнь, стремительно меняющую ориентиры. Именно это и вынесено в заголовок, на который и стоит обращать внимание людям, имеющих много вопросов к фильму после просмотра. Если кто-то хотел посмотреть очередную стёбную комедию от братьев Коэнов, его может постигнуть жестокое разочарование: юмора здесь не очень много и он очень тонкий, действие развивается крайне неспешно, а во главу угла ставятся размышления о смерти.

Так как фильм фактически состоит из двух разных историй, хоть и пересекающихся, но имеющих разную важность для понимания сути фильма, скажу о них отдельно.

Условно центральная история, которую можно назвать «Мертвец», — это эпизод из жизни техасского ковбоя Ллюэлина Мосса случайно оказавшегося перед выбором: как ему казалось, перед выбором взять деньги или не взять, а на самом деле, перед выбором жить или умереть. И эту историю не нужно понимать буквально, как сделали отдельные зрители, насчитавшие якобы невероятное количество сюжетных ляпов. Братья Коэны сняли историю Ллюэлина так, как сочли нужным. Они насытили фильм тысячей подробностей, которые, возможно, далеко не все имеют отношение к действительности, но великолепно создают нужную им атмосферу. Если бы режиссёры хотели пояснить, что да как, тогда бы они уж точно потрудились раскрыть тайну Антона Чигура.

Другая, главная, история касается пожилых людей и может быть названа «Старик». Здесь два смысла. Один — более узкий. Это ностальгия заканчивающего активный образ жизни шерифа (Томми Ли Джонс) по тем временам, когда на улицах и в окрестностях было настолько спокойно, что представителям полиции даже не надо было носить оружие. Второй — более широкий. Это размышление о невозможности понять современную жизнь и вписаться в неё людям старшего поколения, которым пора уже задуматься о вечном и приготовиться к путешествию туда. Собственно, всё о первом заключается в начальном монологе шерифа, с чего фильм и начинается, а всё о втором заключается в финальном монологе шерифа, чем фильм и заканчивается. Удивительно, что братья Коэны обратились к такой теме и сделали это столь мощно и впечатляюще. Даже трудно представить, что можно снять после подытоживающего земную жизнь фильма.

Насчет актерской работы - сплошной восторг! Каждый пропитан своей ролью вплоть до продавца в магазине. Все персонажи максимально детализированы и отлично воплощены на экране великолепной игрой актеров: Хавьера Бардема, Томми Ли Джонса, Джоша Бролина, Вуди Харрельсона…

Томми Ли Джонс отлично сыграл провинциального шерифа, которому опыт позволяет не рисковать и путём наблюдений и размышлений делать больше, чем его бодрящие молодые коллеги. Усталый, его герой постепенно понимает, что он — уходящая натура, которой нет места в этой жизни. Его финальный монолог про призрачный костёр, у которого его ждёт давно умерший отец, пожалуй, самый сильный эпизод в фильме. Томми Ли Джонс за свою карьеру переиграл столько всевозможных шерифов и федеральных маршалов, что образ хранителя закона сидит на нем, как идеально подогнанный костюм от всемирно-известного портного. Актер знает всё, что возможно и невозможно о подобных персонажах, что, в свою очередь, помогает ему создать более чем запоминающийся образ шерифа, пассивно наблюдающего за событиями и старающегося не вмешиваться в происходящее, повторяя про себя: «Я слишком стар для этого дерьма».

Талантливый Джош Бролин выдал не менее выдающуюся игру, исполнив роль настоящего ковбоя, который будет упрямо идти к своей цели, пусть и ошибочно считая её спасительной для себя.

Вуди Харрельсону в «Стариках…» досталась не столь большая роль, однако он проявил себя очень хорошо. Судьбу его персонажа вполне очевидно можно предугадать, вот только от этого фильм не становится скучнее.

И наконец, Хавьер Бардем. Его исполнение ангела смерти с кислородным баллоном наперевес иначе как блестящим не назовёшь: невозмутимый, неторопливый, неумолимый, дающий шанс, но всегда берущий своё. Воплощённое безумие в стиле лучших коэновских персонажей. Недаром киноакадемики это заметили и наградили Бардема «Оскаром» за лучшую роль второго плана.

Тривиальная идея фильма о деньгах, наркотиках и погонях была исполнена глубинным смыслом, едва улавливаемым, для невнимательного глаза, но всё же сильным для ценителей подобного жанра. Диалоги, стоящие на распутье между безумием и гениальностью, харизматичный злодей с пистолетом для скотобойни, не просто кровавое месиво, а психология убийства. Всё это в своей совокупности, составляет фильм, который достоин самых высоких оценок. Начав с простого, перейдя к сложному, братья Коэны решили закончить свою историю простейшей и старой, как мир, истиной: не важно, к какому поколению ты принадлежишь, у тебя всё равно должны быть принципы или правила, которым ты следуешь в жизни, иначе существует большая вероятность не увидеть финальные титры.


Интересные факты:

«Старикам тут не место», получил 76 номинаций на различные кинонаграды (включая 8 «оскаровских») и выигравшей 31 приз (включая 4 «Оскара», один из которых главный).

Стоит отметить, что успех картины во многом зависел от работы практически бессменного оператора братьев Коэн — Роджера Дикинса.

Название фильма взято из первой строки поэмы Уильяма Батлера Йитса «Плавание в Византий».

Аптека, возле которой Чигур взрывает припаркованный на улице автомобиль, называется «Mike Zoss Pharmacy». В аптеке с таким же названием в Миннеаполисе Джоэл Коэн и Итан Коэн в детстве проводили множество времени. Их собственная кинокомпания также называется «Mike Zoss Productions».

Причёска убийцы-маньяка Антона Чигура взята с фотографии посетителя борделя, сделанной в 1979 году. После того, как эта причёска была воплощена в жизнь, Хавьер Бардем воскликнул, глядя на себя в зеркало: «О нет, теперь я на два месяца остался без секса!».

Продюсеры вели переговоры с Хитом Леджером на роль Ллюэлина Мосса, однако последний в конечном итоге отказался от участия в фильме.

В отличие от многих картин, снятых по книгам, большинство событий фильма развивается в той же последовательности, что и в книге.

Братья Коэны отказали Джошу Бролину в пробах на фильм. Поэтому Джош попросил Роберта Родригеза помочь ему записать пробы на роль. Пробы Джоша снимались на камеру стоимостью $950,000, за камерой стоял Роберт Родригез, съёмками руководил Квентин Тарантино.

Оружие, которое использует Антон Чигур - пистолет с выдвигающимся ударным стержнем, который часто применяется на скотобойнях.

В фильме отсутствует оригинальный саундтрек. Только на финальных титрах зритель услышит музыку, написанную для фильма.

Джоэл и Итан Коэны не только выступили продюсерами, сценаристами и режиссерами фильма, но и сами его смонтировали. Однако в титрах указан их общий псевдоним Родерик Джэйнс.

Коэны любят давать ссылки на одного из любимых своих режиссеров – Стэнли Кубрика. Так, в фильме появляется комната в мотеле с номером 114; этот номер неоднократно появлялся и в фильмах Кубрика.

Съемочный период: 23 мая – 16 августа 2006.

Братья Коэны пытались сохранить не только дух, но и букву романа – большинство диалогов и монологов в фильме, в частности, финальная речь шерифа Белла, повторяют слово в слово книжные диалоги и монологи.

Город Одесса, в который по сюжету бежит Карла Джейн Мосс, находится вовсе не в Украине. На самом деле, здесь имеется ввиду одноимённый городок с населением 78 тыс жителей на юге США (штат Техас).

Фильм снимался одновременно с «Нефтью» Пола Томаса Андерсона, и съёмочные площадки находились недалеко друг от друга, на расстоянии двух холмов. Однажды Коэнам пришлось прервать съёмки, потому что со съёмочной площадки «Нефти» валил густой дым, попадающий в кадр.

Действие происходит в Техасе, но по финансовым соображениям фильм снимался в Лас-Вегасе, штат Нью-Мексико. Тем не менее, по настоянию Томми Ли Джонса, братья Коэны сняли несколько сцен на западе Техаса.

Пол Уокер активно претендовал на роль Мосса. По его словам он всегда хотел сняться у братьев Коэнов. В «Старикам тут не место» Пол даже прошел кастинг. Но братья предпочли Хита Леджера, после отказа которого роль перешла Джошу Бролину.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Десяток самых разных людей начинают свой день на улицах огромного города. За 36 часов их судьбы тесно переплетаются между собой, паутиной разных событий, герои и подонки поменяются местами, а их отношения складываются в самые невероятные комбинации.

Фильм как бы соткан из разных историй, которые тесно переплетаются в Городе Ангелов, и каждая история эта маленькая драма, где иногда смешно, но по большей части грустно, от понимания того, что нет согласия на американской земле, тут идет столкновение культур, обычаев, взглядов, что приводит к столкновению, противостоянию и уж точно не способствует интеграции всех этих людей в одно общежитие.

Среди персонажей этой истории нет откровенных негодяев или героев. Все обычные люди, каких большинство. Некоторые из них стали жертвами обстоятельств, но большинство — жертвами предрассудков, страхов и недопонимания. Много зла можно было бы избежать, не навешивая ярлыков «черный», «белый» или «цветной» на других людей.

Ужасно жаль всех героев. Каждый совершил в жизни какие то ошибки, может даже неосознанно, но все же. Но во всех них, даже в самых плохих, просыпаются любовь, сострадание и жалость. На протяжении всего фильма герои меняются. Жизнь ставит их в такие ситуации, в которых они понимают то, что не понимали ранее. И ситуации эти порой жестокие. Но такова жизнь. В этом фильме очень хорошо показано, что людям сложно в этой жизни одним. Людям нужна поддержка близких, которых мы порой не ценим.

Это история о жизни в большом многонациональном городе. Это фильм о корректности и уважении по отношению к другим людям не зависимо от цвета их кожи. Это рассказ о том, как мы на самом деле связаны между собой, в своем многоквартирном доме, районе, городе, на своей планете. Как сильно мы можем влиять на судьбы друг друга. Этот картина о том, к чему может привести простое недопонимание между людьми, какое значение может иметь даже незначительный агрессивный поступок или грубо сказанное слово на жизнь окружающих. О том, что небольшое зло совершенное постороннему человеку имеет тенденцию утраиваться и возвращаться к его владельцу.

Расизм, поднятый как основная проблема (что, кстати, неожиданно, когда понятия не имеешь, о чем фильм), рассматривается достаточно жестко, но справедливо. Расовые предрассудки мешают нам понимать друг друга. Цвет кожи это самое незначительное что отличает всех нас и эта идея сквозит через весь фильм. Мы разные, но мы равны. Мы разные, но мы обречены столкнуться… И если столкновения неизбежны, пусть последствия будут лишь положительные. Зло порождает зло, а добро — как повезет, но оно стоит того, что бы рискнуть.

Фильм получился не по «оскаровски» жестким, европейским, безусловно интересным к просмотру, хотя смотреть нелегко. Слишком много персонажей, временами не очень понятны хитросплетения сюжета. Но это лишь сначала. Глубокое эмоциональное кино, заставляет задуматься о многих вещах. Редкий случай сочетания красивой упаковки и богатого содержания.

Интересные факты:

Для того чтобы уложиться в не такой уж большой бюджет ($ 6 млн.), Пол Хаггис предоставил для съёмок свой собственный дом (в фильме — дом Каботов) и машину.

В картине засветился сам Арнольд Шварценеггер. Правда, не в привычной ипостаси актера, а в должности губернатора Калифорнии. Его фотография в рамке висит на стене офиса лейтенанта Диксона.

Роль Хансена (Райан Филлипп) могла достаться Хиту Леджеру.

Режиссер Пол Хаггис в свое время сам пострадал от действий автомобильных воров. Данное обстоятельство сыграло немалую роль в появлении картины на свет.

Сандра Буллок настолько сильно хотела принять участие в съемках данной картины, что купила билет на самолет за свой счет и отправилась на съемочную площадку.

Роль телевизионного директора была предложена Форресту Уитакеру. Однако, он отказался от участия в проекте в пользу своего собственного — «Первая дочь» (2004).

Первоначальным выбором на роль Рика (Брендан Фрейзер) была кандидатура Джона Кьюсака.

Сценарий к кинокартине был написан еще в 2001 году.

Студия Lions Gate Films выкупила дистрибуционные права за 4 миллиона долларов в ходе Международного кинофестиваля в Торонто, состоявшегося в 2004 году.

Около 130000 копий фильма были разосланы членам «Академии киноискусства и кинотехники» (AMPAS), различным гильдиям и кинокритикам.

Несмотря на то, что премьера фильма состоялась в 2004 году, он не смог участвовать в конкурсной программе «Оскара 2005», т. к. не шёл в кинопрокате Лос-Анджелеса не менее одной недели (что является одним из обязательных условий). Когда фильм вышел на экраны Лос-Анджелеса в 2005 году, он смог участвовать в «Оскаре 2006», и победил в номинации «Лучший фильм».

«Столкновение» стал первым фильмом со времен «Рокки» (1976), выигравшим «Оскар» в номинации «Лучший фильм», который в итоге суммарно получил три «Оскара» (обычно такие фильмы выигрывают четыре и более Оскаров).

«Столкновение» стал первым фильмом, выигравшим «Оскар», права на который были куплены на кинофестивале.

Кэтлин Йорк, написавшая для фильма песню «Into the Deep», исполнила роль-камео: она сыграла полицейского, докладывающего Грэхаму (Дон Чидл) о случившемся в начальной сцене фильма.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Отношение к этому фильму Мела Гибсона, вызвавшему весьма разноречивые мнения ещё до своего появления на экранах, сводится, в основном, к двум противоположным позициям. Одни считают, что картина о двенадцати последних часах из жизни Иисуса Христа тенденциозна, отражая радикальные взгляды ультраконсервативного католика, который если и не винит исключительно всех иудеев и римлян в казни Сына Божьего, то склоняется к мысли об антагонизме первосвященников и того, кто дерзко объявил себя Мессией и таким образом покусился на церковную власть.

Другие же вообще не видят в данной ленте попытки интерпретации событий двухтысячелетней давности, которые якобы представлены чуть ли не в манере документального репортажа, жестокого и беспощадного, как будто бы речь идёт о каком-либо современном резком столкновении непримиримых противников, расходящихся в вопросах веры. И действительно — в некоторые моменты ловишь себя на парадоксальном ощущении, что всё это именно сейчас происходит на Ближнем Востоке. Представители иудейского духовенства и местной знати так же манипулируют толпой соплеменников, попутно шантажируя римского прокуратора Понтия Пилата угрозой бунта и обещанием донести о беспорядках самому Цезарю, словно это нынешние израильтяне с явной оглядкой на поддерживающих их американцев стараются изо всех сил установить своё полное господство на территории палестинской автономии.

Миром правит нетерпимость — так можно было бы на самом деле сформулировать главный смысл послания Мела Гибсона, которое заключено в его фильме «Страсть Христа». Ведь первоначально название ограничивалось словом «Страсть», что сильнее подчёркивало обобщённый характер страданий и испытаний, пусть и выпавших на долю конкретного человека. Иисус вовсе не случайно показан преимущественно во время непосильных мучений, бесконечных физических издевательств и умерщвления его плоти, когда кровь и раны делают человеческое тело похожим на кусок мяса, лишённого и жизни, и духа. Однако зрители, которые как бы переносятся в самое начало нашей эры, чтобы стать прямыми очевидцами истязания того, кто назвался Христом, должны причаститься этой плоти и крови, совершить вместе с ним тяжкий крестный путь, следуя в толпе по направлению к Голгофе или даже идентифицируя себя с Симоном, помогающим нести крест, а также сострадая горю Девы Марии и Марии Магдалины.

Кстати, благодаря точной и тонко исполненной монтажной перебивке в данных сценах, Гибсон развивает ранее заявленное противопоставление Мадонны и словно Антимадонны, в одежды которой кощунственно рядится Сатана, представляя собой зловещее андрогинное существо. Шествуя среди сочувствующих и простых зевак по другую сторону от Девы Марии, он в какой-то момент вдруг оказывается с ребёнком на руках, почти что в позе рафаэлевской Мадонны из Сикстинской капеллы. Но дитя поворачивается лицом — и обнаруживает свою дьявольскую сущность Антихриста. А в предшествующих эпизодах, когда ватага детей начинает преследовать Иуду Искариота, выдавшего Иисуса посланникам Каиафы, происходит, в принципе, схожая метаморфоза, которая превращает вроде бы невинных созданий в бесовское отродье, заставляя их поступать по наущению Сатаны.

Картина «Страсть Христа» вообще строится как «хроника объявленной смерти», перемежаясь короткими ретроспекциями, в которых лаконично и порой на редкость образно представлены моменты, проясняющие судьбу Иисуса Христа и отношения к нему со стороны приверженцев и противников. Но основной поединок ведётся на протяжении всего действия — от сцены в Гефсиманском саду до вознесения на небеса — между божественным предназначением и дьявольским искушением, между Добром и Злом как двумя составляющими мироздания: тем, что порождает свет и любовь, и тем, что несёт тьму и ненависть.

Вот и в сознании зрителей должно по-своему разрешиться это столкновение надмирных сил, которое приобретает в рамках эстетического конфликта напряжённый спор между мифом и реальностью, а в теологическом плане — дихотомическое соотношение религии и веры. Так ли было на самом деле, стoит ли в это верить и веровать?! Являлся ли Иисус обычным бунтарём-ниспровергателем или же Богочеловеком - Спасителем?! Произошло ли просто воплощение божества или же его очеловечивание?! Строго говоря, и христианство прошло несколько веков ожесточённого скрещения противоречивых трактовок, прежде чем оформилось в виде догматического учения, которое практически отвергает любые новые попытки своего переосмысления.

Что же касается сугубо религиозной составляющей, то фильм вполне отвечает букве католицизма, то есть в ленте присутствуют отдельные заблуждения католиков в их трактовке Евангелия. В частности, основное внимание сосредоточено на страданиях Христа как человека. Соответственно упор делается на человеческую природу Христа, на Божественную обращается мало внимания.

Мел Гибсон вторгается со «Страстью Христа» в самую сердцевину бесконечных рассуждений о природе божественного и человеческого, заставляя каждого сделать личный выбор. Собственно, все мы совершаем раз за разом (только не смеем в этом честно себе признаться!) своеобразный обряд судилища над Иисусом из Назарета, отправляя его на распятие или умывая руки, подобно Понтию Пилату, который уж точно ни в чём не был повинен, оказавшись между двух огней. Ответа на вопрос «Что есть истина?» по-прежнему не существует.

У Гибсона, Иисус — личность, которая точно знает, что он делает и зачем. И принимает последствия собственных действий на себя. До этого фильма Иисуса показывали как жертву обстоятельств, согласившуюся на абстрактные муки ради абстрактного человечества.

У Гибсона, Иисус — сам выбрал этот путь для достижения своей цели — помочь всем нам осознать, что любить друг друга необходимо, а не убивать. И если понимать Его учение буквально, то и иного пути у него, кроме как на Голгофу — просто не было. Только этот путь мог стать доказательством, подтверждением того, что любить можно, несмотря на ненависть и непонимание всех и вся вокруг. А иначе, всё его учение осталось бы лишь словами, не подтверждённые никаким реальным действием.

Только в этом случае любовь Христа становиться конкретной, воплощённой, а не пустым «философствованием о всеобщей любви». Он реально, на собственном примере подставил щёку. И в этом состоит его Духовный подвиг. Главное, что сделал Гибсон своим фильмом — он сделал страдания Иисуса в наших умах вполне конкретными, а не метафорическими. Он показывает, что Иисус их не терпел, как говориться в дурацкой народной поговорке, а он их реально принял — Гибсон показывает это в сцене с бичеванием. Потому, что вытерпеть такие муки — просто невозможно.

Смысл фильма не столько в том, что происходит на экране, сколько в том, что происходило «до» молитвы в Гефсиманском саду, то, что происходило за кадром. Поэтому для тех, кто не знает этой истории или не знаком со словом «любовь», фильм будет просто «инструкцией по пыткам». Гибсон не стал пересказывать историю в сотый раз, он лишь сделал наглядным результат. Показал её итог. И он об этом предупредил: здесь не будет описания жизни. Здесь будет её конец. Здесь будет её доказательство. И не понятна логика тех людей, которых об этом предупредили, а они сокрушаются от того, что не увидели ничего кроме наказания и казни.

Интересные факты:

Во время сцен истязаний актер Джеймс Кэвизел дважды познал, что такое удар хлыста по обнаженной плоти. Если в первый раз этот удар лишь свалил его с ног, то, получив удар во второй раз, Джеймс вывихнул кисть.

Однажды на съемках в беднягу Джеймса ударила молния, однако актер не получил абсолютно никаких увечий. Многие наблюдатели связали это событие с гневом Господа.

Когда стало известно, что фильм будет полностью на латинском и арамийском языках, Мел Гибсон заявил, что хочет убрать и субтитры. Однако позднее, по настоянию прокатчиков, субтитры все же появились. Вообще это был весьма рискованный шаг, ведь многие кинозрители США настолько избалованы, что не переваривают даже дубляж.

В сцене распятия зрители могут наблюдать настоящего Джеймса Кэвизела. Мел Гибсон решил обойтись без компьютерной анимации и воспользовался лишь помощью гримеров.

Кстати, когда Джеймс участвовал в кастинге, он был полностью уверен, что будет сниматься в фильме, посвященному виндсерфингу. Впрочем, узнав, что ему доверили роль Иисуса, не отказался.

Майя Моргенштерн, исполнившая роль матери Иисуса, во время съемок была беременна. Она тщательно скрывала эту новость от всей съемочной группы. В тот момент, когда все выяснилось, заменить актрису уже не представлялось возможным.

В первый же день показа картины во время сцены распятия потеряла сознание 56-летняя Пегги Скотт. Чуть позднее она скончалась в одной из больниц Канзаса.

Картина начинается без традиционных стартовых титров. Всю информацию о создателях можно почерпнуть лишь в финальных титрах.

Сценарий фильма был написан Мелом Гибсоном и Бенедиктом Фицджералдом на основе четырех канонических евангелий: от Матфея, от Марка, от Луки и от Иоанна.

Все герои говорят на тех языках, на которых они говорили бы два тысячелетия назад. Иудеи, включая Христа и апостолов, говорят на арамийском, а римляне — на «вульгарной латыни».

Сцены распятия были сняты в городе Матера на юге Италии, недалеко от того места, где Пьер Паоло Пазолини снимал в 1965 году «Евангелие от Матфея».

Мел Гибсон — католик - традиционалист. Он не согласен с Ватиканом по вопросу языка, на котором должны проводиться богослужения. Гибсон считает, что только на латыни. Единственная дочь Мела Гибсона в 2002 году заявила, что желает стать монахиней.

Гибсон знал, что ему понадобятся лучшие в мире специалисты по гриму, чтобы сделать сцены бичевания и распятия как можно более реалистичными. Для съемок этих эпизодов фильма Джеймса Кэвизела ежедневно гримировали в течение семи часов.

Кэвизелу не пришлось придумывать, как изображать физические мучения — он их действительно испытывал. От многослойного грима его тело покрылось волдырями, и он не мог засыпать. Крест, который Кэвизел нес на Голгофу, не был бутафорским — он весил около 70 килограммов. Хотя съемки проходили зимой, актер был одет только в львиную шкуру. Часто ему становилось так холодно, что он не мог говорить — его замерзшее лицо приходилось отогревать, чтобы он хоть немного мог шевелить губами.

В фильме гвозди проходят сквозь ладони, на Туринской плащанице же - сквозь запястья. Гвозди сквозь ладони не держат вес тела распятого.

