Описание (клик - развернуть/свернуть):
В основу сюжета положен одноименный роман Николаса Спаркса, автора литературных бестселлеров, чье сотрудничество с Голливудом можно назвать успешным: фильмы «Спеши любить» и «Послание в бутылке», поставленные по мотивам его произведений, стали хитами.

В «Дневнике памяти» рассказана история настоящей любви, преодолевшей время и препятствия, но так и оставшейся несбыточной мечтой. Действие фильма начинается в доме для престарелых. Одну из пациенток (Джина Роулэндс) часто навещает странный посетитель. Этот немолодой чудак читает больной женщине историю давней любви, почерпнутую из потрепанного дневника. Написанные кем-то слова едва ли проникают в затуманенное сознание старушки.

И лишь спустя время мы понимаем, что это чтение – не бессмысленная блажь безумного старика. В этом дневнике описана их собственная молодость: первая любовь, единственное счастливое лето, проведенное вместе. После этого их разлучают сперва родители, затем Вторая мировая война. Каждый проживает собственную жизнь, но судьба вновь сводит их – пусть и на пороге вечности. Такая вот качественная «слезовыжималка» от лучших производителей.

Интересные факты:

Фильм снят по мотивам романа Николаса Спаркса «Дневник памяти» (The Notebook, 1996), ставшего бестселлером в первую же неделю продаж.

Лента должна была выйти в прокат осенью 2003. Однако New Line Cinema перенесла релиз сначала на весну 2004, а потом на 25 июня того же года.

«Дневник памяти» — один из многочисленных проектов, до которых не дошли руки у Стивена Спилберга. Также режиссером картины мог стать Мартин Кэмпбелл.

Сыгравшая пожилую Элли Нелсон актриса Джина Роулэндс — мать режиссера Ника Кассаветеса.

Фильм был в разработке на New Line с 1995, и тогда предполагалось, что главной его звездой станет Том Круз. В 1999 студия подошла буквально вплотную к производству с режиссером Джимом Шериданом и еще слабо раскрученной Эшли Джадд в роли молодой героини. Кроме того, роли старого и молодого возлюбленного Элли предлагались Роберту Дювалю и Мэтту Деймону.

Джастин Тимберлейк рассматривался в качестве кандидата на роль Ноя.

Съемки фильма проходили в Южной Каролине с ноября 2002 года по февраль 2003.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
В принципе, вполне обыкновенный фильм - катастрофа, которых подобного жанра не мало, но, тем не менее, сколько ему уже лет, а он по-прежнему интересен, напряжен и зрелищен. Много говорить про сюжет не получится — взрыв по нелепой случайности тоннеля под Гудзоном, полный обвал с двух сторон, а внутри горстка беспомощной разношерстной публики, которой на помощь спешит бесстрашный Кит Латура (С. Сталлоне), в бывшем спасатель, а ныне простой таксист. Все довольно незамысловато и просто, но в таких фильмах и не нужно большое нагромождение сюжетных линий, иначе теряется весь смысл.

В каменной ловушке оказалось около десятка человек разных возрастных и социальных групп, разных профессий, разных рас. У них изначально не было ничего общего и по большому счету всем было плевать друг на друга, каждый заботился о спасении только своей жизни. В этом микрообществе не было единства: они спорили, ругались, вели себя эгоистично. И только герой Сталлоне смог довести до них простую истину: «Когда мы делаем что-то вместе, мы можем всё». Он объединил пострадавших и было приятно смотреть на этих людей в конце. Эта критическая ситуация полностью их изменила, она изменила их отношение к другим людям и к своей жизни тоже.

Эту картину 1996 года снял штатный режиссер студии Universal Роб Коэн. Это был его третий студийный фильм. Первым был интересный биографический фильм «Дракон: история Брюса Ли», затем он снял успешную сказку «Сердце дракона». А спустя 5 лет после «Дневного света» вышел «Форсаж», затем «3 икса», прославившие его. Сейчас можно сказать, что боевик с элементами драмы — это стопроцентно его жанр.

Сильвестр Сталлоне сыграл здесь не супермена, а простого спасателя, который ценой неимоверных усилий пытается вытащить людей из смертельной западни. В таких ролях простых, но сильных духом и телом людей, Сталлоне очень убедителен (Рокки из одноименного фильма, Леоне из «Тюряги», Линкольн Хоук из «Изо всех сил» и др). Вот и здесь его герой, бывший спасатель Кит Латура, не пытается ничего никому доказать, не бравирует и не пижонит, не вступает в ненужные споры, он просто делает свою работу. Потому что бывших спасателей не бывает, как не бывает бывших врачей, пожарных и так далее. Он случайно оказался рядом с местом катастрофы, но не задумываясь рискнул своей жизнью, чтобы спасти людей.

К тому же Сталлоне создал уникальный образ немного «безбашенного» спасателя, который готов на любой риск, на любую авантюру лишь бы не бездействовать, когда погибают люди. Моментами он действовал на авось («Если я всё правильно рассчитал…») и только великолепная физическая форма (а иногда и чудо) спасала его, но «без чудес не бывает, ведь так?»(Кит Латура). Он рисковал и он победил.

Сильвестр Сталлоне настоящая легенда. Безусловно, этот актер внес свою немалую лепту в формирование и развитие зрелищного кино. Ему отлично идут образы сильных личностей. Привычное для него амплуа, сохранилось и тут. Но Слай, блеснул здесь с немного иной стороны. Привычные для его героя пафос и крутизна, тут напрочь отсутствуют. Его герой вполне реальный человек и это однозначно подкупает.

Так получается, что привнести новое в жанр катастрофы почти невозможно. Всегда есть узкие рамки и правила, которые невозможно избежать даже при сильном желании. Собственно от чего, многие зрители часто обвиняют подобные ленты в обилии штампов. Вот и тут, действие вполне предсказуемое, но достаточно динамичное и интересное. При этом, местами действительно не ожидаешь, что же предпримут главные герои для спасения своих жизней и это даже не портит наличие обычного для жанра катастроф, пафоса. «Я тебя не брошу» и «Я останусь с тобой, если ты не пойдешь с нами» звучит в различных вариациях и даже порой, герои готовы пожертвовать своими жизнями ради собаки. В целом, должно быть смешно. Но нет. Фильм подкупает именно своей простотой. Где полностью отсутствуют нереальные действия и нереальные герои. А контингент выживших, может похвастаться своим богатством. Тут вам семейная пара, четверка заключенных, пожилая супружеская пара и многие другие. Даже пса задействовали. Тем самым, это позволяет посмотреть и оценить происходящее с различных взглядов и предлагает зрителю выбрать наиболее интересного для него персонажа. Впрочем, это опять стереотип.

Что в фильме действительно выдающееся, так это музыка. Она очень красивая и сильная. Разноплановые композиции подчеркивают весь драматизм ситуации и делают сцены борьбы со стихией особенно мощными. Особенно сильны композиции «Searching For a Miracle» и «Light At the End».

Фильм смотрится на одном дыхании. И не только благодаря музыке, которая сопровождает практически все сцены, но и потому, что действие начинается практически сразу, без раскачки. К тому же разбушевавшаяся затем стихия практически не даёт героям (соответственно и зрителям) передохнуть. Картина смотрится солидно, динамично. Хотя всё действие происходит в одном туннеле, за приключениями героев интересно наблюдать.

Визуальные эффекты вполне не плохи. Мастера из Industrial Light And Magic всегда опережали своих конкурентов на несколько шагов. От чего, увиденное на экране выглядит не менее круто даже сейчас, когда визуальные эффекты сильно шагнули вперёд по качеству. Но главное даже не в этом. Происходящее на экране выглядит реально и ты начинаешь верить в действительность увиденного. А это, главная оценка качества визуальных эффектов и фильма в целом.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Небольшой частный самолетик во время грозы потерпел аварию, где-то в акватории Багамских островов… Как раз в тех местах, где двое приятелей со своими подружками заняты поисками затонувшего старинного корабля с золотыми слитками. Весело проводя время на земле и на море, они в ходе очередного заплыва на глубину натыкаются на затонувший самолет, полный аккуратно запечатанных мешочков, как выяснится, с кокаином…

С этой минуты начинаются для четверых друзей настоящие приключения, с погонями и предательством, с поединками и пальбой, с бандитами и их трупами…

Функция фильма «Добро пожаловать в рай!» — порадовать глаз, доставить эстетическое удовольствие. И ее он выполняет как нельзя лучше. Прекрасные съемки подводного мира, в который так органично вливаются главные герои, молодые, красивые, «на ты» с морской стихией - великолепные ныряльщики. Вечеринки и закаты на океаническом побережье, пиратские сокровища, прелести полуобнажённых девушек-дайверов... Очень хочется оказаться там же.

Отлично смотрятся актеры — Пол Уокер и Джессика Альба — невероятно красивая влюбленная пара, которой рай даже в шалаше, лишь бы друг с другом. Тронуло то, как сумели убедить зрителя в своей искренней и настоящей любви герои Пола Уокера и Джессики Альбы - Джаред и Сэм. Какая разница, что в карманах у тебя пусто и живешь ты в полуразвалившейся лачуге на краю света, что ты не знаешь, что будешь делать завтра, ведь у тебя есть бесспорное богатство и сокровище, которое важнее всего — любовь. Любовь, в которой ты уверен и знаешь, что если она есть, то все остальное тоже будет. Рано или поздно. Не правда ли, красивая идея! Идея, за которую стоит побороться.

Пол Уокер доказал, что не только хорошо водит тачки, но и плавает за сокровищами результативно. Да и к роли подобной этой ему не привыкать — "Форсаж", "Белый плен", "Беги без оглядки" — белокурый герой, да и только.

Джессика Альба очень хороша, ее героиня Сэм, воплощение положительных человеческих качеств — доброты, искренности, открытости, умения жить сердцем.

Скотт Каан — великолепен и неподражаем! Вот кому действительно отлично удаются роли полу-подонков полу-хороших парней.

Убедительно понравилась Аманда (Эшли Скотт), в её игру действительно веришь. При внешней привлекательности, ее персонаж вызывает подозрение с первых же минут своего появления.

Ключевая фраза фильма «А что ты выберешь — любовь или золото?». Одни выбрали любовь, другой выбрал золото. Фильм показывает, что можно остановиться на чём-то одном, не жалея о потерянном.

Интересные факты:

Многие оказавшиеся чересчур жестокими сцены фильма были перемонтированы либо подправлены при помощи компьютерной графики с тем, чтобы получить желаемый рейтинг PG-13.

Опасаясь излишней критики со стороны консервативного американского общества, студия Sony Pictures с помощью компьютерной графики слегка подкорректировала ряд кадров в трейлере фильма так чтобы бикини Джессики Альбы несколько больше скрывало фигуру актрисы, чем это было на самом деле.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
«Довод» Кристофера Нолана – это стильный многоуровневый боевик о шпионах, но совершенно отстранённый, холодный и с персонажами-заложниками сюжетных условий. Это интеллектуальное научно-фантастическое приключение по страницам учебника физики, чьё повествование движется как вперёд, так и назад во времени. Это насыщенная, помпезная история противостояния добра и зла, истинный замысел которой раскрывается вместе с финальным занавесом. Это кино Кристофера Нолана. До мозга костей, хорошо это или плохо.

Вдаваться в сюжетные подробности нет никакого смысла: во-первых, толково так ничего и не объяснить, а во-вторых, не хочется портить потенциальным зрителям долгий и мучительный процесс ломания головы во время просмотра и днями после. Обусловим следующим образом: главный герой фильма – некто Протагонист (Джон Дэвид Вашингтон), опытный оперативник ЦРУ, который после не совсем успешной миссии по обезвреживанию террористов в киевской опере оказывается завербован британской разведкой. Там он знакомится с таким явлением, как инверсия, движением времени вспять, и учится использовать его в качестве профессионального навыка. Попутно герой встречает Нила (Роберт Паттинсон), британского оперативника, с которым они собираются проникнуть в доверие к украинскому бизнесмену (Кеннет Брана с ломанным русским акцентом) и предотвратить глобальную катастрофу, (пока ещё не)известную как Третья Мировая война.

Тем не менее, в лучших традициях Нолана, знание подобного расклада дел ещё не гарантирует, что вы знаете о фильме хоть крупицу его сути. «Довод» — это во всех смыслах слова настоящая головная боль. Начиная с парадокса его технической части и заканчивая не идущим ни на какие компромиссы со зрителем сюжетом. Парадокс заключается в том, что после технического и визуального шедевра «Дюнкерк» с его уклоном в практические эффекты Нолан столь отчаянно решил поднять планку зрелищности в своих фильмах, что спалил собственные же крылья. В итоге его «Довод», с одной стороны, изобилует впечатляющими по постановке экшен-сценами с минимум компьютерных эффектов, а с другой, обескураживает несвойственным режиссёру любительским монтажом и лихорадочно сведенной звуковой дорожкой, из-за которой вы либо банально не расслышите часть диалогов, либо будете прикрывать уши от чрезмерной громкости фильма.

Кристофер Нолан никогда особо не вёл зрителя за ручку по событиям фильма, разжевывая самые трудно перевариваемые моменты, однако в этот раз «Довод» заставляет задуматься: тот факт, что вы не понимаете, что конкретно сейчас происходит на экране, это чья именно вина – ваша собственная или фильма? У вас не хватает сосредоточенности, внимания, интеллектуального багажа, или всё-таки что-то не так с повествовательными механизмами? С «Доводом» чаша весов стремиться ко второму, и это пугает. Пугает, что Нолану настолько всё равно на его зрителей, ведь кино не ждёт, пока они усвоят изученное, проглотят ком информации, регулярно преподносимой в огромных количествах. Оно движется настолько стремительно, что как бы предлагает всем нам, впервые пришедшим на сеанс, сдаться и наслаждаться прекрасной картинкой Хойте Ван Хойтема, будоражащим саундтреком Людвига Йоранссона и головокружительными экшен-сценами. Всё равно без повторного просмотра общая картина не сложится – и это даже не теорема, чистая аксиома, следующая из сюжетных манипуляций со временем, которые порой накладываются друг на друга по несколько слоёв в одной сцене.

