Описание (клик - развернуть/свернуть):
На сегодняшний день криминальную драму можно назвать более-менее успешным направлением. Конечно, Оскары жанр не гребет, но каждый год появляется несколько достойных фильмов, некоторые из которых запомнятся еще на долгое время. Эталонным триллером об ограблениях пока считается «Схватка» Майкла Манна и «На гребне волны» Кэтрин Бигелоу. Однако, стоит учитывать, что при схожести тем и даже изобразительных средств, криминальная драма и триллер очень сложносовместимые жанры, ибо один должен рассказать душещипательную историю, а другой — держать в напряжении, в том числе и погонями со стрельбой. Новый фильм Бена Аффлека в лучших традициях современного американского кино совмещает в себе оба направления, являясь и качественным боевиком о грабителях банков, и в то же время хорошей историей о молодом человеке, повязанном в необычном семейном бизнесе. «Город Воров» имеет в себе на высоком уровне все стандарты криминального кино об ограблениях, но с дополнительными оттенками драматизма, которые очень скрасили фильм. В фильме сделано всё просто, но очень эффектно. Реалистичные сцены перестрелок, погонь и ограблений. Должного уровня игра актёров. Отдельное восхищение от Джереми Реннера, точнее его брутальности и крутости и мой респектабельный привет «Повелителю Бурь» и «28 Недель спустя». Чтобы вжиться в образ, Джереми Реннер общался с осуждёнными за ограбления преступниками родом из Чарльстауна. От них он, в частности, перенял специфический акцент. Ко всему этому ещё добавлю перевод без цензуры на полную версию фильма, благодаря которому диалоги не грузили, и скучать не приходилось в сценах без экшена.

Отчасти тут даже есть мотивы мелодрамы, но взгляд на нее окажется куда взрослее, чем у большинства подобных фильмов, из-за отсутствия оптимистичных надежд на беспрепятственность любви. И если первую половину действа может показаться, что Аффлек (как режиссер, и как его актерский персонаж) уж слишком увлекся нежными чувствами к девушке, главной свидетельнице идеального ограбления его банды, то уже в последующих линиях станет ясно, что тут имеет место серьезная драма, считающаяся с обстоятельствами. Именно эта любовная линия намекает на то, что Дуг МакРэй все еще находится одной ногой в юношеском возрасте, хоть давно повзрослел и избавился от всякого максимализма, кроме прочего стал одним из здравомыслящих людей в банде бостонских грабителей. Однако, его «бизнес» — родительское наследие, его друзья — выросшие пацаны, с которыми он шатался еще подростком, а он при всей мужественности, так и остался в родном гнезде, из которого вообще-то давно вырос. Удивительно и то, что грабить банки вовсе не «весело», и может быть даже не «круто», как кажется по многим фильмам, в «Городе Воров» — это обязанность перед семьей, перед друзьями отца, матерыми стариканами, которые никому не позволят выйти из дела. Эти самые «боссы» вовсе не крутые дяди, разъезжающие на Мерседесах и Ягуарах, у них нет особняков и бассейнов с девочками, на вид они вообще престарелые представители малого бизнеса «на районе», которые, несмотря на то, что всю жизнь грабили банки, не добились ничего в жизни. И невольно возникает мысль, что весь «Город» Аффлека на самом деле, ни что иное, как история запоздавшего взросления, в силу реалий Чарльзтауна и повысившихся ставок, превратившаяся в настоящую криминальную драму, где наравне могут сосуществовать наивная влюбленность и ограбление века в стиле манновской «Схватки».

Всего за 37 миллионов, Аффлеку удалось сделать то, что многим хорошим режиссерам не удавалось и за большие деньги — продержать зрителя в напряжении в течении двух с лишним часов, ловко управляясь и с драматической постановкой и с масштабными боевыми сценами. Конечно, тут он не ставил целью, сделать экшн, как Манн. Ограбления в «Городе Воров» обычно проходят по очень простой схеме, которую даже можно назвать минималистичной для эффектного триллера. За исключением последнего дела, где на полицейскую засаду, по ходу, и ушла львиная доля бюджета. При этом Аффлек еще и главную роль исполняет, поражая не только сильной режиссурой, но и игрой. Сделано все, довольно небогато, но со вкусом и чувством меры, отчего фильм хочется поставить повыше, и надеяться, что в дальнейшем он тоже будет служить примером отличного сочетания триллера и драмы.

Большая роль в смысловой нагрузке уделяется выражению «по другую сторону», которое выражается аж в нескольких аспектах, и это не только борьба полиции с преступниками и взаимная любовь жертвы и грабителя. Здесь подразумевается сам город, где некоторые дети, вроде Дуга, от рождения предопределены стоять по иную сторону от закона, и бояться оказаться по другую сторону тюремной решетки. Преступления героев грозят им нешуточным тюремным сроком, и это еще при том, что они принципиально не убивают людей. Но в этот сложный бизнес легко попасть и невозможно выйти, а поэтому несчастья повалятся одно за другим, а очевидных выходов только два — и, чтобы вести нормальную жизнь придется собственноручно прорубить третий.

Сюжет также можно назвать в числе хороших сторон фильма. Интерес поддерживается за счет вполне ожидаемых поворотов, не позволяющих истории топтаться на одном месте. Но несмотря на очевидность, это не частая черта фильмов, ведь, был бы сценарий «Города» слабее, он так бы и не пошел дальше разборок Дуга с любимой девушкой и старыми друзьями, боящимися, что они станут известны полиции. Здесь же их фотографии оказываются в главных подозреваемых еще в первых сценах, а разгром славной группировки будет лишь вопросом времени, ведь как уже было сказано, ступив на этот путь, выйти из игры будет почти невозможно, а уж без огромных жертв и потерь — просто нереально.

В целом, в «Городе» не так уж и много экшена — перестрелки быстро заканчиваются в пользу количества, а погони легко прерываются какой-нибудь жизненной нелепостью, а бегать на своих двоих тут и вовсе никто не собирается. Напряжение же поддерживается в силу частого изменения позиций героев, а по уровню серьезности все это тянет на хорошую драму, в которой только потому, что разворачивается она в Чарльзтауне (том самом Городе Воров), тут вообще есть вооруженные ограбления, и по важности они все-таки уступают чувствам героев. Прежде всего «Город» — это крепкая, агрессивная криминальная драма, одна из лучших за этот год, по праву претендующая надолго остаться в умах зрителей.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Резонансный фильм-расследование, как и «Тренировочный день» (2001), затрагивает обратную сторону мира полицейских. Контакты с мафией, коррупция, кумовство. Фредди Хефлин (Сильвестр Сталлоне) — шериф крошечного городка Гаррисон - пригород Нью-Йорка, в котором живут в основном нью-йоркские полицейские. Фредди их очень уважает и немного им завидует, ведь в его городе обычно ничего не случается. Город был основан профсоюзом, чтобы в нем жили только полицейские и их семьи. Полиция опасалась держать семьи в самом Нью-Йорке, из-за расправ, и со временем город вырос, оброс своими тайнами, делишками и напускной идеализированной атмосферой порядка и чистоты улиц во всех смыслах! Ни воров, ни убийц, ни хулиганов. Только лишь бравые полицейские, их семьи, бары и отдых после работы. Тут, в «стране копов», куда они каждый вечер возвращаются к женам и стриженным лужайкам, они сами — закон, и что происходит в Гаррисоне, остается в Гаррисоне. Но так ли все идеально, как кажется на первый взгляд? Хоть кто-то замечает «подводное течение»?

Неожиданно в Гаррисон приезжает сотрудник службы внутренней безопасности (Роберт Де Ниро), расследующий дело о коррупции в полиции. Он просит шерифа Фредди помочь ему. Быть полицейским, шерифом, в городе полицейских, будучи при этом флегматичным добряком, местным неудачником, объектом для шуток в стиле «штрафуй машины за превышения, пока мы в Нью-Йорке кровь проливаем», удел не из легких. Но уважение Фредди к коллегам превыше всего. Святая в вера в идеалы закона и правосудия, не дает местному шерифу разглядеть «темную сторону» Гаррисона, даже когда ему открывает глаза сотрудник внутренней безопасности, который следит за многими полицейскими городка уже не один год.

После «Дневного света», «Специалиста», «Разрушителя» и тому подобных дорогих и коммерчески успешных лент, за которые Сталлоне получал баснословные гонорары и являлся кумиром миллионов, именно, как герой экшен-боевиков, Сильвестр решил сняться в малобюджетной криминальной драме всего за шестьдесят тысяч долларов, доказывая публике, что он не только экшен-герой, но и драматический актер. Да и начинал то он свою карьеру вовсе не с супер-геройского образа.

Поправившийся, с пластырем на носу, глухой на одно ухо, скромный и тихий, Сильвестр играет шерифа в так называемой стране полицейских и живет по принципу «мне все равно». Слай играет действительно классно. Другой Сталлоне тоже не может не понравиться, потому что ему действительно веришь. Роль наивного и трудолюбивого парня, постоянно смотрящего на другую сторону реки и мечтающего работать в большом городе, ему удалась на славу, потому что, глядя в его честные глаза, можно поверить, кажется, во всё, что угодно. Не видя правды до определенного момента, он все-таки решается пойти против большинства и навести справедливость в городке, так как никто не может быть выше закона.

«Город полицейских» - это фильм про то, что и один человек способен изменить мир и вершить справедливость, пусть даже самый скромный и тихий.

В конечном остатке у нас очень ровная и неторопливая криминальная драма с впечатляющим актерским составом, которую абсолютно не портит ощутимый дефицит динамики. Немного затянутая, нудная, монотонная и весьма своеобразная, но всё же вполне не плохая история для особой категории зрителей и поклонников столь звездных актеров. Фильм просто усыпан плеядой «золотого состава» фильмов 90-х — Роберт Де Ниро, Роберт Патрик, Харви Кайтель, Рэй Лиотта: все большие актеры, ветераны криминальных хитов и боевиков, только что, на тот момент отгремевших в Голливуде. Просто хорошие парни собрались и снялись в хорошем кино! Так раньше иногда бывало в Голливуде. И кстати, ни у кого на тот момент за фильм не было большого гонорара, ибо бюджет был крайне мал. Но актеров это не остановило, всем понравился сценарий.

Интересные факты:

Сильвестр Сталлоне специально для этого фильма набрал 40 фунтов веса, окружность его талии увеличилась с 31 до 39 дюймов. В процессе набора веса он заработал радикулит, учащенное сердцебиение, обратный ток желчи, проблемы с пищеварением и головные боли.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
В конце концов, можно было бы и остановиться. После оскаровской «Малышки на миллион», после уникальной дилогии об Иводзиме, после менее удачной, но все равно занятной и кондиционной «Подмены», где Анджелина Джоли предстает в макияже "кокаиновый шик". После того как тебе стукнуло 78, и ты уже не раз намекал, что готов к уходу в длительный творческий отпуск. Но нет — одинокий ковбой Клинт Иствуд не сдается: он снова выходит на большую дорогу и снимает потрясающее кино, в котором играет главную роль.

Уолт Ковальски, еще полвека назад на корейской войне отстреливавший все, что движется, по-современному выражаясь, неполиткорректен и не чужд ксенофобии. А говоря по-старому, он просто закоренелый расист. Всю жизнь проработал на конвейере автомобильного завода в Детройте, и в гараже стоит его гордость — собственноручно собранный Гран Торино 1972 года. Его жена умерла, своих взрослых сыновей он презирает за то, что они заняты "узаконенным воровством" — торговлей, к тому же они, позорники, продают японские машины. Он сидит с банкой пива, сигаретой и верной собакой на крыльце своего дома под американским флагом и с отвращением смотрит, как его, словно армия противника, все более плотно окружают иммигранты всех мастей. Даже его врач Фельдман ушел на пенсию, вместо него пациентов принимает доктор Чу. Иммигранты сбиваются в банды, имеют наглость устраивать разборки прямо на его газоне, а в один прекрасный день группа узкоглазых отморозков подговаривает робкого мальчишку Тао увести из гаража угрюмого соседа Гран Торино.

Тао — потомок беженцев из Лаоса — неожиданно входит в жизнь Уолта, и старик становится его покровителем, хотя при этом и называет пренебрежительно "zipperhead" (одно из многочисленных сленговых словечек, обозначающих лиц азиатской национальности). Так вот, именно этому смертельно больному герою, не верящему ни в бога, ни в черта, предстоит, словно в волшебной сказке, переродиться и стать защитником чужого ему парня, которому он отдаст все, что у него есть — свою жизнь и свою машину.

Поздние фильмы Иствуда в пересказе неизменно кажутся то бесстыдной мелодрамой, то военной агиткой, то соцреалистической чепухой — пока не посмотришь, все равно не поверишь, во что превращается у него история про парализованную боксершу или подвиг американских солдат на японском острове. Иствуд — последний, возможно, режиссер в мире, которому классические американские жанры подвластны в чистом, без копившихся десятилетиями наслоений, виде. Он все равно ревизионист, конечно, но ревизионист с позиций уникального опыта, а не запоздалого осмысления. Иствуд и снимает в некотором смысле то бесстыдную мелодраму, то соцреалистическую чепуху — но мы должны придумывать или вспоминать для них другие, особые формулировки просто потому, что больше так уже не снимает никто.

Любые определения будут звучать слишком громоздко для такого простого, выдохнутого, словно сигаретный дым, фильма, как «Гран Торино». Ну да, наверное, он про столкновение культур, про невинность и опыт, про груз прошлого и освобождение от него. Или скорее про достоинство. Очень часто в своих фильмах Клинт Иствуд затрагивает тему рассовых и социальных конфликтов в США, а также поднимает классический вопрос взаимоотношений разных поколений друг с другом. Что делать человеку, на старости лет ставшему никому не нужным? Как пережить смерть единственного по-настоящему близкого человека? Возможна ли в принципе дружба людей совершенно разных культур, возраста и воспитания? И может ли истерзанная душа пожилого ветерана, отвергнутого собственной семьёй, обрести долгожданный мир и покой? Именно об этом и повествует «Гран Тонино».

Самое главное достоинство фильма — это его искренность. И дело не только в неподдельной актёрской игре практически всех персонажей (часть из которых, к слову, сыграны не профессиональными актёрами, благодаря чему эмоции на экране — подлинные). Режиссёр показал самую что ни на есть жизненную историю, лишённую всякого пафоса, политкорректности и прочих раздражающих в американских фильмах вещей. Повествование задевает до глубины души, внутренняя метаморфоза грубоватого старика, постепенно проникающегося симпатией к некогда ненавидимым им людьми и их культуре, вызывает бурю эмоций — от простого сопереживания до слёз в самом конце.

Самое существенное в фильме – экзистенциальный душевный опыт старого человека, передаваемый Иствудом во всеоружии своего актерского мастерства, включающего актерские приспособления и даже штампы, составляющие неотъемлемую часть его индивидуальной истории и истории американского кино. За тем, как он роняет слова, ходит, пьет пиво, стрижет газон, держит инструменты и держится на людях следить не менее интересно, чем за сюжетными перипетиями. Решение сыграть в фильме главную роль было вызвано именно тем, что ничья физиономия, кроме собственной, никак не могла бы стать лицом такого героя. Естественным образом это лицо и становится основным наполнением кадра, а доминирующим звуком — издаваемый им рык и хрип. Штука в том, что в этом почти гротескном сочетании сосредоточено столько красоты и в то же время напряжения, что удавится любой Майкл Бэй.