100 миллионов долларов из кассы фильма Гибсон пожертвовал католической церкви.

В фильме сотник Аденабер использует стремена (особенно это видно, когда лошадь поднимается на дыбы), чем нарушается исторический реализм. На самом деле римляне в первой половине I века н.э. стремян не знали.

Чтобы не показывать иудеев виновниками смерти Иисуса, в фильме опущены возгласы евреев «Кровь его на нас и на потомках наших!», которые есть в Евангелии.

Пётр, отрекаясь от Христа трижды, должен услышать пения петухов, которого в фильме нет.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Если и есть в этом мире место, где каждый желающий может продать душу дьяволу, то это Вегас. При том продавец особо торговаться не станет, наоборот будет предлагать скидки и бонусы. Город грехов и неона, где даже грезы становятся реальностью. Цена известна, а потому «смажь пятки», сладенькая, может повезет. Вот и ещё одна молоденькая длинноногая танцовщица Номи отчаянно пытается добиться успеха в Лас-Вегасе и проникнуть в блистающий мир ярких огней, блеска и света шоу — сцены. Чтобы удержаться «на плаву», она соглашается на единственно возможную работу — стриптиз, пока ей не удается вытянуть свой счастливый билет — познакомиться с королевой сцены Лас-Вегаса - Кристал.

Используя свое влияние, Кристал устраивает Номи в свое шоу и вводит ее в истинный мир шоу-бизнеса Лас-Вегаса — мир случая, предательства и интриг, в котором сексуальность можно использовать как власть.

Именно Лас - Вегас выбрал шутник Верховен местом действия своей сатиры «Стриптизёрши». Это кино про жестокий мир шоу-бизнеса. Нас он привлекает, манит своими красками, своей свободой, своей шикарной жизнью. Но «Стриптизёрши» показывает, что не все так гладко и красиво. И мир этот не всегда в шоколаде. Мы видим две стороны. Одна — красота, известность, богатство. Другая — ненависть, пороки, насилие, наркотики и зависть. «Золотым малинам» не стоит удивляться, кино всё ж таки уж больно гротескное, кричащее, нереально развязное. За это его наверняка и не взлюбили. Верховен утрировал и создал подобную атмосферу специально для того, чтобы показать, что Вегас, шоу-бизнес, да и вообще США не более чем "Американская мечта" наоборот. А от того его не полюбили ещё больше.

Главная героиня Номи — бывшая проститутка. Она не раз привлекалась в полицию. Она берет себе другое имя и думает, что берет другую жизнь, попадая в этот мир. Сперва он ей тоже кажется замечательным. Но Номи видит и все то, что происходит за кулисами. И она сама становится одной из тех, кем быть совсем не хочет. По-моему, очень удачную концовку сделали создатели фильма.

На роль Золушки Верховен, как нарочно подобрал актрису не блещущую талантом, зато «сверкающую» всем остальным. Элизабет Беркли справилась с ролью просто блестяще. Она сыграла очень сильную женщину, которая борется с трудностями. Даже если способы борьбы не очень чистые, а что вы хотели? Это шоу-бизнес. Пол как бы лишний раз подчеркивает, что талант здесь не так важен. Путь из статисток в примы лежит не через упорство и труд, а через постель директора и легкий толчок в спину самой примы. Работай «подстилкой», дорогая, это тоже талант.

«Мы все шлюхи», — говорит Кристал. Продажность уже черта натуры, пункт в системе ценностей, статья в антиморальном кодексе. Верховен особо не прячет иронию и горькую правду за голой задницей. Наоборот старательно показывает с помощью «dressing like a… bithc», шик-версия для Гершон и барахолка для Беркли (исключая платье от «Версаси») и «бульварного» макияжа. И как будто ему мало шлюховских замашек и переломанных ног, решает добить зрителя звездным насильником-извращенцем и круговой порукой. Жизнь — дерьмо, малышка, жуй и улыбайся.

Музыка, танцы, секс, стремление добиться успеха, ложь, обман, предательство и много красивых обнаженных тел. Добро пожаловать на Шоу! А какие здесь персонажи!

Номи Мэлоун (Элизабет Беркли) — женственность, сексуальность, грация, страсть, доброта, вспыльчивость, любовь, чувственность, мстительность. Разве не в каждой девушке всё это есть? В каждой, только в разных пропорциях. Номи личность неоднозначная. Она добилась своей цели, несмотря ни на что, но при этом она все-таки осталась человечной. Она смогла не растерять уважение к себе и не позволяла считать себя обычной шлюхой. Она не дала возможность разжиревшему продюсеру наслаждаться видом ее груди. Она умеет ценить хорошее к себе отношение и не желает мириться с обстоятельствами. Достаточно, вспомнить момент, когда Молли насилует знаменитый певец Эндрю Карвер. Зак Кэрри хочет все замять, а Номи простенько и со вкусом набивает ему морду.

Зак Кэрри (Кайл МаКлахнен) — эгоизм, страх, слабоволие, подхалимство, зависимость. Он тщеславный сутенер. Это так и есть, он заботится только о себе, и вполне вероятно, что он уже не обретет той душевной доброты, как это сделала Номи.

Кристал Коннорс (Джина Гершон) — элегантность, стервозность, ревность, эмоциональность, гордость. Она знает себе цену, не стыдится своих желаний. И она тоже действительно может сожалеть о своих поступках. Она эгоистка, но в хорошем смысле, это чувствуется в ее глазах.

Молли Эймбрамс (Джина Равера) — доброта, сдержанность, искренность, доверчивость. Она прекрасно дополняет Номи, и они действительно были лучшими подругами. И она стала жертвой чужих желаний и возможностей. Ее ситуация самая распространенная, ведь многие девушки попадаются на уловки таких людей как Эндрю Карвер.

Отдельно о шоу. Более потрясающих постановок я не встречал. Хочется смотреть ещё и ещё. Красота. В «Стриптизёршах» она всюду. И в стриптиз — клубе, и в гримёрке, где плетутся интриги и заговоры, и на сцене. Номи вне конкуренции. Безусловно, у неё дар. Этот огонь, страсть идёт у неё изнутри, от самого сердца. Она гибкая, с красивой фигурой и изящными движениями. А главное, в ее выступлениях чувствуется особая энергетика.

Пол Верховен может снимать красивую обнаженку. Мы в этом убедились, посмотрев «Основной инстинкт». Убеждения стали крепче, когда вышел фильм «Стриптизёрши». Пол Верховен не Тинто Брасс, но, тем не менее, количество обнаженных организмов на миллиметр пленки у него зашкаливает. Беркли и Гершон обнажаются на экране и играют в любовь так, что вампирши -лесбиянки издохнут от зависти, а от ухмылки (и не только) МаКлахлена, даже у табуретки проснутся основные инстинкты.

Фильм Верховена такой же яростно яркий, как сам Вегас, отражающий, как мокрый асфальт ночные огни, изнанку американской мечты. Его героини дышат не «духами и туманами», а «ангельской пылью», ввиду имели все препятствия и врежут по яйцам любому, кто встанет у них на пути, а если не дойдет, то вернуться и добавят битой по почкам. В «Стриптизёршах» нет места сладостной лжи, как в «Красотке» или зефирных переживаний, как в добром десятке историй об «отмытой деревенщине», все честно и жестко, местами жестоко, но это Вегас, детка.

Интересные факты:

Единственной сценой, снятой внутри казино Лас-Вегаса, стала самая первая сцена, где Номи играет на игровых автоматах.

Джо Эстерхас придумал имя Номи Малоун (Nomi Malone), соединив вместе прозвище своей жены – Номи (её настоящее имя Наоми) и фамилию Малоун (Malone), посчитав, что она созвучна со словом «одинокий» (alone).

Для съёмок танцевальных сцен Элизабет Беркли работала по шестнадцать часов в сутки на высоких каблуках.

Шарлиз Терон проходила пробы на роль Номи Малоун.

Шэрон Стоун пробовалась на роль Кристал Коннорс.

Джина Гершон отказалась воспроизвести известную сцену с перехлестом ног из «Основного инстинкта» (1992).

Дженни МакКарти проходила пробы на главную роль и практически получила ее, но в самый последний момент выяснилось, что она не умеет танцевать.

Пол Верховен и Джо Эстерхас планировали сделать продолжение фильма, в котором Номи отправлялась в Лос-Анджелес покорять Голливуд.

В отредактированной версии фильма для телевидения Пол Верховен указан в титрах, как Йен Йенсен.

Джо Эстерхас придумал сюжет фильма, находясь на отдыхе на Гавайях. Джо получил $2 миллиона в качестве аванса и еще $1.7 миллиона после того, как завершились съёмки.

Продюсеры хотели, чтобы Мадонна исполнила роль Кристал Коннерс, а Дрю Бэрримор сыграла Номи Малоун.

Впервые в истории премии «Золотая малина» режиссер фильма (Пол Верховен) лично посетил церемонию, чтобы получить награды в категории «Худший режиссер» и «Худший фильм».

После того как фильм провалился в прокате и получил семь «Золотых малин», студия «MGM/UA» попыталась повернуть подобную ситуацию в свою пользу, начав рекламировать фильм, как «культовое кино в полночь»: в газетах Лос-Анджелеса была размещена реклама ночных сеансов, где среди прочего упоминалось, что картина получила семь премий «Золотая малина». Несмотря на нестандартный подход, данная рекламная компания также не увенчалась успехом.

По состоянию на начало 2008 год «Стриптизёрши» удерживают рекорд фильма с рейтингом NC-17, вышедшего в наибольшем количестве кинотеатров – 1388.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Темы родителей, готовых на всё ради своих детей, и глупости американской Фемиды не новы, но они глубоки и достойны быть снова поднятыми. К тому же раскрываются они в этом фильме в полной мере.
История отца, готового на все ради спасения сына, по глупости влипнувшего в грязную историю с наркотиками и доносом, уже с первых кадров задает нужный настрой на мрачное повествование. Во главу угла ставится обличение социальных и бюрократических пороков Америки, поданное под соусом закрученной криминальной интриги. В меню «Стукача» входят: угроза распространения наркотиков, огрехи законодательства, жестокость государственной машины и финансовый кризис.

«Стукач» запоминается зрителю главным образом благодаря своему центральному персонажу. Колоритный актер и рестлер Дуэйн «Скала» Джонсон примерил на себя, кажется, все существующие жанры голливудского кино. Зритель видел его в боевиках, комедиях, фантастическом артхаусе, детских фильмах и даже экранизации компьютерной игры. Теперь у любимца публики дошли руки и до полноценной криминальной драмы. У «Скалы» на удивление правдоподобно получается отыгрывать Джона Мэтьюса, зажатого между наркокартелем и федералами. Его наивный взгляд и искренняя забота о семье заставляют зрителя сопереживать герою. Иными словами, Дуэйн Джонсон справился на «отлично» с не самой типичной для себя ролью. Эта «нетипичность» подчеркивается уже в начале фильма, когда героя Джонсона мутузят несколько хилых гопников, как бы намекая, что тут у нас не кино о бравом супергерое, поигрывающем мускулатурой в отблесках пролетающих мимо пуль. Фактурности герою придают и попытки авторов «Стукача» показать, на что готов пойти любящий отец семейства, загнанный в угол. Так, очень интересно наблюдать не только за попытками Джонсона влиться в ряды преступного сообщества, но и за тем, как его законопослушный персонаж старается перетянуть на «темную сторону» и завязавшего зэка.

Активного действия, характерного для жанра «боевик», в фильме не так уж много, причем в манере его подачи отчетливо чувствуется рука Майкла Манна. Стремительные наезды камер, виртуозное переключение между локальными стычками, каждая перестрелка — как война в миниатюре, поставлено всё очень мастерски. То, что таких сцен оказывается в фильме не много — вина не режиссера, а характера фильма. В творческом взгляде режиссера видно желание не просто показать зрителю голый экшен, а и продемонстрировать проблемы социального, законодательного характера, с которыми можно столкнуться, выйдя на улицу. «Стукач» — это прежде всего драма, а уже потом боевик. Кино, как это не банально и сиропно прозвучит, о искренней любви отца к сыну, о способности пожертвовать собой ради родной крови, о человеке, способном на поступок. И в этом плане кино, безусловно, удалось.

Положительное впечатление от «Стукача» немного скрадывает излишне слащавый финал, где на фоне американского флага торжествует всеобщая справедливость. Суровая жизненная драма как-то незаметно превращается в социальную агитку о вреде наркоторговли. В остальном «Стукач» — это замечательная криминальная драма с запоминающимся главным героем, фильм наверняка придется по вкусу поклонникам жанра.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Высокооплачиваемый циничный адвокат Хэнк Палмер (Дауни-младший), все подзащитные которого, как правило, виновны (что его не смущает), узнает о смерти своей матери. Хэнк едет в свой родной, давно покинутый и ненавистный город в Индиане. Он не был там много лет по причине конфликта с отцом (Роберт Дювалл), местным судьей, честным тружеником закона. Хэнк уже почти успевает с радостью сбежать из родного дома после похорон, но тут отца обвиняют в том, что он сбил насмерть на машине своего бывшего подсудимого. Сын остается защищать отца, который будет этому сопротивляться. Самонадеянный повеса начинает разрываться между отвращением к своему родителю, с которым они не разговаривали много лет, долгом сына, обязанностями адвоката-профессионала и простым человеческим состраданием.

Если бы это кино снял Стивен Спилберг, мы бы с вами могли уже не гадать, кто получит «Оскар» в этом году. Но режиссером «Судьи» как назло оказался молодой по меркам Голливуда Дэвид Добкин, режиссер серии комедий с Оуэном Уилсоном и Винсом Воном, который так и не смог сделать хоть сколько-нибудь заметное для ценителей хорошего кино. Взяв в свои руки не только Дауни Младшего, но и мастодонта актерской сцены семидесятых Роберта Дювалла, который навсегда останется одним из лучших украшений любой качественной драмы, Добкин снял очень хорошее, но слишком уж явно потакающее зрительскому запросу кино.

Дэвид Добкин снимает свою первую большую драму так, как будто второй попытки у него не будет. Его 142-минутный фильм хочет быть слушанием сразу обо всем на свете. Здесь и отец против сына, и малая родина против больших городов, и тщеславие против мудрости, и справедливость против милосердия, и идеализм против эффективности, и загубленные амбиции одного брата против триумфа другого. И даже некая невидимая битва добра против зла, неожиданно обозначенная в самой последней реплике главного героя. Жюри присяжных подобрано совершенно бесстыжим образом: брат-инвалид и брат, который почти инвалид; любовь детства и могила матери; трогательная маленькая дочь и новообретенная взрослая дочь, и так далее. Желая выстрелить по всем оскаровским мишеням сразу, авторы добавляют сюда еще и рак, домашние пленки про детство героев, походы на кладбище, рыбалку на озере, прогулки на велосипедах, а кульминационной делают сцену урагана.

«Судья», словно достопочтенный «Форрест Гамп», с самого начала начинает апеллировать к самым простым и банальным приемам, которые обязательно растопят совсем даже не каменное сердце простого обывателя. Тут у нас стандартный набор: обязательно как можно более мелодраматично изображенное примирение отца и сына, которые много лет были слепы друг к другу; намеки на неидеальность любой, даже самой демократической судебной системы; местами интригующий, можно даже сказать, что детективный сюжет. И обязательный эпизод теплого воссоединения перед финальными титрами, который заставит зрителей утирать слезы по дороге к выходу из зала. Не могу сказать, что это плохо, ведь подобные ленты действительно чаще всего снимаются под определенную аудиторию, которая хочет не каких-то новых эмоций и невиданного зрительского опыта, а чтобы «кино душевное было, пробирало до костей». И с этой задачей «Судья» справляется просто идеально.

«Судья» — в первую очередь история об отце и сыне, о скелетах в шкафу, о том, что взаимопонимания даже между близкими людьми достигнуть очень сложно, а прийти оно может слишком поздно. О том, что у каждого своя правда, и о том, что каждый не прав. Эта история трогает, ведь она универсальна. Но «Судья» — это еще и юридическая драма, в которой авторы задаются вопросом: всегда ли строгое соблюдение требований закона — правильный выбор.

Из актерского состава режиссер смог вытянуть требуемый накал страстей, но не более того. Да, Дауни Младший здесь не так очевидно похож на свои роли последних лет, но сказать, что он выдает на экране что-то хотя бы на уровне своего «Чаплина» нельзя. Возможно, фильм может стать одной из первых ласточек в импровизированном перезапуске его карьеры и перехода из героя блокбастеров в участника более авторских киноработ, но пока все остается несколько слабовато и банально. Ну а Дювалл все такой же гениальный старик, от одного взгляда которого уже хочется кидать в экран очередным «Оскаром».

Этот фильм взваливает на себя слишком много всего, чтобы его можно было судить по какой-то отдельной статье. Процедурное кино получалось лучше у Сидни Люмета; честная провинция убедительнее побеждала каменные джунгли у Ридли Скотта, а семейные шкафы со скелетами лучше оставить драматургам-мародерам вроде Трейси Леттса. С другой стороны, с такими персонами, как Дауни-младший, Дювалл, Д'Онофрио и Билли Боб Торнтон (в короткой роли великого инквизитора), «Судья» все равно очарует присяжных в зале.

Интересные факты:

Этот фильм является первым релизом от «Team Downey» – продакшн-компании Роберта Дауни мл. и его жены Сьюзан Дауни.

Януш Камински практически весь фильм снял на пленку, отказавшись от «цифры» в пользу классической картинки, полной света и теплых цветов.

Джек Николсон и Томми Ли Джонс рассматривались на роль, которая в итоге досталась Роберту Дюваллу.

Нигде в Америке съемочной группе не удалось найти зал суда, который можно было бы занять на три недели для работы над фильмом, поэтому декорации пришлось строить на огромном пустом складе в городе Норвуд, штат Массачусетс, США.

В день похорон матери главного героя, когда семья собирается за столом в закусочной, один из братьев говорит, что они завтракали в этом месте каждую субботу в течение 35 лет. Позже, когда Хэнк вламывается в такую же закусочную, снаружи на здании можно заметить табличку «Established 1996» (Основано в 1996 году).

В фильме на всех автомобилях из Индианы регистрационный номер расположен на переднем бампере. На самом деле в штате Индиана такое расположение номеров не используется.

Судья говорит обвиняемому пойти в Индианаполис в начале августа, чтобы увидеть крупнейшего в мире быка. На самом деле на проходящей в этом городе ярмарке штата можно увидеть не быка, а самую крупную в мире свинью.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Охотник Оттуэй (Лиам Нисон), потерявший жену, забрался подальше от людей — на Аляску, очевидно ища просто тихой, одинокой смерти от выстрела в рот. Но именно ему придётся повести за собой группу выживших, разбившихся с ним в самолёте, и противостоять волкам с которыми его роднит больше, чем с людьми. Оттуэй не изгой, но после смерти близкого человека жизнь покинула его, превратившись в тягостное существование, и ему оставалось только нажать на курок оружия, которым он и зарабатывал себе на эту «жизнь». Но если желание «существовать» победило стремление свести с собой счёты, то последующая катастрофа дала ему шанс ответить на вопрос: «Был ли он достоин этого подарка судьбы — не погибнуть сразу?».

Для режиссёра Джо Карнахана лента не типичная — создателя стильных, но немного рассеянных «Козырных тузов» и лёгенькой «Команды А» сложно заподозрить в драматическом жанре, но именно драмой «Схватка» и оказывается. Конечно, персонажи фильма борются за свою жизнь, но в итоге, то, как эта жизнь оканчивается Карнахана интересует больше процесса борьбы — до такой степени, что финал «Схватки» немного ожидаем. Герой Нисона складывает вещи и встречает ту самую последнюю битву, потому что весь его (и остальных выживших) путь был подготовкой к этому моменту. В начале фильма охотник смотрит, как умирает раненный волк, затем говорит с раненым — уже человеком — пока того не накроет смерть, только вот его, кроме него самого, к смерти никто не подготовит.

Повторное сотрудничество Лиама Нисона с Джо Карнаханом позволило перенести на экран человеческие жизни на просторах замёрзшей Аляски, где дикая природа диктует свои правила выживания. Цена человеческой жизни падает, когда ты не вооружён, и противостоишь не очень приветливым хозяевам этой снежной пустоши. Там нет сильных духом или слабохарактерных простаков, там все равны, там они просто добыча или враг, которому суждено умереть. Не стоит скрывать свой панический страх перед сверкающими в темноте глазами хищника, перед своими товарищами, угодившими в ту же ловушку, можешь только благодарить Всевышнего за право жить дальше и надеяться, что эти волки, охотящиеся или защищающие своё логово, не растерзают тебя и помощь подоспеет раньше. Твоё сознание охотника теперь трансформировалось перед грядущей опасностью в обычный инстинкт самосохранения, и нечего уже хвалиться своей бесноватой жизнью на Большой Земле, так как в этой мерзлоте твоё Прошлое не имеет никакого значения в этом Настоящем, в этом ледяном Аду.

Сценарист Иен Джефферс, известный ранее только по фильму «Смертный приговор» 2008 года, также своего рода бросает вызов Богу. Диалоги его героев полны требований доказательств Чуда нуждающихся в выживании людей. Уставшие от постоянного бегства, они уже перестают верить, а любовь близких позволяет им гибнуть со спокойным сердцем. Создатели «Схватки» не дали шансов даже самому подготовленному человеку справиться с надвигающейся угрозой, оставив зрителя наедине со Смертью. Но благодаря атмосферному пессимизму (в стиле «Десяти негритят») фильм только выигрывает, а разговорные паузы терпящих бедствие о скорой неминуемой гибели только позволяет оценить хорошо проведённую работу режиссёра Джо Карнахана с немногочисленным актёрским составом.

«Схватка» цепляет на всём своём протяжении и делает это даже лучше «брата по тематике» — фильма «На грани». Это более жестокое кино, гораздо реалистичнее (хотя патроны, насаженные на палки — это очень уж странно), и да, его очень хочется назвать чисто мужским, но это было бы слишком обманчиво. Сцены с нападениями волков здесь всегда быстрые и совершенно не боевые. Вот пришёл волчок, вот пришли его друзья, вот и не стало человека. Звери здесь, как и природа неумолимы, а выделяется среди них лишь альфа-самец, и то в финале. То же применимо и к людской составляющей сюжета. Многие персонажи в итоге, более или менее раскроются, но «Схватка» больше всего следит за главным героем. И вполне заслуженно. Для Лиама Нисона персонаж Оттуэя стал очень личным (думаю, многим понятно, почему), оттого и исполнение очень естественно. По сути, актёра ни разу нельзя уличить в чтении сценария, каких-то реплик. Герой получился очень живым, скупым на проявления эмоций внешних, но полным ими внутри себя. Несомненно, и коммерческий успех, и общий уровень «Схватки» во многом обязаны именно Нисону. Браво! Достойное «этапное» кино в карьере британца, универсальность которого позволила поучаствовать в почти ста ролях за сорок лет.

Техническая составляющая получилась как минимум, впечатляющей. Конечно, видно, что волки по большей части компьютерные, но в динамике звери смотрелись вполне естественно и искусственность совершенно не отвлекала от фильма (обратное можно было наблюдать в схожем фильме «Я — легенда»). Сложно придираться к декорациям, когда декорация — живой лес. Природа здесь выглядит и красиво, но совершенно не прилизанно с помощью технологий. Единственный минус, который можно предъявить к сопровождению фильма — саундтрек. Композитор Марк Стрейтенфелд (приведенный продюсером Ридли Скоттом, не иначе) — не мастер создавать запоминающуюся музыку. Видимо, зная это, он активно берёт у других композиторов — у Девида Джулиана или из «Инка», например. Тем не менее, музыка ложится на фильм почти идеально. С другой стороны, для грядущего «Прометея» хотелось бы более приятной музыкальной судьбы.