Всё это делает «Довод» классическим фильмом-головоломкой, который будет преследовать вас днями и ночами, терзая бесконечными прокручиваниями событий в голове с целью разобраться: почему у той героини не было кислородной маски в определённой сцене или как именно устроены временные петли в композиционном смысле. Трудно игнорировать сопутствующее удовольствие от этого процесса, когда кино, пусть в данном случае не совсем честными методами, прочно завладевает твоими мыслями и, словно герой дебютного фильма Нолана, следует по пятам.

Бич многих работ режиссёра, сумбурная экспозиция, присутствует и здесь, но на этот раз ещё и отягощена резким монтажом (заметно отсутствие Ли Смита, постоянного монтажёра Нолана, творившего магию в то время над «1917» Мендеса) и непривычным по первым сценам оглушающим басом из звуковых колонок. Не лучшая точка входа в фильм, что в принципе компенсируется впечатляющим финальным актом, который грациозно исполняет праведную миссию по возмещению положенного всем нам зрелищного кино в летний сезон. Особенно в этом плане старается оскароносный композитор Людвиг Йоранссон, чья музыка не просто формирует и направляет фильм как в первую очередь спектакль, предназначенный для большого экрана, но и становится одним из самых самобытных и мощных саундтреков к фильмам Нолана.

В начале картины героиня Клеманс Поэзи, поясняющая Протагонисту принцип работы инверсии, говорит ему: «Не пытайся понять. Почувствуй». Это любопытная фраза, потому что «Довод» — совсем не про эмоции, душевность и человеческие чувства. Это не «Начало» с его трогательными отношениями героев, это не «Интерстеллар» с его неуклюжим, но благородным посылом про любовь, здесь прямо-таки наследник «Дюнкерка». Что в целом немного странно, учитывая, как минимум, две благодатные на эмоции сюжетные линии – героически-любовная с участием Вашингтона и Элизабет Дебики и тёплая, дружеская между Вашингтоном и Паттинсоном. Всё-таки эмоциональность – это не сильная сторона Нолана, впрочем, как и юмор.

Особенность его работ всегда была и будет в оригинальности. Задумка «Довода» действительно дышит свежестью: умная концепция об относительности времени как сюжетное ядро лучших образцов научной фантастики соприкасается со знакомым по миру «бондианы» размахом и элегантностью. Кроме того, даже главный злодей здесь словно вышел из-под пера Яна Флеминга, не хватает ему только белой кошки на коленях и личного бассейна с крокодилами. Единственное, с чем Нолан оплошал – так это решив выпустить своё временное (ударение на последний слог) приключение в год финального сезона «Тьмы», поклонники которого во время просмотра «Довода» не раз испытают чувство дежа вю.

«Довод», вероятно, по праву заслужит звание самого противоречивого и сложно усваиваемого продукта в фильмографии Кристофера Нолана (скорее всего, сказывается отсутствие брата в соавторах), в котором гениальное соседствует с нелепым, пустые диалоги с тяжеловесными сценарными конструкциями, а огрехи технического плана с безукоризненно отточенными экшен-сценами. Со всеми его недостатками и тут же их перевешивающими достоинствами «Доводу» суждено войти в историю, как минимум, в качестве блокбастера-спасителя зрелищного широкоформатного кинематографа, которого в 2020-м всем нам катастрофически не хватает.

«Довод» — качественный фантастический боевик, местами сильно тяготеющий к шпионским фильмам. Он радует своей визуальной составляющей, манит концепцией, но разочаровывает персонажами и не впечатляет хребтом сюжета. Несмотря на все проблемы, которые в таком масштабе были неизбежны, Кристоферу Нолану удалось впечатлить безумным размахом, необычным концептом и в принципе яркой оберткой. Сама конфета не всем придется по вкусу, но это точно не причина пропускать «Довод» на большом экране. Как минимум просто из-за того, что вряд ли в ближайшее время туда что-то подобное попадет.

Интересные факты:

В фильме есть планы и детали, которые Кристофер Нолан обдумывал около 20 лет. Написание сценария у него заняло 6 лет.

В фильме всего 280 кадров с компьютерной графикой, остальное — живые съемки с применением практических спецэффектов.

По словам Роберта Паттинсона, акцент, интонацию и манеры для своего персонажа он перенял у американского журналиста и писателя Кристофера Хитченса.

Съёмки проходили в обстановке строжайшей секретности. Роберт Паттинсон рассказывал, что сценарий ему дали прочесть только в запертой комнате в штаб-квартире Warner Bros, Майклу Кейну дали прочесть только те сцены, в которых ему предстояло сняться, а не весь сценарий. Кейн признался журналистам, что понятия не имеет, о чём фильм, хотя был близким другом Кристофера Нолана.

Авторы фильма приобрели, а затем разбили в ангаре настоящий «Боинг», так что обошлись без компьютерной графики.

Перед съёмками своих фильмов Кристофер Нолан собирает съёмочную группу и актёрский состав и устраивает просмотр фильмов, в которых черпал вдохновение, работая над текущим проектом. Перед началом съёмок этого фильма Нолан традицию нарушил. Ему хотелось, чтобы творческая группа полагалась на память и ощущения, а не пыталась воссоздать когда-то увиденное.

В фильме можно найти части древнего палиндрома, который использовался для защиты дома или человека. Помещённый в квадрат палиндром читается во всех направлениях по вертикали и горизонтали.
SATOR
AREPO
TENET
OPERA
ROTAS

Название фильма — Tenet, фамилия одного из главных героев — Сатор, его компания называется «Ротас», одна из сцен происходит в опере, фамилия испанского художника — Арепо.

Самый дорогой на момент выхода фильм Кристофера Нолана.

Съёмки так измотали Джона Дэвида Вашингтона, что после их окончания он ещё месяц не мог бегать.

Съёмки проходили в Дании, Эстонии, Индии, Италии, Норвегии, Великобритании и США.

Съёмки в США начались в мае и закончились в середине ноября 2019 года.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
При загадочных обстоятельствах исчезает Стренгвейз — разведчик из МI-6, живущий на Ямайке — а также его секретарша. Всё это смахивает на обычный побег с романтической причиной, но руководство британской разведки посылает в Карибское море Джеймса Бонда, агента 007, чтобы тот немного отдохнул. Однако вместо лёгкой прогулки у легендарного агента получается жёсткое противостояние с Джулиусом Но — человеком, обладающим поистине стальной хваткой и чёткой логикой, желающем завладеть всем миром. Бой будет не на жизнь, а на смерть.

В отличие от Бондов последующих, эта лента невероятно старомодна: экшен-сцен здесь практически нет, почти все перестрелки и драки происходят лишь в финале, а большинство конфликтных ситуаций Бонд с блеском разрешает с помощью дипломатии и хитроумно-продуманного плана. Но в этом, пожалуй, и весь смак картины: да, здесь нет привычных и, я бы даже сказал, традиционных для бондианы атрибутов вроде гаджетов, навороченного автомобиля и продолжительных рукопашных схваток, даже Кью еще не появился. Но первая картина уже вовсю блистает фирменным бондовским юмором, искрометными диалогами и запоминающимися главными злодеями. Уже здесь сценаристами будет положено начало борьбы Бонда с мировым криминальным синдикатом «Спектр», которая растянется еще на не один фильм. Сюжет, который в разных вариантах потом будет повторен в других сериях «бондианы», всё же впервые был использован именно в фильме Теренса Янга, ставшего родоначальником популярного сериала (он также снял вторую и четвёртую части этого цикла).

Расследование продвигается не так быстро, как хотелось бы. Не так быстро, как привык современный зритель. Зато можно насладиться образом, который шаг за шагом формирует Шон Коннери — в его Бонде есть и шарм, и суровость, и деловитость. Нашлось место и для шуток ("Они торопились на похороны"), и для реалистичных шпионских мелочей (вроде волосков на дверях шкафа). К тому же сценаристы фильма придумали несколько покушений (хотя видно, что катафалк на заднем плане лишь имитация), даже прописали образ коварного профессора Дента. Однако не он становится главным препятствием для агента 007.

Нет, финал переделали, вставили секретную лабораторию доктора Но, срежиссировали очный поединок антагонистов, красочно взорвали макет острова с постройками. Таким образом, положив начало «взрывным» концовкам фильмов про агента 007… А Урсулла Андрес установила высокую планку для девушек Бонда, пусть и появилась она на 63 минуте фильма, но зато как! На неё впоследствии равнялись все особы, и не всем, честно сказать, удалось. И вообще «Доктор Но» почти сходу показал, что ждёт зрителя на протяжении определённого (теперь уместнее сказать неопределённого) количества фильмов, и с тех пор формула лент про агента Секретной Службы MI-6, дорабатывалась, подправлялась, но почти никогда не разочаровывала.

Именно здесь появился новый тип киногероя — «иронический рыцарь без страха и упрека», конечно, супермен, красавец-мужчина, который всегда побеждает противников, но в большей степени — благодаря исключительному везению, собственной изворотливости и никогда не теряемому чувству юмора в самых затруднительных и, кажется, вовсе безвыходных положениях. Молодой, тогда 32-летний Шон Коннери, первый исполнитель роли агента 007, пока ещё примеривается к образу удачливого и невозмутимого джентльмена в элегантном костюме, который выигрывает отнюдь не сразу, но непременно — в последние секунды, причём покоряет женские сердца, подчас сам рискованно попадая под власть прелестных чар.

Шон Коннери. Он великолепен в роли Бонда и невероятный актер вообще. И лучше обойтись без всякого рода сравнений, потому что представить другого, первого Бонда просто невозможно. И как бы не обижался сэр Коннери, что многие невежды его приписывают только к этой проклятой, как он считает, роли, все дело в том, что это была его стартовая площадка в кинематограф, стартовая площадка для настоящего Актера. Именно Шон Коннери наряду с Теренсом Янгом наделил своего персонажа цинизмом, запредельным количеством черного юмора и изящных манер, теми вещами, которые пошли с агентом 007 по всем дальнейшим фильмам, а сам боязливый Флеминг был так поражен работой актера, что простил ему все свои придирки и наделил Бонда в книге «На Секретной Службе Ее Величества» шотландским акцентом.

Хотя кассовые сборы «Доктора Но», особенно в США (только $16,1 млн. — впрочем, по нынешним ценам эта сумма составила бы около $160 млн.), в количественном отношении не были впечатляющими, первая серия «бондианы» смогла превысить свой смехотворный бюджет (всего $1,1 млн.) в 54 раза (!) благодаря мировому прокату. Поэтому неудивительно, что кинематографисты ринулись срочно снимать продолжения об агенте 007. За последующие сорок пять лет появилась ещё 21 серия, то есть в среднем почти по фильму за два года.

Интересные факты:

Этот фильм можно назвать первым достаточно условно в контексте саги, положенной Альбертом Брокколи и его компанией, потому что первой попыткой перенести на экран приключения известного персонажа Яна Флеминга была телепостановка «Казино Ройаль», аж страшно представить, 1954 года. Она не сыскала особого успеха разве что среди самых ярых фанатов, поэтому принято считать, что самую первую настоящую картину о Бонде в 1962 году снял Теренс Янг под пристальным взором продюсеров Гарри Зальтцмана и Альберта Брокколи. Янг впоследствии будет режиссировать еще несколько фильмов про агента 007 с Шоном Коннери, а парочка неразлучных продюсеров до конца своих дней будут растить свой франчайз, пока дочка Брокколи не займет пост своего отца.

Да и вообще съемкам этого фильма тоже предвещали удивительные события: авторы вовсе не верили в успех картины, и это было неудивительно, потому что многие критики считали фильм лишь непотребной смесью снобизма, секса и невероятной жестокости; сам Флеминг, увековечивший свое имя, как творец самого известного шпиона в мире, вовсе не считал Шона Коннери подходящим на роль Бонда, ведь сильно волосатый в области торса шотландец, по его мнению, плохо подходил на роль интеллигентного английского шпиона. Писатель сначала предлагал на эту роль Дэвида Нивена — своего друга, и, по слухам, он действительно был очень похож на Бонда с обложек книг Флеминга. Но Нивен все-таки сыграет Бонда, пусть и в пародии под названием «Казино Ройаль» 1967 года. На роль Доктора Но мог вполне попасть Кристофер Ли (из современного это граф Дуку из «новых» Звездных войн и Саруман из Властелина колец), хотя этого не произошло, но потом он сыграет в «Бондиане» с Роджером Муром колоритного злодея по имени Скараманга. А сам Мур мог стать первым Бондом, и не ждать потом своей очереди. Вот и правда, ирония судьбы.

007. Откуда же взялся легендарный номер? Вроде бы ясно, что двойной ноль — это статус, дающий право на убийство во время операций, а семь — порядковое числительное. Однако почему не 700, не 070? Есть версия, что причиной послужил один из прообразов Бонда — англичанин Джон Ди, бывший доверенным лицом ещё Елизаветы I. Для большинства он был владельцем самой большой библиотеки, картографом, короче говоря, безобидным учёным и философом. Но Джон Ди, по легенде, ещё и писал секретные донесения для королевы, подписывая их весьма лаконично «007».

Осенне-летний Бонд. Премьера «Доктора Ноу» состоялась именно 5 октября. Следующие два фильма тоже выпустили осенью, а потом началось чередование зима-лето, вызванное тем, что люди чаще шли в кинотеатры в телевизионное межсезонье. Самым доходным продюсеры считали июнь — в этот месяц в кинотеатры отправились 7 картин. Но вот, начиная с ленты «И целого мира мало», премьеры фильмов об агенте 007 опять осенние и, думаю, Бонд N23 не нарушит эту традицию, появившись где-нибудь в октябре или ноябре.