«Гран Торино» — про Клинта Иствуда. Про его лицо — и в этом смысле он ничем не отличается от какой-нибудь мелодрамы со Скарлетт Йоханссон. На Йоханссон хочется смотреть, потому что она молодая, нежная и у нее пухлые губы. На Иствуда — потому что он старый, красивый, морщинистый, умный, добрый и сильный. Его пластика. Его стариковские рубашки. Какие удивительные рожи он корчит. Как он бормочет, как кряхтит и как рычит (а как он тут рычит!). Как плюется. Как удивленно поднимает брови. Как изображает пальцами пистолет. Как тащит стулья. Как движущаяся камера на долю секунды почтительно замирает, когда он впервые попадает в кадр.

Именно на этом строился классический Голливуд, именно это впоследствии ушло, и именно это каким-то чудом сохраняет 78-летний Иствуд. Найти удивительное лицо и подобрать к нему идеальные ракурсы, заставить все прочее, любую ерунду подчиниться его масштабу. Это называли харизмой, «присутствием», star power и еще по-всякому. Актер, на финальный выход которого можно поставить свет сколь угодно монументально, — и это не будет выглядеть дурной цитатой. Иствуд вытягивает — да что там, толкает одним пальцем — никчемный сюжет про перевоспитание старого хрена. Одновременно исключительно лицевыми мышцами он превращает его в поминальную службу по изменившейся — необязательно к худшему — Америке и по достойной жизни, которая рано или поздно заканчивается. И в то же время — и в такой же степени — это фильм про то, как чинить стиральную машину. Точнее, про то, как Клинт Иствуд чинит стиральную машину.

Интересные факты:

Как и его герой в «Гран Торино», Клинт Иствуд тоже является ветераном Корейской войны.

В фильме снялся младший сын Клинта Иствуда — Скотт Иствуд. А музыку к фильму написал старший сын режиссера — Кайл Иствуд.

Ник Шенк работал на автомобильном заводе и именно там познакомился с диаспорой хмонгов. Трагическая судьба этого народа вдохновила его написать сценарий.

Иствуд хотел, чтобы в фильме снимались хмонги, и директор по кастингу обратился к их организациям, чтобы набрать массовку. Самые большие диаспоры хмонгов на территории США находятся в Детройте, Фресно и Сент-Поле.

По сценарию действие происходит в северо-восточном пригороде Миннеаполиса, но съемки проходили в Мичигане.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
С 1969-го года в штатах Массачусетс и Мэн празднуется День Патриотов, посвящённый сражениям времён войны за независимость США. Одним из символов празднества стал Бостонский марафон, в котором может принять участие каждый желающий. В 2013-ом году всё шло по плану и когда уже заканчивался забег произошло два взрыва с интервалом в 12 секунд. Началась паника и суматоха. Вскоре власти вынесли вердикт: в Бостоне произошёл теракт, унесший жизни трёх человек и ещё более 200 пострадали. Чуть позже были объявлены и официальные подозреваемые — ими стали этнические чеченцы братья Царнаевы. На их поиск были брошены огромные силы. И именно этим событиям посвящён фильм «День патриотов».

«День патриотов» представляет собой полу художественное полу документальное изложение тех событий, которые произошли в Бостоне, штат Массачусетс в апреле 2013 года. подготовка самого теракта, жизнь людей, имеющих прямое к нему отношение или косвенное, процесс расследования, поимка преступников — все это преподносится не только в манере игрового кино, но и через призму журналистских камер и через фотографии очевидцев. То есть в фильме присутствует элемент достоверности. Даже момент задержания Джохара Царнаева, укрывавшегося в лодке под брезентом, дублирует реальные кадры съемки, ведь и само положение лодки, где он прятался, и даже одежда в которой он был в тот момент практически полностью идентичны.

«День патриотов» - эдакая завершающая часть трилогии о героях Америки, которые защищают ее свободы и свободы мирных граждан. Все началось с «Уцелевшего», где группа бравых спецназовцев противостояла талибам и уже тогда Берг показал, как его команда умеет работать со звуком и камерой. Оператор, который всегда в движении, создает невероятный эффект присутствия и делает это таким образом, что порой складывается ощущение, будто перед нами документальная хроника, а не художественный фильм. Это же умение, в совокупности с невероятной работой команды, отвечающей за спецэффекты, передалось и в следующий фильм —«Глубоководный горизонт», в котором речь идет о шокирующем взрыве на нефтяной платформе в Мексиканском заливе. Все эти фильмы, включая «День патриотов», объединяет с некоторых пор протеже Берга — Марк Уолберг. Прекрасный актер, который несколько погряз в однотипных боевиках, в «Дне патриотов» отыгрывает чуть ли не лучшую свою партию со времен «Отступников. Спасибо, конечно, гримерам за круги под глазами, но эмоциональный спектр эмоций у Марка всегда был и никуда не делся, благо, Питер Берг умело этим пользуется. Это, конечно же, не сольное кино, а командное и Уолберг всего лишь винтик в этой заварухе, просто самый яркий. Нельзя забывать неувядающего Бейкона и все еще бодрого Гудмана, новоиспеченного комиссара Гордона Дж. К. Симмонса и красавицу Мишель Монахэн. Все они создают аутентичную атмосферу, благодаря огромному опыту и обширному мастерству.

«День патриотов» такой же технически безупречен, как «Уцелевший» и «Глубоководный горизонт». Та же дерганая камера и эффект присутствия, такие же реалистичные выстрелы и взрывы. Берг не придумывает велосипед и не выстраивает сложный каркас, он берет точную хронологию событий и протаскивает ее на экран. От взрыва на марафоне и до последующего преследования и поимки террористов. И это не просто сухое изложение фактов, а тонкое и эмоциональное кино о преступниках. О том, как мы слабы перед угрозой терроризма. О том, что надо ценить то, что имеешь, ибо в любой момент тебя может изрешетить несколько гвоздей, начиненных во взрывчатку. Безусловно, это фильм и о стражах правопорядка, бесстрашных полицейских, один из которых погиб при поимке террористов. Весь Бостон тогда сплотился вокруг трагедии и невидимая линия между полицейскими и обычными гражданами была просто стерта, в один миг пропали все противоречия. Это черта, которая свойственна американскому народу — объединение вокруг одной цели и умение сплотиться, когда это действительно нужно.

Фильм нельзя назвать развлекательным - ощущение того, что все снято по реальным событиям не дает расслабиться и воспринимать фильм, как хороший попкорновый боевичок. Но при соответствующем настроении - смотреть обязательно!

Интересные факты:

Априори «День патриотов» должен был стать прокатным хитом. В расчёт можно брать уже тот факт, что сами американцы, преисполненные с детства духом гордости за свою страну, с воодушевлением и трагизмом должны были воспринять художественную экранизацию тех страшных событий. Одним словом, американцы такое кино любят и уважают. Но, коммерческим хитом фильм в Америке почему то не стал. В России фильм в прокате не был.

Массачусетский университет в Дартмут, который на момент трагедии посещал Джохар Царнаев, не дал своего согласия создателям фильма снимать сцены картины на кампусе университета.

Фотография тела Тамерлана Царнаева, показанная Кэтрин Рассел — это реальная фотография, сделанная следователем, которая впоследствии была обнародована для публики.

Сцена захвата и ареста Джохара Царнаева была снята во вторую годовщину его фактического захвата и ареста.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Оливер Стоун знает толк в извращениях. Знает, как из великого полководца сделать ярко выраженного педераста («Александр»). Знает, как заставить зрителей симпатизировать парочке серийных убийц («Прирожденные убийцы»). Теперь Стоун, давненько не радовавший нас фильмами, к которым применим эпитет «отличный», решил рассказать о шведской семье (не в плане национальности, разумеется), выращивающей наркотики, а заодно и о мексиканских наркокартелях. Трудно сказать, почему Оливер Стоун выбрал именно этот материал, основанный на бестселлере Дона Уинслоу. Вполне может быть, что старина Оливер успел изрядно устать от излишней политизированности своих последних фильмов и решил снять фильм, в котором правят бал не высшие идеи, а криминальные наркодельцы, яркие действующие лица, многоходовые интриги и хитрый сюжет. Оливер Стоун вернулся туда, откуда начинал. Именно с его двух хитов о наркобизнесе — началось его становление в Голливуде. (Речь идет о сценариях двух фильмов — «Лицо со шрамом» и «Год дракона»).

Итак, жили-были в солнечной Калифорнии два богатых друга-наркоторговца Бен и Чон вместе с их общей девушкой Офелией (сокращенно — О). Жили они не тужили: бизнес был довольно мирен, доход высок, наркота расслабляла, а любовь «втроем» не напрягала. Однако масштабные разборки мексиканских наркобаронов перебросились и на их территорию, а, чтобы друзья были более сговорчивы с новыми хозяевами их рынка, заграничные гости взяли в заложники Офелию. Но тут-то мелкая рыбешка неожиданно показала зубы, и начинается жесть…

Стоун снял кино без масштабных экшн-сцен и, тем более, неуязвимых суперменов. Это редкое остросюжетное кино, где не так уж и легко предугадать дальнейшее развитие сюжета. Событий в истории происходит великое множество, противоборствующих сторон в результате оказывается не две и даже не четыре, а сама развязка буквально троллит любителей предсказывать финалы. Хотя если кто-то и назовёт подобную концовку слишком уж явным художественным приёмом, находящимся в некотором отрыве от логики самого повествования, — что ж, такая критика вполне имеет право на жизнь.

Стилистически Стоун решил использовать приемы, используемые им в «Повороте» и «Прирожденных убийцах». Именно поэтому одни из самых запоминающихся особенностей фильма — это жесткие картинки с видом прерий и фирменный «рваный» монтаж ключевых сцен. Стоун выбрал отменный визуальный стиль, идеально сочетающийся со сценарием. Иногда кажется, что руку к фильму приложил покойный Тони Скотт: резкая и нарочито дёрганная работа оператора, контрастные краски, кислотные цвета, интересные ракурсы и уверенная подача экшен-эпизодов.

Да и снято всё очень лихо. По своему бешеному темпу, умело нагнетаемому саспенсу, необычной, иногда почти клиповой манере повествования и откровенной жестокости оно напоминает и лучшие работы Тарантино, и «Бойцовский клуб» Финчера, и ранние шедевры Гая Ричи, и один из фильмов самого Оливера Стоуна — безжалостную сатирическую сагу «Прирождённые убийцы».

Вообще, чувствуется, что фильм поставлен по книге. Крепкие диалоги, выверенный до мелочей сюжет, очень живые персонажи, которым веришь.

В общем, не задаваясь особыми моральными дилеммами, действие быстро устремляется к хитросплетениям борьбы большого криминального наркокартеля и маленькой независимой дилерской сети. И тут на первый план выходят личности. На первых ролях органично смотрятся Тейлор Китч (бывший Джон Картер из «Джона Картера»), играющий бывшего иракского морпеха, прямо таки излучающего силу и уверенность, а также Аарон Джонсон, ботаник-хиппи, открывающий в Африке благотворительные фонды и не разделяющий прямолинейности своего товарища, этакий импульсивный и мягкотелый вьюноша, который в пограничной ситуации может проявить себя довольно неожиданно. Дополняет их мужской коллектив актриса Блейк Лайвли, успешно отвечающая на экране за секс. На вторых ролях актерский состав впечатляет еще больше: Сальма Хайек исполняет пусть и несколько гротескную, но всё равно прекрасную во многих отношениях злодейку, Бенисио дель Торо играет ее безжалостного цепного пса, а в небольшой, но яркой роли шестерящего перед всеми наркополицейского восхитительно отжигает Джон Траволта. Именно на их харизме и взаимодействии и строится весь фильм, именно за ними интересно наблюдать, что бы не происходило на экране.

Но отдельного упоминания заслуживает Бенисио дель Торо — злобный и по-настоящему харизматичный ублюдок и псих, которому не чужда самоирония. Весьма забавен со своей дурацкой шевелюрой и топорщащимися усищами. Правда, когда его узнаёшь поближе, понимаешь, что даже его комичность пугает до коликов. Представьте хладнокровного убийцу, который приходит в дом своей потенциальной жертвы и, помахивая оружием, начинает искренне жаловаться на стерву-жену, решившую вдруг подать на развод. А как здорово работает контраст – в одной сцене Ладо пытает и режет, а в следующей, поджав хвост словно трусливый пёс, выслушивает брань своей хозяйки. В общем, загляденье и лучшая роль Бенисио со времён «Траффика».

Безусловно, возрастное ограничение «18 +», красующееся и на афише, и на постерах фильма отрабатывает по полной программе. «Дикари» это даже не «18+», а все «21+». Тот молодецкий азарт, с которым фильм бросается во все тяжкие не может не удивлять. Будут тут и употребление запрещенных веществ, и групповой секс, и более чем реалистичные пытки (фильм начинается с отрезания голов), но при этом никакой моральной оценки происходящему никто давать даже не пытается и даже наоборот. Наркоторговцы тут изначально делятся на плохих и хороших, а что до рода их деятельности, то «21 миллион благодарных клиентов не могут ошибаться одновременно». Так что не ждите от фильма никаких нравоучений, «только бизнес, ничего личного». У ленты очень сомнительная мораль и персонажи, на которых ни в коем случае не надо равняться.

Единственным большим знаком вопроса становится для фильма его альтернативный финал (более точно его не описать, чтобы при этом не проспойлерить). То ли Оливер Стоун захотел напоследок поиграть в постмодернизм, или еще по какой причине, но подобный нестандартный ход оказался не обоснован ни с точки зрения какой-то высшей цели, ни с точки зрения элементарного сюжета. В целом же новый фильм Оливера Стоуна получился неожиданно дерзким для 66-летнего постановщика, харизматичным криминальным триллером, за который он пусть и не получит своего Оскара, но, возможно, откроет собой его вторую режиссерскую молодость.

Смотреть всем, кому до чёртиков надоели слащавые современные боевики-комиксы с кучей спецэффектов и написанным левой рукой на правом колене сценарием.


Интересные факты:

Первоначально на роль О была утверждена Дженнифер Лоуренс, но в последствии актриса отказалась от съёмок ради роли в «Голодных играх».

Ума Турман сыграла мать О, но все сцены с её участием были вырезаны из-за временного ограничения фильма.

Леонардо ДиКаприо, Том Харди, Гаррет Хедлунд и Джеймс Франко рассматривались на роль Бена.

Оливер Стоун приступил к работе над адаптацией сценария раньше, чем книга была опубликована. Он был настолько уверен в успехе, что сам способствовал инвестированию в проект.

Хотя это уже шестой раз, когда Фернандо Лара и Оливер Стоун работали вместе, в этом фильме впервые Лара был упомянут в титрах.

В рамках своей подготовки к фильму Тейлор Китч тренировался с настоящими Морскими котиками.

Первоначально выход фильма был запланирован на осень, но после первого тестового показа для студии эту дату резко передвинули на июль.

Оливер Стоун решил пригласить Тейлора Китча после просмотра отснятого материала фильма «Морской бой» (2012), который на тот момент был еще в стадии пост-продакшна.

Оливер Стоун поручил Блейк Лайвли пройти курсы по огнестрельному оружию для ее роли. Несмотря на то, что у нее не было никакого опыта, она поразила мишень за первых три выстрела.

Тейлор Китч исполнял трюки самостоятельно.

По требованию закона все растения марихуаны в фильме являются искусственными. Для более точного воспроизведения растений дизайнеры посетили места их законного выращивания для медицины.

Это первый фильм Оливера Стоуна за почти 17 лет, снятый при помощи анаморфотной оптики Panavision. После фильма «Никсон» (1995) его 2,35:1 фильмы были обрезаны с помощью съемки в Super 35. Оператор Дэниэл Майндел убедил его вернуться к анаморфированному формату. Майндел снимал все свои проекты (кроме «Домино» (2005)) в этом формате. Во время их первой встречи Дэниэл сказал Стоуну, что если тот планировал снимать в Super 35 или цифру, то он не подходит для такой работы.