Сначала казалось, что основной проблемой затерявшихся в снежной глуши бедолаг станут исключительно волки, и, соответственно, погибать они будут строго по расписанию, как в самых предсказуемых хоррорах — данное пришло в голову после первого нападения на персонажа караулившего ночью у костра и отошедшего в уголок справить нужду, для того чтобы после оказаться в пасти у зверя — ведь это так типично. Но авторы пошли по более интересному пути и убирали пешек с шахматной доски весьма эффектными и разнообразными способами. Кому-то будет суждено быть разодранным волчьими клыками, кому-то — упасть с высокой горы, кому-то — утонуть в холодной реке, а кому-то — просто умереть от нехватки кислорода. И некоторые решения, кстати, получились неожиданно трогательными и даже душераздирающими. Особенно это касается сцены, в которой один из героев садится на берегу зимней речушки и заявляет друзьям, что дальше уже не пойдет. Во-первых у него уже практически нет сил и ужасно болит нога сломанная после падения с высокого дерева, ну а во-вторых — вся его жизнь — это ежедневное бурение на скважинах и вечерние попойки в дешевых пабах, а тут, стоит только оглянуться и такая красота вокруг!.. На экране разворачиваются довольно-таки напряженные ситуации позволяющие нам вместе с героями — бродить сквозь снежную бурю по бескрайним белым полям, трястись от каждого шороха подле разведенного посреди леса костра, пробираться по тонкому канату на другую сторону через глубокий обрыв и упасть в невыносимо холодную реку с сильным течением, которая будет со скоростью света тащить нас неведомо куда. Приключения и правда выдались невероятно увлекательными и захватывающими!.. Которые, кстати, начинаются с безумно реалистично заснятого крушения самолета! Авторам удалось добиться того, чтобы во время катастрофы зритель практически на все сто процентов ощутил себя на месте пассажиров и испытал на себе весь ужас творящийся внутри воздушного судна! И все это создается благодаря потрясающему звуку, операторской работы и невероятно виртуозного монтажа.

Оператор бросает камеру в самую гущу событий и выбирает неописуемо потрясающие ракурсы — чего только стоит сцена на реке, где благодаря виртуозной операторской работе Масанобу Такаянаги, мы буквально на себе ощущаем роковое падение героя и после — резкое погружение в ледяную воду. Хотелось бы отметить и великолепные планы живописной природы Аляски, чьи бескрайние снежные пустыни, леса и поля буквально поражают воображение и дарят неподдельное эстетическое удовольствие — безумно красиво! Так же, очень интересно было слушать разговоры Оттуэя относительно природы волков, ведь оказавшись на чужой территории группа выживших тоже представляет из себя стаю, которая должна сплотиться чтобы выжить в этих сложных и диких условиях. У них тоже есть свой альфа-самец, который в определенный момент не позволит кому-то сделать глупость тем самым поставив жизнь стаи под угрозу.

Роль Оттуэя подошла Лиаму Нисону как влитая — его амплуа сильного, мудрого и рассудительного мужика со стержнем вызывает к себе уважение и заставляет им восхищаться. И если в начале мы видим несколько потерянного человека живущего своими воспоминаниями и находящегося на грани самоубийства, то попав в опасную ситуацию мы становимся свидетелями того, как этот человек делает все возможное, чтобы помочь себе и своим друзьям по несчастью, выжить. Пускай характер его героя лишь обозначается — решительных действий и храбрых поступков здесь вполне достаточно для того, чтобы воспринимать Оттуэя как полноценного и стабильного персонажа. Прекрасно сыгранная главная роль, показавшая, что актёр к 59 годам совсем не теряет формы и своим появлением в будущих проектах только усилит интерес с ним.

Схватка с самим собой, борьба со Страхом, а волки только для ужесточения экранного зрелища - вот первое мнение после просмотра. Противостояние своим кошмарным иллюзиям, одиночеству, потере родного человека, в котором, несмотря на финал, герой Лиама Нисона всё равно вышел победителем.

«Схватка» явила собой то, чего от нее пожалуй никто не ожидал. А именно многогранный, с отчетливой помесью притчи и драмы, непричесанный, грубый триллер, который достигает своей цели исключительно пещерными методами, то есть наломав не мало дров. Крепкое жанровое кино с постоянным накалом напряжения. А пронзительный, глубоко западающий в душу финал отчетливо демонстрирует нам то, что перед нами по настоящему сильный фильм.


Интересные факты:

Первоначально главный герой фильма должен был быть значительно моложе. На эту роль был приглашен Брэдли Купер, который затем выбыл из проекта и был заменён на Лиама Нисона.

Несмотря на то что действие фильма происходит на Аляске, съёмки полностью проходили южнее, на территории канадской провинции Британская Колумбия.

Во время съёмок в окрестностях небольшого городка Смитерс режиссер Джо Карнахан заказал у местного 67-летнего охотника-траппера Дика МакДайармида четырёх убитых волков. Два из них пошли на чучела собственно для съёмок фильма, а два были съедены актёрами и членами съёмочной группы. По словам режиссера, это было сделано для того, чтобы лучше вжиться в образ. Внешность охотника понравилась специалистам по кастингу, и вдобавок он также получил небольшую роль-камео в баре в самом начале фильма.

Релиз фильма вызвал громкие протесты у американских общественных организаций по защите животных. Крайне недовольные и возмущённые кровожадным изображением волков в фильме организации PETA и Wild Earth Guardians призывали к полному бойкоту картины.

Премьерный показ фильма состоялся 11 января 2012 года в кинотеатре Regal Cinemas в Лос-Анджелесе.

Английское слово «Grey» означает серый цвет, седина и тому подобное, но никак не «Схватка». Есть предположение, что охотники помечают на карте серым цветом места обитания волков. Не случайно во Франции фильм вышел с более подходящим названием «Территория волков».

Описание (клик - развернуть/свернуть):
«Это основано на наблюдениях. Это основано на людях, которых я встречал, которых знал, с которыми я разговаривал. С ворами, копами, киллерами — и всех я уважаю.
На этом основано содержание фильма» — Майкл Манн.

У них много общего. Вероятно, общего у них даже больше, чем отличий. Однако они все же стоят по разные стороны закона. Для одного закон — черта за которой начинается его работа. Для другого — сама жизнь за чертой. Оба умны, работоспособны, уважаемы среди своих и глубоко одиноки.

Аль Пачино играет полицейского. Роберт Де Ниро матёрого преступника, чья банда бесследно исчезает после дерзких ограблений. Первый неистово хочет переловить всех преступников особенно такого.. Второй - хочет завершить последнее, «большое дело» потому что его посетило чувство что пора завязать, остепенится, и единственное что его может остановить — настигающая Жара за спиной..

Из многих фильмов идеализирующих преступников, этот все таки выделяется и актёрской игрой и желанием режиссёра отойти от просто саспенса и пуль. Здесь присутствует один из редких сюжетов в кино, когда две противоборствующие стороны относительно положительны и симпатичны зрителю. Мы болеем за каждого главного героя, они хороши в своем деле, преданы коллективам, любят близких. При их грешной репутации, что у матерых преступников, что у проженных копов, — в них еще не стерты элементарные человеческие качества.

Сценарий фильма как магнитом притянул ряд легендарных актеров, включая один из самых замечательных дуэтов в истории кино - Аль Пачино и Роберт де Ниро, которые согласились исполнить роли сразу после его прочтения. Эти люди — подтверждение тому, что есть роли, которые будто написаны только для конкретного человека. Так и здесь: нервозное настроение, агрессия и полное погружение в мир преступности лучше Аль Пачино никто сыграть бы не смог. Сосредоточенность, хладнокровность грабителя точно передана Робертом де Ниро. И наконец, самый сентиментальный, но опасный игрок — это Вэл Килмер.

Игра двух главных актёров на удивление гармонична. Оба взяли своё. На протяжении фильма замечаешь как они невольно симпатизируют друг другу как два разных но совершенных направлений воли, связанные одним чувством — проверить себя до конца у границы называемой законом. Удачным для фильма стала встреча двух главных героев и последующий затем их разговор в кафе. Где еще можно встретить такой сюжет, когда двое сильных мужчин, два заклятых врага перед предстоящим боем, в котором обязан быть только один победитель, сидят вот так просто за столом и беседуют о жизни. Каждый из них знает цену соперника и уважает его, они негласно назначают поединок, дата которого пока им неизвестна.

Аль Пачино с его горящими угольно-черными глазами, резкими движениями, криками и богатой мимикой более экспрессивен. Он горит, как бензин, как живой огонь, его ведет вперед ярость и злость. Де Ниро более сдержан, но взгляните, как он вешает трубку, как принимает решения, как расправляется с врагом, — он как сжатая пружина, сколько в нем силы и воли! Более достойных противников подобрать невозможно. Аплодисменты стоя.

Очень хорошо, что большое внимание уделено второстепенным персонажам — негру из забегаловки, герою Вэла Килмера, дочери жены героя Аль Пачино, самой жене героя Аль Пачино, подруге героя Роберта Де Ниро и т. п. Это как бы отображает, что все, что мы делаем, не проходит бесследно для окружающих, тем более, если они как то с нами связаны. Т. е. Майкл Манн в казалось бы, обычном боевике поместил столько эмоций, столько смысла, что после просмотра еще несколько дней думаешь о фильме, вспоминаешь героев, представляешь, что с ними дальше будет…

Отдельной темой является Майкл Манн. Тот факт, что он одновременно был главным режиссером и сценаристом доказывает, что человек полностью посвятил себя созданию фильма, вложил в него всю душу и сердце. Казалось бы, в таком жанре как детектив уже не осталось не проверенных путей, но все же Манн смог таки удивить зрителя, смог продемонстрировать ему что-то новое. Именно в «Схватке» видна профессиональная робота режиссера: он буквально проработал весь фильм до самых мелких частичек.

Майкл Манн специально сохраняет нейтралитет, не отдавая предпочтение ни одной из сторон. Режиссер даже подчеркивает сходство непримиримых противников: оба руководят слаженными командами, оба одинаково честно решают свои профессиональные и личные проблемы, даже думают они одинаково, ведь «чтобы поймать вора, нужно думать как он». Наконец, оба живут по законам своего мира, только мир у них разный. Идея режиссера — показать, как похожие по личным качествам люди вынуждены выступать по разные стороны баррикад, вынуждены друг друга убивать не по своей воле, а потому что жизнь так сложилась и потому что ничего другого они не умеют. В этом весь драматизм и вся сила «Схватки». И исключительно символично выглядит искреннее прощальное рукопожатие полицейского и преступника!

«Схватка» — это сага. На фоне сюжета о «плохих парнях», которые грабят банки и инкассаторские машины, и «хороших парнях», которые пытаются их поймать, разворачивается повествование о типе личности преступника, о дисциплине и правилах криминальной жизни. Одно из таких правил: «Хочешь делать дела на улице, не имей привязанностей, не имей ничего, от чего не сможешь отказаться за 30 секунд, если почувствуешь за углом погоню». И в то же время, как будто опровергая данный принцип, нам показывают, как глубоки корни и связи, держащие бандитов, как близки они к тому, что ментально отдаляет их от кочевой жизни — их семьи. У Майкла — жена и две дочери, у Криса — жена и маленький сын, и только Нил, человек старой закалки, живущий по собственному принципу, сторонится иллюзорной атрибутики законопослушной жизни. Он знает, что завтра, послезавтра или через месяц ему уходить, так зачем привыкать?

Но сидя в ресторане с друзьями, видя счастливые лица их жен и детей, он ощущает неполноценность своего положения, и потому выходит из зала, набирает номер и говорит: «Это не было свидание на одну ночь. Можно мне приехать?». Мы помним женщин, которые обычно сопровождают бандитов, женщин из их среды — проституток, танцовщиц, — которые, даже будучи облагорожены деньгами, носят на себе и в себе отпечаток порока и продажности. Здесь нет таких женщин. Жены Майкла и Криса порядочны, это матери, которые жаждут стабильности и безопасности для своих детей, а девушка, с которой Нил знакомится в библиотеке и проводит ночь — достойная женщина, способная на заботу и преданность. Почему Манн показывает нам таких женщин? Чтобы продемонстрировать, что этим самым гангстерам есть что терять, есть кого терять, и эти кто-то — повод однажды завязать с криминальной жизнью, сохранить то дорогое, что создано и еще не разрушено. Нил проходит этот путь осознания — «Мне нет смысла уезжать, если я буду один».

Другие принципы — всегда прикрывать спину друга, помогать, спасать и тащить на себе, если он ранен в перестрелке, мстить предателю — все эти принципы есть, и они спокойно, без пафоса и дешевого кича показаны в «Схватке». Это друзья. Уже немолодые люди, которые всегда работают и отдыхают вместе. Это красиво.

Бандиты и полицейские в «Схватке» намеренно показаны с одного ракурса, чтобы зритель увидел, как похожи одни на других. Копы тоже команда и друзья, у них тоже есть жены и дети. Они тоже сильны, у них крутой, смелый лидер, но Майкл Манн, номинально сохраняя объективность, на деле явно отдает свои симпатии бандитам. Они и прописаны лучше, и показаны с любовью, и воспеты в финале громче и трагичнее.

И все же лейтенант убойного отдела Винсент Ханна интересен Манну. Он — стоя по другую сторону закона, является зеркальным отражением МакКоли; сила воли, стойкость и одержимость работой роднит их, делая братьями по мировоззрению, но врагами в области морали. Оба — охотники, оба способны на полную самоотверженность и движение до самого конца; близость их натур, а отсюда — невольное взаимное уважение показаны в великолепной сцене их встречи в кафе.

Вызывает уважение и восхищение исключительная реалистичность «Схватки», достигнутая трудом большого числа профессионалов своего дела. Режиссер уделил очень много времени деталям, ведь только так можно было добиться полной достоверности и правдивости. Свою роль сыграли и советы многочисленных консультантов из числа полицейских и «отсидевших» преступников, и 3-х месячные тренировки актеров на полигоне с применением боевых патронов и реальной тактики боя, и совместные с полицией выезды на реальные места преступлений, и посещение известной тюрьмы Фолсом, и участие в съёмках фильма настоящих экспертов-криминалистов. К тому же фильм вместе с оператором Данте Спинотти предлагает настоящую экскурсию по Лос-Анжелесу, ведь «Схватка» была полностью снята на улицах этого мегаполиса без использования декораций, павильонов и выдуманных локаций.

При всей своей глубине и драматичности, «Схватка» остаётся полноценным боевиком. Помноженные на реалистичность, сцены действия «Схватки» производят неизгладимый эффект. Налёт на инкассаторов и ограбление банка с последующей перестрелкой в центре города стали эталонными для всех последующих за творением Манна криминальных боевиков. Слова, действия преступников, ответная реакция полиции — придраться абсолютно не к чему, так всё реально, грамотно и четко. Для эффекта присутствия в сцене уличного боя с полицией Манн даже оставил оригинальный звук выстрелов, оглушительным эхом разносящийся среди небоскрёбов. Во все сцены экшен «Схватки» веришь без тени сомнения, даже если четверо противостоят тридцати, даже если один остаётся против всех. Здесь побеждает не сильнейший, а его Величество Случай, о чем говорит последний эпизод картины. И только настоящий джентльмен признает собственное поражение, с уважением принимая противника.

Саундтрек «Схватки» создавался композитором Эллиотом Гонденталем во многом путём экспериментов. В итоге мелодии получились авангардными, мрачными, временами депрессивными, но временами мощными. Едва заметная вначале, музыка «Схватки» постепенно начинает заполнять уши и голову зрителя, всё больше погружая в драматическую историю, разворачивающуюся на экране. Саундтрек дополняют динамичные барабанные ритмы и скрипичные трели The Kronos Quartet. И особняком стоят две сильные композиции Moby, идеально подошедшие стилю «Схватки».

За холодные светло-синие оттенки, которыми насыщена картинка, стоит выразить огромную благодарность оператору Данте Спинотти. С помощью таких красок, оператор создал какую-то свою некую атмосферу в Городе Ангелов. Словно в этом городе царствуют только одиночество и меланхолия, которые помогают в раскрытии характера главных героев. Мы наблюдаем за всем окружающим вместе с ними, мы начинаем воспринимать всё происходящее как они. Полностью погружаемся в кино и чувствуем их реальность. Там, где теме нужен обзор — камера будет кружиться на 360 градусов или просто показывать панораму. Там, где в теме нужно что-то выделить — там камера будет идти за целью, при этом не теряя (с помощью монтажа) общего фона. А эти ночные полеты над Лос-Анджелесом - красотища неописуемая!

Одним словом, «Схватка» — это глубина, многогранность и многослойность, это настоящая мощь и эстетическая красота, сведённые воедино. С другой стороны, это неповторимый стиль и высокий уровень. Наконец, «Схватка» — это борьба и чувства, это просто жизнь.

Интересные факты:

"Жара", "Погоня" - варианты перевода английского слова "Heat".

В одном из интервью, посвященных выходу «Крепости» (1983), Майкл Манн заявил, что хотел бы сделать «Схватку» (сценарий которой уже был написан), однако он не был заинтересован в постановке фильма.

Для съёмок не было построено ни одной декорации. Весь фильм снимался на натуре в Лос-Анджелесе.

Разговор Де Ниро и Пачино снимался в ресторане «Kate Mantilini» на бульваре Уилшир в Беверли Хиллз.

Сцена в баре, где впервые встречаются Нил и Иди, практически идентична сцене знакомства главного отрицательного персонажа и его девушки в минисериале «Нарковойны» (1990), продюсером которого был Майкл Манн.

Сцена, где Винсент застает свою жену с любовником, забирает телевизор и позднее выбрасывает его из машины, практически идентична сцене с Дэннисом Фариной в сериале «Криминальная история» (1986), продюсером которого был Майкл Манн.

В фильме сыграли два актера, ранее исполнившие роли серийных убийц в картинах о Ганнибале Лекторе. Тед Ливайн сыграл детектива Боско в «Схватке» и Буффало Билла в «Молчании ягнят» (1991). Том Нунан сыграл Келсо в «Схватке» и Фрэнсиса Доллархайда в «Охотнике на людей» (1986), режиссером которого был Майкл Манн.

В своё время на канале «NBC» была показана порезанная версия фильма. После того как Майкл Манн отрекся от данной версии, «NBC» заверили его, что при следующих показах фильм будет идти в своей театральной версии, однако Манн заявил, что «вы можете делать с фильмом, что захотите, но только измените имя режиссера на Майкла Смити или Алана Манна».

В фильме можно найти много схожего с «Вором» (1981) Майкла Манна.

Майкл Манн снял данную картину как дань уважения своему другу-полицейскому в Чикаго, который выследил и убил вора по имени Нил МакКоули.

Актеры, участвовавшие в сцене ограбления банка, прошли специальный курс тренировок по обращению со стрелковым оружием под руководством Энди МакНаба, бывшего сержанта британской специальной воздушно-десантной службы.

В нескольких сценах можно заметить, как лейтенант Ханна проверяет патронник своего пистолета. Это – отличительная черта Ника Стоуна, главного героя нескольких романов Энди МакНаба, присутствующего на съёмках «Схватки» в качестве консультанта. Хотя в действиях лейтенанта Ханны нет ничего удивительного, но такое внимание к мелочам крайне редко встречается в художественных фильмах. Также отход грабителей из банка очень сильно напоминает тактику, описанную в книге МакНаба «Команда «Два-Ноль», по которой был поставлен фильм с одноименным названием в 1999 году.

В трейлере фильма МакКоули говорит доктору: «Я удвою худшую проблему, которую ты когда-либо видел». Одна из удаленных сцен объясняет данный момент более подробно: доктор хотел получить $30,000 вместо стандартных $15,000, т.к. Нила и Криса разыскивала полиция. Нил соглашался, но предупреждал доктора, что если Крис умрет, он разыщет его и убьёт.

Фраза Винсента «Да потому что у неё офигенная задница!» является импровизацией Аль Пачино. Поэтому удивление Хэнка Азарии в кадре подлинное.

Персонаж Кевина Гейджа, Уэнгро, основан на настоящем бандите из Чикаго по имени Уэнгро, который заложил несколько влиятельных чикагских криминальных боссов. По словам Майкла Манна, Уэнгро долго числился пропавшим без вести, но потом его тело было обнаружено в Нью Мексике, прибитое к стене ангара.

Актер Кевин Гейдж, исполнивший роль Уэнгро (изгнанный подельник МакКоули, и по совместительству - серийный маньяк-убийца) отбыл тюремный срок за разведение марихуаны с 2003 по 2005 год.

Изначально Джон Войт отклонил предложение сыграть Нэйта, заявив, что он знает несколько актеров, которые лучше него подойдут на данную роль.

Эми Бреннеман очень не понравился сценарий из-за насилия и аморальности. Узнав об этом, Майкл Манн сказал ей, что с таким отношением к персонажам картины она идеально подойдет на роль Иди.

Аль Пачино и Роберт Де Ниро были первоначальным выбором Майкла Манна на главные роли.

Дэннис Фарина, бывший чикагский полицейский, был одним из консультантов на съёмочной площадке.

«Схватка» стала первым фильмом, где в одном кадре находятся вместе Роберт Де Ниро и Аль Пачино. До этого актеры играли в одном и том же фильме – «Крестный отец 2» (1974) – но у них не было совместных сцен.

Изначально Кеану Ривз должен был сыграть Криса.

Пистолет Винсента - Colt Officer's Model in 45.

Пистолет Нила - Sig P220.

В одной из сцен фильма Нил говорит о самолете под регистрационным номером N1011S. По информации Федерального авиационного управления США, самолет под таким номером был зарегистрирован в 2000 году.

Вэл Килмер одновременно снимался в данном фильме и в «Бэтмане навсегда» (1995).

Сцена уличной перестрелки (после неудачного ограбления банка) снималась 4 дня, и началась 24 марта - «День матери». Матери и дети, заполонившие летние площадки на одном из центральных бульваров Лос-Анжелеса были удивлены происходящим вокруг, и не сразу поняли, что идут съемки.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
«Это основано на наблюдениях. Это основано на людях, которых я встречал, которых знал, с которыми я разговаривал. С ворами, копами, киллерами — и всех я уважаю.
На этом основано содержание фильма» — Майкл Манн.

У них много общего. Вероятно, общего у них даже больше, чем отличий. Однако они все же стоят по разные стороны закона. Для одного закон — черта за которой начинается его работа. Для другого — сама жизнь за чертой. Оба умны, работоспособны, уважаемы среди своих и глубоко одиноки.

Аль Пачино играет полицейского. Роберт Де Ниро матёрого преступника, чья банда бесследно исчезает после дерзких ограблений. Первый неистово хочет переловить всех преступников особенно такого.. Второй - хочет завершить последнее, «большое дело» потому что его посетило чувство что пора завязать, остепенится, и единственное что его может остановить — настигающая Жара за спиной..

Из многих фильмов идеализирующих преступников, этот все таки выделяется и актёрской игрой и желанием режиссёра отойти от просто саспенса и пуль. Здесь присутствует один из редких сюжетов в кино, когда две противоборствующие стороны относительно положительны и симпатичны зрителю. Мы болеем за каждого главного героя, они хороши в своем деле, преданы коллективам, любят близких. При их грешной репутации, что у матерых преступников, что у проженных копов, — в них еще не стерты элементарные человеческие качества.