Забытый револьвер. Нехотя расставаясь с карманной Береттой 25-калибра, Бонд получил знаменитый Вальтер ППК, с которым будет ходить неразлучно все фильмы (ну, сменил разок на Вальтер P-99, так только специалист это заметит). Главное не это, главное, что отобрав у агента девятизарядный (с патроном в стволе) пистолетик модели 950, с небольшой убойной силой (скорость пули чуть больше 200 м/с, плюс сильная отдача), непригодный даже для самообороны, ему выдали восьмизарядное оружие калибра 0,32, самовзводное, полуавтоматическое с предохранителем и скоростью пули 290 м/с, в плюсы которому добавили стандартный патрон, который легко найти в любой точке земного шара. Однако это не всё, был ещё и револьвер «Смит энд Вессон Сентенниал Эарвейт» и пули 38-калибра, особые. Негодность этого оружия «для дали» признали и Флеминг, и Бонд, поэтому в фильме оружие плавно перекочевало в руки профессора Дента, впустую израсходовавшего все шесть револьверных патронов.

На афишах того времени крупным планом красовалось лицо Джозефа Уайзмана — доктора Ноу. Просто актёр в то время был куда известнее Шона Коннери, имевшего за плечами незначительные ТВ-постановки и роли второго плана. Но вот ирония судьбы — теперь все помнят имя того, кто создал эталон для Джеймса Бонда, но мало кто сразу назовёт исполнителя главной злодейской роли.

Ян Флеминг лично предложил роль доктора Но сценаристу и актеру Ноэлу Коуарду («Вокруг света за 80 дней», «Наш человек в Гаване»). Ковард ответил телеграммой: ««Dr.No»? No! No! No!» (««Доктор Нет»? Нет! Нет! Нет!»).

Ян Флеминг также настаивал на Роджере Муре — как идеальной кандидатуре на роль Бонда, но Мур отказался, поскольку начал сниматься в телесериале «Святой».

Из документов, найденных в 2006 году можно узнать, что роль Джеймса Бонда чуть было не сыграл другой британский актер — Ричард Бёртон. В 1959 году, за три года до съемок «Доктора Но», рассматривался вопрос об экранизации романов Яна Флеминга. Роль Бонда в этой постановке должен был исполнить Ричард Бёртон, а режиссером картины хотели видеть знаменитого мастера саспенса Альфреда Хичкока.

Шон Коннери был выбран на роль Джеймса Бонда после того, как жена продюсера «бондианы» Альберта Р. Брокколи увидела молодого Коннери в фильме 1959 года «Дарби О`Гилл и маленький народец». Альберту Брокколи также понравился Коннери в этом фильме, особенно его впечатлила драка Шон Коннери с деревенским хулиганом в кульминационной сцене фильма.

Хотя Шон Коннери уже был утвержден на роль Джеймса Бонда, в целях рекламной кампании был проведен конкурс, чтобы найти совершенного исполнителя роли агента 007. Было отобрано шесть финалистов, кинопробы смотрели Альберт Брокколи, Гарри Зальцмен и Ян Флеминг. Победителем стал 28-летий Питер Энтони. Он работал моделью, и имел подходящую для роли агента 007 внешность, но у него было полное отсутствие актерского таланта.
Среди других актеров, рассматривавшихся на роль агента 007, были Кэри Грант («Шарада», «К северу через северо-запад»), Дэвид Нивен («Розовая пантера»), Тревор Ховард («Людвиг») и Рекс Харрисон («Моя прекрасная леди», «Клеопатра»).

Одной из причин, почему Ноэл Коуард отказался от роли доктора Но, стало то, что он должен был носить в фильме металлические ручные протезы.

Исполнитель роли доктора Но, Джозеф Уайзмен был единственным из актеров, игравших злодеев в ранних фильмах о Джеймсе Бонде, чей голос не был дублирован в фильме.

Все женские голоса в картине, за исключением мисс Манипени, принадлежат одной и той же малоизвестной английской актрисе — Дайане Коуплэнд.

Работника оружейного склада, который выдает Бонду его «Вальтер ППК» — Майор Бутройт. В следующем фильме «Из России с любовью» его роль исполняет Десмонд Ллевелин. Человек, снабжающий Бонда оружием, начиная с фильма «Голдфингер» (1964), навсегда будет известен как «Кью» — «Q».

Сильвия Тренч — девушка, которую Бонд встречает в первом фильме в казино, была придумана как сквозной персонаж на всю «бондиану». Она вновь появилась в картине «Из России с любовью» (1963), но потом ее удалили из остальных сценариев. Тем не менее, Тренч осталась рекордсменкой — она единственная появилась сразу в двух сериях эпопеи.

Художник по титрам Морис Биндер придумал знаменитые силуэты внутри ствола пистолета за несколько минут, просто поместив камеру у конца пистолетного дула.

Мужской силуэт в дуле пистолета в знаменитой заставке — не Коннери, а его дублер Боб Симмонс. В начальных титрах Коннери не снимался вплоть до 1965 года — фильма «Шаровая молния».

Копия картины с изображением герцога Веллингтонского, работы Франсиско Гойи, украденная в 1960 году и до сих пор не найденная, находится в фильме в резиденции доктора Но. На момент съемок фильма кража этой работы была величайшей загадкой, и о ней слышал каждый британец. Сценаристка Джоанна Харвуд предложила «приписать» это преступление Доктору Но.

Хотя логово доктора Но было расположено в местечке Краб Ки, сцены фильма снимались в различных частях Ямайки: на пляже, где снималась знаменитая сцена, в которой Урсула Андресс выходит из моря и встречает Джеймса, и который сейчас называется «Пляж Джеймса Бонда», в восточной части Очо Риос и на пляжах Лафин Фолз. «Пляж Джеймса Бонда» — Laughing Waters Beach был частным владением и принадлежал госпоже Минни Симпсон из Очо Риос. Госпожа Симпсон была поклонницей романов Яна Флеминга.

После выхода «Доктора Но» в Италии, Ватикан издал специальное коммюнике, в котором выразил свое несогласие с моральными принципами, исповедуемыми в картине.

Маргерит ЛеВарс, сыгравшая в фильме девушку-фотографа Анабеллу Чанг, работала стюардессой. Теренс Янг подошел к ней с банальным вопросом «Хочет ли она сняться в кино?». Девушка хотела. Ее деверь Регги Картер также снялся в фильме, сыграв роль шофера — подручного доктора Но, который вез Джеймса Бонда из аэропорта.

В основу романа «Доктора Но» лег сценарий к телефильму «Коммандер Ямайка», который Флеминг написал для ямайского телевидения. Главным героем там был тоже тайный агент, тоже по званию коммандер, который вступает в схватку с неким архизлодеем, живущем на неком острове. Но дело заглохло, и Флеминг превратил сценарий телефильма в книгу о Бонде.

Ян Флеминг был так покорен красотой Урсулы Андресс, что в своем романе «На секретной службе Ее Величества» (1963) он описал героиню Трейси Ди Виченцо (в экранизации романа ее сыграла Дайана Ригг), как девушку, очень похожую на Андресс.

Шон Коннери носит парик во всех фильмах Бондианы, начиная с «Доктора Но».

Работники японского представительства студии «United Artists» неправильно поняли название фильма, прочитав его как «Dr.? No!» Японцы напечатали постеры с иероглифами, обозначавшими «Нам не нужен доктор!» Ошибку обнаружили в самый последний момент.

Вульф Манковиц был одним из сценаристов «Доктора Но», но ему настолько не понравился окончательный вариант сценария, что Манкович изъял свое имя из титров. Зато позже отомстил — написал сценарий фильма-пародии на агента 007 «Казино «Рояль» (1967) в котором также снялась Урсула Андресс — первая девушка Бонда.

Знаменитую фотографию, где Коннери держит пистолет на уровне груди, пришлось переснимать в последний момент. «Вальтер ППК» забыли на студии. К счастью, у фотографа с собой оказался пневматический пистолет — с ним Коннери и снялся.

По опросу журнала Empire и Sony Pictures в 2006 году, Урсула Андресс (Ханни Райдер) была названа лучшей подружкой Джеймса Бонда из всей кино-бондианы. Сцена из фильма «Доктор Но», когда Андресс, подобно Венере, в белом бикини возникает из морских волн, стала еще в те времена культовой. Как только Ханни Райдер явилась очам молодого Шона Коннери в купальнике, то бикини стали мгновенно писком моды, а молодой шотландский актер — кинозвездой. Британский телеканал Channel 4 в 2004 году назвал эту сцену одним из самых возбуждающих моментов в мировом кино.

За две недели до начала съемок фильма «Доктор Но» исполнительница главной женской роли еще не была найдена. Продюсеры случайно увидели фотографию актера Джона Дерека с его женой Урсулой Андресс и тут же предложили ей роль, даже не встречаясь с актрисой лично. В это время Андресс не была заинтересована в работе, но друг семьи актер Кирк Дуглас, прочитав сценарий, убедил Урсулу согласиться на роль Ханни Райдер.

В классической сцене появления Ханни Райдер на пляже, в фильме на ней красуется знаменитое белое бикини. А в книге на девушке был надет лишь пояс с ножнами для кинжала. Плюс к этому, нос ее был перебит, как у боксера — последствие изнасилования.

Легендарное белое бикини Урсулы Андресс из фильма «Доктор Но» было продано на аукционе «Кристи» 14 февраля 2001 года. Мисс Андресс решила расстаться с купальником, случайно обнаружив его на чердаке дома. Бикини из стопроцентного хлопка было продано за 40 тыс. фунтов стерлингов. Его приобрел Роберт Эрол, чтобы выставить в витрине одного из ресторанов сети Planet Hollywood. Этот наряд, по словам Урсулы Андресс, принес ей успех. Роль первой девушки агента 007 в «Докторе Но», как рассказывала актриса, предоставила ей «свободу выбора ролей и обеспечила финансовую независимость».

В 2006 году на лондонском аукционе Christie`s пистолет Джеймса Бонда Вальтер ППK (Walther PPK), который использовал Шон Коннери в фильме «Доктор Но» 1962 года, был продан за 54,000 фунтов стерлингов ($106,202). Этот пистолет стал самым дорогим на тот момент лотом из всех проданных ранее памятных вещей из фильмов о Джеймсе Бонде.

Знаменитая фраза: «Бонд, Джеймс Бонд» (Bond. James Bond) вошла в список «100 самых известных фраз Голливуда», составленный Американским институтом кинематографии в 2005 году. Она заняла 22 место. А цитата из Бондианы: «Мартини. Взболтать, не перемешивая» (A martini. Shaken, not stirred) — на 90-м.

В фильме профессор Дент запускает в постель Джеймсу Бонду гигантского ядовитого паука, в книге ему подсовывают гигантскую сколопендру и присылают посылку с фруктами, начиненными цианистым калием.

Так как Коннери панически боялся пауков, сцена с пауком в постели Джеймса Бонда была снята с помощью стеклянной перегородки, отделявшей актера от насекомого. Однако эпизод получился нереалистичным, и поэтому было решено переснять сцену с дублером Коннери Бобом Симмонсом. Симмонс говорил, что сцена с тарантулом, ползущим по плечу Джеймса Бонда, была самым жутким трюком, который ему когда-либо приходилось делать.

Одной из деталей интерьера логова доктора Но было окно-лупа, через которое можно было видеть морских рыб. В фильмотеке студии за день до съемок этой сцены быстро был найден фильм с подводными съемками. Но рыбы были сняты крупным планом и казались гораздо больше натуральной величины. Тогда было придумано объяснение, доктор Но говорит, что стекло увеличивает все, подобно линзе.

Режиссер фильма Теренс Янг, кроме «Доктора Но», снял еще два фильма о Джеймсе Бонде с участием Шона Коннери: «Из России с любовью» (1963) и «Шаровая молния» (1965).

Изначально планировалось, что первым фильмом о Джеймсе Бонде станет «Шаровая молния», однако юридические дрязги с одним из соавторов сценария (Кевином МакКлори) привели к тому, что первым был снят «Доктор Но». Еще одной причиной стало то, что действие всего фильма происходит в одном месте — на Ямайке, и по сценарию была всего одна большая сцена со спецэффектами. Это было удобно, так как бюджет фильма был небольшим.

О создании знаменитой бондовской темы, что прозвучала в титрах первого фильма о Бонде, ходят легенды. Одно неоспоримо: ее написал композитор Монти Норман. Говорят, что эту мелодию он сочинил для мюзикла, который так и не был поставлен. Согласно другой версии, Норман услышал запоминающуюся мелодию от уличных музыкантов на Ямайке. Но, как бы там ни было, продюсеры предложили эту мелодию доработать и пригласили Джона Барри, но по договору он должен был отказаться от всех авторских прав. Барри решил, что лучше синица (гонорар) в руках, нежели журавль (слава) в небе. Если бы он знал, что именно его аранжировка так полюбится публике. Но «родной отец» Монти Норман сегодня не упускает случая заявить свои права на знаменитую мелодию. Стоит кому-нибудь назвать Барри автором бондовского мотива, Норман тут же подает на обидчика в суд за клевету.

Машина, на которой Джеймс Бонд разъезжает в фильме — голубой Sunbeam Alpine 1961 года. Машина не оснащена никакими хитрыми приспособлениями от Q, но автомобиль спасает жизнь Бонду, когда того преследуют прихвостни доктора Но.

Писателю Яну Флемингу очень не понравился Шон Коннери, он считал, что неотесанный шотландец испоганит его любимое детище. Но после выхода фильма он кардинально изменил свое мнение. Флеминг был так восхищен работой Коннери, что в своем новом романе о Бонде «На секретной службе Ее Величества» (1963) дал своему герою шотландские корни.

Название казино в Лондоне, где мы впервые видим Джеймса Бонда — «Le Cercle Les Ambassadeurs». Его интерьеры снимали на студии «Пайнвуд».

Классическая сцена в казино, в которой впервые появляется агент 007, где мы сначала видим только лица его партнеров по карточному столу, а потом появляется крупный план главного героя и он представляется: «Бонд, Джеймс Бонд», была снята 2 марта 1962 года.

Хотя Манипенни стала символом Британии, актриса Лоис Максуэлл, сыгравшая эту роль — канадка.

Персонаж мисс Манипенни был вдохновлен Верой Аткинс — агентом британских спецслужб. После Второй мировой войны Аткинс принимала участие в розыске военных преступников.