Смешной рингтон, который использует Ла Рейна, это основная тема одного из самых популярных шоу в истории мексиканского ТВ: «Чаво с восьмого» (1972-1992).

Персонаж Елены отчасти основан на Мирее Морено Карреон, которая известна как первая в Мексике женщина являющаяся лидером влиятельного наркокартеля.

На роль Елены претендовали Мишель Родригес и Зои Салдана, но вместо них роль отошла Сальме Хайек.

После того как Чон бьет Дениса, шрам на правой стороне шеи Чона отрывается от кожи.

Когда «полицейский на мотоцикле» из картеля подходит к машине парня, затем вытаскивает его, он держит свою руку на кобуре. Ствол пистолета не выступает через нижнюю часть кобуры, как должен выступать стандартный пистолет полиции. Но, когда он затем стреляет в парня, на стволе виден глушитель. Хотя у него явно не было времени накрутить его. Однако пистолет в кобуре висит на его правом бедре; оружие, которое он использует, чтобы убить Фрэнки, он выхватывает левой рукой из-за спины.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Школьный учитель, в лучших американских традициях — молодой, симпатичный, накачанный и с собственной яхточкой. Живет он себе припеваючи, как вдруг обвиняют его в изнасиловании аж двух учениц. И если учитывать запредельную привлекательность девушек, а одна из них еще и из богатой, влиятельной семьи, то можно понять, что влип наш очкарик по самые помидоры. В штатах ведь за косой взгляд осудить можно, как за домогательство, а тут двойное изнасилование. Такая вот завязка. А потом начинается собственно вся прелесть этой картины.

«Дикость» - это стопроцентный, очень качественный эротический триллер. А что отличает все хорошие триллеры? Конечно, сюжет. Сюжет, который не дает оторваться от фильма до финальных титров. А в данной картине даже даже финальным титрам сюжет не дает спокойно «протечь» в одиночестве. Сюжет, в котором всё совсем не так понятно, как мы думаем. Сюжет, который заставит нас переосмыслить весь фильм в какой-то момент… Так запутывать повествование могут очень немногие. В этой картине вы не раз будете удивлены непредсказуемостью происходящего.

Сценарист умело жонглирует зрителем, постоянно переворачивая всё с ног на голову, заставляя то сопереживать героям, то ненавидеть, то восхищаться ими. И если первую половину фильма действие протекает довольно спокойно, то во второй всё резко ускоряется, и каждый новый поворот событий усиливает интерес к происходящему. Главное достоинство «Дикости» заключается в том, что при всём обилии неожиданных поворотов, история абсолютно не кажется надуманной и притянутой за уши, а напротив, поражает своей органичностью и продуманностью. В общем-то, на восхвалении сюжета можно и закончить эту рецензию, но кино — это не только сюжет.

Это и великолепный актёрский ансамбль. Первую половину фильма радовал глаз Билл Мюррей, а вторую — Кевин Бейкон. Диллону тоже огромный респект. А Нив Кэмпбелл и Дениз Ричардс просто убивают, два ярких, глубоких, совершенно разных образа. Актрисы раскрылись и разделись по полной... Да и мама (Тереза Расселл) - безумно хороша!

Кино очень привлекательно своей атмосферой, созданной и актёрами, и сценарием, и тягуче расслабляющей музыкой. Вновь солнечные декорации и вся эта голливудская идиллия - яхты, бассейны, красота и гармония женских тел, эротические сцены, эмоции (пусть и не всегда искренние), привнесённые в кадр их обладательницами.

На фоне всей этой красоты судьбы героев прочными нитями вплетаются в один спутанный клубок, а игра актеров перерастает в нечто большее. Фильму не перестаешь удивляться. С очередным просмотром, осознавая раннее непонятое, ты закрашиваешь еще одно белое пятно, но вместе с тем появляется новое. Именно в этом и заключается магнетизм фильма, вот уже более десяти лет он держит на привязи зрительский интерес.

Ну а почему дикость? А потому, что в картине представлены почти все грехи человеческие, а во главе угла стоит неискоренимая алчность, которая делает людей дикарями.

Интересная и запоминающаяся картина, отличная игра актёров и сюжет на грани реального.
Данный фильм напоминает «Игру» Дэвида Финчера, вышедшую годом ранее. Такой же великолепный сюжет, актерский состав и схожие эмоции при просмотре.

Интересные факты:

Роберту Дауни была предложена роль Сэма Ломбардо, но он ее отклонил.

Режиссёр Джон МакНотон сказал, что он удалил сцену, в которой Мэтт Диллон и Кевин Бэйкон моются вместе, так как не захотел, чтобы в картине звучали гомосексуальные нотки.

В интервью Бэйкон сказал, что в его контракте не было пункта об обнаженной натуре, а так как он являлся продюсером фильма, то как актёр мог подать на самого себя в суд.

Перед тем, как снимать сцену на реке, осветительный рабочий проверял прожекторы и заметил труп человека. Прибыла полиция и отогнала его к берегу, чтобы он не попадал в камеру. Когда сцена была снята, полицейские вытащили труп из реки.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Водитель (а именно под таким псевдонимом он проходит по фильму) днем работает водителем -каскадером на съемочных площадках, проворачивая немыслимые трюки, а ночью занимается тем, что возит на машине разнообразных бандитов, помогая им уйти от полицейской погони. Вот так и протекает его жизнь, день за днем, год за годом, и непонятно как бы он закончил свои дни (то ли погиб при съемках, то ли его, в конце концов, замочили бы преступники), если бы не ОНА.

Соседка с маленьким ребенком на руках, чей муж вот-вот должен выйди из тюрьмы, незаметно переворачивает жизнь Водителя. Он узнает, что на свете есть любовь. Ради этой женщины он нарушит свои принципы, которые помогали ему оставаться лучшим в своей области.

Взяв за основу одноименную книгу американского писателя Джеймса Саллиса, датский режиссер Николас Виндинг Рефн поставил принципиально иной кинофильм как по духу, так и по содержанию. Наиболее яркой демонстрацией отличительных особенностей может служить интерпретация названия. В контексте книги слово «драйв» символизировало решающее действие перед более серьезными последствиями и, по сути, было не столь отдаленным от русскоязычного варианта издания — «Гони». В фильме же, напротив, подразумевается некое чрезмерное увлечение, побуждающее действовать на удовлетворение этого желания. Изобразить это влечение Водителя (в фильме нет имен) вызвался канадский киноактер, бывший номинант на премию «Оскар» — Райан Гослинг.

Во многих фильмах, особенно в старых вестернах Клинта Иствуда был такой герой — человек без имени, ничем не примечательный, не эмоциональный. И всё, чем бы он не занимался, он делает одинаково спокойно и непринуждённо. Райан Гослинг вжился именно в этот образ и справился с ролью на 1000 %. В его самоуверенности есть особое очарование. То, как он вертит зубочистку в уголке своего рта, как с ухмылкой реагирует на всё происходящее… Это определённо фильм Гослинга. Ему удалось сыграть «жёсткого парня» со сложным и противоречивым характером, уверенного в себе, сильного физически, но очень одинокого и находящегося в собственном, далёком от окружающего, мире. В персонаже Райна Гослинга уживается и «бывалый водила» с зубочисткой в зубах; и сентиментальный романтик, любующийся природой и блаженствующий от прикосновения возлюбленной; и омерзительный психопат.

Актёр очень хорошо вписался в данный проект. Казалось бы, в Голливуде полным полно эдаких стальных парней, но обаяние везде разное, разный эффект, разные методы воздействия на зрителя. Здесь главный герой более честен, нежели остальные в подобных картинах, хотя бы потому, что не располагает какими -либо погребами с оружием или командой единомышленников с мест недавних боевых действий.

Фильм «Драйв» получился крайне медитативным и неспешным, и это не смотря на наличие погонь на автомобилях. Здесь главные герои зачастую не разговаривают, а переглядываются, выражая свои эмоции одними глазами. Крупные планы актеров, показывающие потрясающий уровень игры дополняется умелой, если не мастерской, работой оператора. А органично вписывающееся музыкальное сопровождение Клиффа Мартинеса, подобно сливкам на аппетитном десерте, довершает все происходящее на экране. Каждая композиция саундтрека тщательно продумана и всё к месту. Но, обратите внимание! Обычно, в фильмах «правильный» саундтрэк используется для усиления эффекта и для того, чтобы вызвать у зрителя нужные эмоции — здесь же наоборот, в самые напряжённые моменты музыка отсутствует, во время погони мы слышим только рёв двигателя, и, удивительно — но эффект получается гораздо мощнее. Сцена с ограблением, когда Бланш несёт сумку к машине в полной тишине, и другие подобные моменты — всё это является теми элементами саспенса, проходящего нитью через весь фильм и держащего зрителя в напряжении до самого финала.

Трудно описать почему это так цепляет, в принципе-то ничего особенного, ну показали крупным планом глаза, несколько сцен в замедленной съемке, подчеркивающих переломные моменты в жизни главных героев, но вот, поди же ты. Все вместе складывается в невероятно завораживающее зрелище, от которого трудно оторваться. Самая лучшая вещь в фильме заключается в том, что всё происходящее выглядит чрезвычайно реальным! Было несколько внезапных и чертовски графичных сцен насилия, которые, к счастью не выглядели преувеличенно, а преподнесены в правильной пропорции. Вы будете в меру шокированы, в меру испуганы, в меру удивлены красотой и ужасом происходящего. Совершенно точное количество актеров, никаких дополнительно-лишних персонажей, никто не тянет на себя больше положенного изначально, у всех свое место, отсюда и потрясающая атмосфера темной криминальной стороны Лос-Анджелеса.

Удивительно, как иногда бывает — что из такого простого, на первый взгляд, сюжета, навевающего на мысли о стандартном криминальном триллере, может получиться настолько тонкий и восхитительный фильм, в котором, по качеству исполнения, абсолютно не к чему придраться. Полный уход от сюжетных штампов и каких-либо классических жанровых методов подачи истории — фильм неожиданно изящен и абсолютно самобытен, и если Вы ждёте обычного боевика — то будете удивлены, а может даже и смущены; но это, вероятнее всего, не помешает фильму зацепить Вас с самых первых кадров. Чего только стоит сцена в начале, ещё перед основными титрами, кстати, стилизованными под восьмидесятые, так же как музыка и некоторые другие элементы в фильме. Уже эта сцена задаёт фильму нужный тон, постепенно пропитывая воздух напряжением, интригой, заставляя зрителя затаить дыхание и вместе с главным героем напряжённо вслушиваться в переговоры по рации. Это тот старт, который берет саспенс, и пусть здесь он несколько иного рода, нежели в классическом его понимании — он производит колоссальный эффект; и выдохнуть получается лишь только после просмотра. Лично мне фильм вернул забытые ощущения: когда сидишь и смотришь кино, именно кино, а не фейерверк из спецэффектов. Когда переживаешь вместе с персонажами, когда твои губы растягиваются вслед за их губами…

Ожидающим типового жанрового экшена - любителям «Перевозчиков» и «Форсажей» - в данном случае ловить нечего. Проект ведь куда больше склоняется к арт-хаусу и классическому нео-нуару, нежели к мейнстриму. Драйв, истинный драйв «Драйва» не в драках, погонях и стрельбе, которые в фильме есть, но скорее на периферии. Истинный драйв этой картины в нарастающем ожидании смерти героя, а вот наступает она или нет — говорить не стану.

Смотреть исключительно киноманам, которые любят умное, многогранное и жизненное кино.


Интересные факты:

Картина поставлена по одноименной книге Джеймса Саллиса.

Исходную книгу, лежащую в основе сценария, и хотели превратить первоначально в бездумный и зрелищный дорогостоящий экшен, у руля которого некоторое время стоял сам Нил Маршалл, ну а в главной роли должен был выступить Хью Джекман. Однако студия Universal побоялась тратить значительные средства, и в результате вышла 15-миллионная картина с Райаном Гослингом в главной роли.

На последнем Каннском кинофестивале режиссер получил приз за лучшую режиссуру, а зрители 15 минут производили овации.

Герой Райана Гослинга уезжает от погони на автомобиле Ford Mustang GT 5.0.

Драйвер катается на Chevy Malibu '73 года, а в начале фильма скрывается от погони на Chevrolet Impala SS.

Сцена топтания головы была урезана при монтаже, т.к. Американская ассоциация кинокомпаний посчитала её слишком жестокой.

Имя главного героя никогда не показывается. Он всегда упоминается как «Водитель». В титрах в конце он упоминается тоже как «Водитель».

Рон Перлман повредил коленную чашечку, когда волна накрывала его во время сцены на пляже.

Саспенс (англ. suspense — неопределённость, беспокойство, тревога ожидания, приостановка; от лат. suspendere — подвешивать) — состояние тревожного ожидания, беспокойства. В английском языке этот термин широко употребляется при описании бытовых и жизненных ситуаций. В русском языке этот термин употребляется только применительно к кинематографу, видеоиграм и изредка к литературе: словом «саспенс» обозначают художественный эффект, особое продолжительное тревожное состояние зрителя при просмотре кинофильма; а также набор художественных приёмов, используемых для погружения зрителя в это состояние. Саспенс в основном применяется в триллерах и в фильмах ужасов. Использование саспенса в кинематографе обычно связывают с именем Альфреда Хичкока, признанного «мастером саспенса». Хичкок умел искусно создавать в своих фильмах атмосферу тревожной неопределённости, напряжённого ожидания, боязни неизвестного, предчувствия чего-то ужасного. Вслед за Хичкоком этот приём получил широкое распространение и в голливудском кино и в кинематографах других стран. Одним из самых ярких примеров применения саспенса стал фильм ужасов «Хеллоуин» (США, 1978, 91 мин.), в котором режиссёру Джону Карпентеру удалось воссоздать эффект саспенса.

Мейнстрим (англ. mainstream — основное течение) — преобладающее направление в какой-либо области (научной, культурной, др.) для определённого отрезка времени. Часто употребляется для обозначения каких-либо популярных, массовых тенденций в культуре, искусстве для контраста с альтернативой, андеграундом, не массовым, элитарным направлением.

Арт-хаус (англ. Art house, букв. «дом искусств»; также называемый «art cinema», «art movie» или «art film») — фильм, нацеленный не на массовую аудиторию. Эта категория фильмов часто включает в себя некоммерческие, самостоятельно сделанные фильмы, а также фильмы, снятые маленькими киностудиями. Кинокритики часто противопоставляют эту категорию т. н. голливудским фильмам, указывая в виде отличий: социальный реализм, авторское видение режиссёра, фокус на мыслях и ощущениях персонажа, а не движении по сюжетным поворотам.

Обычно в таких фильмах кинематографисты осуществляют поиск новых форм художественной выразительности и расширение языка кино. Поэтому просмотр этих картин рассчитан на зрителей, которые уже имеют представление об особенностях кино как искусства и соответствующий уровень личного образования, из-за чего прокат арт-хаус-кино, как правило, ограничен. Бюджеты и возможность приглашать знаменитых актёров также обычно скромнее, из-за чего создателям фильма приходится прибегать к нестандартным и творческим подходам. Как правило, это отличает артхаусные фильмы от развлекательного «мейнстримового» кино, которое нацелено в большей степени на развлечение и использует шаблонные сюжетные линии и персонажей.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Пол Керси (Брюс Уиллис) — преуспевающий хирург: дорогая машина, дом в благополучном районе, сохранившая следы былой красоты жена (Элизабет Шу) и дочка-студентка (дебютантка Камила Морроне). Каждый день он спасает жизни многочисленных жертв уличных перестрелок, захлестывающих родной Чикаго. Но однажды Пол сам становится частью криминальной статистики — ворвавшиеся в дом Керси грабители убивают его жену и ранят дочь, отправив ее в кому. Симпатичный полицейский детектив (Дин Норрис из сериала «Во все тяжкие», на которого эта роль садится привычно и уютно, как любимые домашние тапки) разводит руками: надо, мол, верить в лучшее, мы обязательно поймаем этих отморозков. Но стена в его кабинете, плотно увешанная листочками, на которых значатся висяки, никакой надежды не внушает.