Сценарий фильма как магнитом притянул ряд легендарных актеров, включая один из самых замечательных дуэтов в истории кино - Аль Пачино и Роберт де Ниро, которые согласились исполнить роли сразу после его прочтения. Эти люди — подтверждение тому, что есть роли, которые будто написаны только для конкретного человека. Так и здесь: нервозное настроение, агрессия и полное погружение в мир преступности лучше Аль Пачино никто сыграть бы не смог. Сосредоточенность, хладнокровность грабителя точно передана Робертом де Ниро. И наконец, самый сентиментальный, но опасный игрок — это Вэл Килмер.

Игра двух главных актёров на удивление гармонична. Оба взяли своё. На протяжении фильма замечаешь как они невольно симпатизируют друг другу как два разных но совершенных направлений воли, связанные одним чувством — проверить себя до конца у границы называемой законом. Удачным для фильма стала встреча двух главных героев и последующий затем их разговор в кафе. Где еще можно встретить такой сюжет, когда двое сильных мужчин, два заклятых врага перед предстоящим боем, в котором обязан быть только один победитель, сидят вот так просто за столом и беседуют о жизни. Каждый из них знает цену соперника и уважает его, они негласно назначают поединок, дата которого пока им неизвестна.

Аль Пачино с его горящими угольно-черными глазами, резкими движениями, криками и богатой мимикой более экспрессивен. Он горит, как бензин, как живой огонь, его ведет вперед ярость и злость. Де Ниро более сдержан, но взгляните, как он вешает трубку, как принимает решения, как расправляется с врагом, — он как сжатая пружина, сколько в нем силы и воли! Более достойных противников подобрать невозможно. Аплодисменты стоя.

Очень хорошо, что большое внимание уделено второстепенным персонажам — негру из забегаловки, герою Вэла Килмера, дочери жены героя Аль Пачино, самой жене героя Аль Пачино, подруге героя Роберта Де Ниро и т. п. Это как бы отображает, что все, что мы делаем, не проходит бесследно для окружающих, тем более, если они как то с нами связаны. Т. е. Майкл Манн в казалось бы, обычном боевике поместил столько эмоций, столько смысла, что после просмотра еще несколько дней думаешь о фильме, вспоминаешь героев, представляешь, что с ними дальше будет…

Отдельной темой является Майкл Манн. Тот факт, что он одновременно был главным режиссером и сценаристом доказывает, что человек полностью посвятил себя созданию фильма, вложил в него всю душу и сердце. Казалось бы, в таком жанре как детектив уже не осталось не проверенных путей, но все же Манн смог таки удивить зрителя, смог продемонстрировать ему что-то новое. Именно в «Схватке» видна профессиональная робота режиссера: он буквально проработал весь фильм до самых мелких частичек.

Майкл Манн специально сохраняет нейтралитет, не отдавая предпочтение ни одной из сторон. Режиссер даже подчеркивает сходство непримиримых противников: оба руководят слаженными командами, оба одинаково честно решают свои профессиональные и личные проблемы, даже думают они одинаково, ведь «чтобы поймать вора, нужно думать как он». Наконец, оба живут по законам своего мира, только мир у них разный. Идея режиссера — показать, как похожие по личным качествам люди вынуждены выступать по разные стороны баррикад, вынуждены друг друга убивать не по своей воле, а потому что жизнь так сложилась и потому что ничего другого они не умеют. В этом весь драматизм и вся сила «Схватки». И исключительно символично выглядит искреннее прощальное рукопожатие полицейского и преступника!

«Схватка» — это сага. На фоне сюжета о «плохих парнях», которые грабят банки и инкассаторские машины, и «хороших парнях», которые пытаются их поймать, разворачивается повествование о типе личности преступника, о дисциплине и правилах криминальной жизни. Одно из таких правил: «Хочешь делать дела на улице, не имей привязанностей, не имей ничего, от чего не сможешь отказаться за 30 секунд, если почувствуешь за углом погоню». И в то же время, как будто опровергая данный принцип, нам показывают, как глубоки корни и связи, держащие бандитов, как близки они к тому, что ментально отдаляет их от кочевой жизни — их семьи. У Майкла — жена и две дочери, у Криса — жена и маленький сын, и только Нил, человек старой закалки, живущий по собственному принципу, сторонится иллюзорной атрибутики законопослушной жизни. Он знает, что завтра, послезавтра или через месяц ему уходить, так зачем привыкать?

Но сидя в ресторане с друзьями, видя счастливые лица их жен и детей, он ощущает неполноценность своего положения, и потому выходит из зала, набирает номер и говорит: «Это не было свидание на одну ночь. Можно мне приехать?». Мы помним женщин, которые обычно сопровождают бандитов, женщин из их среды — проституток, танцовщиц, — которые, даже будучи облагорожены деньгами, носят на себе и в себе отпечаток порока и продажности. Здесь нет таких женщин. Жены Майкла и Криса порядочны, это матери, которые жаждут стабильности и безопасности для своих детей, а девушка, с которой Нил знакомится в библиотеке и проводит ночь — достойная женщина, способная на заботу и преданность. Почему Манн показывает нам таких женщин? Чтобы продемонстрировать, что этим самым гангстерам есть что терять, есть кого терять, и эти кто-то — повод однажды завязать с криминальной жизнью, сохранить то дорогое, что создано и еще не разрушено. Нил проходит этот путь осознания — «Мне нет смысла уезжать, если я буду один».

Другие принципы — всегда прикрывать спину друга, помогать, спасать и тащить на себе, если он ранен в перестрелке, мстить предателю — все эти принципы есть, и они спокойно, без пафоса и дешевого кича показаны в «Схватке». Это друзья. Уже немолодые люди, которые всегда работают и отдыхают вместе. Это красиво.

Бандиты и полицейские в «Схватке» намеренно показаны с одного ракурса, чтобы зритель увидел, как похожи одни на других. Копы тоже команда и друзья, у них тоже есть жены и дети. Они тоже сильны, у них крутой, смелый лидер, но Майкл Манн, номинально сохраняя объективность, на деле явно отдает свои симпатии бандитам. Они и прописаны лучше, и показаны с любовью, и воспеты в финале громче и трагичнее.

И все же лейтенант убойного отдела Винсент Ханна интересен Манну. Он — стоя по другую сторону закона, является зеркальным отражением МакКоли; сила воли, стойкость и одержимость работой роднит их, делая братьями по мировоззрению, но врагами в области морали. Оба — охотники, оба способны на полную самоотверженность и движение до самого конца; близость их натур, а отсюда — невольное взаимное уважение показаны в великолепной сцене их встречи в кафе.

Вызывает уважение и восхищение исключительная реалистичность «Схватки», достигнутая трудом большого числа профессионалов своего дела. Режиссер уделил очень много времени деталям, ведь только так можно было добиться полной достоверности и правдивости. Свою роль сыграли и советы многочисленных консультантов из числа полицейских и «отсидевших» преступников, и 3-х месячные тренировки актеров на полигоне с применением боевых патронов и реальной тактики боя, и совместные с полицией выезды на реальные места преступлений, и посещение известной тюрьмы Фолсом, и участие в съёмках фильма настоящих экспертов-криминалистов. К тому же фильм вместе с оператором Данте Спинотти предлагает настоящую экскурсию по Лос-Анжелесу, ведь «Схватка» была полностью снята на улицах этого мегаполиса без использования декораций, павильонов и выдуманных локаций.

При всей своей глубине и драматичности, «Схватка» остаётся полноценным боевиком. Помноженные на реалистичность, сцены действия «Схватки» производят неизгладимый эффект. Налёт на инкассаторов и ограбление банка с последующей перестрелкой в центре города стали эталонными для всех последующих за творением Манна криминальных боевиков. Слова, действия преступников, ответная реакция полиции — придраться абсолютно не к чему, так всё реально, грамотно и четко. Для эффекта присутствия в сцене уличного боя с полицией Манн даже оставил оригинальный звук выстрелов, оглушительным эхом разносящийся среди небоскрёбов. Во все сцены экшен «Схватки» веришь без тени сомнения, даже если четверо противостоят тридцати, даже если один остаётся против всех. Здесь побеждает не сильнейший, а его Величество Случай, о чем говорит последний эпизод картины. И только настоящий джентльмен признает собственное поражение, с уважением принимая противника.

Саундтрек «Схватки» создавался композитором Эллиотом Гонденталем во многом путём экспериментов. В итоге мелодии получились авангардными, мрачными, временами депрессивными, но временами мощными. Едва заметная вначале, музыка «Схватки» постепенно начинает заполнять уши и голову зрителя, всё больше погружая в драматическую историю, разворачивающуюся на экране. Саундтрек дополняют динамичные барабанные ритмы и скрипичные трели The Kronos Quartet. И особняком стоят две сильные композиции Moby, идеально подошедшие стилю «Схватки».

За холодные светло-синие оттенки, которыми насыщена картинка, стоит выразить огромную благодарность оператору Данте Спинотти. С помощью таких красок, оператор создал какую-то свою некую атмосферу в Городе Ангелов. Словно в этом городе царствуют только одиночество и меланхолия, которые помогают в раскрытии характера главных героев. Мы наблюдаем за всем окружающим вместе с ними, мы начинаем воспринимать всё происходящее как они. Полностью погружаемся в кино и чувствуем их реальность. Там, где теме нужен обзор — камера будет кружиться на 360 градусов или просто показывать панораму. Там, где в теме нужно что-то выделить — там камера будет идти за целью, при этом не теряя (с помощью монтажа) общего фона. А эти ночные полеты над Лос-Анджелесом - красотища неописуемая!

Одним словом, «Схватка» — это глубина, многогранность и многослойность, это настоящая мощь и эстетическая красота, сведённые воедино. С другой стороны, это неповторимый стиль и высокий уровень. Наконец, «Схватка» — это борьба и чувства, это просто жизнь.

Интересные факты:

"Жара", "Погоня" - варианты перевода английского слова "Heat".

В одном из интервью, посвященных выходу «Крепости» (1983), Майкл Манн заявил, что хотел бы сделать «Схватку» (сценарий которой уже был написан), однако он не был заинтересован в постановке фильма.

Для съёмок не было построено ни одной декорации. Весь фильм снимался на натуре в Лос-Анджелесе.

Разговор Де Ниро и Пачино снимался в ресторане «Kate Mantilini» на бульваре Уилшир в Беверли Хиллз.

Сцена в баре, где впервые встречаются Нил и Иди, практически идентична сцене знакомства главного отрицательного персонажа и его девушки в минисериале «Нарковойны» (1990), продюсером которого был Майкл Манн.

Сцена, где Винсент застает свою жену с любовником, забирает телевизор и позднее выбрасывает его из машины, практически идентична сцене с Дэннисом Фариной в сериале «Криминальная история» (1986), продюсером которого был Майкл Манн.

В фильме сыграли два актера, ранее исполнившие роли серийных убийц в картинах о Ганнибале Лекторе. Тед Ливайн сыграл детектива Боско в «Схватке» и Буффало Билла в «Молчании ягнят» (1991). Том Нунан сыграл Келсо в «Схватке» и Фрэнсиса Доллархайда в «Охотнике на людей» (1986), режиссером которого был Майкл Манн.

В своё время на канале «NBC» была показана порезанная версия фильма. После того как Майкл Манн отрекся от данной версии, «NBC» заверили его, что при следующих показах фильм будет идти в своей театральной версии, однако Манн заявил, что «вы можете делать с фильмом, что захотите, но только измените имя режиссера на Майкла Смити или Алана Манна».

В фильме можно найти много схожего с «Вором» (1981) Майкла Манна.

Майкл Манн снял данную картину как дань уважения своему другу-полицейскому в Чикаго, который выследил и убил вора по имени Нил МакКоули.

Актеры, участвовавшие в сцене ограбления банка, прошли специальный курс тренировок по обращению со стрелковым оружием под руководством Энди МакНаба, бывшего сержанта британской специальной воздушно-десантной службы.

В нескольких сценах можно заметить, как лейтенант Ханна проверяет патронник своего пистолета. Это – отличительная черта Ника Стоуна, главного героя нескольких романов Энди МакНаба, присутствующего на съёмках «Схватки» в качестве консультанта. Хотя в действиях лейтенанта Ханны нет ничего удивительного, но такое внимание к мелочам крайне редко встречается в художественных фильмах. Также отход грабителей из банка очень сильно напоминает тактику, описанную в книге МакНаба «Команда «Два-Ноль», по которой был поставлен фильм с одноименным названием в 1999 году.

В трейлере фильма МакКоули говорит доктору: «Я удвою худшую проблему, которую ты когда-либо видел». Одна из удаленных сцен объясняет данный момент более подробно: доктор хотел получить $30,000 вместо стандартных $15,000, т.к. Нила и Криса разыскивала полиция. Нил соглашался, но предупреждал доктора, что если Крис умрет, он разыщет его и убьёт.

Фраза Винсента «Да потому что у неё офигенная задница!» является импровизацией Аль Пачино. Поэтому удивление Хэнка Азарии в кадре подлинное.

Персонаж Кевина Гейджа, Уэнгро, основан на настоящем бандите из Чикаго по имени Уэнгро, который заложил несколько влиятельных чикагских криминальных боссов. По словам Майкла Манна, Уэнгро долго числился пропавшим без вести, но потом его тело было обнаружено в Нью Мексике, прибитое к стене ангара.

Актер Кевин Гейдж, исполнивший роль Уэнгро (изгнанный подельник МакКоули, и по совместительству - серийный маньяк-убийца) отбыл тюремный срок за разведение марихуаны с 2003 по 2005 год.

Изначально Джон Войт отклонил предложение сыграть Нэйта, заявив, что он знает несколько актеров, которые лучше него подойдут на данную роль.

Эми Бреннеман очень не понравился сценарий из-за насилия и аморальности. Узнав об этом, Майкл Манн сказал ей, что с таким отношением к персонажам картины она идеально подойдет на роль Иди.

Аль Пачино и Роберт Де Ниро были первоначальным выбором Майкла Манна на главные роли.

Дэннис Фарина, бывший чикагский полицейский, был одним из консультантов на съёмочной площадке.

«Схватка» стала первым фильмом, где в одном кадре находятся вместе Роберт Де Ниро и Аль Пачино. До этого актеры играли в одном и том же фильме – «Крестный отец 2» (1974) – но у них не было совместных сцен.

Изначально Кеану Ривз должен был сыграть Криса.

Пистолет Винсента - Colt Officer's Model in 45.

Пистолет Нила - Sig P220.

В одной из сцен фильма Нил говорит о самолете под регистрационным номером N1011S. По информации Федерального авиационного управления США, самолет под таким номером был зарегистрирован в 2000 году.

Вэл Килмер одновременно снимался в данном фильме и в «Бэтмане навсегда» (1995).

Сцена уличной перестрелки (после неудачного ограбления банка) снималась 4 дня, и началась 24 марта - «День матери». Матери и дети, заполонившие летние площадки на одном из центральных бульваров Лос-Анжелеса были удивлены происходящим вокруг, и не сразу поняли, что идут съемки.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Джимми, Дейв и Шон — неразлучные приятели с детства. Они вместе играют в хоккей, взрослея на знакомых неспокойных улицах Бостона. Но однажды, жестокий случай, происшедший с одним из них, разрывает былую дружбу, заменяя ее холодным "Привет" при встрече. Причем на месте пострадавшего мог оказаться любой из троих, но судьба выбрала именно Дейва (над ним надругались педофилы) — это событие стало поворотным в судьбе всех троих. Чувство вины и ущербности закралось в их души... Уже во взрослом возрасте хитросплетение судьбы сталкивает их вместе перед лицом новой трагедии: зверского убийства дочери Джимми — Кэтти. Подозревается злосчастный Дейв...

Для кинематографа Клинт Иствуд — легендарная и уникальная личность. В его постановках всё пропитано необычайным смыслом. В каждой сцене, диалоге заложена огромная масса информации. Такой режиссёр будет не понятен любителям драйва, зато для тех, кто готов пораскинуть мозгами, он просто непревзойдённый мастер. Его ленты — жёсткие, умные, остросоциальные, с характерной авторской позицией — вторгаются в реальность зрителя, ошеломляя его своим правдоподобием, почти натурализмом. И все они являются плодом размышлений старого и мудрого режиссёра: «Гран Торино», «Подмена», «Малышка на миллион», и вот - «Таинственная река».

Картина оставляет после финальных титров двоякое ощущение. С одной стороны хочется больше детективного расследования, какого-то саспенса. Но Клинт Иствуд не был бы тем, кого мы знаем, если бы поставил обыкновенную детективную драму. Он мастерски уводит зрителя от ожидания кульминации в виде раскрытия, кто же стал убийцей, заменив это потрясающей драматургией. Фильм наполнен образами и метафорами, и его, как хорошую книгу, нужно «читать между строк». Перед нами и семейные, и дружеские, и любовные отношения; одним словом все, что интересует зрителя. Фильм трудный и психологически, и своей сюжетной линией, но это и является его изюминкой. Замысловатая история, в которой скрывается большое количество линий жизни не только главных героев, но и второстепенных, их мысли и правильные и неправильные поступки сплетаются в единый клубок, из которого в итоге и появляется эта картина. Сюжет построен очень искусно, и на это невероятно увлекательно смотреть.

«Таинственная река» один из самых реалистично поставленных фильмов. Лента многогранна, многослойна; с неподдельной драмой и в то же время брутальна. Созданная атмосфера скрытой тревоги, тщательная и детализированная работа Тома Стерна, оператора фильма, — всё это «Таинственная река» в совокупности с безупречной игрой актёров.

Персонажи картины действительно реальны, ибо настолько они настоящие, живые, продуманные до мелочей. В этом заслуга, конечно, не только знаменитого режиссера, но и актеров, безусловно. Блистательное созвездие Пенна, Робинса и Бейкона. Герои Иствуда в «Таинственной реке» различны. Их невозможно перепутать, ибо каждый из них, своего рода, таинственная река. Каждый из героев течет, как река, от греха к греху и ничего не видит, или же не желает видеть, кроме своих проблем.

Почему много лет спустя Джимми и Шон не общаются? Почему Шон не хочет вспоминать своих друзей и явно не рад видеть Джимми? Этот фильм дает нам ответ. Показано, как под давлением обстоятельств главные герои, хотя каждый и идет своим путем, но принимают то, во что они уже давно верили, в чем не хотели себе признаваться. Шону и Джимми предлагается поверить в виновность Дейва, и они поверили, поверили сомнительным фактам, обезумевшей от собственной подозрительности и страха жене Дейва, ведь они уже были готовы поверить, нужно было лишь какое-то подтверждение, хоть малейшее… В чем виноват Дейв? Дейв виноват в его несчастье, в том, что он своим горем испортил их жизни, что он заставил их испытывать чувство вины — груз, который им было так тяжело нести, но теперь, обвинив его, они избавятся от этого груза. Шон и Джимми заплатили свою цену годами несчастной жизни и теперь чувствуют вполне справедливой расправу над призраком прошлого.

В конце автор преподносит нам свое разъяснение — сцену на параде, где переглядываются Джимми и Шон, которые вполне довольны развязкой, а между ними жена Дейва — она не понимает, к чему здесь парад, почему кругом все ликуют и веселятся? Знаковая сцена для всего фильма — вся история, запечатленная в нескольких минутах.

Не удивительно, что за свои роли Пенн и Роббинс получили «Оскара», такая достоверность образов созданных на экране, редко встречается. Трудно сказать кто из этих двоих лучше, у них совершенно разные по характеру роли: наполненный гневом — Пенн и тихий, замкнутый Роббинс.

Джимми (Шон Пенн) в прошлом преступник, а теперь он держатель небольшого магазинчика, доходы от которого позволяют его семье вести вполне сносное существование. В начале фильма Джимми — любящий отец, добрый сосед, искренний человек готовый помочь. Но после убийства перед нами предстает его темная сторона — мы видим жестокого человека готового на все ради мести. Наверное у кого-то вызовет уважение такая целеустремленность в желании наказать убийцу дочери. Чем ближе к финалу, тем больше грехов Джимми мы увидим, по мере развития сюжета становится все труднее ему сочувствовать. Человек не являющийся профессиональным детективом и живущий по своим понятиям чести, напоминает ураган, которому все равно, что уничтожать.

Дэйв (Тим Роббинс) — в фильме не говорят, что он пережил за эти четыре дня в течение которых его мучили. Перед нами психически неуравновешенный человек: непонятно что творится у него в голове, что им движет. Даже жена иногда перестает его понимать, похоже, что Дэйв так и застрял в прошлом, без конца переживая тот день, когда он сел в машину к маньякам. Роббинс играет совершенно потрясающе: блуждающий взгляд, робкая улыбка, дерганая мимика лица, а когда смотришь на его фигуру, кажется, что он сжался в ожидании удара. Достоверность образа стопроцентная, когда на него смотришь, видишь настоящего психопата, который безуспешно пытается маскироваться под нормального человека.

Приятно удивил Кевин Бейкон, сыгравший полицейского: он очень четко показал, что чувствует человек, вынужденный рассматривать дело об убийстве дочери лучшего друга и при этом подозревать в этом своего второго друга детства!

Иствуд не зря выбрал название «Таинственная река», не просто так показывал нам реку несколько раз на протяжение фильма, и эти красивые кадры с камерой летящей над водой в конце. Все три главных героя так или иначе связаны с этой Таинственной рекой.

Для Джима река — это очищение, очищение от грехов. Будучи любящим мужем и отцом, он не гнушался убирать всех со своего пути, кто стал между ним и семьёй. Его характер не давал ему ни с кем считаться, он всегда был для себя прав, и в очередной раз согрешив придавал свой грех реке (скидывал в нее трупы), а сам оставался сухим.

Для Шона река — это граница, граница между ним и его женой и маленькой дочкой, и единственное что их связывало — это телефонный звонок и молчание на той стороне трубки. Он ходил по берегу этой реки и ждал; и всё, что ему оставалось делать — полностью предаться работе.

Для Дейва река — это жизнь, и его смерть одновременно. Однажды, сев в машину, он вошёл в реку, а вышел из неё другой человек, и жизнь его была подобна этой реке: неспешно, безысходно текла в одном направление. И остановилась жизнь подобно тому, как на ещё не затвердевшей бетонной дорожке палка остановилась, написав ровно пол имени DA..

«Таинственная река» это настоящее пиршество для зрителя, так как лента дает столько пищи для ума, столько неожиданных сюжетных поворотов, предоставляет на суд зрителя множество интересных характеров которые не так-то просто просчитать. Фильм серьёзный, глубокий, тяжёлый и даже жестокий. Конечно же, снять такое и именно так мог только Клинт Иствуд.

Интересные факты:

В «Таинственной реке» на самом деле нет ничего таинственного или мистического. Река Мистик, действительно протекающая сквозь Бостон, вбирает в себя страхи и мучения трёх мальчишек, в детстве гонявших вместе мяч, а теперь находящихся по разные стороны баррикад. Река Мистик разделяет их судьбы, принимает в себя их ночные стоны, смывает их грехи и превращается в «Таинственную реку» стараниями переводчиков. Может быть, оно и правомерно, только сколько чувства реального сразу утекает сквозь пальцы… Иствуд любит правдивые истории. «Мосты округа Мэдисон», например, именно потому так проникновенны, что зрителю указано конкретное место действия, которое при желании можно найти на карте.

Фильм снят по мотивам романа Денниса Лихейна «Таинственная река» (Mystic River, 2001).
Он также автор сценария «Остров проклятых» (2009), «Прощай, детка, прощай» (2007),
«Прослушка» (сериал, 2002 – 2008), «Подпольная империя» (сериал, 2010 – ...).

Съемки картины заняли 39 дней.