Роль Сильвии Тренч изначально предлагали Лоис Максуэлл, которая вместо этого сыграла Манипенни. А на роль Манипенни рассматривали кандидатуру Юнис Гейсон, в итоге она сыграла Сильвию Тренч.

Американская премьера фильма задержалась из-за тяжелого политического климата после Карибского кризиса.

Когда Джеймс Бонд в фильме напевает песенку «Под манговым деревом» (Under The Mango Tree), это первый и единственный раз, когда агент 007 поет в Бондиане.

Первая сцена, в которой Шон Коннери снялся в роли Джеймса Бонда, был эпизод в Кингстонском аэропорту. Он закрывается шляпой от девушки-фотографа. Эпизод был снят 16 января 1962 года.

По другим данным, первой сценой, снятой для фильма, стал эпизод в кабинете «М», в котором снимались Бернард Ли, Питер Бертон и Шон Коннери. Сцена снималась в студии и многие из съемочной группы, включая режиссера Теренса Янга, опоздали из-за резко наступившей ненастной холодной погоды.

«Пляж Джеймса Бонда», вход на который стоит 3 фунта, расположен прямо напротив виллы Яна Флеминга «Золотой глаз» в районе Оракабесса.

Из бюджета в 1,000,000 долларов, на декорации было потрачено 14,000 фунтов стерлингов. Художник фильма Кен Адам добился, чтобы на декорации, которые теперь считаются образцовыми во всех отношениях, было выделено еще 6,000.

Бюджет фильма составлял всего $ 1 млн., но когда было перерасходовано $ 100,000, студия «United Artists» собралась закрыть проект, боясь, что эти затраты никогда не окупятся.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Прошло много лет с тех пор, как мальчик с паранормальными способностями Дэнни Торранс пережил кошмарный сезон в отеле «Оверлук», где стал свидетелем безумия и гибели своего отца. (Речь идет о фильме «Сияние»). Повзрослев, Дэн вёл жизнь маргинала-алкоголика, а теперь пытается завязать и даже устроился на работу в дом престарелых. Там он безошибочно определяет, кому из постояльцев подошла очередь покинуть этот мир, за что и получил прозвище Доктор Сон. Однажды с Дэном устанавливает связь невероятно одарённая «сияющая» девочка Абра. Вскоре ей потребуется его помощь, чтобы противостоять членам организации «Истинный узел» – группы охотников за особенными детьми, для которых детское «сияние» — питание, гарантирующее вечную жизнь.

Еще вчера сиквел «Сияния» Стэнли Кубрика — самого совершенного (не обязательно лучшего) хоррора в истории, неизменно возглавляющего наряду с «Психозом» и «Ребенком Розмари» жанровые топ-листы, — казался святотатством и априори самоубийственной затеей, пусть сам Стивен Кинг, выпустив в 2013 году пухлый роман про выросшего Дэнни, автоматически ее санкционировал. Вдобавок Майк Флэнаган, 40-летний режиссер, поставивший успешные оккультные хорроры «Окулус» и «Уиджи. Проклятие доски дьявола», эффектный триллер «Тишина» (который очень хвалил Кинг) и не очень удачную «Игру Джералда» (по Кингу), известен широкой публике разве что по Netflix-сериалу «Призраки дома на холме» и уж точно не Кубрик. Поэтому главная новость такая: экранизация «Доктора Сна» может нравиться или нет — мнения в данном случае наверняка разделятся, — но в том, что этот фильм имеет право на существование - никаких сомнений не остается.

«Доктор» как бы состоит из двух частей, и косплей Кубрика, на самом деле, является частью не только меньшей по объему, но и менее значительной. Да, адептам придется проявить немного выдержки: Флэнаган самовольно вселяется в отель «Оверлук», врубает знаменитую музыкальную тему по мотивам «Dies Irae», буквально перерисовывает по клеточкам какие?то фрагменты и — что, наверное, пережить сложнее всего — использует похожих актеров, играющих маленького Дэнни, мудрого повара, бедняжку Вэнди, голую бабку из номера 237 и даже старину Джека (забавный факт: двойник Николсона тут — актер по имени Генри Томас, который примерно во времена «Сияния» играл главную роль в спилберговском «Инопланетянине»).

Но если поначалу это детское копирование, естественно, раздражает, то когда мы отправляемся на территорию «Сияния» повторно, экскурсия выглядит уже и более оправданной, и по-своему остроумной, а местами даже и вдохновенной. Кинг в этих сценах практически ни при чем — Флэнаган разговаривает напрямую с Кубриком, и в этой почтительности, переходящей в неслыханное нахальство, определенно что?то есть.

«Сияние» Кубрика — фильм про то, как человек медленно сходит с ума в изолированном пространстве. Фильм тесный, неуютный, давящий своей неестественной симметрией, мрачными образами и жуткой атмосферой. «Доктор Сон» даже не пытался подхватить дело Кубрика и просто пошёл в другом направлении. Он не развивает старых персонажей, а даёт новых. Он не продолжает старые темы, а рассказывает другие.

Основной же массив фильма едва напоминает о предшественнике — скорее уж о вампирской классике Кэтрин Бигелоу «С приходом тьмы». Бесподобная злодейка Фергюсон в образе фолк-певицы из 70-х и ее дружки, разъезжающие в затемненных фургонах по проселочным дорогам, могли бы спеться и с хиппи-сатанистами из «Мэнди». Лучшее в «Докторе» — это кочевая жизнь пожирателей «сияния», подгоняемых, как вурдалаки, вечным голодом.

Что касается нытика Дэнни, его дружбы с паранормальной девочкой (они смешно обмениваются телепатическими эсэмэсками на грифельной доске) и их общей борьбы, то эта линия как раз слабовата. Она — вполне в кинговском, впрочем, духе — приторна, слишком демонстративно лишена внутренней логики с правилами, которые придумываются у нас на глазах, и чем дальше, тем больше напоминает средний супергеройский комикс. Еще и с какой?то грошовой моралью, от которой у Кубрика бы пошла кровь носом: сияй, мол, деточка, никого не слушай.

И все же со всеми своими многочисленными несовершенствами «Доктор Сон» заслуживает внимания и уважения. Он длинноват (хотя эти два с половиной часа пролетают быстро), где?то глуповат и, главное, почти не страшен. Все, что и по сей день пугает в «Сиянии», в «Докторе Сне» теряет налет тревожности и оказывается пустышкой. Нет того гнетуще-мистического ощущения... нет, не ужаса, скорее, психологического давления. Но это отчаянно амбициозный, весьма изобретательный и необычный фильм, который не паразитирует на чужих идеях, как может сослепу показаться, а пытается придумать из них что?то новое. Даже если получается с переменным успехом, Флэнаган все равно и честнее, и смелее, чем его бесчисленные коллеги, потихоньку растаскивавшие паркет «Оверлука» на сувениры последние 40 лет.

Интересные факты:

Как и персонаж, которого он здесь сыграл, Юэн МакГрегор является алкоголиком в завязке.

«Когда фильм закончился и пошли титры, Стивен Кинг положил руку мне на плечо и сказал: «Ты чудесно поработал». Я чуть не умер от счастья», — вспоминает режиссер Доктора Сна Майк Флэнаган.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
«Доктор Стрэндж», в полном соответствии со своим названием, довольно странный - в лучшем смысле слова - фильм. И дело тут совсем не только в нетривиальной внешности и манере всенародного фаворита Бенедикта Камбербэтча в едва ли не лучшей его кинороли: к чуть аутичному обаянию и симпатичному высокомерию Шерлока тут прибавились суперменские качества, а еще очень его красящая самоирония. Тут и другие британцы: прежде всего наголо бритая Тильда Суинтон в сбивающей с толку роли старейшины ордена колдунов, а также Чиветель Эджиофор, памятный по оскароносной драме «12 лет рабства». Но сам проект интересен вне зависимости от прекрасных артистов, и даже странно, что автор не самых великих на Земле хорроров Скотт Дерриксон столь блестяще справился с амбициозной задачей.

С другой стороны, этот проект - давняя мечта Кевина Фейги, бессменного продюсера кинопроектов Marvel, так что очевидно, что вся креативная команда студии была брошена на это поле боя. Битва выиграна, еще не начавшись. «Доктор Стрэндж»- превосходно оформленное развлечение, которое успешно заигрывает с эзотерикой и оккультными науками, одновременно над ними потешаясь. Это история преображения и духовного обучения завзятого эгоиста - самовлюбленного нейрохирурга, после автокатастрофы потерявшего практику и смысл жизни. В Непале он находит мудрых сектантов, которые способны трансформировать реальность и следят за равновесием вселенной. Как раз в этот момент один отверженный чародей решает отдаться силам тьмы - в этой роли, всегда эффектный секс-символ датского кино Мадс Миккельсен.

«Доктор Стрэндж» получился самодостаточным, и что главнее, самобытным кинокомиксом, способным крепко стоять на своих собственных ногах. Введение мистического измерения и магии в киновселенную супергероев вышло на редкость удачным. Появление волшебника среди супергероев — само по себе событие. Он не скандинавский бог и не какой-то натренированный спецагент, не жертва научного эксперимента или укуса радиоактивного насекомого. Даже не «мальчик, который выжил». Обычный человек, источник силы которого стоит искать в общемировых эзотерических, философских, духовных учениях, тех, что про карму, третий глаз, расширение сознания, параллельные миры.

Магию фильма можно долго описывать, но ни одно описание не воздаст должное тому, над чем работали, судя по титрам, сотни дизайнеров, художников и аниматоров. Волшебство «Стрэнджа» безумно, сюрреалистично, поразительно стильно и весьма изобретательно. При этом картина держит себя в руках и не превращается в бессмысленное нагромождение пикселей. В каждой боевой сцене есть цель, внутренняя драма, ясная последовательность событий. И главный герой показывает не только мастерство, но и ум, когда побеждает особенно сильных соперников.

В «Докторе Стрэндже» вполне предсказуемая интрига, зато выдающиеся спецэффекты, иногда заставляющие открыть рот: такое воздействие на зрителей в свое время оказывала «Матрица», а потом - «Начало». Но пафоса - вовсе не через край, даже в самых возвышенных сценах есть место глумливому юмору; а волшебный плащ героя и вовсе напоминает о ковре-самолете из мультфильма «Аладдин». В конце концов, и здесь мы имеем дело с продукцией корпорации Disney, вот так, на свой лад, пересказавшей старинную легенду о докторе Фаусте: устав от наук, он занялся чародейством. На радость нам всем.

Конечно, запредельную реальность «Стрэнджа» трудно воспринимать всерьез, но картина этого не требует. По славной марвеловской традиции драматичные разглагольствования перемежаются с неожиданными и остроумными шутками. Хотя в фильме происходят мрачные события, это ни в коем случае не мрачное и не давящее кино. «Стрэндж» развлекает с первой до последней минуты, а его финальная схватка – это, кажется, самое смешное сражение во всей истории фильмов Marvel. Хотя в нем решается судьба Земли.

Напоследок замечу, что вы просто обязаны досидеть до конца титров. Фильм завершается двумя послетитровыми сценами. И если первая из них – просто забавная зарисовка с участием Тора, то вторая подводит черту под сюжетом картины и открывает двери для продолжения. Это не бонус, а значимый эпилог, и вы не сможете в полной мере оценить фильм, если раньше времени закончите просмотр.

Интересные факты:

Фильм о докторе Стрэндже в Голливуде пытались создать с середины 1980-х. В разные годы этим проектом занимались Уэс Крейвен и Дэвид Гойер.

Бенедикт Камбербэтч признался, что больше всего в роли Стивена Стрэнджа его привлекает её духовность. «Духовное измерение — это как раз то, что меня интересует, — заявил он. — Это ведь часть моей собственной жизни. Я много медитирую. Это очень полезное занятие, с помощью которого я могу успокоиться, отвлечься от насыщенной жизни, сосредоточиться на том, чтобы стать более добрым и внимательным к другим людям».

Как рассказывал продюсер Кевин Фейги, концепция волшебства в кинематографической вселенной «Marvel» позаимствована из фильма Вачовски «Матрица» (1999) и работ Стэнли Кубрика и Хаяо Миядзаки. «Вы смотрели научно-популярный сериал „Космос“ (1980)? Вот вам волшебство. Оно заключено в квантовой физике. Надо только изучить её от и до, и грань между наукой и волшебством будет стёрта… Такой подход не применяется в Гарри Поттере, но если бы в Хогвартс поехал учёный, он бы точно разобрался, как работает часть из увиденного там! Мы не будем настолько глубоко погружаться в эту тему, но и стороной её не обойдём. Это особенно важно для персонажа вроде Стрэнджа, который превращается из человека науки в человека веры и который перемещается в обоих мирах, — сказал Фейги. — Но найти ответы на интересующие нас вопросы бывает возможным не всегда. Бывает так, что мы спрашиваем „Как это работает?“, но ответа не находим».

Чтобы набрать форму к съёмкам, Бенедикт Камбербэтч вместе с персональным тренером активно посещал спортзал, пил протеиновые коктейли и усиленно питался.

Чтобы изобразить грациозные магические пассы, Бенедикт Камбербэтч занимался под руководством JayFunk – калифорнийского мастера «палечных танцев», который прославился, когда снялся в рекламе Samsung «Unleash Your Fingers».

Это первый фильм, где главным героем выступает доктор Стрэндж, однако его присутствие можно было заметить и в прежних фильмах. В фильме Кеннета Брана «Тор» (2011) среди сокровищ в сокровищнице Одина хранится Сфера Агамотто. В фильме Алана Тейлора «Тор 2: Царство тьмы» на доске доктора Селвига написано (кроме всего прочего) слово «Перекрёсток». Речь идёт о реальности в другом измерении из многочисленных комиксов серии «Доктор Стрэндж». В фильме братьев Энтони Руссо, Джо Руссо «Первый мститель: Другая война» (2014) агент Джаспер Ситуэлл называет Стивена Стрэнджа в ряду других персонажей, за которыми организация «Г. И. Д. Р. А.» установила слежку.

Создатели персонажа сценарист Стэн Ли и художник Стив Дитко привнесли в облик Стрэнджа многие черты актёра Винсента Прайса (1911-1993). Вторым именем доктора Стрэнджа тоже является «Винсент».