Помаявшись бессонницей и бесполезными визитами к психотерапевту, доктор Керси решает наконец взять дело в свои руки, тем более что по удачному совпадению из кармана очередного пациента прямо ему под ноги вываливается уже заряженный револьвер. Научившись обращаться с ним по роликам на YouTube, Пол выходит на злые улицы в поисках негодяев, которые причинили вред его семье, а попутно наказывает всех подонков, попадающихся ему на пути, и все больше входит во вкус.

Картина «Желание смерти» 1974 года стала родоначальником одноименного киноцикла и имела такой успех, что за ней последовало целых четыре сиквела. «Ворошиловского стрелка» по-американски во всех фильмах сыграл Чарльз Бронсон, довольно быстро превращавшийся из законопослушного архитектора в неуловимого мстителя. Поставленная Майклом Уиннером и удержавшая на плаву геройскую карьеру Чарльза Бронсона, была лентой одновременно развлекательной и политической. Ее выход спровоцировал бурную полемику о наказании преступников, о насилии в обществе и о том, что может и чего не может делать рядовой американец, когда его жизни угрожает опасность. С тех пор много воды утекло, и «народное мщение» в Голливуде превратилось из спорной темы в жанровую тривиальность. Поэтому вполне закономерно, что снятый Элай Ротом римейк политику почти не затрагивает и дебатов не разжигает.

Создатели нового фильма уже не позволяют себе диалогов о том, что чернокожих среди преступников объективно больше, да и пафосные речи на тему незыблемого права нации пионеров защищать свою семью и собственность с оружием в руках исчезли. Картина Рота не манифест (хотя сцену в оружейном магазине можно при желании рассматривать как попытку социальной сатиры), а крепкий, бодрый и по-хорошему старомодный, несмотря на остроумное обыгрывание примет современности, вроде интернет-мемов и соцсетей, боевик.

Вместо фильма, который предлагает задуматься, режиссер снял живенький минималистский триллер, где герой Уиллиса сперва отстреливает случайных гангстеров, а затем выходит на след подонков, которые напали на его дом, и начинает охотиться целенаправленно. На продолжительные перестрелки не рассчитывайте, зато кровавость новое «Желание смерти» обеспечивает сполна, регулярно изображая, как разлетаются злодейские мозги от попадания пули в голову.

Достается и главному герою, который хоть и мужественный мужик, но с оружием ходит впервые в жизни и не сразу приноравливается к «пушке». Вообще-то, трудно представить, что не получивший никакой спецподготовки пожилой хирург может быстро превратиться в Рэмбо. Но когда на экране Брюс Уиллис, удивляет не то, как метко к концу фильма стреляет Пол, а то, что он не сразу выбивает «десятку». Кроме того, перестреливается герой с уличными гопниками, а не с бывшими спецназовцами. Так что вполне резонно, что целеустремленный и отчаянный мужчина скоро нагонит тех, кто обычно стреляет в беззащитных. А смена профессии главного героя на врача, то есть человека, который хорошо знает анатомию и не болится ни боли, ни смерти, сулит несколько интересных сцен, в которых Керси добывает информацию у преступных элементов.

Когда у руля проекта Элай Рот, сразу понятно что будет что-то очень жесткое и грубое. Этот американский режиссер снимает шокирующие фильмы, особенно отличающиеся своей жестокостью, садизмом и изощренностью. Две первые части «Хостела» когда-то так напугали, что аж мурашки бегут от этой зловещей, нечеловеческой истории. «Зеленый ад» ужасно напоминающий старый итальянский фильм «Ад каннибалов» также шокировал и обескуражил.
В руках режиссера Элай Рота фильм обрел большую брутальность и натуралистичность, в диалогах прибавилось юмора (порой - достаточно удачного), а в фигуре главного героя, в начале истории даже не умеющего держать пистолет, - человечности.

«Желание смерти» мог бы быть очень мрачным фильмом, но отчетливый привкус иронии и разбросанные по фильму шутки спасают ленту от депрессивности. Кроме того, на лицах героев не читается отчаяние. И когда герой в кульминации говорит, что не собирается погибать, ему веришь безоговорочно.

Интересные факты:

Съемки были завершены в октябре 2016 года — это важно. Наверное, в дотрамповскую эпоху невинности картина выглядела всего лишь забавным постмодернистским упражнением в жанре фильма о мести и отличной возможностью для Уиллиса напомнить публике, кто тут последний герой боевика. Однако в американский прокат «Желание смерти» вышел только в марте 2018 года, и менее подходящий момент трудно себе представить. На фоне чуть ли не ежедневных новостей о стрельбе в школах и офисах, протестных маршей и горячих общественных дебатов по поводу второй поправки - кино о том, как простой обыватель обнаруживает, что девятизарядный глок в любой непонятной ситуации оказывается гораздо эффективнее доброго слова, выглядит вопиюще несвоевременным.

Первоначально на главную роль был выбран Сильвестр Сталлоне, однако он отказался после возникновения творческих разногласий.

Постановку предлагали Аарону Кешалесу и Навоту Папушадо, но оба они отказались.

Джо Карнахан собирался снять этот фильм с Лиамом Нисоном и Фрэнком Грилло в главных ролях. Оба эти актёра играли в ленте Карнахана «Схватка». Однако руководство студии решило снимать Брюса Уиллиса, и Карнахан ушёл из проекта. Затем в качестве режиссёра пригласили Херардо Наранхо. Тот хотел видеть в главной роли Бенисио Дель Торо. Узнав, что утверждён другой актёр, Наранхо также покинул проект.

Расселлу Кроу, Мэтту Дэймону, Бенисио Дель Торо, Брэду Питту и Уиллу Смиту предлагали роль Пола Керси. Впоследствии на роль утвердили Брюса Уиллиса.

В фильме события происходят в Чикаго, в книге — в Нью-Йорке.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Участие в Первой мировой войне прививает ирландскому бостонцу Джо Кофлину (Бен Аффлек) такое неуважение к порядку и властям, что после демобилизации он становится бандитом и грабителем, хотя его отец служит в полиции. Кофлин рассчитывает никогда больше никому не подчиняться, но по собственной вине он вынужденно становится членом итальянской мафии, которая направляет его во Флориду организовывать поставки кубинского рома в разгар «сухого закона». Когда бригада Кофлина добивается успеха, его криминальный бизнес пытаются «отжать» члены ку-клукс-клана, для которых нестерпимо видеть сотрудничающих и богатеющих католиков и чернокожих.

Новая криминальная драма Бена Аффлека как режиссера, сценариста и исполнителя главной роли позиционирует себя как очередное гангстерское кино о временах «сухого закона» и Великой депрессии, когда даже неплохие в душе люди вынуждены были идти на компромиссы с совестью и совершать кровавые преступления. Джон Кофлин старается убивать только тех, кто этого заслуживает, и наживаться только на тех пороках, которые не кажутся ему смертельно опасными (он торгует спиртным, но не связывается с наркотиками). Также он хранит верность близким людям, даже когда те его предают. Что, конечно, не самое мудрое поведение в эпоху, когда от гангстера требовались паранойя и безжалостность.

Однако хоть криминальные перипетии и занимают основную часть экранного времени, поданы они так, как будто у режиссера, как и у главного героя, не лежит к ним сердце. Это и не залихватское бандитское повествование, смакующее криминального героя Кофлина, и не психологическая драма вроде «Крестного отца», исследующая погружение приличного человека в преступный ад, и не убедительная, прочувствованная история о грехопадении и искуплении.

В фильме есть отдельные удачные моменты, драматичные или забавные (картина начинается очень серьезно, но заметно расслабляется, когда действие переносится во Флориду), и она неплохо воспроизводит атмосферу 1930-х, но как криминальное повествование «Закон ночи» кажется бледным подобием более талантливых лент. Как-то вся эта красота выглядела фальшиво, бесчувственно что ли, смотришь фильм и не особо веришь актерам и происходящему на экране. Не внушают страха и соперники, попадающие на путь Джо. Бен Аффлек картину отнюдь не спасает. Джо Кофлин – одна из его худших актерских работ. Путь от бандита и бутлегера к расчетливому, умному и хладнокровному гангстеру, все это Аффлек смешал в ком. Не даются Аффлеку, как актёру и глубокие эмоции, в которых так нуждается картина.

Почему «Закон ночи» таким получился? Потому что он снят не ради криминальной истории. Истинная суть картины – в напоминании зрителям, что Америка изначально была центром кипучей и откровенной этнической ненависти. Ирландцы враждовали с итальянцами, испанцы презирали кубинцев, все вместе третировали негров и доминиканцев, а белые протестанты сбивались в ку-клукс-клан, чтобы держать остальных в узде и не допускать до власти и влияния.

Главный герой, Джо представляет не проблему, а ее решение. Он не страдает этническими предрассудками и постоянно это проявляет – работает на итальянцев, сотрудничает с кубинцами, женится на чернокожей красавице (Зои Салдана в сугубо декоративной роли). Он даже, с трудом преодолевая отвращение, пытается договориться с ку-клукс-кланом, но его члены понимают только язык свинца. Так что мораль картины не в том, какие принципы можно сохранить в криминальном сообществе, а в словах из известной песни: «Братва, не стреляйте друг друга, вам нечего в жизни делить».

Как говорят в таких случаях в Америке, картина «совершает движения, но не танцует», не вкладывает душу в повествование и чересчур полагается на сюжетные и диалоговые штампы. В итоге мы получаем пустой фильм в красивой обертке.

Интересные факты:

Об этом мало знают, но «сухой закон» был инспирирован протестантами-фундаменталистами, дабы прижать католиков, в чьей культуре алкоголь играл куда большую социальную роль, чем в культуре протестантов. Правда, фундаменталисты просчитались – нелегальная торговля спиртным дала американским католикам куда больше денег и власти, чем у них было прежде. В 1930-х президент-католик был такой же несбыточной мечтой, как президент-негр, а после войны Джон Кеннеди стал президентом, что воспринималось как эпохальное событие.

«Закон ночи» был проектом мечты Бена Аффлека, который хотел экранизировать этот роман Денниса Лихейна уже довольно продолжительное время. У Лихейна есть трилогия о семействе Кофлин, чей патриарх был уважаемым полицейским Бостона. Однако из всех трех книг вторая, пожалуй, является самой слабой. И именно она привлекала Аффлека.

Бен Аффлек решил отложить этот проект, чтобы исполнить главную роль у Дэвида Финчера в «Исчезнувшей» (2014). По словам Аффлека, он всегда искал возможности поработать с этим режиссером.

Оператор Роберт Ричардсон предполагал снять фильм с использованием анаморфотных объективов в формате Ultra Panavision 70, как и на «Омерзительной восьмерке» (2015), однако компания Panavision уже передала их в аренду для съемки картины «Изгой-один: Звездные войны.» (2016).

Леонардо ДиКаприо рассматривался на главную роль Джо Кофлина, однако актер решил ограничиться продюсерской функцией.

Это второй раз, когда Бен Аффлек ставит экранизацию романа Денниса Лихейна, со времен выхода картины «Прощай, детка, прощай» (2007).

Изначально автор романа Лихейн опасался, что Бен Аффлек не подходит на роль Джо Кофлина, считая, что актер с такой экранной харизмой с трудом сможет передать таящиеся под поверхностью главного героя вероломство и стыд. Однако Аффлек, к его чести, не посчитал зазорным пройти пробы на роль, развеяв, судя по всему, все страхи автора.

На главные женские роли рассматривались кандидатуры Дженнифер Лоуренс и Линдси Лохан.

Это второй раз после фильма «Город воров» (2010), когда Крис Купер участвует в проекте, в котором Бен Аффлек выступает в качестве режиссера и актера.

Это вторая экранизация романа Денниса Лихейна, которую продюсирует Леонардо ДиКаприо, после триллера «Остров проклятых» (2009).

Съёмки фильма начались 28 октября 2015 года. В середине ноября съёмки проходили в Лоренсе, а также в Бостоне 20 ноября. С начала декабря 2015 года съёмки проходили в Лос-Анджелесе.

Прокат «Закона ночи» обернулся убытками для студии Warner.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
В райском бельгийском местечке Брюгге, где ретро гармонично сливается с модерном, где человеческий прогресс мирно уживается с особняками эпохи готики, жизнь идёт обыденно: день сменяет ночь, за осенью приходит зима, туристы приезжают и уезжают. Время плавно течёт и устоявшийся порядок вещей как то спокойствие городка, казалось бы, никто и ничто не может нарушить. В один ветреный и довольно прохладный день в Брюгге появляются два киллера, Рэй (Колин Фаррелл) и Кен (Брендан Глисон) которые провалили задание и теперь вынуждены залечь на дно по приказу своего босса Гарри (Ральф Файнс). И никто из них не догадывается, что следующие три дня перевернут их жизнь навсегда.

В фильме есть все, чем славится британское кино. Отличные характерные актеры, черный юмор, который не противоречит тому, что фильм в итоге оказывается трагедией. Хорошо закрученный сюжет и достоверные персонажи.

Тем не менее кино не для всех и это в полной мере подтверждают отзывы зрителей, большая часть которых по градации плавно перетекает от чистого пофигизма до полного отторжения и даже резкой и не всегда правдивой критики фильма. Как я мог судить по разным сайтам лишь единицы смогли уловить, что «Залечь на дно в Брюгге» — это не проходная лента, а настоящий подарок любителям фильмов в жанре криминала с элементами комедии. В принципе, здесь вся соль в том, какими глазами смотреть фильм: буквально или аллегорически.

Например, если внимательно присмотреться, то бельгийский городишка живёт своей жизнью как бы отдельно от главных героев, которые здесь оказались не по своей воле. Город — это отдельное действующее лицо, которое чувствует, сопереживает и понимает всё что происходит. Возьмём, например, финальную сцену, когда пошёл снег, пошёл впервые за всё нахождение героев в Брюгге. Снег как олицетворение прощения Рэя в финальном эпизоде, как будто сами ангелы плакали в ответ на духовные муки главного героя. Пафосно, но, на мой взгляд, точно.

Или еще: тихий, туристический Брюгге подробно обсуждается в картине — это то ли ад, в котором грешники застревают навечно, то ли чистилище, где решается их судьба, то ли просто провинциальная дыра, где все герои волей-неволей сталкиваются по три раза на дню на ратушной площади. Или — все сразу. Не случайно в фильме мелькает имя Данте Алигьери, который написал «Божественную комедию». Рэй как и Данте попадает по-началу в ад, только не телесный, а духовный, он не может найти места не потому что провалил задание и ему боязно перед заказчиком, а потому что случайно убил невинного ребёнка. Поэтому он не может сидеть на одном месте, его пожирают мысли о случившемся, но всё прекращается когда он встречает воровку Хлоэ (Клеманс Поэзи), которая как и римский поэт Вергилий сопровождает Данте, так и она Рэя «вводит в чистилище», где он кратковременно получает успокоение, радуется жизни, пьёт, отдаётся утехам с ночными бабочками, принимает наркоту. Но всё не то, экстаз проходит, начинается ломка, всплывают мысли о невинной жертве и это может привести лишь к одному решению…

Относительно молодой английский драматург Мартин МакДонах снимает свой первый полный метр, а до этого была короткометражка, и он получил за нее «Оскара»: если так пойдет и дальше, кому-то определенно придется подвинуться. Можно сколько угодно рассуждать о влиянии Тарантино, например, но тут есть нюанс: МакДонах пишет диалоги… скажем мягко, не хуже Квентина. Диалоги в фильме действительно блестящие, мимика актёров, их действия во время и после сказанного заставляют зрителя сопереживать. Причём все диалоги не сводятся к хохмам или прикольным ситуациям, возникающим после того как Рэй что-нибудь брякнет или сделает. Нет! Есть место и для возвышенного философствования, для поиска своего «я». В отдельных эпизодах по-настоящему удаётся добиться смешения иронии и трагизма (придурковатый диалог Рэя и Гарри в финале, а затем события последовавшие за ним). Вроде и смешно и в то же время грустно.