Деннис Лихейн, автор романа «Таинственная река» получил эпизодическую роль в картине (камео). Он участвует в сцене парада, машет рукой, находясь в автомобиле с откидным верхом.

Фильм, который Дейв смотрит по телевизору, носит название «Вампиры» (1998) с Джеймсом Вудсом и Шерил Ли в главных ролях.

Эпизодическая роль в картине досталась и Эли Уоллаху. Он сыграл владельца алкогольной лавки. Эли не принимал участия в фильмах Иствуда с момента выхода картины «Хороший, плохой, злой» (1966).

Фамилия Джимми и его семьи была изменена с Маркуса (первоисточник) на Маркум.

В начале фильма в эпизоде, в котором юного Дейва бросают на заднее сидение автомобиля, человек впереди разворачивается и сверкает своим кольцом — кольцом священника. В книге нет ни малейшего упоминания о том, что этот персонаж был священником. Этот момент был намеренно добавлен в фильм после выяснения обстоятельств скандала, разгоревшегося в Бостонской епархии архиепископа. Ее глава, Бернард Ло, оказался замешанным в истории, связанной с умалчиванием случаев сексуальных домогательств со стороны священников.

Боссы киностудии Warner Brothers хотели, чтобы Клинт Иствуд снял фильм в Торонто, в Канаде, дабы сэкономить бюджет. Но режиссёр отказался и снял картину в Бостоне.

Перед тем как сыграть своего героя, актёр Кевин Бейкон проработал некоторое время в полиции штата Массачусетс.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Каждое утро Луизе приходится ходить в один и тот же ресторан быстрого обслуживания — она работает там официанткой. У неё есть «бойфрэнд» — музыкант, который, гастролируя по придорожным забегаловкам, частенько забывает о своей возлюбленной.

Энергичная и в прошлом жизнерадостная Тельма, выйдя замуж за Дэррила, обнаружила, что место женщины — на кухне с кастрюлями, а мужчины — в кресле перед телевизором.

Само собой такая жизнь не устраивает женщин, и в один прекрасный день чаша их терпения переполняется. Они решают уехать подальше из «осточертевшего» городка и от своих ненавистных мужчин. К сожалению, по дороге им приходится совершить ряд преступлений, в том числе и убийство. Их объявляют в розыск по всей Америке, и подружкам остаётся только одно — любыми способами успеть добраться до Мексики.

С энтузиазмом встреченная зрителями и критиками данная работа английского режиссёра Ридли Скотта отвечает разным вкусам и предполагает множество трактовок. Каждый волен видеть в фильме «Тельма и Луиза» что-то своё: криминальную драму о двух женщинах, ставших случайными соучастницами убийства развязного, вульгарного парня из дискотеки; мелодраму о несчастных неудачницах, которые, не найдя личного счастья в больших городах рядом с занудными мужчинами, так и не обрели покоя в своём путешествии по Америке, более того — ввязались в смертельную авантюру. Или же это типичное «кино дорог» с реминисценциями из этапных лент «бунтарских 60-х» о бесконечном и неутешительном странствии по дорогам от Атлантического побережья до Калифорнии, от Техаса до Северной Дакоты.

Скажете, перед нами обычный феминистский фильм? Отнюдь. «Тельма и Луиза» — фильм для всех полов. И каждый может найти в нем что-то для себя. Сценарий (написанный женщиной - Кэлли Хоури, кстати, получившая премию «Оскар») оказался удивительно универсальным и мудрым. В нем есть и комедия, и мелодрама — ничего не кажется в нем лишним. Каждый штрих, деталь и мелочь находятся на своем месте. При мимолетном взгляде может показаться, что мораль фильма: «все мужчины — сволочи», но это далеко не так. В «Тельме и Луизе» совсем другой смысл. Он прост, как и все гениальное — «надо жить, а не просто существовать». Подруги, сообразив, что их жизнь больше не будет прежней, начинают наслаждаться, возможно, их последними днями на свободе. Они стараются не паниковать, веселятся и в глубине души надеются, что все будет хорошо. Тельма и Луиза такие разные, но при этом очень яркие, настоящие личности, в которых начинаешь верить с их первого появления на экране. Эти женщины вызывают уважение, и искренне веришь, что они выпутаются из столь неприятной истории.

Но есть и герои-мужчины. У женщин есть парни, которые их любят. Которые готовы им помочь. Даже супруг Тельмы, Дэррил, оказывается не просто очередным мужланом, а очень даже любящим мужем. Что уж говорить о друге Луизы (по имени Джим), который готов за ней хоть на край света пойти! Но самым любопытным героем ленты оказался Хэл Слокумб, следователь полиции, идущий по следу подруг. Он не просто «очередной упёртый коп», он понимает этих женщин, сочувствует им, и даже поймать их хочет не ради очередной записи в своем личном деле, а чтобы помочь обеим. Характеры почти всех персонажей фильма получают должное развитие. В «Тельме и Луизе» нет одномерных героев или нелогичного поведения действующих лиц. Все предельно реалистично.

Актеры — ещё одно достоинство фильма. Дуэт Сарандон - Дэвис просто гениален, и роли лучших подруг они разыгрывают как по нотам. К этим женщинам сразу проникаешься теплыми чувствами. Актрисы великолепно сыграли далеко не самых простых героинь.

Но и другие актёры не отстают. Засидевшийся в треше Майкл Мэдсен радуется возможности сыграть нормальную роль, Кристофер МакДональд отлично сыграл непутевого и грубого, но все же хорошего мужа Тельмы, а Харви Кейтель (в роли следователя полиции) создает убедительный образ умного и интеллигентного служителя закона. Кроме того, на заднем плане мелькает Брэд Питт в своей первой по-настоящему узнаваемой роли. Он не слишком профессионально исполняет свою роль, но зато очень живо и правдоподобно.

В ленте нет ни каких-то крутых погонь, ни перестрелок (в силу жанра), но фильм скучнее от этого не становится. «Тельма и Луиза» — разговорная лента и вся её «соль» в диалогах. Так вот — они очень хороши. Именно так общаются живые люди — без пафоса, просто и непринужденно. Плюс, в фильме полно забавных фраз (вроде «Говори, что любишь её, женщины ведутся на подобную лабуду»), которые заставляют улыбнуться, если не засмеяться. При этом динамика у фильма очень даже приличная. Так как у подруг есть машина, они не засиживаются на одном месте, меняют дислокацию, и с каждой сменой места что-то происходит. Лента абсолютно не утомляет. Режиссура легкая, но очень хорошая. Это же Ридли Скотт как-никак.

Особенность творческого стиля Ридли Скотта, который обладает редкостным кинематографическим даром и уникальным визуальным талантом, как раз в том и заключается, что режиссёр, работая в зрелищном жанре, добиваясь успеха у зрителей, умеет не только облекать действие в эффектную, искусную форму, радующую, прежде всего, взор яркостью и необычностью фантазии. Он способен проникать в неведомые тайны, в глубины человеческой мысли, представляя самую суть скрытых феноменов, их философскую, изначальную подоплёку. И фильм «Тельма и Луиза» не является исключением. Пусть мы вполне непринуждённо и чисто по-житейски можем воспринять поведанный рассказ о похождениях двух современных американок, трудно всё-таки совершенно не заметить его «подводного течения», а точнее — воздушного слоя над сюжетом, своеобразного пространства вольного духа. Как и в «Бегущем по лезвию бритвы», герои в «Тельме и Луизе» застывают, словно на лету, в своём последнем устремлении вовне и ввысь. Беспечные, взбалмошные, жаждущие откровений жизни и простого человеческого счастья девицы будто одержимы поисками ускользающей истины бытия, пребывая под угрозой смерти, как бы бросают вызов самой Вечности, стремясь обрести бессмертие души, воспаряя над бренным миром. Непреклонные личности, которые не смиряются с раз и навсегда заведённым существованием, с изначально предопределённой судьбой, не могут не вознестись на спасительные небеса, даже «смертью смерть поправ». Упоение летящих над землёй сродни возвращению в потерянный рай, где сердца обретают милость, а разум познаёт запредельную гармонию.

И тут Ханс Циммер! Какой же он все-таки разнообразный композитор. Ему одинаково хорошо удаются как пафосные, так и красивые мелодии. В «Тельме и Луизе» саундтрек состоит преимущественно из последних. Музыка красивая, трогательная и очень подходящая фильму по настрою.

Как уже упоминалось, декорации быстро сменяются. В фильме присутствуют и завораживающие панорамы, и небольшие городки и много чего ещё. Все это создаёт непередаваемую атмосферу, которую очень сложно объяснить. Глядя на ночное небо в пустыне, прислушиваясь к её звукам, начинаешь понимать красоту мира…

Работа камеры просто гениальная. Любой ракурс — хоть на стенку вешай, все так хорошо выверено. Непередаваемо!

«Тельма и Луиза» — удивительное кино. Красивое и веселое с одной стороны, но мудрое и печальное с другой. Авторы сумели соединить несочетаемое. Уверенная режиссура, хороший сценарий, удивительная отдача актеров и какая-то потрясающая гармоничность делают этот фильм незабываемым. Перед нами один из лучших фильмов Ридли Скотта и одни из лучших ролей Джины Дэвис и Сюзан Сарандон. После просмотра в душе надолго остаётся отпечаток.

Интересные факты:

Голди Хоун и Мерил Стрип давно хотели сняться вместе в одном фильме. «Тельма и Луиза» был одним из проектов, которые рассматривали актрисы. Но в итоге они решили сыграть в «Смерть ей к лицу» (1992).

Джордж Клуни пять раз проходил пробы на роль Джей Ди, но роль ему так и не досталась.

При съёмках фильма была использовано пять автомобилей «Thunderbird convertible 1966».

Изначально предполагалось, что Тельму и Луизу сыграют Мишель Пфайффер и Джоди Фостер соответственно, Ридли Скотт будет продюсером, а Калли Коури, сценарист фильма, также возьмет на себя режиссерские обязанности. Но подготовка к фильму сильно затянулась, Пфайффер и Фостер покинули проект, а Ридли согласился срежиссировать картину.

На роли Тельмы и Луизы рассматривались кандидатуры Холли Хантер и Фрэнсис МакДорманд соответственно.

У продюсеров ушло настолько много времени, чтобы найти подходящую актрису на роль Луизы, что им даже пришлось заключить специальное соглашение с Джиной Дэвис, согласившейся сыграть как Тельму, так и Луизу.

Роль Луизы была предложена Шер.

Сцена, где Дэррил поскальзывается и падает на строительные материалы, отсутствовала в сценарии. Кристофер МакДональд на самом деле поскользнулся и упал, однако решил не выходить из образа, начав орать на строителей.

Ридли Скотту настолько понравилась музыка Ганса Циммера, что было решено сделать начальные титры (с музыкой Циммера). Изначально планировалось, что титры последуют в концовке фильма, а в начале зритель увидит только название картины.

Во время подготовки к съёмкам и во время съёмок Ридли Скотт внимательно прислушивался к идеям по изменению тех или иных сцен, которые предлагали актеры. Особенно много предложений, вошедших в фильм, исходило от Сюзэн Сарандон. Например, в сценарий были добавлены: - сцена, где Луиза пакует свои туфли в пластиковые пакеты; - сцена, где Луиза обменивает свои украшения на шляпу у старика; - сцена, где Луиза ночью останавливает машину и смотрит на звезды, в то время как спит Тельма; - также была практически полностью переписана сцена в отеле между Луизой и Джимми.

Кэтрин Кинер сыграла жену Хэла Слокамба (Харви Кейтель), но единственную сцену с её участием вырезали из фильма.

В фильме снимались пять одинаковых кабриолетов Тандерберд«66: »Авто-звезда', автомобиль со встроенными штативами для камер, запасной автомобиль и две каскадерские машины для исполнения трюков.

Для эротической сцены, в которой принимают участие Брэд Питт и Джина Дэвис, режиссёр Ридли Скотт хотел подобрать звезде дублёршу. Узнав о его планах, Дэвис настояла, что она должна сняться в этой сцене сама.

Существует альтернативная концовка фильма, снятая под блюзовую песню Би Би Кинга. Однако Ридли Скотт предпочёл более динамичный финал на музыку Ханса Циммера.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
В центре сюжета история двух влюбленных, развивающаяся на фоне грядущей катастрофы. Джек, зарабатывающий на жизнь подработками в разных местах и рисованием различных портретов. Роза, девушка, которую сватуют по расчёту из-за финансового положения её семьи. Оба встречаются на борту Титаника и влюбляются друг в друга.

Лента получилась очень напряжённой, зрелищной и очень красивой. Операторская работа Рассела Карпентера, который уже не в первый раз работал с Кэмероном выше похвал, а как была показана сцена на носу корабля, это просто красивейший ракурс съёмки!

Саундтрек Джеймса Хорнера вновь просто сражает наповал, в очередной раз он пишет музыку, которая просто равноценна ленте, вспомнить хотя бы «Отважное сердце», «Чужие», «Легенды осени». Его музыка всегда зовёт в полёт и эта лента одна из лучших в его карьере. Ну а венцом фильма стала проникновенная композиция "My Heart Will Go On" в исполнении Celin Dion. Такая чарующая, такая манящая, такая красивая и такая печальная. Без сомнения, один из лучших саундтреков, которые доводилось слышать.

Но чем ещё так прекрасен фильм Джеймса Кэмерона? Конечно, самым светлым чувством на Земле — любовью. Она дышит, живёт и струится через главных героев фильма. Именно она дала этой катастрофе такую притягательную окраску, заставила всех, не отрываясь следить за каждым движением героев. Неимоверно красиво, донельзя трогательно, романтично, чувственно, самозабвенно, страстно и пылко. Зритель по-настоящему сострадает героям, переживает за них. Ведь их любви не мешает ничто. Ни социальная разница, ни воспитание, ни семья Роуз. Одна из самых трогательных и чарующих историй мужчины и женщины в мировом кинематографе. И с этим не поспоришь…

Страх, паника, отчаяние, жажда жизни, боль, ужас. Только эти эмоции отражаются на лицах пассажиров «Титаника» во время крушения. И я невольно замираю в кресле, не могу оторваться от экрана. Это так страшно, прочувствовать всё случившееся и стать его частью. Стираются границы социальных слоёв, тот, кто пытался выглядеть смелым, оказывается трусом, привилегии ничего не значат. Важны только благородство, отвага, смелость и стремление помочь выжить себе и другим. И тут открываются все реальные лица героев. И богачи не столь благородны, а вот бедняки гораздо лучше первых. Смотря на весь этот ужас, нельзя не содрогнутся, нельзя не проявить эмоций. Ведь это не просто масштабная и грандиозная картинка, это когда-то было. Люди гибли, желая жить…

Грандиозность этого киношедевра поражает. И бюджет на это тоже «тонко» намекает. Зрелищно, невероятно, невообразимо, масштабно. И так естественно и правдоподобно, что невольно сжимается сердце от всего происходящего на экране. Тоны воды, обрушивающиеся на головы беззащитных людей, крики, стоны, вопли. Яркая и жестокая картинка, которая ещё нескоро покинет мою память. И эти гигантские винты, похоронившие под собой ни одну сотню жизней.

Актёрский состав в фильме отличный. Молодой Леонардо ДиКаприо. После «Титаника», как не банально это звучит, он проснулся знаменитым. Здесь Лео великолепен во всех отношениях. Молодой, неимоверно симпатичный, романтичный и талантливый. В него невозможно не влюбиться. Очень хороша Кейт Уинслет. Без сомнения, талантливая актриса. А здесь ещё свежая, чувственная, юная. Из них получилась одна из самых красивых и романтичных пар мирового кинематографа. Не могу не отметить Билли Зейна. Чертовски красивый негодяй, оказавшийся с такой гнилой и слабой душой. Но как сыграно. Ещё меня очень поражают в хорошем смысле этого слова капитан «Титаника» в исполнении Бернарда Хилла, который ещё успеет засветиться во «Властелине колец», и конструктор лайнера в исполнении Виктора Гарбера. Эти люди так самоотверженны, так преданы своему делу и так благородны, что готовы погибнуть как герои.

Эта лента превысила в США и Канаде кассовые сборы в размере 600 млн. долларов, а в мире получила 1,8 млрд. долларов. Даже в России, где прежняя система кинопроката практически несколько лет была разваленной, «Титаник» только в залах со стереозвуком собрал рекордную сумму более 5 миллионов долларов. Рассказывают, что в некоторых провинциальных городах, где кинотеатры почти не функционировали, они заново открывались для показа американской мелодрамы-катастрофы. И зрители с охотой шли на просмотр, а кое-кто — даже по несколько раз. Кстати, и зарубежная практика подтвердила, что немало зрителей, прежде всего — женщин (одна старушка в Австралии посетила демонстрацию «Титаника» свыше ста раз!) и, в основном, девушек-подростков, неоднократно сострадали героям Леонардо ДиКаприо и Кейт Уинслет, их романтической любви, окончившейся столь трагически.

Такой повсеместный и оглушающий успех «Титаника», вдобавок награждённого 11-ю «Оскарами» (что стало повторением рекорда «Бен-Гура», который был достигнут ещё в 1959 году), никто не ожидал — теперь уж точно можно это сказать (думается, что упорный сценарист-режиссёр-продюсер Джеймс Кэмерон в своих смелых прогнозах вряд ли загадывал большую, чем 300 миллионов долларов, сумму кассовых сборов в Америке). И несмотря на то, что отдельные иностранные и наши критики всё ещё продолжают язвительно нападать на сочинение Кэмерона, считая, что он ничего не добавил к известной истории крушения гигантского морского лайнера (спрашивается, почему тогда не имели такой шумный резонанс все предшествующие киноверсии?), надо спокойно разобраться и проанализировать феномен «Титаника» не только с кинематографической, но и с социально-психологической точки зрения.

Беспрецедентный триумф фильма, который в американском прокате вышел на первое место по коммерческим показателям, казалось бы, свидетельствует о том, что аналогов у подобной феноменальной популярности нет, а причины зрительского ажиотажа необъяснимы. Но если принять во внимание отнюдь не данные кассовых сборов, а учесть также и то, что коммерческие результаты старых картин следует непременно пересчитывать с оглядкой на инфляцию курса доллара и изменение цен на билеты в течение прошедших десятилетий, ситуация предстанет несколько в ином свете.

На первом месте со значительным отрывом по-прежнему находится лента «Унесённые ветром», а среди остальных десяти лидеров, помимо «Титаника», присутствуют «Звуки музыки» и «Доктор Живаго», а также «Десять заповедей» и «Бен Гур». То есть почти половина самых кассовых американских фильмов — это, по сути, мелодрамы, действие которых развёртывается на историческом фоне, или же эпические кинопроизведения, где выдуманное тесно переплетено с тем, что реально могло быть.

И ещё одна картина в этом суперсписке — «Челюсти» (кстати, вот вторая «водная история», опровергающая печальную статистику провалов других лент, тематически связанных с водой) — странным образом сочетает пугающую фантазию и подлинные случаи нападения акул на людей, происшедшие на Атлантическом побережье США, на территории Новой Англии, в местечке Мартас Винъярд. Только четыре оставшихся фильма-рекордсмена можно смело назвать абсолютными фантазиями, выдуманными сказками для детей и взрослых — «Звёздные войны», «Е. Т., Инопланетянин», «Книга джунглей» и «Белоснежка и семь гномов».

Причём небезынтересно и то, что «Титаник» смог обойти «Доктора Живаго» — а именно его Джеймс Кэмерон называл в качестве образца для подражания и вообще отдавал должное эпически -романтическому стилю англичанина Дэвида Лина, который является непререкаемым авторитетом также и для других современных американских режиссёров — от Мартина Скорсезе до Стивена Спилберга. В конечном же результате (если пересчитывать все данные на сегодняшний день) «Титаник» оказался на шестом месте за всю историю кинематографа США, в том числе оставив за собой в последнем рывке на финише библейскую киносагу «Десять заповедей» Сесила Блаунта Де Милля.

Всё это вовсе не принижает успех картины Кэмерона, а напротив, ставит её в точный исторический и кинематографический контекст. Собственно говоря, все вышеперечисленные ленты — от анимационных работ студии Уолта Диснея до компьютерных феерий современных киновундеркиндов — обладают, так или иначе, чертами Большого Голливудского Стиля и рассчитаны не на определённую аудиторию любителей конкретных жанров и стилей, а в идеале — на разнородную публику, от мала до велика. Это может быть так называемый «семейный просмотр» в случае похода родителей вместе с детьми в кинотеатр на увлекательные кинофантазии. Или же состав зрителей в зале оказывается непроизвольно смешанным по возрастным и социально-интеллектуальным характеристикам благодаря тому, что в самых популярных фильмах заложены приманки чуть ли не для всех категорий населения.

Конечно, немаловажное значение имеет так называемая харизма кинозвёзд — нынешний мировой культ Леонардо ДиКаприо говорит сам за себя. Однако немало существует прежних и современных кумиров в кино, которые, тем не менее, не вызвали такого поголовного ажиотажа. Чрезвычайно значимо и то, что именно Джеймс Кэмерон умело вписал абсолютно выдуманный любовный роман в подлинную историческую ситуацию, которая, к тому же, связана со впечатляющей катастрофой. А зрители всегда испытывали непреодолимую склонность как раз к романтическим историям на фоне катаклизмов, будь то общественные или природные, развязанные самими людьми или же стихийно возникшие. И соответствующий грандиозности потрясений необходимый Большой Голливудский Стиль, масштабная и многолюдная постановка, снабжённая самыми современными спецэффектами, — чем не лакомый кусочек для миллионов любителей кино во всём мире?!

Всё так — с этим нельзя не согласиться. Но суперрекордсмены кинопроката обладают ещё неким непредсказуемым, таящимся глубоко внутри них мощным зрительским потенциалом, который впору сравнивать со скрытой энергией глобального разрушительного свойства, что присуще атомной бомбе. Тогда в действие уже вступают подспудные механизмы воздействия - а интернациональность и тотальность успеха «Титаника» (в отличие, например, от «Форреста Гампа», справедливо имевшего, в большей степени, всеамериканскую популярность) демонстрирует, что этот фильм затронул, задел за живое широкие массы людей, живущих на излёте века и тысячелетия.

Вот это, пожалуй, может быть определённой подсказкой для понимания феномена «Титаника». Увлечённость современного кинематографа, в первую очередь — американского, фантастикой в целом, а, в частности, идеей близкого и вполне возможного конца света, тем более в ситуации слома столетий и тысячелетий, заставляет выбрасывать на поверхность немало якобы пророческих и эсхатологических, по сути, картин, которые подчас впечатляюще рисуют грядущие вселенские катастрофы. Но, чего греха таить, они зачастую спекулятивны, придуманы от начала и до конца, а кроме того, преимущественно рассчитаны на мужскую аудиторию — от детей и подростков до отцов семейств и даже престарелых дедов.

Жаль, что Американская киноакадемия почему-то не удосужилась даже выдвинуть в число номинантов «Оскара» Джеймса Кэмерона как сценариста и Леонардо ДиКаприо, исполнителя главной мужской роли, поскольку в суперудаче «Титаника» немаловажное значение принадлежит именно им. Вспомним, что в 1953 году премия за оригинальный сценарий досталась как раз очередной (и далеко не лучшей) версии о трагедии гигантского корабля. А заслуга Кэмерона, который придумал новый поворот всем давно знакомой истории, заключается в том, что он нашёл беспроигрышный и не подлежащий никакому сомнению, тем более — опровержению, сюжетный ход, явно сочинённый на основе подлинных фактов.