«Доктор Стрэндж» (2016) четырнадцатый фильм кинематографической вселенной «Marvel» производства «Marvel Studios».

Костюм доктора Стрэнджа аналогичен тому, что герой носит на страницах комиксов, однако он был несколько видоизменён для большего соответствия стандартам кинематографической вселенной «Marvel».

Оператор Бен Дэвис признался, что на фильм оказал сильное влияние экспериментальный полнометражный мультфильм компании Disney «Фантазия» (1940). «Он очень психоделичен, и действие по большей части разворачивается в других измерениях».

Некоторые съёмки проходили на территории Непала.

Чиветел Эджиофор стал вторым темнокожим актёром в роли барона Мордо. Первым был Кевин Майкл Ричардсон, озвучивший этого персонажа в полнометражном мультфильме «Доктор Стрэндж и Тайна Ордена магов» (2007).

Стивен Стрэндж прошёл обучение в монастыре в Азии, прежде чем стать Величайшим волшебником Земли. Сам Бенедикт Камбербэтч провёл год между школой и университетом, на добровольной основе работая преподавателем английского языка в буддистском монастыре в Дарджилинге, в Индии. Актёр рассказал, что проведённое в Индии время оказало огромное влияние на всю его жизнь и что в подготовке к роли Стрэнджа он опирался именно на этот опыт.

В комиксах Старейшина изображён стариком. В фильме эту роль исполняет женщина. Таковым было решение режиссёра Скотта Дерриксона, который посчитал, что «Старейшина» — это прежде всего титул, и что пол его носящего значения не имеет.

Когда Marvel объявила, что Тильда Суинтон сыграет персонажа, который в комиксах является пожилым тибетцем, в Америке поднялась волна бурного политкорректного негодования (белая актриса вместо азиата!). Но решение, принятое не без участия китайских цензоров (они не пропускают в страну западное кино, упоминающее Тибет), пошло фильму только на пользу. Суинтон всегда была мастером изображения могущественных героев не от мира сего, а с лысой головой она выглядит особенно загадочно и инопланетно – как и должен выглядеть пропитанный магией человек, столетиями защищающий землю от запредельных угроз.

Превосходен в «Стрэндже» и датчанин Мадс Миккельсен, сыгравший главного оппонента ведущих персонажей. По традиции Marvel фильм делает основной упор на герое, а не на злодее. Но Миккельсен, поднаторевший в суперзлодействе после трех сезонов «Ганнибала», отлично использует выделенное ему ограниченное экранное время, чтобы убедить публику в опасности, фанатизме и магическом мастерстве своего персонажа. Да, он не Локи, но он все равно один из лучших злодеев в истории студии. И у него есть внушительные сподвижники, одного из которых сыграл известный английский кикбоксер, актер и каскадер Скотт Эдкинс. Магические приемы в фильме свободно смешиваются с приемами восточных единоборств, так что подготовка Эдкинса пришлась очень кстати.

Бенедикт Камбербэтч так же сыграл роль Дормамму — он сам предложил режиссёру такую идею. Тому же показалось это интересным, так как Дормамму – полная противоположность Стрэнджа на момент их встречи: он совершенный эгоист, а Стрэндж уже готов к самопожертвованию. Таким образом в этой сцене Стрэндж приходит договориться с самим собой.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Школьная учительница, потерявшая память, жила спокойной семейной жизнью на протяжении 8 лет. Попав в автокатастрофу, к ней частично начинает возвращаться память, а вместе с ней и навыки профессионального киллера, ведь раньше она была не кем иным как Чарли Балтимор — шпионкой, работавшей на Правительство и выполнявшей сверхсекретные задания.

Шокированная неожиданным возвращением некоторых навыков и психологической подготовки спецагента, Саманта пытается разобраться в своем прошлом. Детектив Митч Хенесси, начавший с расследования жизни простой учительницы, оказывается втянутым вместе с Самантой в секретную операцию ЦРУ.

Спустя столько времени фильм по-прежнему смотрится на одном дыхании. Главная героиня Чарли может составить достойную конкуренцию Рэмбо, «Крепкому орешку» и, уже современному, Джейсону Борну. Орудуя ножом как шеф-повар мастер-класса и всеми видами оружия как прирожденный боевик, она в мгновение ока уничтожает всех вставших у нее на пути врагов и выбирается из любых сложнейших ситуаций даже тогда, когда спасение, с первого взгляда, просто невозможно. Одним из самых главных плюсов картины был момент «перехода» от школьной учительницы к профессиональной шпионке-киллеру, показанный в нескольких сценах.

Джина Дэвис прекрасно справляется со своей ролью. Огромная заслуга режиссера состоит в том, что он взял именно ее на главную роль — она прекрасно смотрится и как беспомощная домохозяйка, и как профессионал в своем деле. Сэмюэл Л. Джексон составил ей прекрасную пару, помогая главной героине во всех ее делах и «отпуская» при этом отменные шутки (пожалуй — это одна из самых лучших его ролей). Изумительный по своей харизматичности и оригинальности экранный дуэт. Хороший сценарий (в девяностые годы в фильмах подобного жанра сценарии всегда были великолепными), естественно, также служит большим плюсом кинокартине.

А кто-же у нас по ту сторону камеры? Постановщик Ренни Харлин («Крепкий орешек 2», «Скалолаз»), сценарист Шэйн Блэк (квадрология «Смертельное оружие», «Последний Бойскаут»), оператор Гильермо Наварро («Отчаянный», «От заката до рассвета», «Хеллбой», «Лабиринт Фавна»), композитор и дирижер Алан Сильвестри («Форрест Гамп», «Назад в будущее»). Мастера своего дела каждый по отдельности, а когда их усилия объединяются, то… получается «Долгий поцелуй на ночь».

Ну, а если навести немножко конкретики, задавшись вопросом: чем же все-таки этот фильм хорош? В чем его отличие от серой массы одноразовых боевиков, коих и девяностые годы было пруд пруди?

Во-первых, колоритные участники действа, герои и антигерои нашего фильма. Из тройки основных персонажей нет ни одного чисто положительного (даже Митч в исполнении Сэмюэля Л. Джексона отнюдь не ангел). Есть чисто отрицательный: Бьерко в роли Тимоти (без комментариев) — работник ножа и пистолета. А есть она, героиня — крайне двойственная натура, на протяжении всего фильма предстающая перед нами то в роли учительницы Саманты, то в роли борноподобной Чарли.

Главное сокровище картины Харлина — это, конечно же, сценарий Шэйна Блэка, в котором он снова прописал диалоги так, как никто другой в жанре бадди-муви, а саму формулу подобных фильмов довел до абсурда. Вместо двух разных по форме, но обязательно крутых по содержанию парней нам подсунули афро-американца, мало понимающего во что он ввязался, и женщину, которая, на первый взгляд, должна умереть чуть ли не в первой сцене.

Одним из главных отличий от остальных фильмов подобного жанра является то, что главный герой — женщина. Ренни Харлин показал, что даже женщина может быть «смертельным оружием» и «крепким орешком». Очень жаль, что данную тематику никто не стал продолжать далее, так что «Долгий поцелуй на ночь» — единственный выдающийся фильм в своем роде (леди Крофт не в счет).

Парочка из Саманты / Чарли и Митча получилась что надо. В них столько фактуры — словами этого не передать! Джина Дэвис, конечно, не на Оскара наиграла раздвоение личности, но как эффектно выглядели метаморфозы ее героини. Джексон же просто царит на экране: поклонникам его игры сей фильм не посмотреть — сравни смертному греху. Его Митч не хохмит на право и на лево, но иногда отпускает такие фразочки — закачаешься. Диалоги в «Долгом поцелуе» это просто блеск. Диалоги — это было во-вторых.

В «Долгом поцелуе» можно увидеть целый каскад равномерно раскиданных по сценарию эффектнейших экшен-сцен. Не буду вдаваться в подробности, а не то предадитесь ностальгии еще до пересмотра (а к нему-то я вас и подталкиваю). Просто, когда действо входит в свою остросюжетную стадию, сцены авто-погонь, перестрелок и запредельных пиротехнических свершений радуют зрителя с должным постоянством. Нет, таких сцен тут не в переизбытке, может быть даже и не очень-то много, но все они смотрятся, и смотрятся очень достойно. В фильме все решающие события происходят на грани человеческих возможностей, на пределе жизненных сил и на последнем дыхании. Плюс традиционные моменты спасения в последний момент. Но, как же они тут уместны! От всего сердца радуешься очередному чудесному спасению, ну а расширенная сцена хэппи-энда (кто-то из не смотревших сомневался в этом?) — то, за что создателям дополнительное спасибо! В общем, постановка трюков, работа каскадеров и операторские приемы — все это в-третьих.

В-четвертых следует замечательное музыкальное сопровождение. Отличная музыка маэстро Сильвестри соседствует с зажигательным саундтреком различных стилей. Чего только стоит одна из основных мелодий, под которую Митч оригинально напевал о том, чем сейчас занимается.

Настоящий брутальный боевик, несомненно один из самых лучших !!!

Послесловие: после «Долгого поцелуя…» Шейн Блэк выдохся и его режиссёрский дебют «Поцелуй на вылет» никто не заметил. Сейчас он бегает по Голливуду со сценарием «Смертельного оружия 5» в надежнее реабилитироваться за 15 лет простоя, а Ренни Харлин, смирившись с участью неудачника, клепает один проходной боевик за другим. Зачем им это надо - непонятно.

Интересные факты:

Шэйн Блэк стал первым сценаристом, продавшим сценарий за $3 миллиона.

В первом варианте сценария Митч умирал от полученных ранений.

Митч и Чарли пьют водку «Finlandia». Ренни Харлин (режиссер фильма) родом из Финляндии.

По радио Саманта слушает песню «Let it snow, let it snow, let it snow» Дина Мартина. Та же самая песня играет в концовке «Крепкого орешка 2», фильма поставленного Ренни Харлином.

Часть съёмок фильма прошла в отеле «Windermere House» в Мускоке, Онтарио, Канада. Во время съёмок в отеле произошел пожар, вследствие которого он выгорел дотла. Владельцы отеля посчитали съёмочную группу виновниками пожара. Однако доказательства данного обвинения так и не были найдены. Спустя несколько лет отель отстроили заново.

Джина Дэвис готовилась к сцене пытки, задерживая дыхание под водой во время приема ванны.

Сэм Кейн (Sam Caine) – это анаграмма от «amnesiac» (человек, страдающей амнезией).

В 1997 году рэппер The Notorious B.I.G записал песню «Long Kiss Goodnight» для альбома «Life After Death».

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Мультипликационный фильм «Дом Монстр», спродюсированный замечательным дуэтом Спилберга и Земекиса, произвел на меня самое положительное впечатление. И это не смотря на то, что в нем нет двух основных составляющих успеха современного рынка мультипликации — обилия шуток и суперреалистичной компьютерной графики. Зато, в противовес этому, мы имеем качественный сюжет и детальную проработку характеров каждого персонажа истории. И пусть действующих лиц не так много, но как же великолепно прописаны их образы! Здесь нет «пустышек» — каждый герой этой истории имеет свой ярко выраженный характер. Это касается как главных персонажей — Ди Джея, его друга Заглотыша, и их подружки, так и второстепенных — чего только стоят образы няни Ди Джея — Зи и ее друга рок-металлиста, да и появляющиеся совсем уж в эпизодической роли два патрульных милиционера доставляют массу положительных эмоций.

Хороша и сама история, рассказанная мультфильмом. Странный старый дом, с занавешенными окнами и загадочным обитателем — злым стариком, отбирающем у детей игрушки, создают мистическую атмосферу, которая захватывает с самого начала и держит в напряжении до конца. Чтобы разгадать загадку этого дома, нашим героям придется пройти через множество опасных приключений. Саспенс — вот слово, которое наиболее полно характеризует действо, разворачивающееся на экране.

Сама идея мультфильма очень хороша. Вроде бы обыкновенный сюжет. Дом, который всех пожирает, сумасшедший старик и парочка друзей, которые пытаются всех спасти. Но нет, идея совсем не такова. Дом вовсе не монстр, а просто человеческая душа, застрявшая в нём. Старик вовсе не сумасшедший, а просто таким образом пытается уберечь других от смерти. Создателям действительно удалось насытить картину таинственностью, страхом и переживаниями. Ведь в ужасный дом по соседству отправляются совсем маленькие мальчишки, которые и понятия не имеют, что их там ждет и что там творится. Ступая на соседский газон, как в черную пропасть, они обрекают себя на раскрытие самой большой тайны своего соседа Ниберкракера. Мы наблюдаем, как простой детский интерес может обернуться в довольно затейливую историю с опасным концом.

Не смотря на ужасающий сюжет, мультфильм умудряется учить честности, уважению, состраданию, взаимовыгоде и взаимопомощи. Отлично показаны конфликты между детьми и их отношения друг к другу. Здесь можно заметить и первую любовь, и споры «кто круче» и «кто смелее». Отлично показано и отношение детей к старшим, и отношение к детям взрослых. Ведь когда мальчишки пытались рассказать о Доме, им просто никто не верил, а, того гляди, даже угрожали их наказать. С интересной стороны открывается нам тема любви, на примере соседа Ниберкракера и его покойной жены. Он не раз вспоминает о ней, и всегда говорит с теплотой и любовью в сердце. Мы понимаем, что любовь пройдет все преграды, и мальчишки восхищены этим не меньше.

«Дом-монстр» — это, пожалуй, первый мультфильм-страшилка, который я видел. После просмотра этого мультика осталось весьма двоякое впечатление! Во-первых, мультик интересный и смотрится на одном дыхании. Но с другой стороны, сюжет явно взят из мистических фильмов, а в большей мере даже из фильмов ужасов. Сюжет до боли напомнил давно уже обкатанную схему: есть дом у которого есть своя история и своя загадка, начинают происходить странные вещи и герои пытаются спасти свою жизнь, параллельно, случайно, узнавая в чем же загадка дома. Согласитесь, что мы очень часто видели такой сюжет именно в фильмах ужасов. И именно поэтому было очень непривычно наблюдать такой сюжет в мультике… Очень оригинальный проект получился. Посмотреть однозначно стоит! Только вот думаю, что для впечатлительных детей, мультик в некоторых моментах будет страшноват, а остальным деткам, думаю, он вполне может понравиться! Ну, а взрослым, как минимум, будет интересно посмотреть!