Первая половина фильма — почти абсурдистская черная комедия о том, как два ирландских хмыря бродят по городу, — только на диалогах и держится, и это какой-то праздник. Потом идет немного оживляжа: убийство ребенка, избиение женщины, кокаиновая оргия с карликом и шлюхами. И наконец, когда ты уже настроился гыгыкать вплоть до финала, появляется Ральф Файнс, босс наших героев, и «Брюгге» вдруг превращается в пронзительнейшую драму.

Финал неожиданный, а от того блестящий. Здесь герои обретают свою самость, обретают «своё я» причём как Фаррелл, Файнс, Глисон, так и воровка Хлоэ. В концовке картине зритель сполна сможет себя почувствовать творцом и напарником сценаристов. Спасибо за такую возможность. Если вы увидите фильм, то поймёте о чём я говорю.

Кастинг выше всяких похвал. Рэй (Колин Фаррелл) — в фильме играет довольно меланхоличного, с кратковременными приступами агрессии парня. Он в одном из флэшбеков выступает в роли неуверенного и совсем не хладнокровного киллера с дрожащим пистолетом и бегающими глазами, который по ошибке замочил молодого паренька. После этого случая он начинает раскаиваться в содеянном поступке. С самого переезда в город у Рэя накапливается клубок противоречий, возникающий в мыслях, он приходит к экзистенциональному кризису и…пытается совершить...

Великолепное раскрытие своего персонажа. Фаррелл сыграл не просто на все 100, это без преувеличений одна из лучших его ролей. Причём здесь нужно отдать должное не только Фарреллу. Файнс с Глисоном справились на отлично, сколько напряжения создали оба за разговором в кафе, столкновение двух ярких образов, неприятие противоположной позиции, только и ждёшь кто первым выхватит ствол!

Кен (Брендан Глисон) — тоже яркая птица в криминальном дуэте. Они с Рэем в одной упряжке и, соответственно, Кен отвечает за ошибку напарника. Поэтому когда ему поступает приказ от босса убрать персонажа Фаррелла за оплошность, то тот с болью в сердце (вспомним томления в парке) идёт на это. В целом образ Кена воплощен Глисоном замечательно. Умеренный романтизм, жадная любовь к архитектуре и к искусству, то самое хладнокровие необходимое каждому профессиональному киллеру, трезвый рассудок, опытность — всё это потрясающе сочетается с харизмой этого актёра. А какова их игра на пару с Фарреллом, это надо видеть и слышать!

Главный антигерой фильма, босс Рэя и Кена — Гарри (Ральф Файнс) обладает исключительным даром — портить жизнь всем кто находится рядом с ним, не важно жена это, дети или его подчинённые. Постоянные приступы агрессии Гарри заставляют зрителя держать руку на пульсе, потому что любая следующая выходка этого героя неизвестна. Это и втягивает. Да и вообще Файнс как главзлодей смотрится очень колоритно и гармонично.

Резюмирую. Шедевр. Безусловный. Это огромный прорыв Колина Фаррелла как актёра мирового класса, он поразил больше всех. Но не только главные актёры завораживают, здесь всё прекрасно: отличный саундтрек, великолепная работа режиссёра и сценаристов, операторов. Понравилась «Старая Европа», воплощённая в «чёртовой дыре» Брюгге. Понравилась идея фильма, которая как я понял, в том, чтобы показать людям, что самый страшный Ад - это наши мысли. Внутренняя клетка, которую мы сами же себе строим. От нее нельзя убежать и нет кары страшнее этой.

Интересные факты:

Колин Фаррелл получил «Золотой глобус» в номинации Лучший актер (мюзикл / комедия) за фильм «Залечь на дно в Брюгге».

Идея фильма у Мартина МакДонаха родилась после того, как он посетил Брюгге и испытал два противоречивых чувства: глубокий восторг и ужасную скуку. Отсюда и разное отношение к городу двух главных героев.

Для того, чтобы создать ощущение курортного сезона, рождественские украшения держались на некоторых улицах города Брюгге до конца марта. Городской совет сделал официальное сообщение жителям Брюгге с объяснением причины.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Джеф Тэлли, бывший переговорщик секретных служб Лос Анджелеса, переезжает работать в провинциальный городок, оставив жену и дочь в Лос Анджелесе. Когда в его округе происходит ограбление, три преступника, не сумев укрыться от погони, берут в заложники ничего не подозревающую семью.

Но у отца семейства есть тайна, которая могла бы поставить под угрозу его семью, а один из преступников уже начал терять самообладание…. Джеф Тэлли должен сделать все, что в его силах, чтобы эта ночь не стала последней для невинных людей.

Динамичное, напряженное и захватывающее зрелище. Когда сюжетная линия уже ясно и четко обрисована, и вы готовы к логическому развитию по проторенным рельсам, действие вдруг совершает резкий кульбит, и становится более сложным, эмоциональным и интересным — хотя казалось, куда уж интереснее.

В фильме удачно сочетаются привычная атрибутика жанра экшен и мелодраматизм, призывающий напомнить, что картина претендует на более тонкий и интеллектуальный подход, нежели зрелищный боевик, изобилующий взрывным видеорядом, но лишенный какой-либо умственно-мыслительной деятельности.

Основное отличие «Заложника» от множества другой качественной продукции подобного рода состоит в сочувствии и сопереживании не только главному герою, но и отрицательным персонажам, ставших жертвами обстоятельств, коренящихся в их прошлом. Волей-неволей возникает жалость и к этим жертвам, и жертвам жертв — как это не вульгарно.

Брюс Уиллис, буквально на днях отметивший свои персональные полвека, в интервью сказал, что мог бы пожертвовать жизнью ради своей семьи. И ему хочется верить после просмотра этого фильма, в котором он исполнил главную роль белого рыцаря (такие роли ему особенно удаются!), но без шуток и прибауток своего раннего кинематографического творчества. Все-таки полтинник — это не фунт изюма, и Уиллис все чаще и чаще вспоминает «как важно быть серьезным». А поскольку он очень серьезен, на сей раз совместил обязанности и ведущего актера, и продюссера. И даже снял в роли дочери свою родную дочь, не злоупотребив служебным положением, и предоставив ей весьма ограниченное время, в котором не то что блеснуть талантом, но и просто монументально запечатлеться в памяти и сердце зрителя весьма трудно.

Сам Уиллис остается верен себе на протяжении долгих лет — от первого экранного вздоха, и до нынешних пор, узнаваемый, как старый знакомый: он или вдохновенно таращит глаза, буравя сомневающихся в его актерском мастерстве безумным и гневным взглядом (в самые кульминационные моменты), или криво ухмыляется — правда, все реже и реже.

И само собой разумеется, что его персонаж спасает и родных, и не очень родных людей с маниакальной настойчивостью и непоколебимостью, не щадя живота своего, подставляя многострадальное тело под пули, взрывы и огонь. Этому храбрецу достается практически со стартового и до финишного кадра, как во всех уважающих себя экшенах, которые мы ругаем за их предсказуемость и штамповки, но тем не менее с удовольствием смотрим, затаив дыхание.

Как многие другие характерные полотна, это начинается с того, что главный герой — переговорщик, проваливает задание, позволив погибнуть людям. Затем основное действо переносится на год вперед, когда молодые преступники из неблагополучных семей с серьезными психическими проблемами проникают в дом преуспевающего дельца забавы ради, и история становится «Часами отчаяния».

И сразу всем ясно, чем дело закончится. Как писал Чехов, если на стене висит ружье — оно обязательно выстрелит. Если в начале фильма операция потерпела крах, в конце похожая ситуация будет решена кардинально иначе.

Веселого мало. Очень много депрессивного, темного, злого — но хорошо то, что хорошо кончается.

Интересные факты:

Действие фильма происходит в вымышленном городке Бристо Камино, находящемся в округе Вентура, Калифорния. В романе Роберта Крейса, по которому поставлен фильм, этот городок носит название Бристо Бэй.

Количество трупов – 15, включая собаку – 16.

Дочь героя Брюса Уиллиса в фильме играет его собственная дочь Румер Уиллис. 15-летняя на момент съёмок Румер хотела получить роль, но отец заставил её пройти прослушивания на общих основаниях, и выбрали именно её.

Среди DVD дисков в коллекции персонажа Кевина Поллока можно заметить киноленту «Переговорщик» (1998), в которой сюжет также разворачивается вокруг полицейского переговорщика в чрезвычайных ситуациях. Также на полках присутствуют диски с предыдущим фильмом режиссёра Флорента Эмилио Сири, французским боевиком «Осиное гнездо» (2002) и полицейским триллером «Спецназ города ангелов» (2003).

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Роберт МакДугал, уже пожилой, но еще крепкий мужчина импозантной внешности, — выдающийся вор международного масштаба. Во время кражи полотна Рембрандта судьба сводит его с очаровательной конкуренткой Вирджинией, тоже воровкой большого таланта. Она следователь страховой компании.

Еще ни разу МакДугала не удавалось поймать с поличным. Виджиния надеется, что ей удастся войти к нему в доверие и заманить в западню. Оба они — люди неординарные — начинают работать вместе. Однако случается непредвиденное: Роберт и Вирджиния испытывают друг к другу нежные чувства, между ними начинается роман. Это доставляет массу неудобств и им самим, и спецслужбам различных стран…

Интрига, связанная с похищением весьма дорогостоящей и тщательно охраняемой маски в самом большом небоскрёбе Азии, который находится в малазийской столице Куала-Лумпур, по-настоящему занимательна и держит публику не столько в тревожном напряжении, сколько в нетерпеливом предвкушении того, как же именно это должно случиться.

«Западня» — однозначно, один из лучших фильмов про ограбления, один из лучших фильмов с Шоном Коннери и одна из самых качественных криминальных мелодрам. Сама идея-то героев фильма довольно проста — опытный вор в исполнении неповторимого Шона Коннери и красивая Кэтрин Зета Джонс из страховой компании объединяют усилия для того, чтобы выкрасть китайскую золотую маску. Разумеется, делают они это не ради наживы, а потому, что подобные вещи у них в крови — стащить у кого-нибудь прямо из под носа что-то чрезвычайно ценное, чтобы доказать самим себе, что лучших профессионалов в их деле нет.

Правда, все не так просто, как кажется — Вирджиния на самом деле агент под прикрытием, и у нее свои причины заниматься именно таким делом. Помимо разоблачения преступника, еще и можно здорово заработать. Но кто же знал (кроме голливудских сценаристов), что в процессе наставлений от лица неподражаемого МакДугала между двумя аферистами промелькнет искра. А что произойдет в момент и после удачной кражи, не знает никто из них. Потому что — любовь. Без этого фильм вполне мог бы оказаться обычным воровским триллером или даже боевичком. Но, к счастью, в данном случае сценаристы не прогадали, а дуэт замечательных актеров — один из лучших в истории американского кино.

В итоге, получилась отличная криминальная драма, в которой есть место и удачным шуткам, и неожиданным проявлениям чувств, причем именно в те моменты, когда в это действительно можно поверить. К тому же, очень необычная схема похищения сокровища и использование акробатических трюков в исполнении самой Кэтрин Зеты Джонс. И весьма трогательная и изобретательная финальная сцена, какие сейчас редки вообще в Голливуде, не говоря уже об отдельно взятом жанре. Плюс ко всему, красивые виды настоящего замка, в котором живет поживает вор МакДугал и где он будет обучать «напарницу». Про музыку и диалоги даже говорить неудобно — они на высоте. Пропускать такие фильмы просто нельзя.

Интересные факты:

Кэтрин Зета-Джонс была полностью обнажена под простыней в сцене, когда герой Шона Коннери, в начале фильма, прокрался к ней в комнату ночью и учинил допрос.

В ночь миллениума, когда Мак и Джин едут в машине к всемирному банку они сверяют часы в 23:00. Джин говорит, что с этого момента каждую минуту и до полуночи атомные часы в Нью-Йорке будут отставать на десятую долю секунды и таким образом у них будут лишние 10 секунд, за которые они смогут внедриться в систему защиты банка. Но каждую минуту 1/10 секунды в час (60 минут) дает им лишние 6 секунд, а никак не 10.

Роль тайного укрытия Мака сыграл замок Дуарт, наследственное владение клана МакЛинов. Когда-то эта крепость вместе с шестью другими была построена предводителями клана на западном побережье Шотландии. В случае появления на море викингов или англичан на крепостях зажигались сигнальные костры, предупреждая шотландцев об опасности. Сам Шон Коннери по материнской линии происходит из клана МакЛинов, мать Коннери была урожденной МакЛин.

В центре истории оказались башни-близнецы Петронас Твин Тауерс, расположенные в малазийской столице Куала-Лумпур. 88 этажные, 452-х метровые небоскребы-близнецы были возведены за 5 лет. С 1992 по 1997 годы проходило их строительство. Строительство обошлось Малайзии в $ 1,2 млрд.

Основным выходом на случай непредвиденных обстоятельств служит так называемый «небесный» мост, являющийся отличительной чертой Петронас Твин Тауерс. Этот мост, имеющий длину 59 метров и висящий на высоте 170 м, соединяет две башни на высоте 41 и 42 этажа. Строителям и монтажникам понадобилось 32 часа для того, чтобы возвести этот мост на такой высоте.

Разница в возрасте между актерами в фильме «Западня» Шоном Коннери и Кэтрин Зетой-Джонс составляет 39 лет.

Улица, на которой Мак (Шон Коннери) припарковал машину, дожидаясь героиню Кэтрин Зеты-Джонс, пока та находилась в антикварном магазине, та же самая, что и в фильме «Гарри Поттер и философский камень» 2001 г. По этой улице Гарри и Хагрид спускались, направляясь в Дырявый котел.

Трюк на потолочной балке в замке Дуарт, когда героиня Кэтрин Зеты-Джонс делает сальто назад, а потом спрыгивает с балки на старинный стол, актриса проделала сама!

Фильм обошелся на два миллиона долларов дешевле запланированного бюджета. Продюсер компании Ронда Теллефсон ставит это в заслугу Шону Коннери, который с умом подошел к финансовым вопросам. Например, во время съемок фильма Коннери сам приезжал на съемочную площадку на своем автомобиле, отказавшись от услуг шофера, а вместо использования частных самолетов, летал обычными коммерческими рейсами.

Сначала предполагалось, что грандиозная кража в фильме «Западня» будет приурочена к переходу Гонконга под юрисдикцию Китая. Затем режиссер Джон Эмиел предложил перенести ее к началу нового тысячелетия.

В начале фильма появляется секретный код - 1007, последние три цифры которого 007 (именно этот номер принадлежит агенту с лицензией на убийство, Джеймсу Бонду). А единица обозначает, что Шон Коннери был первым исполнителем роли агента 007 на экране.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Взять поезд с заложниками — плёвое дело. Особенно для таких матёрых ребят, как в фильме « Захват поезда 123». Вот выбраться из поезда и смыться с вырученными деньгами — ситуация посложнее. Как выкрутиться из такого положения и остаться живым — знает только команда захватчиков.