Конечно же, не было никакого юного художника Джека Доусона, который будто бы «в списках не значился», попал на корабль случайно и в самый последний момент. А встреченная им на «Титанике» возлюбленная из рода разорившихся английских аристократов, уцелев после катастрофы, осталась вне поля зрения скандальных журналистов и прежде всего — охотников за затопленными сокровищами, потому что приняла фамилию погибшего юноши. Они оба выпали из Истории, но, как ни парадоксально, легче всего вписываются в неё назад, будучи возрождёнными в фантазии сценариста. Отдалённая и всеобщая трагедия индивидуализируется, тем самым приближаясь к зрителям, которые готовы к максимальному сопереживанию выдуманным (однако, согласитесь, вполне возможным) страстям в момент исторического катаклизма, невольно приобретающего библейско-апокалиптический смысл.

Что касается героя ДиКаприо и самого актёра, то именно имидж (почти типаж — настолько он сразу прочитывается по своему внешнему облику) романтического парня в высшем свете, как и немыслимый нарастающий ажиотаж в мире по поводу персоны исполнителя данной роли (это сравнимо разве что с первыми приступами «битломании» у девушек-подростков в середине 60-х годов), способствовали стремительной рекламной раскрутке самого дорогостоящего кинопроекта, которому многие предрекали повторение судьбы корабля «Титаник».

Этот персонаж да и сам Леонардо ДиКаприо, который не рвался заискивать перед «голливудской аристократией» и демонстративно проигнорировал оскаровскую церемонию, — действительно из породы благородных отщепенцев и чужаков. Он словно неприкаянный творец, подобно Юрию Живаго («Доктор Живаго»), или некий Маугли («Книга джунглей»), затерявшийся космический пришелец («Е. Т., Инопланетянин»), наконец, сопоставимый по своему акту предсмертного спасения хотя бы одной души в новом Ноевом ковчеге с пророком Моисеем, который сорок лет водил народ по пустыне, прежде чем вывести его в землю обетованную и умереть, исполнив сей завет («Десять заповедей»).

И, тем не менее, у героя «Титаника» не может быть ничего общего с иудейским знатным отпрыском Бен Гуром из одноимённой ленты, который пострадал от римской тирании и однажды встретил на собственном крестном пути самого Иисуса Христа, подавшего ему, несчастному, испить воды; и даже не южанин-искатель приключений Ретт Батлер («Унесённые ветром»). Потому что эти персонажи, преодолевающие всё на своём пути, победительны и, конечно, заслуживают номинации или даже «Оскара» (как Чарлтон Хестон за роль Бен Гура) в отличие от уже упомянутых, а также от неожиданно неуверенного и закомплексованного шерифа в «Челюстях». Что ни говорите, Америка любит и награждает только выживающих героев, а среди них — только тех, кто выходит из исторических событий и житейских перипетий непоколебимым и уверенным в себе.

Вот и Джеймс Кэмерон был знаменательно отмечен за режиссёрский и продюсерский подвиг по созданию супербюджетного фильма «Титаник», а также за почти Лаокооновы усилия в качестве одного из монтажёров в попытках справиться со многими километрами отснятой плёнки, но показательно не оценён за им самим придуманный оригинальный сценарий. Признать авторство в этом — означало бы в данной ситуации поощрить дерзкое возвеличивание образа безвестного нищего художника и ещё более возмутительный поступок престарелой героини в финале, выбрасывающей в морскую пучину огромный драгоценный камень, за которым все напрасно охотились почти целый век.

Интересные факты:

Исторический факт: 10 апреля 1912 года красавец-лайнер «Титаник» отошёл из Ливерпуля по направлению к берегам Северной Америки. Пересекал лайнер Атлантический океан всего лишь несколько дней. 14 апреля 1912 года он столкнулся с айсбергом и через 2 часа 40 минут полностью ушёл под воду. В катастрофе погибло свыше 1500 человек. Это трагедия стала одной из самых ужасных и легендарных в истории мореплавания и вообще в истории XX века. Газеты долго не умолкали…

Создание трехмерной версии «Титаника» обошлось в $18 млн. и потребовало 60 недель – это дольше, чем шли съемки фильма.

Главным действующим персонажем картины должен был стать Мэттью МакКонахи, однако Джеймс Кэмерон настоял на кандидатуре Леонардо ДиКаприо. А роль Розы предлагалась Гвинет Пэлтроу.

Глубоководные кадры, вошедшие в финальную версию фильма, составляют по хронометражу всего 12 минут. На деле же каждое погружение на глубину занимало несколько часов. В целях улучшения эффективности использования ресурсов, Джеймс Кэмерон распорядился подготовить макет останков Титаника, уменьшенный в 33 раза. Каждое настоящее погружение было отрепетировано с использованием этой модели и моделей русских субмарин. Как показала практика, репетиции не прошли даром.

Всего состоялось 12 погружений. Во время последних двух картинка передавалась специальным устройством, установленным внутри останков Титаника. Некоторые кадры были смоделированы на компьютере.

Джеймс Кэмерон также участвовал в погружениях и осмотре останков Титаника наряду с профессиональными подводниками.

Картины, использованные при съемках фильма, являются подлинниками. Одной из таких картин стала работа Пабло Пикассо «Гитарист» 1903 года, любезно предоставленная для съемок Парижским музеем искусств. Многие декорации — от ковров до люстр — были воссозданы по архивным эскизам компаний, участвовавших в создании антуража «Титаника».

Перед тем, как приступить к изображению Роуз на холсте, Джек говорит ей: «Ложись на кровать, ой я хотел сказать на кушетку». На самом деле это была лишь ошибка актера (ДиКаприо), слегка напутавшего с текстом сценария. Тем не менее, Кэмерону понравилась эта оговорка, и именно этот дубль вошел в итоговый вариант фильма.

Кстати, рисунок, изображающий Роуз, был сделан самим Джеймсом Кэмероном, именно его руки мы видим в кадре. Все остальные рисунки в альбоме Джека также являются результатами работы Джеймса. Действительно, талантливый режиссер талантлив во всем!

Самое забавное в этой ситуации то, что Джеймс Кэмерон левша. При монтаже отснятые кадры были зеркально инвертированы.

Сцена, в которой Роуз благодарит Джека за то, что он спас ей жизнь, является полнейшей импровизацией актеров.

Изначально для съемки сцены, в ходе которой вода впервые проникает внутрь корабля, было запланировано 40 тысяч галлонов воды. Однако этого оказалось недостаточно, и Кэмерон попросил увеличить количество галлонов в 3 раза. После этого потребовалось переделать часть декораций, не выдержавших дополнительного веса.

Кэмерон был категорически против использования каких-либо песен в его картине. И тогда композитор Джеймс Хорнер решил пойти на хитрость. В тайне от Джеймса он вместе с Уиллом Дженнигсом (автором текста) и певицей Селин Дион записали песню «My Heart Will Go On». Позднее демокассету вручили Джеймсу. Дальнейший результат все прекрасно знают — песня удостоилась премии Оскар.

Картина возглавляла американский бокс-офис в течение 15 недель, с 19 декабря 1997 по 2 апреля 1998.

Для записи саундтрека Джеймс Кэмерон планировал пригласить Энию. После того, как Эния отказалась, Джеймс привлек для записи звуковой дорожки своего старого знакомого Джеймса Хорнера (в свое время они поработали над картиной «Чужие»). Сделать это было не так просто, ибо у композитора остались не самые приятные воспоминания от совместной работы с Кэмероном, предъявлявшим к своим подопечным сверхжесткие требования. Интересно, что музыка, написанная Хорнером к данной картине, по стилистике очень похожа на музыку Энии. Таким образом, Кэмерону все-таки удалось добиться желаемого результата.

Макет корабля в натуральную величину был сооружен в водах огромного бассейна на мексиканском пляже Розарито. Строительство началось в день 85-ой годовщины запуска Титаника — 31 мая 1996 года. В целях уменьшения накладных расходов, количество повторяющихся компонентов корабля (таких как окна) было уменьшено, а некоторые детали были смоделированы лишь на 90%.

После того, как корабль ломается на две части, нос судна начинает тонуть довольно быстро. Учитывая поломку корабля, макет был изначально разделен на две части. Однако, благодаря плавучести эта полновесная конструкция все равно не могла стремительно пойти ко дну. Тогда Кэмерон предложил следующее решение: заполнить воздушное пространство между двумя отсеками водой, затем поднять конструкцию и быстро затопить ее, пока вода не успела вытечь. Эта идея сработала.

Задняя часть макета корабля была помещена на специальную платформу, позволявшую быстро принять вертикальное положение. Всего для съемок этой сцены было сделано 10 дублей, каждый из которых потребовал около сотни статистов-каскадеров, падающих вниз.

Вместо того, чтобы использовать дорогущие вертолеты в ходе съемочного процесса, было решено задействовать 50-метровый кран, помещенный на рельсы.

Актриса Глория Стюарт изображала постаревшую Роуз, возраст которой по сценарию составлял 101 год. Самой же Глории на момент съемок было всего лишь 86, и по заверениям самой актрисы, ей было крайне неприятно накладывать макияж для того, чтобы выглядеть еще старше.

Персонаж Розы частично основан на калифорнийской актрисе Беатрис Вуд, которая умерла в 1998 году в возрасте 105 лет.

Глория Стюарт, получив номинацию «Лучшая актриса второго плана», стала самым старым человеком, номинировавшимся на «Оскар». Ей было тогда 87 лет.

Глория Стюарт была единственной среди всех, кто принимал участие в съёмках, жившей во время настоящей катастрофы «Титаника» в 1912 году.

Бюджет картины составил 200 миллионов долларов. Эта сумма превышает средства, затраченные на строительство Титаника. В 1910-1912 годах было потрачено 1.5 миллиона фунтов стерлингов, что соответствовало 7,5 миллионам долларов. С учетом инфляции в 1997 году эта сумма составила бы от 120 до 150 миллионов долларов.

По завершению съемок полноразмерная модель Титаника была разобрана и распродана на металлолом.

Будучи дамой преклонных лет, Роуз обзавелась собачкой породы шпиц. Во время катастрофы шпиц стал одним из трех выживших псов. Кэмерон снял эпизод спасения собак, однако в финальную версию фильма решил его не вставлять.

Самая дорогая каюта на Титанике стоила 4,350 долларов, что в наши дни является эквивалентом 75 тысяч долларов.

Джеймс Кэмерон лишился своего 8-миллионого гонорара и процента от общих сборов после того, как продюсеры узнали о том, что планируемый бюджет серьезно превышен (200 миллионов вместо запланированных 135).

Во время работы над сценарием картины, Джеймс Кэмерон настоял на том, что главные герои Джек Доусон и Роза Дьюитт Бьюкейтер должны быть вымышленными персонажами. Лишь после того, как работа над сценарием была завершена, Джеймс узнал, что на борту Титаника был пассажир «Дж. Доусон». Джозеф Доусон родился в 1888 году в Дублине. Тело Джозефа было захоронено в Нова Скотии наряду с остальными погибшими. Сегодня его могила (№ 227) является самой посещаемой на кладбище.

Впервые с 1966 года картина выиграла Оскара в номинации «Лучший фильм», не являясь претендентом на получение статуэтки в номинации «Лучший сценарий». В 1966 году аналогичная участь постигла кинофильм «Звуки музыки».

После получения Оскара фильм завоевал главный приз и на церемонии MTV Movie Award.

Роль Кэла Хокли была практически в кармане у Майкла Бина, однако в конечном итоге досталась Билли Зейну.

На сегодняшний день рекорд церемонии Оскара — 11 статуэток, завоеванных одним фильмом. Этот результат делят три картины — «Бен Гур» (1959), «Титаник» (1997) и «Властелин колец 3» (2003).

Во время съемок сцен гибели «Титаника» Кейт Уинслет заработала воспаление легких.

Картина владеет еще одним рекордом — рекордом длительности проката. Премьера состоялась 19 декабря 1997 года, а последний сеанс прошел 25 сентября 1998 года. Таким образом, фильм находился в ротации в течение 281 дня.

Леонардо ДиКаприо и Кейт Уинслет согласились принять участие в картине задолго до появления окончательного варианта сценария, основываясь на набросках Джеймса Кэмерона.

Клэр Дэйнс была главной кандидатурой на роль Роуз в «Титанике». От роли она отказалась, потому что недавно уже снялась с ДиКаприо в «Ромео+Джульетте».

В кастинге на роль Джека Доусона участвовал Кристиан Бейл, однако его кандидатуру Кэмерон отверг в числе первых, так по сценарию главными действующими персонажами должны были стать американцы. Кэмерон решил, что с него хватит и одной «неамериканки» Кейт Уинслет.

Актер Макалай Калкин («Один дома 1,2») также мог сыграть роль Джека Доусона.

Из уст Джека имя «Роуз» звучит ровно 76 раз.

Роза произносит имя «Джек» 80 раз, не включая, когда она говорит «Мистер Доусон», но включая произношения из уст обеих актрис, исполнивших роль Розы - Уинслет и Стюарт.

Стандартное для влюбленных «Я люблю тебя» Роуз говорит лишь однажды — в самом конце фильма. Джек за все три часа действия не произносит эту фразу ни разу.

В момент, когда корабль находится в вертикальном положении, мы можем увидеть в кадре человека в белом, пьющего из фляжки. По слухам, одному из коков удалось выжить именно благодаря алкоголю. Он пробыл в воде в течение нескольких часов и умудрился не замерзнуть.

Кейт Уинслет была одной из немногих актёров, кто не захотел носить гидрокостюм во время съёмок водных сцен.

Когда один из управляющих кораблём произносит «Полный вперёд!», мы слышим как кто-то подхватывает «Полный вперёд!» на заднем плане. На самом деле это был голос режиссёра Джеймса Кэмерона.

В реальной жизни было беспокойство по поводу того, что шлюпбалки не достаточно крепкие, чтобы выдержать спуск полностью загруженных спасательных шлюпок, хотя они и проверялись под таким весом. Шлюпбалки для фильма, которые можно заметить сгибающимися под большим весом, были изготовлены той же самой компанией, что и в 1912 году для настоящего «Титаника».

Съёмки отплытия «Титаника» в Саутгемптонском порту производились «в зеркальном отражении»: из-за экономии модель «Титаника» в натуральную величину покрыли металлом только с левого борта (прогноз погоды предсказывал южный ветер, поэтому было решено поставить модель носом к югу, чтобы ветер относил дым из труб к корме, и это создавало бы дополнительную иллюзию движения судна). Однако, в Саутгемптоне настоящий «Титаник» был пришвартован правым бортом, и чтобы не погрешить против истории, Джеймс Кэмерон решил снимать «наоборот». Для этого часть оборудования, реквизита, костюмов заказали «перевёрнутыми». Позже, при монтаже отснятого материала, изображение «перевернули» так, что всё стало правильно.

У модели «Титаника» в натуральную величину отсутствовал нос. Его каждый раз добавляли на компьютере. Когда Джеймс Кэмерон увидел, в какую сумму обошлись эти спецэффекты, он воскликнул: «Лучше бы мы его построили»!

Дольше всех на планете фильм был в прокате в кинотеатре «Салют» города Екатеринбурга, это зафиксировано Книгой Рекордов Гиннесса.

Если исходить из окончательных расходов, то получается, что одна минута готового фильма стоила один миллион долларов.

У молодой Розы зелёные глаза, а у постаревшей героини они приобретают то голубой, то неопределённый оттенок.

Капитан Смит заваривает чай в пакетиках, хотя в 1912 году ещё никто не додумался завернуть чайные листья в мешочки из тонкой бумаги.

Гимн, исполняемый на службе в корабельной часовне, будет написан через двадцать пять лет после катастрофы.

Капитанский мостик погружался на 14-ти минутном отрезке фильма 4 раза и столько же выныривал снова на поверхность.

Роза платит Джеку за то, чтобы он нарисовал её портрет, монетой в 10 центов, на которой изображён Рузвельт. На самом деле такая монета появилась только в 1946 году.

Во время съёмок сцены столкновения «Титаника» с айсбергом позади палубы, на которой находились Леонардо ДиКаприо и Кейт Уинслет, поставили зелёный экран, который потом во время монтажа заменили на компьютерное изображение айсберга. Но для того, чтобы сцена выглядела реалистичнее, на палубу сверху сыпали куски настоящего льда.

Эффект намёрзшего льда на одежде и волосах пассажиров «Титаника», оказавшихся в воде, достигался тем, что их волосы и одежда покрывались воском, а так же специальным порошком, который от соприкосновения с водой превращался в кристаллы. А пар изо рта добавлялся на компьютере.

Джеймс Кэмерон сознательно пошёл на допущение исторической неточности при съёмках эпизодов в спасательных шлюпках. Ночь на 15 апреля 1912 года была безлунной, звёзды давали слишком мало света, а режиссёру надо было хоть как-нибудь осветить декорации. Поэтому Кэмерон дал в руки некоторых офицеров электрические фонарики, которых, увы, не было у настоящих офицеров в 1912 году.

Когда монтировали фильм, Кэмерон приклеил к монтажному компьютеру лезвие с инструкцией «Использовать только в крайнем случае!».

Сроки съемок были превышены на 22 дня.

Подготовительная работа началась задолго до фактического начала съемок, режиссер нанимал российскую подводную лодку, проводил подводные съемки судна, нанимал искусствоведов и художников, которые должны были восстановить интерьер корабля.

Подводные съёмки затонувшего «Титаника» проводились в сотрудничестве со специалистами из лаборатории глубоководных аппаратов Института океанологии имени П. П. Ширшова Российской Академии наук.

Первый фильм, кассовые сборы которого в прокате составили более 1-го миллиарда долларов.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
В центре сюжета история двух влюбленных, развивающаяся на фоне грядущей катастрофы. Джек, зарабатывающий на жизнь подработками в разных местах и рисованием различных портретов. Роза, девушка, которую сватуют по расчёту из-за финансового положения её семьи. Оба встречаются на борту Титаника и влюбляются друг в друга.

Лента получилась очень напряжённой, зрелищной и очень красивой. Операторская работа Рассела Карпентера, который уже не в первый раз работал с Кэмероном выше похвал, а как была показана сцена на носу корабля, это просто красивейший ракурс съёмки!

Саундтрек Джеймса Хорнера вновь просто сражает наповал, в очередной раз он пишет музыку, которая просто равноценна ленте, вспомнить хотя бы «Отважное сердце», «Чужие», «Легенды осени». Его музыка всегда зовёт в полёт и эта лента одна из лучших в его карьере. Ну а венцом фильма стала проникновенная композиция "My Heart Will Go On" в исполнении Celin Dion. Такая чарующая, такая манящая, такая красивая и такая печальная. Без сомнения, один из лучших саундтреков, которые доводилось слышать.

Но чем ещё так прекрасен фильм Джеймса Кэмерона? Конечно, самым светлым чувством на Земле — любовью. Она дышит, живёт и струится через главных героев фильма. Именно она дала этой катастрофе такую притягательную окраску, заставила всех, не отрываясь следить за каждым движением героев. Неимоверно красиво, донельзя трогательно, романтично, чувственно, самозабвенно, страстно и пылко. Зритель по-настоящему сострадает героям, переживает за них. Ведь их любви не мешает ничто. Ни социальная разница, ни воспитание, ни семья Роуз. Одна из самых трогательных и чарующих историй мужчины и женщины в мировом кинематографе. И с этим не поспоришь…

Страх, паника, отчаяние, жажда жизни, боль, ужас. Только эти эмоции отражаются на лицах пассажиров «Титаника» во время крушения. И я невольно замираю в кресле, не могу оторваться от экрана. Это так страшно, прочувствовать всё случившееся и стать его частью. Стираются границы социальных слоёв, тот, кто пытался выглядеть смелым, оказывается трусом, привилегии ничего не значат. Важны только благородство, отвага, смелость и стремление помочь выжить себе и другим. И тут открываются все реальные лица героев. И богачи не столь благородны, а вот бедняки гораздо лучше первых. Смотря на весь этот ужас, нельзя не содрогнутся, нельзя не проявить эмоций. Ведь это не просто масштабная и грандиозная картинка, это когда-то было. Люди гибли, желая жить…

Грандиозность этого киношедевра поражает. И бюджет на это тоже «тонко» намекает. Зрелищно, невероятно, невообразимо, масштабно. И так естественно и правдоподобно, что невольно сжимается сердце от всего происходящего на экране. Тоны воды, обрушивающиеся на головы беззащитных людей, крики, стоны, вопли. Яркая и жестокая картинка, которая ещё нескоро покинет мою память. И эти гигантские винты, похоронившие под собой ни одну сотню жизней.

Актёрский состав в фильме отличный. Молодой Леонардо ДиКаприо. После «Титаника», как не банально это звучит, он проснулся знаменитым. Здесь Лео великолепен во всех отношениях. Молодой, неимоверно симпатичный, романтичный и талантливый. В него невозможно не влюбиться. Очень хороша Кейт Уинслет. Без сомнения, талантливая актриса. А здесь ещё свежая, чувственная, юная. Из них получилась одна из самых красивых и романтичных пар мирового кинематографа. Не могу не отметить Билли Зейна. Чертовски красивый негодяй, оказавшийся с такой гнилой и слабой душой. Но как сыграно. Ещё меня очень поражают в хорошем смысле этого слова капитан «Титаника» в исполнении Бернарда Хилла, который ещё успеет засветиться во «Властелине колец», и конструктор лайнера в исполнении Виктора Гарбера. Эти люди так самоотверженны, так преданы своему делу и так благородны, что готовы погибнуть как герои.

Эта лента превысила в США и Канаде кассовые сборы в размере 600 млн. долларов, а в мире получила 1,8 млрд. долларов. Даже в России, где прежняя система кинопроката практически несколько лет была разваленной, «Титаник» только в залах со стереозвуком собрал рекордную сумму более 5 миллионов долларов. Рассказывают, что в некоторых провинциальных городах, где кинотеатры почти не функционировали, они заново открывались для показа американской мелодрамы-катастрофы. И зрители с охотой шли на просмотр, а кое-кто — даже по несколько раз. Кстати, и зарубежная практика подтвердила, что немало зрителей, прежде всего — женщин (одна старушка в Австралии посетила демонстрацию «Титаника» свыше ста раз!) и, в основном, девушек-подростков, неоднократно сострадали героям Леонардо ДиКаприо и Кейт Уинслет, их романтической любви, окончившейся столь трагически.

Такой повсеместный и оглушающий успех «Титаника», вдобавок награждённого 11-ю «Оскарами» (что стало повторением рекорда «Бен-Гура», который был достигнут ещё в 1959 году), никто не ожидал — теперь уж точно можно это сказать (думается, что упорный сценарист-режиссёр-продюсер Джеймс Кэмерон в своих смелых прогнозах вряд ли загадывал большую, чем 300 миллионов долларов, сумму кассовых сборов в Америке). И несмотря на то, что отдельные иностранные и наши критики всё ещё продолжают язвительно нападать на сочинение Кэмерона, считая, что он ничего не добавил к известной истории крушения гигантского морского лайнера (спрашивается, почему тогда не имели такой шумный резонанс все предшествующие киноверсии?), надо спокойно разобраться и проанализировать феномен «Титаника» не только с кинематографической, но и с социально-психологической точки зрения.

Беспрецедентный триумф фильма, который в американском прокате вышел на первое место по коммерческим показателям, казалось бы, свидетельствует о том, что аналогов у подобной феноменальной популярности нет, а причины зрительского ажиотажа необъяснимы. Но если принять во внимание отнюдь не данные кассовых сборов, а учесть также и то, что коммерческие результаты старых картин следует непременно пересчитывать с оглядкой на инфляцию курса доллара и изменение цен на билеты в течение прошедших десятилетий, ситуация предстанет несколько в ином свете.