Интересные факты:

«Дом-монстр» в 2007-ом году был номинирован на Оскар и Золотой глобус в номинации «Лучший анимационный фильм». Это уже о многом говорит, хотя мультфильм и не получил наград.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Пока Джей Джей Абрамс не был занят съемками последних «Звездных войн», он в качестве продюсера тихо выдал фильм, который, если честно, гораздо интереснее эпизода лукасовской саги. Джей Джей Абрамс снова подтвердил звание самого главного интригана в Голливуде. Втайне от всех он потихоньку создал небольшую фантастическую вселенную, насчитывающую на данный момент два фильма и имеющую хороший потенциал на продолжение. И главным достоинством этой вселенной является оригинальность подачи истории: сначала первый в своем роде «любительский» блокбастер, снятый на ручную камеру, а теперь замкнутый клаустрофобический хоррор-триллер. Если оригинальность и разнообразие и дальше будут лозунгами этой вселенной, то её ждет очень благополучное будущее.

Вышедший восемь лет назад «Монстро» остается одним из лучших проектов Дж. Дж. Абрамса, и речь идет о человеке, который придумал «Остаться в живых» и перезапустил не только «Звездные войны», но и «Стартрек». Тогда Абрамс, которого зовут теперь каждый раз, когда нужно обновить что-то старое и массовое для новой аудитории, придумал своего монстра вроде Годзиллы, абсолютно оригинального, современно поданного, причем в фильме, обновившем жанр сайенс-фикшена. Чего стоит одна сцена с отброшенной на ньюйоркскую улицу головой статуи Свободы. Конечно, со временем прием найденного видео поистрепался, поэтому новый фильм, сделанный уже не режиссером первого «Кловерфилда» Мэттом Ривзом, а дебютантом Дэном Трактенбергом, снят, наоборот, подчеркнуто старомодно — насколько это вообще возможно (в смысле, без раздражающих технических трюков).

«Кловерфилд, 10», кажется, всем хочет подчеркнуть, что он не сиквел. Если действие первой картины происходило в Нью-Йорке, то тут — типичная американская глушь с кукурузными полями, и герои находятся не на улицах мегаполиса, а в тесном бункере. Начало умно может напомнить киноманам «Психоз» Хичкока — как и Дженет Ли в 1960-м, главная героиня Мишель (Мэри Элизабет Уинстэд) оставляет на видном месте обручальное кольцо и уезжает от своего жениха Бена (до финала мы так и не узнаем, почему — да, фильм не отвечает на многие вопросы, в том числе и на этот). Девушка попадает в аварию и приходит в себя на матрасе в подвале, куда ее принес грозный на вид Говард (Джон Гудман) — безумный поклонник теории заговоров, любящий слушать девичьи хиты 1980-х.

О сюжете говорить нужно осторожно, ибо в его поворотах и нюансах вся самая прелесть фильма. Говард отказывается выпускать Мишель из бункера, утверждая, что наверху случилась химическая атака, и теперь Земля непригодна для обитания. Дальнейший час героиня и второй невольный заложник Эммет (Джон Галлахер-мл.), строитель со сломанной рукой, помогавший Говарду копать и обустраивать бункер, будут гадать, что из сказанного принципиальным хозяином правда. Тем более, что тот постоянно упоминает свою дочь Меган, которая, возможно, не была его дочерью и вообще непонятно куда исчезла. Мишель необходимо понять, что произошло, кто эти люди и как отсюда выбраться. И есть ли смысл покидать это место…

Атмосфера тотального недоверия и подозрения витает в воздухе на протяжении всего фильма. Поначалу саспенс базируется на любопытстве и страхе главной героини – она в запертом помещении со спятившим на вид мужиком, твердящем об атаках то ли русских, то ли марсиан. Но постепенно саспенс приобретает оттенок полнейшей безысходности, моментально переходящей с героев фильма на зрителей. Кино уже к своей середине превращается в нервозное хождение по тонкому канату над пропастью. Причем больше пугает не то, что ты можешь запросто упасть в эту бездну, а раздирающее изнутри желание узнать, что же там внизу (по фильму – вверху), понимая, что такое знание может стоить жизни.
Саспенс выдержан безупречно, метафоры начищены до блеска, и в целом это, конечно, высокий класс. Здесь есть героиня, есть характер, это уже не голый аттракцион.

Зубодробительный триллер, напоминающий по антуражу пролог к игре Fallout, является заслугой сценаристов (среди которых автор сценария и режиссер «Одержимости» Дэмьен Шазелл, доказавший своё умение держать зрителей в напряжении) и актеров. Первые обеспечили фильму постоянный интерес к происходящему на экране (твисты и объяснения происходящего в нужных моментах), а вторые превратили кино в психологический триллер на грани фильмов ужасов. Только приятные впечатления от игры Уинстэнд, а Гудман вообще демонстрирует чуть ли не лучшую свою роль. Хотя о чем я, Гудман всегда играет как Бог. Замечательная работа художников-постановщиков, на плечи которых выпала доля обставить убежище так, чтобы все смотрелось крайне органично и разумно. Кухня, гостиная, ванна – как ни странно, но в таком бункере хочется пожить. Крафтинговая система тоже во всей красе – когда речь идет о выживании, нет лишних и ненужных вещей, применение найдется и для подставки под капельницу и для ванной занавески.

В какой-то момент даже не страдающие от клаустрофобии люди могут поймать себя на участившемся дыхании. Сердце стучит быстрее, ладошки потеют, кто-то даже начинает ерзать на своих сидениях – вполне реальные симптомы просмотра «Кловерфилда, 10». К завершению так называемого первого акта фильма, ты уже перестаешь продумывать вероятные выходы из сложившейся ситуации, а просто всем нутром начинаешь переживать за Мишель в ожидании невероятной развязки истории. И тогда начинается второй акт, последние пятнадцать минут. И так получилось, что это уже не совсем развязка «Кловерфилда, 10», а скорее продолжение «Монстро», к которому сей фильм насильственно приписали в самом конце производства, для увеличения потенциала кассовых сборов и возможности создания других взаимосвязанных фильмов. Да, «Кловерфилд» изначально был оригинальным проектом (оставаясь он таким, был бы маленький шедевр, о котором никто не узнал), но по воли продюсера Джей Джей Абрамса, он превратился в некий не то сиквел, не то спин-офф «Монстро». Как уже стало понятно, данный ход сыграл на все 100, так как кассовые сборы уже в семь раз превышают бюджет, однако все отмечают концовку фильма и его связь с картиной Мэтта Ривза 2008 года как ахиллесову пяту «Кловерфилда, 10».

Продюсер Абрамс с режиссером Дэном Трактенбергом в очередной раз доказывают, что сайенс-фикшн совсем не исключает хорошую актерскую игру и крепкую, почти театральную режиссуру. И даже если финал понравится не всем, фильм заканчивается обещанием сиквела настолько небанально, что хочется, чтобы следующая часть, пусть и, как и вторая, не имеющая ничего общего с предыдущей, вышла раньше, чем через восемь лет.


Интересные факты:

Режиссёрский дебют Дэна Трахтенберга в игровом кино.

Продюсер Джей Джей Абрамс назвал этот фильм «кровным родственником» триллера «Монстро» (2008), имеющего в оригинале название «Кловерфилд».

О существовании фильма и его скором выходе в прокат стало известно менее чем за два месяца до его выхода на экраны. Фильм был снят в обстановке полной секретности, а первый трейлер вышел на экраны во время премьеры фильма Майкла Бэя «13 часов: тайные солдаты Бенгази» 14 января 2016 года. Мэтт Ривз тоже снимал «Монстро» (2008) в обстановке строжайшей секретности, а первый трейлер вышел на экраны перед показом фильма «Трансформеры» (2007), который тоже снял Майкл Бэй.

Мэри Элизабет Уинстэд была единственной актрисой, которую авторы фильма хотели видеть в роли Мишель.

В витрине магазина можно увидеть коктейль «Slusho», впервые появившийся в триллере Мэтта Ривза «Монстро» (2008).

В процессе съёмок актёрам (Мэри Элизабет Уинстэд, Джону Гудмену и остальным) не сообщали название фильма, сохраняя его в тайне до последнего.

Всё началось со сценария под названием «Подвал», который не имел ничего общего со вселенной «Кловерфилд» и который на какое-то время переименовали в «Валенсию». Затем компания Джей Джей Абрамса «Bad Robot» приобрела сценарий и переработала его в «Кловерфилд Лэйн, 10».

Телефон Мишель подключён к коммуникационной сети «BRT». Это сокращение от «Bad Robot», компании Джей Джей Абрамса.

Второй трейлер к фильму продемонстрировали во время игры за звание чемпиона Национальной футбольной лиги сезона 2015 года. В нём показали аварию, бункер, куда персонаж Джона Гудмена заключил Мишель, и сопровождаемое чудовищным рёвом странное свечение.

В отличие от первого фильма, «Кловерфилд, 10» снят не в жанре найденной плёнки (жанр, в котором весь фильм или существенная его часть представлена в виде материалов с найденных записей на кино - или видеокамеры, часто оставшихся после пропавших или умерших героев фильма).

Действие фильмов «Монстро» (2008) и «Кловерфилд, 10» (2016) разворачивается в одной и той же вселенной, но прямого отношения второй фильм к первому не имеет. Продюсер Джей Джей Абрамс однажды заявил, что студия вынашивает планы связать оба фильма воедино и добавить связки с последующими фильмами франшизы, если таковые будут сняты.

Приятель Мишель по имени Бен говорит в телефонной трубке голосом Брэдли Купера.

Мишель останавливается залить бензин на заправке «Келвин». Это так называемое «пасхальное яйцо», которое продюсер Джей Джей Абрамс вставляет во все проекты, в которых участвует. Таким образом он отдаёт дань уважения своему дедушке по материнской линии, Генри Келвину, владельцу компании по производству электроники, который оказал на Абрамса огромное влияние, когда тот был ещё ребёнком.

В одном из эпизодов персонаж Джона Гудмена смотрит по телевизору фильм Ховарда Дойча «Милашка в розовом» (1986), где персонаж актрисы Молли Рингуолд в качестве хобби шьёт платья по собственным эскизам. В фильме «Кловерфилд, 10» персонаж Мэри Элизабет Уинстэд тоже мечтает стать дизайнером.

Ховард, роль которого исполняет Джон Гудман, смотрит по телевизору фильм Ховарда Дойча «Милашка в розовом» (1986), но Эмметт, которого играет Джон Галлахер-младший, принимает его за фильм «Шестнадцать свечей» (режиссёр Джон Хьюз, 1984). Мэри Элизабет Уинстэд, исполнившая роль Мишель, сыграла в фильме Квентина Тарантино «Доказательство смерти» (2007), где её персонаж призналась, что обожает фильм «Милашка в розовом».

Эмметт во время беседы с Мишель упоминает гипотезу Ховарда о космических червях. В конце фильма Мишель натыкается на похожую на червя инопланетную форму жизни.

Сюжетная линия о том, как кого-то держат в бункере потому, что воздух снаружи заражён, использована во втором сезоне телесериала «Остаться в живых» (2004-2010). В обоих случаях, тот, кто выдвигает это ложное объяснение, гибнет в стычке с тем, кого он пытался убедить в правдивости своих слов. Джей Джей Абрамс выступал продюсером и сериала «Остаться в живых», и фильма «Кловерфилд, 10».

Сюжет фильма очень схож сюжетом эпизода «Защити меня» франко-бельгийского телесериала «Военная хроника» (2012-2014). Героиня эпизода в исполнении Мишель Райан приходит в себя в бункере, где знакомый её родителей, которого играет Джеймс Марстерс, говорит, что началась Третья мировая война. Этот эпизод снят по мотивам истории Дэниэля Р. Уиклайна и Марка Вигоро из серии французских комиксов «Metal Hurlant» (выпуск N 9, ноябрь-декабрь 2003).

В одной из сцен фильма Мишель в исполнении Мэри Элизабет Уинстэд в белой майке пробирается по воздуховоду. Это похоже на эпизод из фильма Джона МакТирнана «Крепкий орешек» (1988), где главный герой Джон МакКлейн, его играет Брюс Уиллис, тоже пробирается по воздуховоду. В фильме «Крепкий орешек 4,0» Лена Уайзмана (2007) Мэри Элизабет Уинстэд сыграла дочь МакКлейна Люси.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Организованная куча невероятно милых, но в то же время достаточно вредных и недружелюбных инопланетян — бувов — всеми силами пытается найти себе новый дом и одновременно скрыться от расы их смертельных врагов. Наконец свой выбор они останавливают на планете Земля. В итоге, на нашу любимую планету происходит вполне себе мирное вторжение, без смертей и ужаса — просто всех людей переселяют в определённое место, а остальное заселяют бувы.
Находчивая и рисковая девочка по имени Дар, с внешностью и голосом Рианны, чудом сбежавшая от пришельцев, встречает на своем пути самого раздражающе-оптимистичного бува по имени О, отвергнутого своими инопланетными собратьями. На протяжении всего мультфильма с ними происходит множество приключений, очень забавных, а иногда и очень грустных. Этой, казалось бы, несовместимой парочке предстоит спасти нашу планету. Хорошо, что у них есть летающий автомобиль!

Жанр мультфильма довольно необычен — этакая мягкая или детская постапокалиптика. Внешние признаки имеются (пустые и заброшенные дома, толпы инопланетян в городах, опасность появления на улице и т. д.), но пряничная картинка и отсутствие атмосферы безнадёги развеивают весь антураж.