Захват заложников — одна из самых распространенных завязок для различных боевиков и триллеров. Такие фильмы частенько априори захватывающие и напряженные, так как за заложников переживаешь так или иначе, причем куда больше порой, чем за главного героя, рвущегося их спасать.

Казалось бы, что может быть захватывающего в фильме, про стоящий поезд и ведение переговоров? Любой бы предпочел посмотреть «Захват 2» со Стивеном Сигалом, где и поезд движется, и вагонов с заложниками куда больше одного и сплошные трюки. Казалось бы сейчас должен появится очередной герой в лице например Джона МакЛейна, который обязательно навесит супостатам люлей и освободит всех заложников. Стоп. Здесь нет такого полицейского. Хотя это и к лучшему, потому что именно с этого момента «Захват поезда 123» начинает выделяться из общего ряда боевиков, которых нам довелось посмотреть великое множество. Главный герой — обыкновенный пухленький диспетчер, который оказался в не в том месте, не в то время. Именно с ним, и совершенно не случайно связывается главная злая морда - Райдер.

Именно на этом строится весь фильм. На напряжённых диалогах между диспетчером и Райдером. Должен заметить что они нисколько не делают фильм скучнее, а скорее наоборот, больше подливают масла в огонь. Постоянное погружение во внутренний мир двух главных персонажей, в противостоянии которых и кроется основная фабула, в очередной раз показывающая, что противоположности не только борются, но и взаимодействуют друг с другом, и на каждой темной половине имеется белое пятно, а в каждой белой сидит черная точка. Кроме этих двух персонажей даже не хочется замечать скандально известного мэра-тугодума в лице Джеймса Гандольфини. Или вечно спокойного и опытного оперативника в лице Джона Туртуро. Но эти двое всё-таки вносят приятное разнообразие в фильм.

Дензел Вашингтон блестяще выступает в роли пухленького диспетчера. Видно как он со всей серьёзностью готовился к ней. Он рассудителен, организован, исполнителен, принципиален, добропорядочный семьянин и ответственный работник, не подвластен порывам эмоций, не теряется в патовых ситуациях, и способен на поступок. Правда, о последнем он, и сам до определенного момента, судя по всему, не подозревает. Он, в отличие от злодея, совершенно не амбициозен, и почти законопослушен. Единственное, что их объединяет- это ум. Гербер (так зовут этого героя- олицетворение добродетели), как и его оппонент, умен. Но в тот день ему не повезло, именно в его смену произошел захват поезда, и именно с ним, диспетчером движения метро, начал общаться злодей. Наверное, фильм главным образом хорош именно их диалогами, довольно остроумными, порою даже психологически тонкими, раскрывающими личность и особенности характера и харизмы каждого. Дензел Вашингтон убедительно сыграл своего персонажа, особенно если обращать внимание на детали - он образ своего героя сделал деталями - походкой, несколько неуверенной, голосом, манерой говорить — ровной и спокойной, жестами, скупыми, но красноречивыми…

Джон Траволта весь фильм жжёт как дуговая сварка. Получился из него очень колоритный злодей (впрочем из него всегда получается колоритный злодей, достаточно вспомнить «Пароль рыба-меч» или «Без лица»). Райдер кажется полным психом. Устраивает истерики, мочит просто так заложников, орёт матом в рацию, но тем не менее у него всегда всё под контролем. Он изощренно умен. Настолько же изощренно, насколько и бессовестен, но совсем не беспринципен. Он без тени смущения в упор расстреливает ни в чем не повинных, безоружных заложников, но ему, тем не менее, не чуждо ничто человеческое. Более того, у чего чрезвычайно острый нюх на правду, а по-настоящему порядочному человеку, способному на поступок, он готов даже отдать победу. Ну не просто так, а только если догонят, конечно. Он большой, амбициозный, злобный и жестокий, и в то же время в чем-то инфантильный, и сентиментальный. Большущий ребенок, которого, по его мнению, несправедливо поставили в угол, когда он стащил с праздничного стола кусок торта, предназначенного для приема гостей, и он, постояв в углу, и затаив обиду, вынашивает план мести своим обидчикам. Герой Траволты, конечно, уже давно не ребенок, а бывалый делец с Уолл-стрит, ушлый и азартный, и не кусок торта стащил, а несколько миллионов общественных денег, и не в углу стоял, а в тюрьме сидел, и не вынашивает планы мести, а осуществляет их, но.. Аналогия, тем не менее, уместна, ибо герой чрезвычайно противоречивый, что особенно бросается в глаза на фоне его харизматичности. Траволта сыграл отлично, предельно убедительно.

Если оценивать в целом, то кино у Тони Скотта, как обычно, вышло очень интересное и захватывающее. Стиль Тони всем уже давно известен и ничего нового он здесь нам не предлагает. Съемки с использованием потрясающей операторской работы (когда можно забыть о плавном движении камеры) и необычным монтажом картинки, стали визитной карточкой режиссера. Это его неповторимая манера, которая выработалась в последние годы и стала узнаваемой. Можно титры не смотреть! У Тони Скотта почти нет статичных кадров, все время камера так и норовит сменить ракурс, облететь героя кругом, повращаться и вкупе с вездесущим зумом, наезжающим на все, что только можно, создает ощущение, что на твоих глазах разыгрывается реально-тревожная ситуация с угрозой для жизни. Не буду говорить за всех, так как, наверняка, не всем такое дергание камеры нравится, но мне стиль Тони точно по душе. Особенно бесподобен монтаж его фильмов. Кто видел хотя бы одно его творение, тот знает о чем я говорю — нарезка кадров в клиповой манере. Действие проносится перед глазами, замедляется, ускоряется, делится, кадрируется и все это точно в такт отлично подобранной музыки. Мощнейший саундтрек, который бьет по голове уже с самого начала треком «99 problems» от Jay-Z и добивает во время динамичных сцен, потом ещё долго крутится и не выходит из головы.

Обладая весьма простецким и штампованным сюжетом, данная лента берет, прежде всего, крепкой режиссурой и жестким экшеном. Тони не стесняется жесткого возрастного рейтинга и при каждом удобном случае ярко демонстрирует, сколько крови будет при попадании пули в тело человека. Каждая сцена ликвидации заложника впечатляет своей жесткостью и зрелищностью. Определенно, боевики — лучший жанр Тони Скотта.

Интересные факты:

Чтобы достоверно изобразить Райдера, Тони Скотт специально разыскал нескольких человек, сидевших в тюрьме за преступление героя Джона Траволты.

Продюсеры фильма подписали рекламный контракт с Sony, в результате чего в нем появляются четыре продукта компании - от ноутбуков до сотового телефона.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Взять поезд с заложниками — плёвое дело. Особенно для таких матёрых ребят, как в фильме « Захват поезда 123». Вот выбраться из поезда и смыться с вырученными деньгами — ситуация посложнее. Как выкрутиться из такого положения и остаться живым — знает только команда захватчиков.

Захват заложников — одна из самых распространенных завязок для различных боевиков и триллеров. Такие фильмы частенько априори захватывающие и напряженные, так как за заложников переживаешь так или иначе, причем куда больше порой, чем за главного героя, рвущегося их спасать.

Казалось бы, что может быть захватывающего в фильме, про стоящий поезд и ведение переговоров? Любой бы предпочел посмотреть «Захват 2» со Стивеном Сигалом, где и поезд движется, и вагонов с заложниками куда больше одного и сплошные трюки. Казалось бы сейчас должен появится очередной герой в лице например Джона МакЛейна, который обязательно навесит супостатам люлей и освободит всех заложников. Стоп. Здесь нет такого полицейского. Хотя это и к лучшему, потому что именно с этого момента «Захват поезда 123» начинает выделяться из общего ряда боевиков, которых нам довелось посмотреть великое множество. Главный герой — обыкновенный пухленький диспетчер, который оказался в не в том месте, не в то время. Именно с ним, и совершенно не случайно связывается главная злая морда - Райдер.

Именно на этом строится весь фильм. На напряжённых диалогах между диспетчером и Райдером. Должен заметить что они нисколько не делают фильм скучнее, а скорее наоборот, больше подливают масла в огонь. Постоянное погружение во внутренний мир двух главных персонажей, в противостоянии которых и кроется основная фабула, в очередной раз показывающая, что противоположности не только борются, но и взаимодействуют друг с другом, и на каждой темной половине имеется белое пятно, а в каждой белой сидит черная точка. Кроме этих двух персонажей даже не хочется замечать скандально известного мэра-тугодума в лице Джеймса Гандольфини. Или вечно спокойного и опытного оперативника в лице Джона Туртуро. Но эти двое всё-таки вносят приятное разнообразие в фильм.

Дензел Вашингтон блестяще выступает в роли пухленького диспетчера. Видно как он со всей серьёзностью готовился к ней. Он рассудителен, организован, исполнителен, принципиален, добропорядочный семьянин и ответственный работник, не подвластен порывам эмоций, не теряется в патовых ситуациях, и способен на поступок. Правда, о последнем он, и сам до определенного момента, судя по всему, не подозревает. Он, в отличие от злодея, совершенно не амбициозен, и почти законопослушен. Единственное, что их объединяет- это ум. Гербер (так зовут этого героя- олицетворение добродетели), как и его оппонент, умен. Но в тот день ему не повезло, именно в его смену произошел захват поезда, и именно с ним, диспетчером движения метро, начал общаться злодей. Наверное, фильм главным образом хорош именно их диалогами, довольно остроумными, порою даже психологически тонкими, раскрывающими личность и особенности характера и харизмы каждого. Дензел Вашингтон убедительно сыграл своего персонажа, особенно если обращать внимание на детали - он образ своего героя сделал деталями - походкой, несколько неуверенной, голосом, манерой говорить — ровной и спокойной, жестами, скупыми, но красноречивыми…

Джон Траволта весь фильм жжёт как дуговая сварка. Получился из него очень колоритный злодей (впрочем из него всегда получается колоритный злодей, достаточно вспомнить «Пароль рыба-меч» или «Без лица»). Райдер кажется полным психом. Устраивает истерики, мочит просто так заложников, орёт матом в рацию, но тем не менее у него всегда всё под контролем. Он изощренно умен. Настолько же изощренно, насколько и бессовестен, но совсем не беспринципен. Он без тени смущения в упор расстреливает ни в чем не повинных, безоружных заложников, но ему, тем не менее, не чуждо ничто человеческое. Более того, у чего чрезвычайно острый нюх на правду, а по-настоящему порядочному человеку, способному на поступок, он готов даже отдать победу. Ну не просто так, а только если догонят, конечно. Он большой, амбициозный, злобный и жестокий, и в то же время в чем-то инфантильный, и сентиментальный. Большущий ребенок, которого, по его мнению, несправедливо поставили в угол, когда он стащил с праздничного стола кусок торта, предназначенного для приема гостей, и он, постояв в углу, и затаив обиду, вынашивает план мести своим обидчикам. Герой Траволты, конечно, уже давно не ребенок, а бывалый делец с Уолл-стрит, ушлый и азартный, и не кусок торта стащил, а несколько миллионов общественных денег, и не в углу стоял, а в тюрьме сидел, и не вынашивает планы мести, а осуществляет их, но.. Аналогия, тем не менее, уместна, ибо герой чрезвычайно противоречивый, что особенно бросается в глаза на фоне его харизматичности. Траволта сыграл отлично, предельно убедительно.

Если оценивать в целом, то кино у Тони Скотта, как обычно, вышло очень интересное и захватывающее. Стиль Тони всем уже давно известен и ничего нового он здесь нам не предлагает. Съемки с использованием потрясающей операторской работы (когда можно забыть о плавном движении камеры) и необычным монтажом картинки, стали визитной карточкой режиссера. Это его неповторимая манера, которая выработалась в последние годы и стала узнаваемой. Можно титры не смотреть! У Тони Скотта почти нет статичных кадров, все время камера так и норовит сменить ракурс, облететь героя кругом, повращаться и вкупе с вездесущим зумом, наезжающим на все, что только можно, создает ощущение, что на твоих глазах разыгрывается реально-тревожная ситуация с угрозой для жизни. Не буду говорить за всех, так как, наверняка, не всем такое дергание камеры нравится, но мне стиль Тони точно по душе. Особенно бесподобен монтаж его фильмов. Кто видел хотя бы одно его творение, тот знает о чем я говорю — нарезка кадров в клиповой манере. Действие проносится перед глазами, замедляется, ускоряется, делится, кадрируется и все это точно в такт отлично подобранной музыки. Мощнейший саундтрек, который бьет по голове уже с самого начала треком «99 problems» от Jay-Z и добивает во время динамичных сцен, потом ещё долго крутится и не выходит из головы.

Обладая весьма простецким и штампованным сюжетом, данная лента берет, прежде всего, крепкой режиссурой и жестким экшеном. Тони не стесняется жесткого возрастного рейтинга и при каждом удобном случае ярко демонстрирует, сколько крови будет при попадании пули в тело человека. Каждая сцена ликвидации заложника впечатляет своей жесткостью и зрелищностью. Определенно, боевики — лучший жанр Тони Скотта.

Интересные факты:

Чтобы достоверно изобразить Райдера, Тони Скотт специально разыскал нескольких человек, сидевших в тюрьме за преступление героя Джона Траволты.

Продюсеры фильма подписали рекламный контракт с Sony, в результате чего в нем появляются четыре продукта компании - от ноутбуков до сотового телефона.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Изворотливый триллер с необычным сюжетом: четверо фокусников, один из которых еще и гипнотизер, объединяются для совершения краж. На глазах у изумленной публики и полиции они дистанционно грабят банк. Дальше больше: им удается вернуть деньги недобросовестных банкиров-страховщиков жертвам новоорлеанского наводнения и украсть из-под стражи конфискованный спецслужбами сейф с деньгами, а полиция не способна доказать их вину и вынуждена отпустить преступников.

Фокусы с разоблачением — жанр довольно скользкий, особенно для кино. Не объяснишь трюка зрителям — их любопытство останется неудовлетворенным. Объяснишь — и того хуже, разочаруются из-за тривиальности разгадки. В «Иллюзии обмана», впрочем, много не столько самих фокусов, сколько полицейских засад и погонь. Поскольку суть шоу четверых иллюзионистов, называющих себя «Всадниками», состоит в отъеме денег у банков и страховых компаний, ФБР с Интерполом пытаются прищучить артистов за банальный грабеж. На самом деле, «Всадники» радеют не за банальные материальные блага, а ради искусства и социальной справедливости. С одной стороны, у адептов магии есть повод продемонстрировать миру ловкость рук и чудеса техники гипноза, а с другой — возможность действовать в духе Робин Гуда или, если искать современные аналогии, — в манере движения «Оккупируй Уолл-Стрит»: забрать миллионы у богатых и раздать их бедным, жертвам экономического кризиса. Причем, разбрасывая банкноты дождем над ликующей толпой, фокусники не скрывают в рукаве никакого воландовского коварства.

От полиции шайка магов поначалу не больно-то и скрывается. Действительно, чего шоуменам бояться, ведь оружия у них при себе не водится, за исключением профессионального мастерства, свидетели все как один твердят о волшебстве, а типовой полицейский комментарий: «это бред» остроумно используется как запрограммированная кодовая команда для массового гипноза. Попробуйте допросить телепата — поймете, почему у ведущих расследование копов такие измученные лица и отчаяние в глазах. Все, о чем догадываются служители закона — это что группа «Всадники» задумала не просто серию шоу, а некую масштабную многоходовую операцию, и при этом действует по чьему-то заказу. Того, кто за всем стоит, мы не идентифицируем почти до самого финала.