На первом месте со значительным отрывом по-прежнему находится лента «Унесённые ветром», а среди остальных десяти лидеров, помимо «Титаника», присутствуют «Звуки музыки» и «Доктор Живаго», а также «Десять заповедей» и «Бен Гур». То есть почти половина самых кассовых американских фильмов — это, по сути, мелодрамы, действие которых развёртывается на историческом фоне, или же эпические кинопроизведения, где выдуманное тесно переплетено с тем, что реально могло быть.

И ещё одна картина в этом суперсписке — «Челюсти» (кстати, вот вторая «водная история», опровергающая печальную статистику провалов других лент, тематически связанных с водой) — странным образом сочетает пугающую фантазию и подлинные случаи нападения акул на людей, происшедшие на Атлантическом побережье США, на территории Новой Англии, в местечке Мартас Винъярд. Только четыре оставшихся фильма-рекордсмена можно смело назвать абсолютными фантазиями, выдуманными сказками для детей и взрослых — «Звёздные войны», «Е. Т., Инопланетянин», «Книга джунглей» и «Белоснежка и семь гномов».

Причём небезынтересно и то, что «Титаник» смог обойти «Доктора Живаго» — а именно его Джеймс Кэмерон называл в качестве образца для подражания и вообще отдавал должное эпически -романтическому стилю англичанина Дэвида Лина, который является непререкаемым авторитетом также и для других современных американских режиссёров — от Мартина Скорсезе до Стивена Спилберга. В конечном же результате (если пересчитывать все данные на сегодняшний день) «Титаник» оказался на шестом месте за всю историю кинематографа США, в том числе оставив за собой в последнем рывке на финише библейскую киносагу «Десять заповедей» Сесила Блаунта Де Милля.

Всё это вовсе не принижает успех картины Кэмерона, а напротив, ставит её в точный исторический и кинематографический контекст. Собственно говоря, все вышеперечисленные ленты — от анимационных работ студии Уолта Диснея до компьютерных феерий современных киновундеркиндов — обладают, так или иначе, чертами Большого Голливудского Стиля и рассчитаны не на определённую аудиторию любителей конкретных жанров и стилей, а в идеале — на разнородную публику, от мала до велика. Это может быть так называемый «семейный просмотр» в случае похода родителей вместе с детьми в кинотеатр на увлекательные кинофантазии. Или же состав зрителей в зале оказывается непроизвольно смешанным по возрастным и социально-интеллектуальным характеристикам благодаря тому, что в самых популярных фильмах заложены приманки чуть ли не для всех категорий населения.

Конечно, немаловажное значение имеет так называемая харизма кинозвёзд — нынешний мировой культ Леонардо ДиКаприо говорит сам за себя. Однако немало существует прежних и современных кумиров в кино, которые, тем не менее, не вызвали такого поголовного ажиотажа. Чрезвычайно значимо и то, что именно Джеймс Кэмерон умело вписал абсолютно выдуманный любовный роман в подлинную историческую ситуацию, которая, к тому же, связана со впечатляющей катастрофой. А зрители всегда испытывали непреодолимую склонность как раз к романтическим историям на фоне катаклизмов, будь то общественные или природные, развязанные самими людьми или же стихийно возникшие. И соответствующий грандиозности потрясений необходимый Большой Голливудский Стиль, масштабная и многолюдная постановка, снабжённая самыми современными спецэффектами, — чем не лакомый кусочек для миллионов любителей кино во всём мире?!

Всё так — с этим нельзя не согласиться. Но суперрекордсмены кинопроката обладают ещё неким непредсказуемым, таящимся глубоко внутри них мощным зрительским потенциалом, который впору сравнивать со скрытой энергией глобального разрушительного свойства, что присуще атомной бомбе. Тогда в действие уже вступают подспудные механизмы воздействия - а интернациональность и тотальность успеха «Титаника» (в отличие, например, от «Форреста Гампа», справедливо имевшего, в большей степени, всеамериканскую популярность) демонстрирует, что этот фильм затронул, задел за живое широкие массы людей, живущих на излёте века и тысячелетия.

Вот это, пожалуй, может быть определённой подсказкой для понимания феномена «Титаника». Увлечённость современного кинематографа, в первую очередь — американского, фантастикой в целом, а, в частности, идеей близкого и вполне возможного конца света, тем более в ситуации слома столетий и тысячелетий, заставляет выбрасывать на поверхность немало якобы пророческих и эсхатологических, по сути, картин, которые подчас впечатляюще рисуют грядущие вселенские катастрофы. Но, чего греха таить, они зачастую спекулятивны, придуманы от начала и до конца, а кроме того, преимущественно рассчитаны на мужскую аудиторию — от детей и подростков до отцов семейств и даже престарелых дедов.

Жаль, что Американская киноакадемия почему-то не удосужилась даже выдвинуть в число номинантов «Оскара» Джеймса Кэмерона как сценариста и Леонардо ДиКаприо, исполнителя главной мужской роли, поскольку в суперудаче «Титаника» немаловажное значение принадлежит именно им. Вспомним, что в 1953 году премия за оригинальный сценарий досталась как раз очередной (и далеко не лучшей) версии о трагедии гигантского корабля. А заслуга Кэмерона, который придумал новый поворот всем давно знакомой истории, заключается в том, что он нашёл беспроигрышный и не подлежащий никакому сомнению, тем более — опровержению, сюжетный ход, явно сочинённый на основе подлинных фактов.

Конечно же, не было никакого юного художника Джека Доусона, который будто бы «в списках не значился», попал на корабль случайно и в самый последний момент. А встреченная им на «Титанике» возлюбленная из рода разорившихся английских аристократов, уцелев после катастрофы, осталась вне поля зрения скандальных журналистов и прежде всего — охотников за затопленными сокровищами, потому что приняла фамилию погибшего юноши. Они оба выпали из Истории, но, как ни парадоксально, легче всего вписываются в неё назад, будучи возрождёнными в фантазии сценариста. Отдалённая и всеобщая трагедия индивидуализируется, тем самым приближаясь к зрителям, которые готовы к максимальному сопереживанию выдуманным (однако, согласитесь, вполне возможным) страстям в момент исторического катаклизма, невольно приобретающего библейско-апокалиптический смысл.

Что касается героя ДиКаприо и самого актёра, то именно имидж (почти типаж — настолько он сразу прочитывается по своему внешнему облику) романтического парня в высшем свете, как и немыслимый нарастающий ажиотаж в мире по поводу персоны исполнителя данной роли (это сравнимо разве что с первыми приступами «битломании» у девушек-подростков в середине 60-х годов), способствовали стремительной рекламной раскрутке самого дорогостоящего кинопроекта, которому многие предрекали повторение судьбы корабля «Титаник».

Этот персонаж да и сам Леонардо ДиКаприо, который не рвался заискивать перед «голливудской аристократией» и демонстративно проигнорировал оскаровскую церемонию, — действительно из породы благородных отщепенцев и чужаков. Он словно неприкаянный творец, подобно Юрию Живаго («Доктор Живаго»), или некий Маугли («Книга джунглей»), затерявшийся космический пришелец («Е. Т., Инопланетянин»), наконец, сопоставимый по своему акту предсмертного спасения хотя бы одной души в новом Ноевом ковчеге с пророком Моисеем, который сорок лет водил народ по пустыне, прежде чем вывести его в землю обетованную и умереть, исполнив сей завет («Десять заповедей»).

И, тем не менее, у героя «Титаника» не может быть ничего общего с иудейским знатным отпрыском Бен Гуром из одноимённой ленты, который пострадал от римской тирании и однажды встретил на собственном крестном пути самого Иисуса Христа, подавшего ему, несчастному, испить воды; и даже не южанин-искатель приключений Ретт Батлер («Унесённые ветром»). Потому что эти персонажи, преодолевающие всё на своём пути, победительны и, конечно, заслуживают номинации или даже «Оскара» (как Чарлтон Хестон за роль Бен Гура) в отличие от уже упомянутых, а также от неожиданно неуверенного и закомплексованного шерифа в «Челюстях». Что ни говорите, Америка любит и награждает только выживающих героев, а среди них — только тех, кто выходит из исторических событий и житейских перипетий непоколебимым и уверенным в себе.

Вот и Джеймс Кэмерон был знаменательно отмечен за режиссёрский и продюсерский подвиг по созданию супербюджетного фильма «Титаник», а также за почти Лаокооновы усилия в качестве одного из монтажёров в попытках справиться со многими километрами отснятой плёнки, но показательно не оценён за им самим придуманный оригинальный сценарий. Признать авторство в этом — означало бы в данной ситуации поощрить дерзкое возвеличивание образа безвестного нищего художника и ещё более возмутительный поступок престарелой героини в финале, выбрасывающей в морскую пучину огромный драгоценный камень, за которым все напрасно охотились почти целый век.

Интересные факты:

Исторический факт: 10 апреля 1912 года красавец-лайнер «Титаник» отошёл из Ливерпуля по направлению к берегам Северной Америки. Пересекал лайнер Атлантический океан всего лишь несколько дней. 14 апреля 1912 года он столкнулся с айсбергом и через 2 часа 40 минут полностью ушёл под воду. В катастрофе погибло свыше 1500 человек. Это трагедия стала одной из самых ужасных и легендарных в истории мореплавания и вообще в истории XX века. Газеты долго не умолкали…

Создание трехмерной версии «Титаника» обошлось в $18 млн. и потребовало 60 недель – это дольше, чем шли съемки фильма.

Главным действующим персонажем картины должен был стать Мэттью МакКонахи, однако Джеймс Кэмерон настоял на кандидатуре Леонардо ДиКаприо. А роль Розы предлагалась Гвинет Пэлтроу.

Глубоководные кадры, вошедшие в финальную версию фильма, составляют по хронометражу всего 12 минут. На деле же каждое погружение на глубину занимало несколько часов. В целях улучшения эффективности использования ресурсов, Джеймс Кэмерон распорядился подготовить макет останков Титаника, уменьшенный в 33 раза. Каждое настоящее погружение было отрепетировано с использованием этой модели и моделей русских субмарин. Как показала практика, репетиции не прошли даром.

Всего состоялось 12 погружений. Во время последних двух картинка передавалась специальным устройством, установленным внутри останков Титаника. Некоторые кадры были смоделированы на компьютере.

Джеймс Кэмерон также участвовал в погружениях и осмотре останков Титаника наряду с профессиональными подводниками.

Картины, использованные при съемках фильма, являются подлинниками. Одной из таких картин стала работа Пабло Пикассо «Гитарист» 1903 года, любезно предоставленная для съемок Парижским музеем искусств. Многие декорации — от ковров до люстр — были воссозданы по архивным эскизам компаний, участвовавших в создании антуража «Титаника».

Перед тем, как приступить к изображению Роуз на холсте, Джек говорит ей: «Ложись на кровать, ой я хотел сказать на кушетку». На самом деле это была лишь ошибка актера (ДиКаприо), слегка напутавшего с текстом сценария. Тем не менее, Кэмерону понравилась эта оговорка, и именно этот дубль вошел в итоговый вариант фильма.

Кстати, рисунок, изображающий Роуз, был сделан самим Джеймсом Кэмероном, именно его руки мы видим в кадре. Все остальные рисунки в альбоме Джека также являются результатами работы Джеймса. Действительно, талантливый режиссер талантлив во всем!

Самое забавное в этой ситуации то, что Джеймс Кэмерон левша. При монтаже отснятые кадры были зеркально инвертированы.

Сцена, в которой Роуз благодарит Джека за то, что он спас ей жизнь, является полнейшей импровизацией актеров.

Изначально для съемки сцены, в ходе которой вода впервые проникает внутрь корабля, было запланировано 40 тысяч галлонов воды. Однако этого оказалось недостаточно, и Кэмерон попросил увеличить количество галлонов в 3 раза. После этого потребовалось переделать часть декораций, не выдержавших дополнительного веса.

Кэмерон был категорически против использования каких-либо песен в его картине. И тогда композитор Джеймс Хорнер решил пойти на хитрость. В тайне от Джеймса он вместе с Уиллом Дженнигсом (автором текста) и певицей Селин Дион записали песню «My Heart Will Go On». Позднее демокассету вручили Джеймсу. Дальнейший результат все прекрасно знают — песня удостоилась премии Оскар.

Картина возглавляла американский бокс-офис в течение 15 недель, с 19 декабря 1997 по 2 апреля 1998.

Для записи саундтрека Джеймс Кэмерон планировал пригласить Энию. После того, как Эния отказалась, Джеймс привлек для записи звуковой дорожки своего старого знакомого Джеймса Хорнера (в свое время они поработали над картиной «Чужие»). Сделать это было не так просто, ибо у композитора остались не самые приятные воспоминания от совместной работы с Кэмероном, предъявлявшим к своим подопечным сверхжесткие требования. Интересно, что музыка, написанная Хорнером к данной картине, по стилистике очень похожа на музыку Энии. Таким образом, Кэмерону все-таки удалось добиться желаемого результата.

Макет корабля в натуральную величину был сооружен в водах огромного бассейна на мексиканском пляже Розарито. Строительство началось в день 85-ой годовщины запуска Титаника — 31 мая 1996 года. В целях уменьшения накладных расходов, количество повторяющихся компонентов корабля (таких как окна) было уменьшено, а некоторые детали были смоделированы лишь на 90%.

После того, как корабль ломается на две части, нос судна начинает тонуть довольно быстро. Учитывая поломку корабля, макет был изначально разделен на две части. Однако, благодаря плавучести эта полновесная конструкция все равно не могла стремительно пойти ко дну. Тогда Кэмерон предложил следующее решение: заполнить воздушное пространство между двумя отсеками водой, затем поднять конструкцию и быстро затопить ее, пока вода не успела вытечь. Эта идея сработала.

Задняя часть макета корабля была помещена на специальную платформу, позволявшую быстро принять вертикальное положение. Всего для съемок этой сцены было сделано 10 дублей, каждый из которых потребовал около сотни статистов-каскадеров, падающих вниз.

Вместо того, чтобы использовать дорогущие вертолеты в ходе съемочного процесса, было решено задействовать 50-метровый кран, помещенный на рельсы.

Актриса Глория Стюарт изображала постаревшую Роуз, возраст которой по сценарию составлял 101 год. Самой же Глории на момент съемок было всего лишь 86, и по заверениям самой актрисы, ей было крайне неприятно накладывать макияж для того, чтобы выглядеть еще старше.

Персонаж Розы частично основан на калифорнийской актрисе Беатрис Вуд, которая умерла в 1998 году в возрасте 105 лет.

Глория Стюарт, получив номинацию «Лучшая актриса второго плана», стала самым старым человеком, номинировавшимся на «Оскар». Ей было тогда 87 лет.

Глория Стюарт была единственной среди всех, кто принимал участие в съёмках, жившей во время настоящей катастрофы «Титаника» в 1912 году.

Бюджет картины составил 200 миллионов долларов. Эта сумма превышает средства, затраченные на строительство Титаника. В 1910-1912 годах было потрачено 1.5 миллиона фунтов стерлингов, что соответствовало 7,5 миллионам долларов. С учетом инфляции в 1997 году эта сумма составила бы от 120 до 150 миллионов долларов.

По завершению съемок полноразмерная модель Титаника была разобрана и распродана на металлолом.

Будучи дамой преклонных лет, Роуз обзавелась собачкой породы шпиц. Во время катастрофы шпиц стал одним из трех выживших псов. Кэмерон снял эпизод спасения собак, однако в финальную версию фильма решил его не вставлять.

Самая дорогая каюта на Титанике стоила 4,350 долларов, что в наши дни является эквивалентом 75 тысяч долларов.

Джеймс Кэмерон лишился своего 8-миллионого гонорара и процента от общих сборов после того, как продюсеры узнали о том, что планируемый бюджет серьезно превышен (200 миллионов вместо запланированных 135).

Во время работы над сценарием картины, Джеймс Кэмерон настоял на том, что главные герои Джек Доусон и Роза Дьюитт Бьюкейтер должны быть вымышленными персонажами. Лишь после того, как работа над сценарием была завершена, Джеймс узнал, что на борту Титаника был пассажир «Дж. Доусон». Джозеф Доусон родился в 1888 году в Дублине. Тело Джозефа было захоронено в Нова Скотии наряду с остальными погибшими. Сегодня его могила (№ 227) является самой посещаемой на кладбище.

Впервые с 1966 года картина выиграла Оскара в номинации «Лучший фильм», не являясь претендентом на получение статуэтки в номинации «Лучший сценарий». В 1966 году аналогичная участь постигла кинофильм «Звуки музыки».

После получения Оскара фильм завоевал главный приз и на церемонии MTV Movie Award.

Роль Кэла Хокли была практически в кармане у Майкла Бина, однако в конечном итоге досталась Билли Зейну.

На сегодняшний день рекорд церемонии Оскара — 11 статуэток, завоеванных одним фильмом. Этот результат делят три картины — «Бен Гур» (1959), «Титаник» (1997) и «Властелин колец 3» (2003).

Во время съемок сцен гибели «Титаника» Кейт Уинслет заработала воспаление легких.

Картина владеет еще одним рекордом — рекордом длительности проката. Премьера состоялась 19 декабря 1997 года, а последний сеанс прошел 25 сентября 1998 года. Таким образом, фильм находился в ротации в течение 281 дня.

Леонардо ДиКаприо и Кейт Уинслет согласились принять участие в картине задолго до появления окончательного варианта сценария, основываясь на набросках Джеймса Кэмерона.

Клэр Дэйнс была главной кандидатурой на роль Роуз в «Титанике». От роли она отказалась, потому что недавно уже снялась с ДиКаприо в «Ромео+Джульетте».

В кастинге на роль Джека Доусона участвовал Кристиан Бейл, однако его кандидатуру Кэмерон отверг в числе первых, так по сценарию главными действующими персонажами должны были стать американцы. Кэмерон решил, что с него хватит и одной «неамериканки» Кейт Уинслет.

Актер Макалай Калкин («Один дома 1,2») также мог сыграть роль Джека Доусона.

Из уст Джека имя «Роуз» звучит ровно 76 раз.

Роза произносит имя «Джек» 80 раз, не включая, когда она говорит «Мистер Доусон», но включая произношения из уст обеих актрис, исполнивших роль Розы - Уинслет и Стюарт.

Стандартное для влюбленных «Я люблю тебя» Роуз говорит лишь однажды — в самом конце фильма. Джек за все три часа действия не произносит эту фразу ни разу.

В момент, когда корабль находится в вертикальном положении, мы можем увидеть в кадре человека в белом, пьющего из фляжки. По слухам, одному из коков удалось выжить именно благодаря алкоголю. Он пробыл в воде в течение нескольких часов и умудрился не замерзнуть.

Кейт Уинслет была одной из немногих актёров, кто не захотел носить гидрокостюм во время съёмок водных сцен.

Когда один из управляющих кораблём произносит «Полный вперёд!», мы слышим как кто-то подхватывает «Полный вперёд!» на заднем плане. На самом деле это был голос режиссёра Джеймса Кэмерона.

В реальной жизни было беспокойство по поводу того, что шлюпбалки не достаточно крепкие, чтобы выдержать спуск полностью загруженных спасательных шлюпок, хотя они и проверялись под таким весом. Шлюпбалки для фильма, которые можно заметить сгибающимися под большим весом, были изготовлены той же самой компанией, что и в 1912 году для настоящего «Титаника».

Съёмки отплытия «Титаника» в Саутгемптонском порту производились «в зеркальном отражении»: из-за экономии модель «Титаника» в натуральную величину покрыли металлом только с левого борта (прогноз погоды предсказывал южный ветер, поэтому было решено поставить модель носом к югу, чтобы ветер относил дым из труб к корме, и это создавало бы дополнительную иллюзию движения судна). Однако, в Саутгемптоне настоящий «Титаник» был пришвартован правым бортом, и чтобы не погрешить против истории, Джеймс Кэмерон решил снимать «наоборот». Для этого часть оборудования, реквизита, костюмов заказали «перевёрнутыми». Позже, при монтаже отснятого материала, изображение «перевернули» так, что всё стало правильно.

У модели «Титаника» в натуральную величину отсутствовал нос. Его каждый раз добавляли на компьютере. Когда Джеймс Кэмерон увидел, в какую сумму обошлись эти спецэффекты, он воскликнул: «Лучше бы мы его построили»!

Дольше всех на планете фильм был в прокате в кинотеатре «Салют» города Екатеринбурга, это зафиксировано Книгой Рекордов Гиннесса.

Если исходить из окончательных расходов, то получается, что одна минута готового фильма стоила один миллион долларов.

У молодой Розы зелёные глаза, а у постаревшей героини они приобретают то голубой, то неопределённый оттенок.

Капитан Смит заваривает чай в пакетиках, хотя в 1912 году ещё никто не додумался завернуть чайные листья в мешочки из тонкой бумаги.

Гимн, исполняемый на службе в корабельной часовне, будет написан через двадцать пять лет после катастрофы.

Капитанский мостик погружался на 14-ти минутном отрезке фильма 4 раза и столько же выныривал снова на поверхность.

Роза платит Джеку за то, чтобы он нарисовал её портрет, монетой в 10 центов, на которой изображён Рузвельт. На самом деле такая монета появилась только в 1946 году.

Во время съёмок сцены столкновения «Титаника» с айсбергом позади палубы, на которой находились Леонардо ДиКаприо и Кейт Уинслет, поставили зелёный экран, который потом во время монтажа заменили на компьютерное изображение айсберга. Но для того, чтобы сцена выглядела реалистичнее, на палубу сверху сыпали куски настоящего льда.

Эффект намёрзшего льда на одежде и волосах пассажиров «Титаника», оказавшихся в воде, достигался тем, что их волосы и одежда покрывались воском, а так же специальным порошком, который от соприкосновения с водой превращался в кристаллы. А пар изо рта добавлялся на компьютере.

Джеймс Кэмерон сознательно пошёл на допущение исторической неточности при съёмках эпизодов в спасательных шлюпках. Ночь на 15 апреля 1912 года была безлунной, звёзды давали слишком мало света, а режиссёру надо было хоть как-нибудь осветить декорации. Поэтому Кэмерон дал в руки некоторых офицеров электрические фонарики, которых, увы, не было у настоящих офицеров в 1912 году.

Когда монтировали фильм, Кэмерон приклеил к монтажному компьютеру лезвие с инструкцией «Использовать только в крайнем случае!».

Сроки съемок были превышены на 22 дня.

Подготовительная работа началась задолго до фактического начала съемок, режиссер нанимал российскую подводную лодку, проводил подводные съемки судна, нанимал искусствоведов и художников, которые должны были восстановить интерьер корабля.

Подводные съёмки затонувшего «Титаника» проводились в сотрудничестве со специалистами из лаборатории глубоководных аппаратов Института океанологии имени П. П. Ширшова Российской Академии наук.

Первый фильм, кассовые сборы которого в прокате составили более 1-го миллиарда долларов.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Эта картина в очередной раз нам показала каким бывает наше правосудие, неважно где, и в США ошибок в правосудии хватает, что и доказал фильм. Главная идея фильма, это безысходность в которой оказалась совершенно обычная американская семья, ни в чем и не перед кем не виновная, не считая упрямых фактов, доказательств и норм законов… поистине слепое правосудие.

По сюжету герой Рассела Кроу - Джон очень любит свою жену и своего ребёнка, работает учителем в муниципальном колледже, но случилось так, что его жену посадили в тюрьму за убийство. Многочисленные апелляции не приносят никакого результата. Доказать невиновность невозможно. У Джона остается только один выход — организовать побег своей супруги.

Фильмы про побеги из тюрем всегда держат в напряжении. К тому же интересно наблюдать за метаморфозами главных героев, которые перебарывают свою нерешительность и страхи. Сама организация побега и продумывание плана тоже увлекают. Все это имеется и здесь.