Теперь о непосредственно наполнении мультфильма чем-то особенным, чем-то, что трогает за душу. Був О — необычный парень, он хочет иметь друзей, любить и радоваться совершенно всему — вот такой он позитивный. Но есть одно «но» — он, как и все бувы, придерживается девиза «Что бы ни случилось — убегай!». И вся прелесть данного мультфильма не в дружбе инопланетяна и земляники, нет. Именно развитие и самосовершенствование, борьба со своими страхами нашего бува — вот та самая изюмина. Дружба — да, борьба со злом — возможно, помощь своим друзьям — да. Все это обычное дело в мультфильмах, все это уже избитая тема. Однако не часто встретишь в достаточно детском мультфильме поднятие таких достаточно недетских проблем. Проблема выбора, проблема борьбы со своими страхами — вот это уже делает из обычного, заурядного мультфильма интересный и качественный мультипликационный фильм.

Не могу также обойти стороной необычные задумки создателей в области оформления персонажей — внешность и технологии, которыми владеют бувы, очень свежие, новые, уникальные. При этом достаточное количество шуток, приятная рисовка, неплохой сюжет, но в то же время показной апокалипсис… хороший микс, который с большой долей вероятности оценят и взрослые, и дети.

Итак, людям всех возрастов, людям, которые любят мультфильмы, детям, которые немножко взрослые, и взрослым, которые немножко дети, советую посмотреть это творение.

Интересные факты:

Фильм основан на книге Адама Рекса «The True Meaning of Smekday» (Настоящее значение Дня Смека).

Изначально персонажа Джима Парсонса звали «Джей Ло» (J. Lo), однако в итоге имя изменили на «О» (Oh). В реальной жизни Джей Ло – это прозвище Дженнифер Лопез, которая, кстати, тоже озвучивала одного из персонажей фильма.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Тим Бертон в последние десять лет переживал не лучшие времена. После «Чарли и шоколадной фабрики» он сам стал как Чарли — но другой, тот, что в «Новых временах» Чаплина трогался умом у заводского конвейера. Новые бертоновские работы можно было не смотреть: и так ясно, что увидишь на экране. Чередование кислотных и мертвенных цветов, немного анимации, Джонни Депп и Хелена Боннэм-Картер разыгрывают очередной сказочный сюжет. Попытка перепрыгнуть из кино в смежную область анимации не спасала — цвет, сюжет, приемы и актеры преследовали Бертона и там, как демоны. С другой стороны, не все так плохо — что режиссер не безнадежен (во всяком случае, сам ищет какой-то альтернативы), что он ищет выход из заколдованного круга собственного стиля, стало ясно после прошлой ленты, «Больших глаз». Это была попытка выйти за рамки отработанных приемов и дежурного актерского состава, но очень осторожная. Эми Адамс и Кристоф Вальц — не бертоновские актеры ни разу, да и королевство сюжета про художников тесновато.

«Дом странных детей» – экранизация популярной книжки Ренсома Риггза, американской версии «Гарри Поттера» – определенно планировался как триумфальное возвращение Бертона на ринг. Свидетельство чему — хотя бы отказ от второй «Алисы» (там он довольствовался ролью продюсера). Триумф вышел: «Дом» – это правда новый Бертон. Куда более удачный, необычный, а главное — более многогранный, чем даже в лучшие бёртоновские годы. «Дом» находится в совсем другой весовой категории, нежели «Большая рыба» или «Эдвард руки-ножницы». Если что эта лента и напоминает из бертоновской фильмографии — то только «Эда Вуда».

Удивительно загадочный темный мир, который населяют эксцентричные персонажи, томительная меланхолия, визуальная красота и абсурдный юмор — основные черты эстетики Бертона здесь на месте. При этом «Дом странных детей мисс Перегрин» получился одним из самых личных фильмов в карьере режиссера. Избавившись от «детских» уз Диснея, Тим Бертон вернулся к излюбленному жанру страшных сказок, и вернулся блистательно. Картина получилась насыщенной, яркой, увлекательной и визуально безупречной.

С одной стороны, с сюжетом все просто. У мальчика из Флориды умирает любимый дедушка, который рассказывал ему множество удивительных сказок. Родители — люди приземленные, так что ведут его прямиком к психоаналитику. А оттуда — в рамках общей терапии — на остров, где находится детский дом. Там покойный старик провел свои юные годы. Приют оказывается непростым: его хозяйка мисс Перегрин воспитывает не сироток, а наделенных сверхспособностями детей. Девочку, умеющую летать. Другую, воспламеняющую все вокруг. Невидимку. У главного героя, понятно, тоже обнаруживаются наследственные таланты — и он в доме остается, чтобы помочь его обитателям обороняться от злых волшебников...

Литературной основе здесь цена невелика, разве что книжка — популярная. Но для Бертона это находка. Он хватается за немудреный конфликт мира бытового (солнечная Флорида, «одноэтажная Америка», туповатые подростки) и сказочного (Британия с ее файв-о-клоками и романтикой туманов-каминов, бушующее море и скалы, странные юноши и девушки). На их отношениях весь «Дом» и построен: тут есть место и прославлению фантазии, и рассуждениям о кино (один из чудо-детей умеет показывать свои сны — у него глаз-проектор). Реальность преломляется в «Доме» самым хитрым образом. Холокост, жертвой которого был дед главного героя, оборачивается борьбой с «особенными детьми». Бомбардировка Британии нацистами — нападением на приют волшебников. Туалеты, фотоавтоматы и закоулки современных городов — порталами в другие миры. Книжка о волшебниках для Бертона — не «литературная основа», а только повод для новых для себя визуальных трюков, аллюзий и приемов.

Опираться в оценке фильма на светскую хронику — последнее дело, наверное. Но как еще объяснить, что Бертон здесь впервые начинает работать с актерами, а не фиксировать их воспроизведение заученных ролей на камеру? Развелся с Хеленой Бонэм Картер — и вот вам результат, четыре сильнейших актера получили необычные, новые для себя роли и показали, на что способны. Ева Грин впервые выступает в роли дамы в летах, а не материализованного эротизма. Образ мисс Перегрин французской красотке идет точно не хуже, чем костюм леди Годивы, в котором она десять лет подряд красуется на экране. Теренс Стэмп, божество европейского кино, звезда фильмов Пазолини и Феллини, генерал Зод из «Супермена», наконец, получил роль вполне достойную своего положения: дедушки главного героя, мага и чародея (каковым в реальности актер, конечно, и является). Сэмюэл Л. Джексон вылез из собственного заколдованного круга, тарантиновского, и сыграл колоритного злодея, выступив при этом в новом для себя амплуа безумного профессора. Даже исполнители крохотных ролей делают их золотыми: пять минут экранного времени Джуди Денч лишний раз напоминают, кто у нас королева британской актерской школы.

Бертон и сам появляется на экране — на полсекунды, в роли посетителя парка аттракционов. Залепить самого себя в кадр, чтобы внимательный зритель порадовался, может режиссер либо очень самовлюбленный (не будем показывать пальцем), либо находящийся в самом расцвете сил, полный энергии, исполненный самоиронии. Здесь, похоже, мы имеем дело и с тем, и с другим.

«Дом странных детей» — полная и окончательная реабилитация. Этот фильм не рвет кассу и ставит критиков в тупик. А все потому, что не попадает ни в какие категории и не поддается рациональному анализу. Зато здесь каждый кадр дышит тем же сбивающим с толку волшебством, сумасбродным и мрачным, сентиментальным и жестоким, что в лучших ранних работах Бертона.

Моменты, в которых режиссер играет на зрительском доверии, — лучшие в фильме. Ощущение чистого волшебства в них примерно того же уровня, что и в классических голливудских или диснеевских фильмах-сказках, — в эпоху, когда никакие спецэффекты уже не удивляют, лучше комплимента и придумать, кажется, невозможно.

Не в последнюю очередь залог омоложения Бертона — оператор Бруно Дельбоннель. Соавтор Сокурова (он снял «Франкофонию» и «Фауста»), кроме прочего, еще создатель «Гарри Поттеров» – вот ведь ирония судьбы. Но его мастерство создания на экране мистического мира заброшенных домов и пещерных лабиринтов Бертона выводит еще и из кризиса визуального; позволяет порвать, наконец, с пестротой и готикой.

Однако главное доказательство того, что Бертон жив и бодр, ждет зрителей «Дома» на финальных титрах. Шестидесятилетний режиссер, как какой-нибудь хипстер-модник, запускает их под более чем современную группу Florence and the Machine. Увлечение современностью — чем не признак молодости? Чем не верный симптом того, что все лучшее — впереди? У книги Риггза есть продолжение — два тома. Хочется верить, у фильма Бертона тоже. Вот такая вот музыка. Такая, хочется верить, вечная молодость.

Интересные факты:

Фильм снят по одноименному роману Рэнсома Риггза.

Режиссер Тим Бёртон появляется в фильме в камео: в роли человека, катающегося на аттракционе в сцене сражения пустот со скелетами.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Тим Бертон в последние десять лет переживал не лучшие времена. После «Чарли и шоколадной фабрики» он сам стал как Чарли — но другой, тот, что в «Новых временах» Чаплина трогался умом у заводского конвейера. Новые бертоновские работы можно было не смотреть: и так ясно, что увидишь на экране. Чередование кислотных и мертвенных цветов, немного анимации, Джонни Депп и Хелена Боннэм-Картер разыгрывают очередной сказочный сюжет. Попытка перепрыгнуть из кино в смежную область анимации не спасала — цвет, сюжет, приемы и актеры преследовали Бертона и там, как демоны. С другой стороны, не все так плохо — что режиссер не безнадежен (во всяком случае, сам ищет какой-то альтернативы), что он ищет выход из заколдованного круга собственного стиля, стало ясно после прошлой ленты, «Больших глаз». Это была попытка выйти за рамки отработанных приемов и дежурного актерского состава, но очень осторожная. Эми Адамс и Кристоф Вальц — не бертоновские актеры ни разу, да и королевство сюжета про художников тесновато.

«Дом странных детей» – экранизация популярной книжки Ренсома Риггза, американской версии «Гарри Поттера» – определенно планировался как триумфальное возвращение Бертона на ринг. Свидетельство чему — хотя бы отказ от второй «Алисы» (там он довольствовался ролью продюсера). Триумф вышел: «Дом» – это правда новый Бертон. Куда более удачный, необычный, а главное — более многогранный, чем даже в лучшие бёртоновские годы. «Дом» находится в совсем другой весовой категории, нежели «Большая рыба» или «Эдвард руки-ножницы». Если что эта лента и напоминает из бертоновской фильмографии — то только «Эда Вуда».

Удивительно загадочный темный мир, который населяют эксцентричные персонажи, томительная меланхолия, визуальная красота и абсурдный юмор — основные черты эстетики Бертона здесь на месте. При этом «Дом странных детей мисс Перегрин» получился одним из самых личных фильмов в карьере режиссера. Избавившись от «детских» уз Диснея, Тим Бертон вернулся к излюбленному жанру страшных сказок, и вернулся блистательно. Картина получилась насыщенной, яркой, увлекательной и визуально безупречной.

С одной стороны, с сюжетом все просто. У мальчика из Флориды умирает любимый дедушка, который рассказывал ему множество удивительных сказок. Родители — люди приземленные, так что ведут его прямиком к психоаналитику. А оттуда — в рамках общей терапии — на остров, где находится детский дом. Там покойный старик провел свои юные годы. Приют оказывается непростым: его хозяйка мисс Перегрин воспитывает не сироток, а наделенных сверхспособностями детей. Девочку, умеющую летать. Другую, воспламеняющую все вокруг. Невидимку. У главного героя, понятно, тоже обнаруживаются наследственные таланты — и он в доме остается, чтобы помочь его обитателям обороняться от злых волшебников...

Литературной основе здесь цена невелика, разве что книжка — популярная. Но для Бертона это находка. Он хватается за немудреный конфликт мира бытового (солнечная Флорида, «одноэтажная Америка», туповатые подростки) и сказочного (Британия с ее файв-о-клоками и романтикой туманов-каминов, бушующее море и скалы, странные юноши и девушки). На их отношениях весь «Дом» и построен: тут есть место и прославлению фантазии, и рассуждениям о кино (один из чудо-детей умеет показывать свои сны — у него глаз-проектор). Реальность преломляется в «Доме» самым хитрым образом. Холокост, жертвой которого был дед главного героя, оборачивается борьбой с «особенными детьми». Бомбардировка Британии нацистами — нападением на приют волшебников. Туалеты, фотоавтоматы и закоулки современных городов — порталами в другие миры. Книжка о волшебниках для Бертона — не «литературная основа», а только повод для новых для себя визуальных трюков, аллюзий и приемов.

Опираться в оценке фильма на светскую хронику — последнее дело, наверное. Но как еще объяснить, что Бертон здесь впервые начинает работать с актерами, а не фиксировать их воспроизведение заученных ролей на камеру? Развелся с Хеленой Бонэм Картер — и вот вам результат, четыре сильнейших актера получили необычные, новые для себя роли и показали, на что способны. Ева Грин впервые выступает в роли дамы в летах, а не материализованного эротизма. Образ мисс Перегрин французской красотке идет точно не хуже, чем костюм леди Годивы, в котором она десять лет подряд красуется на экране. Теренс Стэмп, божество европейского кино, звезда фильмов Пазолини и Феллини, генерал Зод из «Супермена», наконец, получил роль вполне достойную своего положения: дедушки главного героя, мага и чародея (каковым в реальности актер, конечно, и является). Сэмюэл Л. Джексон вылез из собственного заколдованного круга, тарантиновского, и сыграл колоритного злодея, выступив при этом в новом для себя амплуа безумного профессора. Даже исполнители крохотных ролей делают их золотыми: пять минут экранного времени Джуди Денч лишний раз напоминают, кто у нас королева британской актерской школы.

Бертон и сам появляется на экране — на полсекунды, в роли посетителя парка аттракционов. Залепить самого себя в кадр, чтобы внимательный зритель порадовался, может режиссер либо очень самовлюбленный (не будем показывать пальцем), либо находящийся в самом расцвете сил, полный энергии, исполненный самоиронии. Здесь, похоже, мы имеем дело и с тем, и с другим.