Сама картина уподобляется своим героям, балансируя между подлинными чудесами сюжетосложения и тривиальным шарлатанством: для большинства наиболее эффектных трюков объяснения так и не находится, но запутанная интрига несется дальше на всех парах. Ее, впрочем, уравновешивает харизма двух ветеранов — Моргана Фримена и Майкла Кейна, которые умудряются добавить хотя бы немного юмора и тепла в картину, чересчур напоминающую шахматную партию. Первые полчаса — стремительные, остроумные, намекающие на множество будущих интриг, — вполне и даже подозрительно точно оправдывают ожидания. То, что происходит в оставшиеся полтора часа, не то чтобы плохо, скорее — недостаточно хорошо. Главные герои отступают на второй план, где и останутся вплоть до финала, а на первый выходит дуэт Марка Руффало и Мелани Лоран (агенты, брошенные на расследование), механистически отыгрывающий тему бесплодной погони и, разумеется, интернационального романа. Фриман многозначительно произносит разную чепуху про магию. Кейну играть нечего — да и негде. Сюжет становится все более путаным, неправдоподобным, а то и откровенно жульническим.

Режиссер первых двух «Перевозчиков» и «Битвы титанов» Луи Летеррье — чем дальше, тем чаще — нарушает главное правило: фокус в кино имеет смысл показывать по возможности без монтажа и уж точно — без спецэффектов, в противном случае он теряет все свое очарование. У кинорежиссера в рукавах столько места, а вокруг столько зеркал и потайных дверок, что спрятать сейф или перенести людей с крыши на крышу — дело нехитрое. Это, во всяком случае, проще, чем придумать героям внятные мотивировки, показать эволюцию их чувств и удержать в высокобюджетной кутерьме крупицы смысла.

Интересные факты:

Колода карт, используемая в фильме, реально существует, и ее можно купить в одном из американских интернет-магазинов фокусов и карт (theory11). Колода называется Monarchs.

Во время съемок фильма Майкл Кейн оказался запертым в раздевалке на целую ночь. Кейн заснул после съемок и не услышал, когда режиссер объявил об окончании рабочего дня. Все думали, что Кейн уже ушел, и съемочную площадку закрыли. Кейн проснулся в кромешной тьме и смог покинуть помещение только утром, когда кто-то услышал его крики о помощи.

Фильм снимался в Нью-Йорке, Лас-Вегасе, Париже и Новом Орлеане, причем столица Луизианы попала в кадр в период праздника Марди Гра.

Чтобы освоить технику гипноза и внушения, и правдоподобно воплотить менталиста, Вуди Харрельсон на протяжении нескольких недель занимался с настоящим психологом-манипулятором.

Готовясь к роли, Айла Фишер смотрела документальные фильмы о фокусниках. В частности, она изучила работу Гарри Гудини.

Многие фокусы актеры выполняли сами. Создатели стремились минимизировать операторские трюки при съемках сценических номеров.

Джейк Джилленхол рассматривался на роль в фильме, но отказался. В итоге роль отошла Марку Руффало.

Филип Сеймур Хоффман, Джим Керри, Хью Грант, Саша Барон Коэн и Колин Фёрт рассматривались на главную роль в фильме, прежде чем было принято решение взять на нее более молодого актера.

В первоначальном варианте сценария среди «Четырех всадников» не было ни одной женщины.

В самом начале фильма, до того как герой Джесси Айзенберга показывает фокус с семеркой бубен, он крутит в руках карты. Это направление в магии называется cardistry. Человек должен наиболее красиво и сложно крутить карты в руках. Естественно, Джесси не сам делал этот сложный трюк. Дублерами для его рук выступили братья-близнецы Дэн и Дэйв Баки (Dan and Dave Buck). Также братья выступали в качестве консультантов для других актеров.

На шлеме телепортации отсутствует камера, которая транслирует лицо француза во время фокуса. Таковая должна была бы находиться прямо перед его лицом, но ничего подобного нет.

Когда француз находится в хранилище с деньгами, а его просят положить билет и карту между деньгами, он кладет правой рукой. Когда кадр переключается на камеру со шлема, то он кладет левой рукой.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Нил Шоу (Уэсли Снайпс) — лучший спецагент секретного подразделения ООН. При выполнении очередного задания он оказывается главным подозреваемым в убийстве китайского посла, которое ставит под угрозу подписание важного соглашения между Китаем и США.
Скрываясь от ФБР и вступая в смертельный бой с китайской триадой, Шоу должен снять с себя подозрение и найти убийцу. Но в мире политических тайн и международных заговоров это становится почти невыполнимой задачей. Врагом может оказаться каждый. А в живых останется тот, кто по-настоящему владеет искусством войны.

История о спецагенте, которого подставили боссы. Мы это уже где-то видели, но стоит и еще раз посмотреть. Здесь есть заговор, интриги и, действительно, искусство войны. Это - борьба талантов, борьба тактик, борьба умов. Один против нескольких главных врагов. И, казалось бы, против кого? Герой Уэсли Снайпса привык контролировать ситуацию, но тут он попадает в передрягу, где впервые не понимает, что реально происходит. Кто союзник, а кто враг — мы открываем, следуя за умом главного героя.

Порадовало, что фильм очень динамично начался, и так же закончился. Хотя сюжету отвели не последнее место, вся политическая болтология тут не отвлекает от основного действия и совершенно не напрягает. Уэсли Снайпс разбирается с очередными негодяями, потом краткие сцены экскурса в «устройство спецслужб и правительственный заговор», дальше — снова экшен. И так все кино.

Помимо Уэсли Снайпса, очень хорошо здесь выступил Майкл Бьен в роли агента-киллера, которого тут сразу и не узнать. Финальная схватка так вообще удивляет необыкновенными приемами боя и ракурсами камеры, где оба героя колошматят друг друга ногами и бьют о все поверхности подряд. Смотрелось хоть и странно, но эффектно. Да и вообще, «Искусство войны» — продуманный, эффектный боевичок, который обладает достаточно редким качеством для этого жанра — атмосферой. Если в простых боевиках есть герой, стрельба, спецэффекты и простейший сюжет, то здесь все то же самое складывается в очень насыщенную и интересную картину. И воспринимается как умный шпионский детектив-триллер. Однозначно, одни из лучших ролей Уэсли Снайпса и Майкла Бьена, и отличное интересное кино.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Двое бандитов колесят по американской провинции, оставляя после себя многочисленные трупы. Однажды они оказываются в тихом городке Миллбрук, штат Индиана. В этом городе живёт Том Столл, уважаемый всеми владелец небольшой закусочной, и его семья — жена Иди и двое детей. При попытке вооружённого ограбления своей закусочной Том Столл убивает бандитов и становится местным героем, о его подвиге упоённо рассказывает телевидение. Вскоре в Миллбруке появляются загадочные люди, которые почему-то называют Тома именем Джоуи и расспрашивают его о Филадельфии.

Дэвид Кроненберг сказал, что название его фильма «A History of Violence» имеет три аспекта, которые не совсем точно отражают переводы «История насилия» или «Оправданная жестокость». Первый аспект названия этой ленты заключается как раз в предыстории конкретного человека, в частности, Тома Столла. Второй указывает на историческое использование инструмента жестокости в разрешении споров. А третий — на врождённую жестокость человека, которая, согласно теории эволюции Дарвина, является определяющим фактором в борьбе за существование. Третий аспект больше всего подходит к фильму Дэвида Кроненберга, который во многом о том, как человек приспосабливается к нормальным условиям существования, преодолевая возникающие на его пути преграды путём жестокости и насилия.

Дэвид Кроненберг рисует счастливую жизнь человека, у которого двое прекрасных детей, страстные отношения с женой и… смутное прошлое. И вот, в один прекрасный день жизнь Тома Столла переворачивается с ног на голову, а в тихую гавань бесцеремонно врываются кошмарные образы из прошлого, которые он и рад бы забыть, словно герой Кристофера Уокена из кроненберговской экранизации романа Стивена Кинга «Мёртвая зона», да ничего не получается, потому что бумеранг прошлого, запущенный нами когда-то вдаль, всегда возвращается назад.

Дэвид Кроненберг провёл кропотливое исследование двойственности человеческой души, создав напряженную картину не столько о жестокости, сколько о человеческом характере, в котором всегда борются две противоположные сущности. И одна из них всегда оказывается сильнее другой. Это и отражено в характере Тома Столла, который решил порвать не только со своим прошлым образом жизни, но и со своей прошлой личностью, создав оплот в крепких семейных отношениях. Однако Том также самоотверженно готов пойти на всё, лишь бы обезопасить свою семью от взбушевавшихся призраков своего прошлого и сохранить нажитое благополучие. Здесь-то и оказывается оправданным перевод «Оправданная жестокость» (уж простите за тавтологию), ибо всё, что делает Том, он делает ради сохранения себя и своей семьи. Чем не дарвинизм? Дэвид Кроненберг ставит перед семьёй Тома Столла моральную дилемму. Что сделают жена и дети Тома, когда узнают о нём всю правду? Отвернутся от него? Или примут правду о нём со смирением? Чувства всех персонажей кроненберговской истории жестокости проходят проверку на прочность: продолжит ли жена Тома любить его таким, какой он есть, или отвергнет его, не выдержав натиска истины? Уверяю, вам интересно будет это узнать. Ну а неопровержимым доказательством того, что Кроненберг является чистейшим дарвинистом, является наследственная склонность сына Тома к жестокости, которую он оправданно проявляет по отношению к своему однокласснику.

Сложно ли убить человека? Вопрос тяжёлый лишь до определённого момента. До наступления непреодолимых обстоятельств. А после их наступления, это всего лишь вопрос техники. Нет, вы конечно можете прислушаться к голосу разума, совести или пацифизма. Но в следующее мгновение, вы уже будете лежать на полу медленно остывая. Все высокопарные слова бессильны перед дулом пистолета или лезвием ножа. И только от нас зависит конечный выбор. Быть безропотной дичью, не способной защитить себя и окружающих, и ждущей своей участи или «уделать» охотника, возомнившего себя лучше вас. Вы всё ещё сомневаетесь?

Дэвид Кроненберг продемонстрировал насилие не как нечто из ряда вон выходящее или противоречащее здравому смыслу. Выстрелить в голову, забить нос в мозг, сломать шею каблуком ботинка здесь так же просто и обыденно, как выкурить сигарету или выпить чашку кофе. Никаких эмоций. Ни отвращения, ни удовольствия. Действия доведены до автоматизма. Только рефлексы и инстинкты. Это лишь чуть более нетривиальный способ устранения препятствий на своём пути.

Вигго Мортенсен идеально подошел на эту роль, органично воплотив в своём образе две совершенно разные личности. «Переключение» между которыми происходит интуитивно, мгновенно и без колебаний. Второй звездой здесь был конечно же Эд Харрис. Прекрасная игра и удивительно проработанный характер персонажа, даже несмотря на малое экранное время.

Жестокость Тома имела свою историю. А близкие… они просто были жестоки, сами по себе. И здесь нам показана совершенно иная жестокость: жены, еще недавно утверждавшей, что ее муж — лучший мужчина на свете, а после всего произошедшего ставшей для него совершенно чужой. Сына, такого похожего на своего отца — кроткого и смиренного, пока вдруг не выплеснется наружу долго копившийся гнев. Похожего и — не желающего понять и простить отца. Дочери, которую Том так любовно успокаивает ночью, когда она плачет, напуганная приснившимися ей чудовищами. И которая замирает, отгораживается от отца, когда эти чудовища из ночного мрака настигают так неожиданно его самого.

И все они — и жена, и сын, и дочь — гораздо хуже, чем Том. Жестоким и страшным его сделала жестокая и страшная жизнь. И через что он прошел для того, чтобы стать другим? Как он говорит сам — пришлось умереть и родиться снова, так что до встречи с будущей женой его даже и не было…

А что сделало такими жестокими их? Маленький, но говорящий эпизод. Том пытается поговорить с женой, когда его прошлое уже открылось, объясниться с ней. Он как всегда предельно вежлив. Но она… Она вырывается и бьет его. И тогда в нем оживает на мгновение зверь. Он валит ее с ног и уже готов совершить насилие. Однако секунда, и взгляд Тома становится совершенно другим — он ужасается от того, что делает, и хочет встать… Только жена не отпускает его — она хочет насладиться совокуплением с этим зверем… Так кто же из них по-настоящему жесток? И в ком больше звериного?

Финальная сцена как бы тонет, растворяется во взгляде Тома. Во взгляде, полном страха и надежды. Страха быть отвергнутым. Надежды на прощение.

Мрачная и жестокая история. Чудовищно реалистичная в своей обыденности и столь же притягательная в своём драматизме. Кроненберг как всегда оставляет зрителя один на один с собственными мыслями.

Фильм идет полтора часа, но возникает чувство, что целых три. Очень медленно поставлен, отлично отыгран, напряжен и бьет по нервам. Что действительно поражает - это игра Вигго Мортенсена, его перевоплощение из законопослушного гражданина в опасного убийцу вне всяких похвал.

В заключении можно сказать, что «A History of Violence» фильм на любителя, кому-то может показаться, что это шедевр с отличной идеей, что насилие может быть оправданным, когда это нужно, что человек может исправиться, но в душе остаться таким же опасным и жестоким. А кому-то фильм может показаться только очередной попыткой достучаться до человеческого понимая насилия и жестокости.

Интересные факты:

Фильм основан на графическом романе Джона Вагнера и Винса Локка "A History of Violence" 1997 года.

Съёмки картины проходили на родине режиссёра Дэвида Кроненберга в Канаде. Роль вымышленного американского города Миллбрук, штат Индиана, сыграл город Миллбрук в провинции Онтарио; сцены фильма, происходящие в Филадельфии, снимались в Торонто.

Одна из самых затратных и жестоких сцен ленты — сон Тома Столла, в котором он убивает Карла Фогарти, — в фильм не попала. Режиссёр счёл её неуместной ссылкой на свои предыдущие работы.

Все эпизоды в закусочной Тома были отсняты в павильоне студии «Торонто Филм». Таким образом, и сама закусочная, и улица, которая видна за окнами и стеклянной дверью, — всё это декорация.

Дэвид Кроненберг решил пригласить на роль Тома / Джоуи Вигго Мортенсена, после того как увидел его в роли Арагорна в трилогии Питера Джексона «Властелин Колец» и в дополнительных материалах к этим фильмам. Режиссер был просто поражен несоответствием заурядно-безобидной внешности актера в жизни и мощного образа хладнокровного бойца, созданного им в кино.

Вигго Мортенсен сам купил большую часть реквизита для закусочной и дома Столлов во время своей поездки по американскому Среднему Западу. Это помогло ему лучше проникнуть в суть своего героя.

Чтобы освоить филадельфийское произношение Джоуи, Вигго Мортенсен часами общался с дядей и братом Марии Белло, жителями Филадельфии.

Уильям Хёрт присутствовал на съемочной площадке всего 5 дней.

Стивен МакХэтти и Грег Брик, сыгравшие бандитов Лиланда и Билли, будучи большими поклонниками системы Станиславского, сами придумали себе предысторию своих героев.
Согласно ей, Лиланд и Билли — соответственно родные дядя и племянник. Лиланд вышел из тюрьмы года полтора назад, поехал навестить свою семью, встретился с Билли и решил, что должен показать ему мир.

На футболке Билли мы видим рекламу бильярдной «Ночная сова». Это — отсылка к знаменитому криминальному триллеру Кёртиса Хэнсона «Секреты Лос-Анджелеса» (1997), сюжет которого вращается вокруг убийств в кафе «Ночная сова».