Джон — не герой боевиков, вообще на первый, подчеркиваю, взгляд не герой, а среднестатистический семьянин. Мы привыкли, что герои — это крутые мужики, у которых всегда все идет как по маслу. Джон — герой, но в другом смысле, очень сильный духом персонаж, к которому испытываешь безграничное уважение. Отличительной особенностью фильма является его реалистичность в человеческом смысле. Поэтому из всех используемых здесь разновидностей жанров, наиболее главенствующий — конечно драма. И только потом идет триллер с элементами боевика, криминал, великолепно проработанная музыка, и отлично поставленная динамика заключительной части фильма. Фильм безусловно рассчитан на первый просмотр и берет напряжением, неизвестностью следующих минут, поэтому смотрится на одном дыхании. При этом незабываемые ощущения доставляет одновременное сочетание динамизма-экшена и драмы финальной части.

Фильм достоин похвалы как минимум из-за блестящей актёрской работы. Рассел Кроу превосходен ! Играет скромного преподавателя, который вынужден переступить через свой страх, нарушить законы, и всё это ради своей жены. Он очень правдоподобно показал то, как меняется его герой, действуя не «на ура», а методом проб и ошибок: если он ищет паспорт, то он его действительно ищет, а не покупает вдруг у первого встречного; если он стреляет из пистолета, то ты веришь, что ещё некоторое время назад он не знал, куда засовывать патроны; если он любит жену и сына, то показывает эту любовь очень искренне.

Рассел так невероятно передал все эмоции, все переживания, всю боль и безумное желание дать жене свободу, потому что свято верит в ее невиновность.

А ещё он устоял перед такой заманчивой приманкой в виде умницы и красавицы Оливии Уайлд, эпизодическая роль которой весьма приметна. Элизабет Бэнкс играет тоже убедительно: сначала счастливая жена и мать, потом совершенно отчаявшаяся женщина, которой от этой жизни уже ничего не надо. Запоминающаяся роль у Лиама Нисона, чувствуется уровень актёра: блеснуть он может и за короткие 4 минуты экранного времени.

Мощный фильм разбавленный привычными нам штампами и некоторым количеством известных актеров в маленьких ролях. Сюжет интересен с точки зрения подачи и реализации. Конечно, местами режиссер выдает нам просто фантастические идеи. Момент с изготовлением суперключа, открывание машины при помощи теннисного мяча, освобождение любимой жены из под носа полицаев, простота и решимость главного героя. Это не сильно кренит картину, но в тоже время отсутствие всяких примочек, превратило бы фильм в рутину. Большим вопросом для внимательного зрителя остается «побег». Эффектно снятый и спланированный экшен эпизод не смог не оставить после себя кучу вопросов и недоумений. В правдоподобности происходящего порой вериться с трудом. И здесь невольно приходит сравнение с фильмом «Законопослушный гражданин». Хоть фильмы и отличаются подачей — они схожи своим посылом. Оба фильма о мужчине и его семье, и оба фильма о неидеальности судебной системы. У обоих фильмов свои ляпы в сценарии, но при просмотре прилипаешь к экрану и переживаешь, переживаешь, переживаешь. Знакомое чувство?

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Уничтожив лишь двоих членов группы «Смертоносных гадюк», Невеста не собирается сдаваться и останавливаться. Ещё остались трое. Её меч остр как никогда раньше, но и враги не лыком сшиты и всеми силами готовы встретить неугомонную мстительницу. Битва продолжится до тех пор, пока Невеста не доберётся до своей главной цели — Билла. Героиня Умы Турман на этот раз отправляется в техасские прерии, чтобы навестить еще двух персон из своего смертельного списка — одноглазую злюку Эль Драйвер (сногсшибательная Дэрил Ханна) и брата Билла - Бада (идеальный Майкл Мэдсен). Только расквитавшись с этими людьми, Невеста может сразиться лицом к лицу со своим главным противником — классическая традиция, почерпнутая из мифологии кунг-фушных боевиков и предсказуемая в своем сюжетном развитии, которая компенсируется у Тарантино великолепной подачей материала - то есть сочетанием убийственной серьезности и полнейшей несерьезности.

Вторая часть, как ни странно, очень отличается от первой. Если в первой было много экшена, крови, трюков и манга, то вторая больше похожа на драму с элементами боевика. Безусловно, есть и динамика, и великолепнейшие диалоги, и прекрасная игра Умы Турман. Первая и вторая часть — это земля и небо. Первая часть — безумие, кровавость и непредсказуемость стиля Тарантино. Вторая — более духовная, непростая, но в тоже время жутко интересная история, от которой не становится скучно. По большей части, второй фильм содержит в себе смысл происходящего и раскрытие взаимоотношений героев, притом раскрытию уделили достаточно длинное время, нежели самой мести. Мы по-новому смотрим на героев, понимаем их, вникаем в происходящее. Да, тут нет того, что мы видели в первом фильме, но это же фильм Тарантино, это его произведение, а он снимает то, что хочет. Будучи киноманом до мозга костей, и как любой киноман, он хотел рассказать любимые истории по-своему. И у него это получилось.

Квентин здесь сентиментален и великодушен. Половину фильма едва ли не покадрово воспроизводятся знаменитые «спагетти» — вестерны Леоне с их эпическими паузами, краткими, но трагедийными диалогами, сверхкрупными планами глаз и размеренно-протяжными мелодиями Морриконе. От лоскутного китчевого безумия «Чтива» не осталось практически никакого следа. Теперь Тарантино с предельной серьезностью дешевого умника, решившего стать разом и мифотворцем, и сказителем, и драматургом, во всех деталях фиксирует отчетливую материнскую любовь и безотчетную детскую нежность: именно эта простодушная буквальность, чуждая всякого эстетства и символизма, выдает в нем закалку видеотеки, а не интеллектуальную школу. Но лишь отдельные моменты — вроде Майкла Мэдсена, рассуждающего с дробовиком в руках о простреленных грудях, и Дэрил Ханна, у которой выковыряли и раздавили единственный глаз, — еще напоминают, что режиссера зовут Квентин, а его персонажи все-таки бешеные псы.

С таким настроем Тарантино продолжает свой цикл приключений безумной мстительницы и полностью раскрывает ее характер (здесь даже называется имя Невесты), показывает нам её тяжёлое прошлое, в которых можно раскрыть корни всех бед. Думаете, Билл просто так убил семью героини и отправил её в кому? Тем, кто так думает, режиссёр смело плюёт в лицо. На самом деле между Биллом и Невестой есть нечто большее, чем месть. Любовь? Возможно именно это стало причиной тех бед, что случились в первой части.

Экшен-сцен здесь практически нет, и стоит отметить лишь одну — безумную схватку Невесты и Элли Драйвер. Эта схватка вышла довольно напряжённой, безумной, а финал её выходит по-прежнему предсказуемым. Всё. Зато Тарантино добавляет во франшизу драматизм и глубокий смысл. Таким образом, можно сказать, что финальная схватка выходит не такой, какой мы её ожидали увидеть. Сама схватка выходит по большей части моральной, раскрытие непростых взаимоотношений Невесты и Билла. И вот ты думаешь, что уже ничего не будет, герои найдут компромисс. Но нет.

Тарантино вновь, как и в первой части, делает ставку на фабульное развитие сюжетной линии, разбивая картину на пять равномерных глав. Но, приближаясь к закономерному финалу, Квентин в очередной раз отдает предпочтение нелинейному повествованию, наводняя свою картину двумя мастерски снятыми флэшбэками, дающими исчерпывающие ответы на многие вопросы, оставшиеся открытыми после первого фильма. Зрителю наверняка будет интересно узнать, за что Билл так жестоко наказал свою возлюбленную в день ее венчания («В эту минуту я совершаю свой самый мазохистский поступок») и откуда, собственно, Невеста обучилась всем этим боевым трюкам, что позволили ей в первом фильме не моргнув глазом разобраться с 88-мью приспешниками О-Рен.

Так и не показав главного антигероя в первой части, Тарантино решает во второй не играть на нервах зрителя и преподносит героя Дэвида Кэррадайна практически с первых минут фильма. Его персонаж вопреки всеобщим ожиданиям оказывается вовсе не ходульным злодеем — наоборот, этаким обаятельным бэдгаем, словно вышедшим из вселенной «Бешеных псов» и «Криминального чтива». Но в отличие от Мистера Белого и Джулса Уинфилда, герой Кэррадайна не способен на милосердие и внутреннюю трансформацию, оставаясь подонком, пускай и философствующим на тему схожести Супермена и Беатрикс Кидо.

Под стать ему и Бад в исполнении Майкла Мэдсена — только в фильмах Тарантино вышибала из стриптиз-бара, подрабатывающий в этом же заведении слесарем, может выдавать монологи на уровне Шекспира и высокопарно рассуждать по поводу «воинов и их врагов». Актер после двенадцати лет простоя, отделявших его от роли Мистера Блондина в «Бешеных псах», вновь демонстрирует потрясающую актерскую игру, балансируя на грани «оскотининной» крутости и еле уловимого, но все же присутствующего, душевного надлома. Интересная деталь: в присутствии Бада, Невеста не произносит не одного слова, даже когда он смачно плюет ей в лицо и хоронит заживо, что лишний раз указывает на уникальность героя Мэдсена, чье появление в фильме, стало одним из главных его украшений.

Автор бессмертных диалогов об Амстердаме и массаже ног, в который раз насыщает свою картину всевозможными ссылками на мировую киноклассику, разглядеть которые под силу лишь таким же кинофанатам, как он сам. Известная всем и каждому страстная любовь Тарантино к творчеству Серджио Леоне сказывается практически во всем: от музыкального сопровождения в духе Эннио Морриконе, до визуального цитирования знаменитых крупных планов легендарного итальянца. Кровавой бойне в часовне «Две сосны» станет предшествовать невероятно поэтичный саундтрек из «Хорошего, плохого, злого», а в одной из сцен силуэт Умы Турман будет приближаться к камере точь в точь как Генри Фонда в «Однажды на Диком Западе».

Пребывавший в шестилетнем творческом кризисе, главный кинобунтарь 90-х вернулся в новом десятилетии со своим самым неожиданным фильмом, явно отличающимся от того, что Тарантино снимал раньше. Фильмом, который проще не понять, чем полюбить, и который практически сразу же после выхода на экраны нарекли современной классикой. Тарантино невероятным образом удалось снять кино, на которое смело можно вешать ярлык «вневременное» — даже спустя 30-40 лет оно будет смотреться так же, как сейчас смотрятся шедевры Леоне и Куросавы. Надергав всевозможных фишек и прибамбасов из «старого» кинематографа, Тарантино недвусмысленно доказал собственным примером, что вторичное использование, порой, может оказаться намного более изобретательным, чем исходное.

Интересные факты:

Впервые фильм был продемонстрирован в городе под названием Остин, штат Техас. Завершился он пятиминутным шквалом непрекращающихся оваций. Впечатление было настолько велико, что продюсер Харви Вайнштейн отказался вносить в финальный вариант фильма какие бы то ни было изменения.

История судьбы мастера Пей Мея рассказывается при помощи флейты под музыку из сказки композитора Прокофьева «Петя и Волк». Пей-Мей означает «Белая бровь».

Глава «Месть Юки» была вырезана из фильма для того, чтобы появилась другая глава — «Резня меж двух сосен», в которой детально показано нападение на Невесту.

Глава номер 8 носит гордое название «Одинокая могила Паулы Шульц». Глава названа именно так по мотивам фильма 1968 года «Невероятные мечты Паулы Шульц», романтической комедии, в которой роль Паулы исполнила Эльке Соммер, а роль Билла — Боб Крейн.

Роль мастера Пей Мея по задумке Квентина должен был сыграть хореограф Юань Ву-Пинг, однако по состоянию здоровья не смог справиться с предложенным заданием. В конечном итоге роль сыграл Гордон Лиу, в первой части сыгравший роль Джонни Мо, главаря токийского клана убийц.

Пэй Мэй появляется в нескольких фильмах братьев Шоу, включая «Клан Белого Лотоса» (1980).

Изначально Квентин Тарантино намеревался создать имитацию плохого дубляжа Пэй Мэя: в то время как он говорит на кантонском наречии, зритель слышит дублированную английскую версию. Тарантино собирался подарить собственный голос для дубляжа, однако, в конце концов, решил, что Пэй Мэй должен разговаривать на своем родном языке, а зритель читать субтитры.

Одну из сцен Квентин написал уже в процессе съемок фильма. Она заменила довольно рискованый момент с участием Л. Ф. О`Бойла. Этой сценой в конечном варианте фильма стали воспоминания Невесты об одном из первых убийств, совершенном самим Биллом.

В фильме содержится несколько ссылок на «Бешеных псов» (1992), включая: — Невеста достает лезвие из ковбойского сапога. В «Бешеных псах» то же самое делал мистер Блондин (Майкл Мэдсен). — В разговоре между Невестой и Биллом, последний говорит, что огнестрельная рана в колено весьма болезненна. В «Бешеных псах» мистер Белый (Харви Кейтель) говорит мистеру Оранжевому (Тим Рот): «Раны в колено и в живот — это всегда самые болезненные раны». — Бадд (Майкл Мэдсен) стоит в дверном проеме своего трейлера в той же самой позе, что и мистер Блондин в «Бешеных псах» (1992).

Во всех сценах между Баддом и Невестой последняя ни разу не произносит ни одного слова.

Машина Билла, на которой он приезжает к Бадду, — итальянский концепт-кар «De Tomaso Mangusta».

По словам Билла (Дэвид Кэррадайн), Невеста (Ума Турман) — прирожденная убийца. Квентин Тарантино написал сценарий фильма «Прирожденные убийцы» (1994).

Билл (Дэвид Кэррадайн) играет на большой деревянной флейте. Это — та же самая флейта, на которой играл персонаж Дэвида в сериале «Кунг-фу» (1972).

Музыка, которая играет в момент, когда Бадд стреляет в Невесту, позаимствована из фильма «За пригоршню долларов» (1964).

Сигареты, которые курят в фильме, — «American Spirits». Их логотип можно заметить при крупных планах того или иного персонажа. Также в картине появляется вымышленная сигаретная марка «Red Apple», которую Тарантино использует во всех своих фильмах.

После выхода картины Квентин Тарантино заявил, что когда-нибудь он точно сделает еще два фильма о вселенной «Убить Билла». Первый из них должен рассказать предысторию «DiVAS» и будет сделан в виде аниме. Действие второго будет происходить в будущем, где повзрослевшая дочка Верниты Грин (Вивика Фокс), Никки (Амброзия Келли), попытается отомстить Невесте за убийство своей матери.

В трейлере Бадда можно заметить постер фильма «Мистер Маджестик» (1974). В «Настоящей любви» (1993), сценарий которой написал Квентин Тарантино, Дрексл (Гари Олдман) называет Кларенса (Кристиан Слэйтер): «Долбанный Чарли Бронсон. Мистер Маджестик».

В реальной жизни, автомобиль Элли — 1980 Pontiac Trans-Am — принадлежит Дэрил Ханне.

В заключительной сцене фильма, Ума Турман сидит на диване точно так же, как и её персонаж в «Криминальном чтиве» (1994).

В фильме содержится несколько ссылок на «Криминальное чтиво» (1994), включая: — В сцене, где Невеста разговаривает с подосланной к ней убийцей, она говорит: «Я — самая опасная женщина в мире». В пилотном выпуске сериала, где снималась Миа Уоллес (Ума Турман), точно так же была охарактеризована её героиня.

Гонорар Роберта Родригеза за несколько музыкальных композиций для фильма составил 1 доллар. Точно такой же гонорар получил Квентин Тарантино за свою работу в «Городе грехов» (2005).

В заключительном разговоре между Невестой и Биллом, она говорит, что была готова запрыгнуть на мотоцикле на движущийся поезд. Это — ссылка на трюк в исполнении Мишель Йео в «Полицейской истории 3: Суперполицейский» (1992).

Ларри называет Бадда бесполезным, как задница на локте. Ларри Бишоп произносил точно такую же фразу в «The Savage Seven» (1968).

Для фильма было снято несколько сцен с участием Майкла Джей Уайта, однако они не попали в финальный вариант картины. Единственная сцена, где присутствует его персонаж, доступна на DVD в разделе «Удаленные сцены».

Когда Невеста идет в комнату Билла, она проходит мимо нескольких клерков из обслуги. Один из них — Лоуренс Бендер, продюсер фильма.

В отличие от предыдущих картин Квентина Тарантино (включая «Убить Билла часть 1») финальные титры не начинаются с титра «режиссер и сценарист Квентин Тарантино». Его имя появляется последним, перед тем как «поползут» обычные заключительные титры.

Две ссылки на «Искателей» (1956): — Невеста выходит на крыльцо церкви, перед тем как встретить Билла. — Невеста выходит из трейлера Бадда после драки с Элли Драйвер. Данный кадр идентичен финальному кадру из «Искателей», где Джон Уэйн уходит в пустыню, перед тем как захлопывается дверь дома.

Когда учительница начальных классов делает перекличку, то среди прочих имен она называет Марти Китроссера. Мартин Китроссер был супервайзером всех сценариев Квентина Тарантино.

Повязка на глаз у Элли Драйвер — это ссылка на фильм Джека Хилла «Switchblade Sisters» (1975). Сид Хэйг, часто игравший в картинах Джека, исполнил в данном фильме роль бармена в стриптиз-баре, где работает Бадд.

Белую «Хонду», на которой попал в аварию Бутч в «Криминальном чтиве» (1994) и которая также присутствовала в «Джеки Браун» (1997), можно заметить на стоянке возле стриптиз-клуба, где работает Бадд.

Название сыворотки правды Билла — «Неоспоримая правда» — повторяет название соул-группы 1970-х гг.

В первоначальной версии сценария фильма финальная схватка между Биллом и Невестой должна была происходить на пляже под лунным светом. Невеста должна была быть одета в свое подвенечное платье. Когда стало ясно, что съёмки фильма затягиваются на непозволительно долгое время, Харви Вайнштейн потребовал от Тарантино переписать концовку, для того чтобы сократить период съёмок. В готовом фильме Билл лишь вскользь упоминает о таком поединке, а также на афишах картины Невеста изображена в свадебном платье, держащая меч.

В одном из интервью Квентин Тарантино подтвердил, что образ Элли Драйвер был создан на основе героини Кристины Линдберг в «Thriller — en grym film» (1974).

Эстебан (Майкл Паркс) говорит Невесте, что вилла Билла находится по дороге к Салине. Это — ссылка на фильм Риты Хэйуорт «Road to Salina» (1971).

На своем пути к трейлеру Бадда (после того как она выбралась из могилы), Невеста идет через пустыню. Её фигура постепенно преобразуется из размытой картинки в четкий силуэт. Это — ссылка на Генри Фонду в «Однажды на Диком Западе» (1968).

Когда Билл начинает рассказывать легенду о Пэй Мэе, он говорит: «Однажды в Китае…» (Once upon a time in China…). Один из фильмов Джета Ли называется «Однажды в Китае» (1991).

Братьев, сыгранных Дэвидом Кэррадайном и Майклом Мэдсеном, зовут Билл и Бадд. Главного персонажа романа Германа Мелвилла звали Билли Бадд.

Пистолет Билла — Colt Single Action Army, «Peacemaker».

Элли говорит: «Теперь слушай внимательно, т. к. это касается тебя». Точно такую же фразу произносит персонаж Сэмюэля Л. Джексона в фильме «Джеки Браун» (1997).

На репетиции свадьбы Билл говорит Невесте: «Мне не безразлично, кто женится на моей девочке». Это — ссылка на «Его девушка пятница» (1940), где точно такую же фразу произносит персонаж Кэри Гранта.

Когда Невеста выходит на крыльцо церкви, играет музыка из фильма «Хороший, плохой, злой» (1966).

Отчасти в основе рассуждений Билла о Супермене лежит книга Джулса Файффера «Великие герои комиксов» (The Great Comic Book Heroes).

Среди вариантов финальной схватки Билл предлагает Невесте старомодный бой на мечах на пляже на восходе солнца, что является ссылкой на последний поединок в самурайской трилогии Хироши Инагаки «Самурай 3: Поединок на острове» (1956).

Музыка, играющая в сцене, где Невеста выбирается из могилы, позаимствована из картины «Mercenario, Il» (1968).

В данной картине у Невесты отсутствует «Шмаровозка», т. к. в оригинальном сценарии, Юки Юбари, сестра ГоГо, разбивала её некоторое время спустя после убийства Верниты Грин.

Квентин Тарантино известен своей нелюбовью к продакт-плейсменту, поэтому он всегда использует в своих фильмах вымышленные торговые марки. Однако данная картины стала исключением из правил: хлеб, который Билл использует для сэндвичей во время рассказа истории об Эмилио — BIMBO, реально-существующая торговая марка хлеба, очень популярная в Мексике.

Мы узнаем, что Биллу было пять лет, когда он посмотрел в кинотеатре «Почтальон всегда звонит дважды» (1946), следовательно, можно предположить, что он родился в 1941 году.

До того как было изменено название шестой главы с «Может ли она испечь вишневый пирог?» (Can She Bake a Cherry Pie?) на «Резня в часовне «Две сосны» (Massacre at Two Pines), жена Сэмюэля Л. Джексона, ЛаТаня Ричардсон должна была сыграть владелицу казино, которая погибала от рук Билла.

Джули Дрейфус предложила две музыкальные композиции для фильма. Первая из них — «The Chase» — звучит в сцене, где Элли едет к Бадду; вторая — «The Sunny Road To Salina» — Невеста идет по пустыне к трейлеру Бадда.

Номерной знак джипа Билла, когда он привозит Невесту к Пэй Мэю, — «THX 1169», что является ссылкой на картину Джорджа Лукаса «Галактика THX 1138» (1971).

Машина бирюзового цвета, на которой передвигается Невеста, — Volkswagen Type 14 «Karmann-Ghia». Судя по внешнему виду, автомобиль должен был быть произведен около 1970 года бразильским подразделением «Volkswagen».

Ума Турман носит часы Rolex Daytona.

После боя между Элли и Невестой, Элли, корчась от боли на полу, кричит и расшвыривает предметы почти точно так же, как и Прис из «Бегущего по лезвию» (1982), которую также сыграла Дэрил Ханна.

Номер квартиры Билла в Мексике – 101. Точно такой же номер квартиры был у Нео в «Матрице» (1999). Юэн Ву-Пин поставил боевые сцены для обоих фильмов. Вдобавок, комната 101 – это ссылка на книгу Джорджа Оруэлла «1984», где в данной комнате обитает то, чего ты боишься больше всего. Комната 101 в романе Оруэлла представляет собой камеру пыток, находящуюся в Министерстве любви. С её помощью партия пытается подчинить заключённых, используя в качестве наказания их наибольшие страхи и фобии.

Мультфильм, который вместе смотрят БиБи и Невеста в конце фильма, — «The Talking Magpies» (1946).

Когда Невеста и БиБи лежат в кровати, по телевизору идет сериал «Shane» (1966), где одну из ролей сыграл Дэвид Кэррадайн.

Музыка, которая играет в сцене смерти Билла, — главная музыкальная тема из фильма «Навахо Джо» (1966), которую также можно услышать в «Выскочке» (1999).

Главная героиня оказывается погребенной заживо и, чтобы выбраться, начинает бить крышку гроба кулаком. От ударов на крышке остаются следы ее крови из-за разодранных костей пальцев. Когда героине все же удается выбраться, она отправляется в кафе, где кладет руки на барную стойку, и можно заметить, что кости ее пальцев ничуть не повреждены.