Эпизод, в котором Билли направляет пистолет на маленькую девочку, — это цитата из легендарного вестерна Серджо Леоне «Однажды на Диком Западе» (1968). Сцена копирует знаменитый эпизод, в котором Фрэнк направляет револьвер на последнего оставшегося в живых члена клана Макбэйнов, тоже ребенка, только сразу после этого вместо свистка паровоза раздается пронзительный крик дочери Столлов.

В оригинальном сценарии гангстеры — представители итало-американской мафии. Однако после того как на роли Карла Фогарти и Ричи Кьюсака были утверждены соответственно Эд Харрис и Уильям Хёрт, Дэвид Кроненберг решил сделать гангстеров ирландцами, так как чувствовал, что Харрис и Хёрт не смогут убедительно сыграть итальянцев.

В оригинальном сценарии, как и в оригинальном романе-комиксе, Джоуи и Ричи были всего лишь старыми друзьями. Однако Дэвид Кроненберг решил усилить драматизм ситуации и сделать их родными братьями.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Лас-Вегас, семидесятые годы прошлого столетия. Влиятельные персоны итальянского происхождения владеют сетью игорных заведений, приносящих им огромные барыши. Несмотря на то, что престарелые доны одной ногой уже находятся в землянке, которая носит название «могила», им все равно хочется денег. Чем больше, тем лучше. Доны купили всю администрацию Вегаса, везде протянули свои щупальца — и, можно сказать, что именно они являются истинными хозяевами города. Как говорится, «все схвачено, за все заплачено».

Одно из самых прибыльных игорных заведений носит название «Танжер». Туда назначается управляющим некто Сэм Ротстин — человек, буквально живущий Игрой. Он одержим ею, он знает все тонкости, все нюансы Игры, и именно его боссы видят в качестве человека, способного еще больше разработать и без того богатую плодоносящую золотую жилу. А чтобы Сэму не было скучно, да и кому-то надо охранять столь важного випа, доны отправляют к нему старого приятеля — Никки Санторо. О характере этого человека лучше всего сказал сам Сэм: «Если Никки ударить кулаком, он вернется с дубиной. Если треснуть его дубиной, он вернется с ножом». Редкостная, живучая гадина этот Никки…

Мартин Скорсезе снял очень сильную криминально-психологическую драму. В фильме безукоризненно представлены обе его основные составляющие - криминальная и психологическая.

Криминальная часть фильма изобилует подробностями внутреннего устройства теневого бизнеса. Коррумпированность, бандитские разборки, борьба за сферы влияния, контрабанда, аферисты, шулеры и прочая, и прочая… Показано все это настолько качественно и откровенно, что просто диву даешься.

Психологическая часть, на мой взгляд, получилась даже чуточку сильней. Наверное, потому, что на этом фронте всегда есть где развернуться, тогда как криминальная составляющая так или иначе заключена в определенные рамки, переходить за которые нежелательно, чтобы фильм не превратился в обычный боевик. И вот здесь на первый план выходят характеры основных героев фильма и взаимоотношения между ними.

Сэм Ротстин / Роберт Де Ниро / по прозвищу «Туз». Этот человек — гений своего дела, человек, не только любящий свое дело, но и умеющий. Он живет Игрой, он ею дышит, он знает, как сделать так, чтобы казино, которым он управляет, приносило максимальный доход. У него железная рука и свои принципы, которыми он никогда не поступится, как бы сильно на него ни давили. Линия этого персонажа — центральная в фильме, именно вокруг него строится сюжетная канва.

Никки Санторо / Джо Пеши / — яркий представитель криминальной сферы. Этот человек не остановится ни перед чем, когда затрагиваются его интересы. Алчный, жестокий, далеко не глупый, но живущий в основном низменными инстинктами и пристрастиями. Он очень вспыльчив и неуравновешен, руководствуется по преимуществу эмоциями, а не рассудком, что делает его чрезвычайно опасным асоциальным типом. В фильме по степени значимости ему отведена вторая, но далеко не последняя роль.

Джинджер / Шерон Стоун / — элитная проститутка, которая знает тысячу и один способ вытягивания денег из клиента. Все, что интересует эту женщину — деньги. Для нее нет ничего святого, самое большое удовольствие для Джинджер — это шмотки, драгоценности и, разумеется, хруст долларовых банкнот в кошельке. Однако и у нее есть свои тайные пристрастия, и где-то в глубине души эта женщина — по своему трагический персонаж. Одна из лучших ролей в карьере Шэрон Стоун, определенно.

Мартин Скорсезе сумел создать удивительную атмосферу фильма по реальным событиям, и в своём особенном стиле. Интересный сюжет, неординарный подход режиссера и невероятно удачный кастинг делают «Казино» безусловной классикой жанра.

Интересные факты:

Прототипом Никки Санторо (Джо Пеши) послужил Энтони «Тони Муравей» Спилотро, головорез «Чикагского синдиката», убитый по приказу боссов в 1986 году.

Персонаж Роберта Де Ниро имел реального прототипа Франка «Левшу» Розенталя, который управлял с 1970-х до начала 1980-х казино «Звёздная пыль» (Stardust), «Фримонт» и «Хасьенда».

«Казино» — фильм, основанный по одноименной книге Николаса Пиледжи и Ларри Шандлинга.

Слово «Fuck» и его производные, употребляются в фильме 422 раза - что в среднем, составляет примерно 2,4 раза в минуту.

Съёмки фильма проходили в одном из старейших действующих отелей-казино Лас-Вегаса Riviera, который выбрали благодаря нейтральной тематической окраске заведения.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Лас-Вегас, семидесятые годы прошлого столетия. Влиятельные персоны итальянского происхождения владеют сетью игорных заведений, приносящих им огромные барыши. Несмотря на то, что престарелые доны одной ногой уже находятся в землянке, которая носит название «могила», им все равно хочется денег. Чем больше, тем лучше. Доны купили всю администрацию Вегаса, везде протянули свои щупальца — и, можно сказать, что именно они являются истинными хозяевами города. Как говорится, «все схвачено, за все заплачено».

Одно из самых прибыльных игорных заведений носит название «Танжер». Туда назначается управляющим некто Сэм Ротстин — человек, буквально живущий Игрой. Он одержим ею, он знает все тонкости, все нюансы Игры, и именно его боссы видят в качестве человека, способного еще больше разработать и без того богатую плодоносящую золотую жилу. А чтобы Сэму не было скучно, да и кому-то надо охранять столь важного випа, доны отправляют к нему старого приятеля — Никки Санторо. О характере этого человека лучше всего сказал сам Сэм: «Если Никки ударить кулаком, он вернется с дубиной. Если треснуть его дубиной, он вернется с ножом». Редкостная, живучая гадина этот Никки…

Мартин Скорсезе снял очень сильную криминально-психологическую драму. В фильме безукоризненно представлены обе его основные составляющие - криминальная и психологическая.

Криминальная часть фильма изобилует подробностями внутреннего устройства теневого бизнеса. Коррумпированность, бандитские разборки, борьба за сферы влияния, контрабанда, аферисты, шулеры и прочая, и прочая… Показано все это настолько качественно и откровенно, что просто диву даешься.

Психологическая часть, на мой взгляд, получилась даже чуточку сильней. Наверное, потому, что на этом фронте всегда есть где развернуться, тогда как криминальная составляющая так или иначе заключена в определенные рамки, переходить за которые нежелательно, чтобы фильм не превратился в обычный боевик. И вот здесь на первый план выходят характеры основных героев фильма и взаимоотношения между ними.

Сэм Ротстин / Роберт Де Ниро / по прозвищу «Туз». Этот человек — гений своего дела, человек, не только любящий свое дело, но и умеющий. Он живет Игрой, он ею дышит, он знает, как сделать так, чтобы казино, которым он управляет, приносило максимальный доход. У него железная рука и свои принципы, которыми он никогда не поступится, как бы сильно на него ни давили. Линия этого персонажа — центральная в фильме, именно вокруг него строится сюжетная канва.

Никки Санторо / Джо Пеши / — яркий представитель криминальной сферы. Этот человек не остановится ни перед чем, когда затрагиваются его интересы. Алчный, жестокий, далеко не глупый, но живущий в основном низменными инстинктами и пристрастиями. Он очень вспыльчив и неуравновешен, руководствуется по преимуществу эмоциями, а не рассудком, что делает его чрезвычайно опасным асоциальным типом. В фильме по степени значимости ему отведена вторая, но далеко не последняя роль.

Джинджер / Шерон Стоун / — элитная проститутка, которая знает тысячу и один способ вытягивания денег из клиента. Все, что интересует эту женщину — деньги. Для нее нет ничего святого, самое большое удовольствие для Джинджер — это шмотки, драгоценности и, разумеется, хруст долларовых банкнот в кошельке. Однако и у нее есть свои тайные пристрастия, и где-то в глубине души эта женщина — по своему трагический персонаж. Одна из лучших ролей в карьере Шэрон Стоун, определенно.

Мартин Скорсезе сумел создать удивительную атмосферу фильма по реальным событиям, и в своём особенном стиле. Интересный сюжет, неординарный подход режиссера и невероятно удачный кастинг делают «Казино» безусловной классикой жанра.

Интересные факты:

Прототипом Никки Санторо (Джо Пеши) послужил Энтони «Тони Муравей» Спилотро, головорез «Чикагского синдиката», убитый по приказу боссов в 1986 году.

Персонаж Роберта Де Ниро имел реального прототипа Франка «Левшу» Розенталя, который управлял с 1970-х до начала 1980-х казино «Звёздная пыль» (Stardust), «Фримонт» и «Хасьенда».

«Казино» — фильм, основанный по одноименной книге Николаса Пиледжи и Ларри Шандлинга.

Слово «Fuck» и его производные, употребляются в фильме 422 раза - что в среднем, составляет примерно 2,4 раза в минуту.

Съёмки фильма проходили в одном из старейших действующих отелей-казино Лас-Вегаса Riviera, который выбрали благодаря нейтральной тематической окраске заведения.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Все мы знаем компанию Marvel, которая подарила нам таких персонажей как Человек-паук, Люди-Х, Невероятного Халка, Мстителей и других героев, но среди них был и первый антигерой комиксов — это Фрэнк Кастл, про которого сделаны четыре игры и снято три фильма. Давайте вспомним самый первый фильм «Punisher» режиссера Марка Голдблатта, в котором главную роль исполнил Дольф Лундгрен.

Одним из самых популярных героев в кинематографе был и остается одинокий Мститель. Образ человека, который потерял надежду на то, что тему можно решить законным путем. Он понимает, что для того, чтобы злодей понес достойное наказание, он должен взяться за оружие сам и преступить закон. Но он не гордится этим. Его отчаяние связано с потерей всего, что он ценил, всего, что любил. Для Фрэнка Кастла каплей, которая переполнила чашу, стала гибель семьи и невозможность добиться справедливого наказания.

Фрэнка Кастла больше не существует. Есть только Каратель. Страшилка, которую рассказывают детям мафиози на ночь. И чем больше мифичности в его образе, тем лучше. Его не могут найти. Мало кто знает о его истинных мотивах. Мало кто догадывается, кто скрывается под маской человека, творящего высшую справедливость без оглядки на формальности и правила. Он не даст никому уйти от возмездия. Он не жаждет славы и почитания. Он жаждет справедливости, и он сам ее воздаст.

Вся сущность Карателя, зачем и почему он уничтожает преступность - это придуманный сценаристом Боаз Якином разговор Карателя с Богом: «Давай, Бог. Ответь мне. Я уже много лет спрашиваю тебя почему? Почему невиновные умирают, а виновные живут. Где же справедливость? Где же кара? Или ты уже ответил? Ты рассказал всему миру - вот справедливость, вот кара. Здесь во мне».

Садясь смотреть это кино, в первую очередь необходимо настроиться на нужную волну восприятия, понимая, что перед нами экранизация комикса. То есть лента не претендует на сходство с настоящей жизнью, а как раз демонстрирует альтернативную реальность. И в этой самой проекции реального мира простительны общая наивность происходящего и невероятная везучесть главного героя. Главное, что герои крайне выразительны в рамках «комиксовой» истории, а экшен крут и зрелищен. Еще в плюс мрачная атмосфера, хорошие боевые сцены и удачный кастинг.

Дольф Лундгрен чертовски хорошо вписался в образ беспощадного мстителя. Казалось бы, что играть убитого горем и ослепленного яростью человека, мстящего всему преступному миру за смерть близких, должен был мощный драматический актер, способный убедительно изобразить широкий спектр эмоций. Но Лундгрен, обладающий невыдающимися лицедейскими способностями, по настоящему классно исполнил эту роль. Ведь одержимость и скорбь можно изобразить не только истерикой и взрывом чувств, но и пустым взглядом, каменным лицом и внутренней злобой, которую не видишь, но постоянно чувствуешь в персонаже. Реалистичность образу добавляют и боевые «рукопашные» сцены, в которых Лундгрен дерется жестко и результативно, без демонстрации изящно-неправдоподобных приемов и ударов.

Также хороши и главные злодеи. Голландский актер Джероен Краббе отлично смотрится в роли хитроумного мафиозного босса, а азиатка Ким Мийори в образе главы Якудзы — просто настоящая Фурия! Выражение ее лица и дьявольский смех заставят возненавидеть её персонаж до конца фильма.

Здорово то, что стиль фильма идеально гармонирует с его тематикой. Даже небольшой бюджет ленты идет ей только на пользу. Мы, к счастью, смотрим не глянцевый блокбастер с «мягким» насилием, а зверский олдскульный боевик, пусть даже с условной драматургией, штампами и чудесами везения, характерными для картин категории «Б». Это кино хорошо своей простотой и честностью перед зрителями. Старый «злой» боевик 80-х прошлого века, пусть банальный, но по-хорошему атмосферно-мрачный, жестокий и крутой.

Интересные факты:

Каратель был придуман Джерри Конуэем, Джонни Ромитой и Россом Эндрю и впервые появился в комиксе Amazing Spider-Man №129 (Февраль 1974 г.), после чего он обзавелся собственной серией комиксов, причем довольно популярной в 80-е.

Главная незадача произошла со сценарием. Пытаясь сделать сюжет более реалистичным, Бояз Якин убрал из него футболку с черепом, но добавил предысторию о временах, когда Френк Кастл был полицейским. Продюсерам это совершенно не понравилось и уже снятый материал пришлось переделывать. Правда, футболку с черепом Голдблатт с Якином все-таки не согласились вернуть, иначе пришлось бы переснимать весь фильм.

Главная критика поклонников комикса о Карателе состояла в недовольстве по поводу отсутствия на футболке героя Дольфа Лундгрена «фирменного» Черепа.

Фильм вышел в широкий прокат во всех странах, кроме США.

Изначально фильм должен был сниматься с крохотным бюджетом и неизвестными австралийскими актёрами. Когда представители «Марвела» прознали о том, что в далёкой Австралии, известный в узких кругах режиссёр Марк Голдблатт готовиться снимать дешёвую версию легендарного комикса «Каратель» они пришли в ужас. Им удалось в пять раз увеличить первоначальный бюджет, сменить практически весь актёрский состав, поменять сценариста, оператора и даже композитора.

Марк Голдблатт получил чуть ли не самый маленький гонорар среди всех создателей фильма.

Продюсер Роберт Марк Кэймен увидев воочию размеры Дольфа Лундгрена потребовал, чтобы тот сбросил около 14 кг. Дело в том, что по сюжету Френк Кастл живёт в подземелье, ест что попало и не всегда может тренироваться. А посему не может выглядеть таким огромным. Дольф с заданием справился.

Фильм снимался в Сиднее, Австралия.

В реальной жизни японские якудза не имеют женщин в своей организации, тем более женщин-начальников.