«Дом странных детей» — полная и окончательная реабилитация. Этот фильм не рвет кассу и ставит критиков в тупик. А все потому, что не попадает ни в какие категории и не поддается рациональному анализу. Зато здесь каждый кадр дышит тем же сбивающим с толку волшебством, сумасбродным и мрачным, сентиментальным и жестоким, что в лучших ранних работах Бертона.

Моменты, в которых режиссер играет на зрительском доверии, — лучшие в фильме. Ощущение чистого волшебства в них примерно того же уровня, что и в классических голливудских или диснеевских фильмах-сказках, — в эпоху, когда никакие спецэффекты уже не удивляют, лучше комплимента и придумать, кажется, невозможно.

Не в последнюю очередь залог омоложения Бертона — оператор Бруно Дельбоннель. Соавтор Сокурова (он снял «Франкофонию» и «Фауста»), кроме прочего, еще создатель «Гарри Поттеров» – вот ведь ирония судьбы. Но его мастерство создания на экране мистического мира заброшенных домов и пещерных лабиринтов Бертона выводит еще и из кризиса визуального; позволяет порвать, наконец, с пестротой и готикой.

Однако главное доказательство того, что Бертон жив и бодр, ждет зрителей «Дома» на финальных титрах. Шестидесятилетний режиссер, как какой-нибудь хипстер-модник, запускает их под более чем современную группу Florence and the Machine. Увлечение современностью — чем не признак молодости? Чем не верный симптом того, что все лучшее — впереди? У книги Риггза есть продолжение — два тома. Хочется верить, у фильма Бертона тоже. Вот такая вот музыка. Такая, хочется верить, вечная молодость.

Интересные факты:

Фильм снят по одноименному роману Рэнсома Риггза.

Режиссер Тим Бёртон появляется в фильме в камео: в роли человека, катающегося на аттракционе в сцене сражения пустот со скелетами.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
В 2011 году, возмутившись прогитлеровским высказыванием датского режиссера, дирекция Каннского фестиваля объявила его персоной нон грата. Однако, после семилетнего карантина ему позволили вернуться. И получили «Дом, который построил Джек» - 153-минутные откровения серийного убийцы, для которого убийства женщин и детей уже не промысел, а одна, но пламенная страсть.

Что бы там ни писали теоретики, кино всегда выражает, прежде всего, сознание его автора. Мы видим мир его глазами, оцениваем явления с его точки зрения, разделяем его ощущения, вожделения и фобии. Ларс фон Триер - тот крайний случай, когда восприятие его фильмов целиком зависит от возможности и желания зрителя разделить эти вожделения. У скандального датчанина репутация провокатора: он пробует публику на излом, пределы зрительского восприятия - на прочность, общество - на терпимость к тому, что принято осуждать без оговорок. Он с редким упорством таранит устоявшиеся табу, что в кругу сторонников безграничных свобод творчества вызывает бурю оваций. Многим это кажется крутым или как минимум занятным.

Его новый фильм - развернутый диалог убийцы - психопата Джека (Мэтт Диллон) с закадровым Верджем (Бруно Ганц), которого поначалу можно принять за психотерапевта, внимающего откровениям больного, но в финале, явившись, наконец, на экране, он обернется подобием проводника по кругам весьма устрашающего ада. Джек строит, но никак не построит дом: у него иное увлечение - истреблять женщин. Он ненавидит их за природную глупость и при этом изумлен, отчего в глазах общества виноваты всегда мужчины. В своей меланхолической повести Джек живописует пять "инцидентов" из множества им совершенных убийств. Каждое свое убийство он считает произведением искусства и доказывает это весьма убедительно.

Мэтт Диллон наконец-то нашел режиссера, достойного Фрэнсиса Форда Копполы и Гаса Ван Сента, с которыми он начинал карьеру, и сыграл роль, превосходящую любые ожидания. Как это бывает у Триера, все усилия сконцентрировались на одном артисте и персонаже, но зато его работа — подлинный шедевр. В интерпретации Триера и Диллона Джек, с его приглаженной прической и затаенным безумием в глазах, — не обычный сумасшедший с бритвою в руке, а аккуратист, скрупулезный до занудства, зацикленный на чистоте и постоянно погруженный в самоанализ. В популярной культуре, схожий психотип присущ «американскому психопату» Патрику Бэйтмену или, например, Джокеру. Но Джека нельзя назвать их наследником. Ему не хватает ни харизмы, ни острого ума. Мэтт Диллон отлично справляется с ролью манерного и тщеславного неврастеника. Он сутул, неуклюж и не уверен в себе. Его неуловимость обуславливается глупостью местной полиции, а чудовищное количество жертв удачей. Триер вновь пытается закинуть зрителю удочку и шутит о неприглядности нашего мира, в котором убийство — богоугодное дело. Поэтому от людского правосудия маньяка защищают высшие силы. Но это настолько толстый троллинг, что вместо возмущения он вызывает лишь снисходительную улыбку.

Действие происходит в 70-е годы в стране, которая так же похожа на Америку (куда Триер, боясь самолетов, не летал), как на его Данию, и все кровавые акции режиссер аранжирует с легкой ухмылкой: это в его понимании - жанр черной комедии. Характеры жертв маньяка обрисованы с блеском - как это отлично умеет Триер. Начав с разбитной особы (Ума Турман), убитой как бы случайно (мол, сама напросилась), Джек убивает методично, получая наслаждение от изощренности процесса; это наслаждение нескрываемо разделяет и режиссер: кино становится как бы легальным способом сублимации инстинктов, выведенных за пределы закона и морали. Морали этот новый Джек-потрошитель не знает, закона не страшится, мрачные свои радости считает естественными, загримированные трупы убитых хранит, как в музее, в подвале вместе с замороженной пиццей. Рассказ его щедро иллюстрирован эпизодами, жестокость которых доведена до предела, и сопровождается теоретическими рассуждениями, иллюстрируемыми то чертежами бомбардировщика, то деталями архитектурных диковин, то гравюрами Уильяма Блэйка, то кадрами из ранних фильмов Триера. Эти философствования исполняют роль трактата о зле, правящем миром (фирменный идефикс Триера), но составляют самую тягостную часть фильма. Зато убийства даны смачно. В «Доме, который построил Джек» есть моменты настолько вычурной и безыдейной жестокости, что создаётся впечатление, будто сняты они только ради того, чтобы шокировать зрителя. И самое непереносимое из них - педантичный отстрел семейства, которое отправилось в лес на пикник. Нам подробно покажут, как падает подстреленный малыш, как пуля почти отсекла его ногу, и та неловко загнулась в сторону, и как хрипит раненная мать, и как ее добивают. А потом режиссер поведет нас в подвал, где маньяк коллекционирует трупы убитых, и покажет, как из выпотрошенного малыша делают жуткую куклу.

В своих интервью Триер ссылался на триллеры «Семь» и «Молчание ягнят», где процесс убийства уподоблялся вдохновению творца. Вот и Джек - такой тип художника, "мистер Утонченность". Триер от него даже как бы дистанцируется, в его иронии при желании можно прочитать укор - но восторженный, типа "мне бы так, да нельзя!". Именно здесь - отличие его картины от знаменитых предшественниц.

Поскольку весь фильм - сплошной вызов цивилизации, легко понять, что инстинкты художника требуют от него разрушения всего, что попадет под руку: моральных устоев, здравого смысла и целых жанров в искусстве. Как в «Танцующей в темноте» Триер за что-то мстил жанру мюзикла, так и теперь он развинчивает и доводит до зловещего абсурда жанр триллера-хоррора. При этом не забывает показать, что сам он мог бы владеть этими искусствами в совершенстве: в неуклюже слезливой «Танцующей…» есть один, но образцовый эпизод "чистого жанра", а структурно неказистый «Джек» завершается инфернальной фантасмагорией, реально захватывающей дух. То есть может, но не хочет: ему все это претит, он этот мир реально ненавидит - как Америку с ее культурой и киноиграми, так и все остальное человечество, погрязшее в черных страстях. А заодно, по-моему, и самого себя, в чем и признается с трогательной искренностью. Триер сделал это тотальное отрицание своей профессией, ноу-хау, и здесь ему действительно нет равных.

Как во всех фильмах Триера, у «Джека» несколько уровней понимания. Если многогранное творчество Фон Триера вам нравится и вы были в восторге от его предыдущих работ, то закрывайте этот текст и идите смотреть «Джека». Чем меньше вы будете знать о фильме до просмотра, тем лучше. Но если вы не особо знакомы с Триером, либо видели какие-то его фильмы и не остались от них в восторге, то я попробую объяснить, чего стоит ждать от «Джека».

Первый уровень — что мы видим.
«Джек» — это драма о жизни серийного убийцы, который исповедуется перед неизвестным, рассказывая о жестоких событиях, которые произошли в Америке в 70-х по его вине. Джек рассказывает о пяти случаях, которые показывают его путь от начинающего маньяка с обсессивно-компульсивным синдромом до широко известного серийного убийцы с громким именем «Мистер Утонченность» (Mr. Sophistication), которое он придумал себе сам.

Недаром в фильме лейтмотивом играет «Fame» (Слава) Дэвида Боуи — злой сатирический гимн, спетый на пару с Джоном Ленноном - приговор всем знаменитостям. Джек жаждет славы, ему нравится видеть, что он сделал, ему приятно, что люди знают о произошедшем. Но Джеку мало этого — он хочет приблизиться к истории, оставить какое-то наследие, как те люди, что восхищают его. Недаром одним из убийств в сцене становится «коллективная» казнь нескольких мужчин одной пулей — так делали на войне ради экономии боеприпасов. И Джек хочет повторить этот «шедевр».

Через весь фильм проходит мысль о том, что Джеку чего-то не хватает. Он стремиться построить себе дом на приобретенном участке, но каждый раз оказывается недоволен результатом. И только убийства — его жуткое хобби — дают ему немного удовлетворения от жизни. Ровно столько, чтобы дожить до следующей «ломки», когда потребуется убить еще кого-то, чтобы снова почувствовать себя счастливым.

Второй уровень — что нам говорят.
О своем новом фильме Ларс Фон Триер сказал: «Годами я снимал фильмы о добрых женщинах; настало время сделать кино о злом мужчине». Нам говорят, что Джек злой. Но на кого он зол? На женщин? В пяти показанных в фильме убийствах целями маньяка становятся женщины. Причем если в первых двух случаях это случайные женщины, то в двух других — это девушки, с которыми у Джека были какие-то отношения.

Не имея возможности чувствовать любовь, он выбирает их целью, потому что убивать их проще, чем мужчин. Герой Мэтта Диллона буквально говорит, что женщины охотнее сдаются, когда становятся жертвами — мужчины же держатся до конца. В 2018 году, когда тема феминизма звучит повсеместно, подобные мысли звучат как вызов Ларса фон Триера всему современному обществу.

В фильме есть потрясающий монолог Джека, в котором он задается вопросом, почему мужчина всегда виноват. Почему если ты родился не женщиной, ты априори зло. Ты можешь никогда не выпускать своих внутренних демонов, можешь их подавлять, можешь не знать об их существовании, но они в тебе есть. Потому что ты мужчина. Джек с этим не согласен, и потому в его стремлении выделять женщин среди других жертв определенно есть особый подтекст. Режиссер лукаво соединяет формально феминистскую идею мужчины как вечного насильника и женщины как его архетипической жертвы с садистическими описаниями каждого преступления, в детали которых их автор погружается с явным удовольствием. Джек работает как косарь на поле — размеренно, бесстрастно и методично. Его не остановить.

Третий уровень — что мы понимаем.
«Джек» — это кино об искусстве. Джек годами пытается построить дом, но каждый раз он недоволен результатом. Он — творец-перфекционист, который стремится к недостижимому идеалу. Он вымеряет все детали, начинает заново при возникновении мельчайшей погрешности. Ведь только так он приближает себя к тому результату, который его устроит. И подобный подход Джек исповедует во всем. Даже в своем хобби.

После каждого убийства маньяк делает фото, и если оно его не устраивает, то Джек готов рискнуть всем ради того, чтобы этот кадр переснять. И в этом характер серийного убийцы — его обсессивно-компульсивное расстройство вынуждает быть осторожным, внимательным, чрезмерно дотошным. При этом Джек достаточно умен. Он понимает, что «творчество» — смысл его жизни. Он не хочет быть пойман за своим любимым занятием, поскольку тогда он никогда больше не сможет творить. Поэтому Джек делает все, чтобы остаться в стороне от любых подозрений.

Но почему именно дом? Он вынесен в название фильма, но самому дому в фильме уделяется не так много времени. Но что есть дом для человека? Это постройка? Здание? Или место, компания, действие, которое позволяет ощутить спокойствие и умиротворение? Нечто, что внушает человеку, что он может наконец отдохнуть. Потому что свой шедевр, свой дом Джек уже сотворил, и дом этот вовсе не материальный.

Четвертый уровень — что остается за кадром.
Джек совершает несколько десятков убийств — точного числа нам не называют, но абсолютно каждый раз ему везет. То дождь скрывает кровь, оставленную на дороге, то полицейский верит в выдуманную историю и отправляет назойливого незнакомца домой, то охотники решают не ходить в лес в тот день, когда Джек отправляется туда с несколькими жертвами. Но в везении ли дело или в безразличии людей?

Одним из самых показательных моментов фильма стал инцидент, когда очередная жертва Джека догадалась, что он — Мистер Утонченность, и начала звать на помощь, но никто из жителей многоквартирного дома не откликнулся. Джек и сам помогает девушке — тоже кричит в окно на всю улицу о том, что девушке нужна помощь. Но всем плевать. Никто не хочет влезать в чужие проблемы.

Идея безразличия проходит лейтмотивом через весь фильм. Настолько ли умен Джек или просто ему повезло, что абсолютно всем было совершенно плевать на происходящее вокруг? Их не трогает и ладно. И из-за нежелания помогать окружающим в обществе процветает зло во плоти. Не станет Джека — на его место придет другой человек, который будет пользоваться вседозволенностью и безразличием общества. И на нем это, к сожалению, не закончится.

Пятый уровень — во что мы верим.
В фильме Джек говорит, что, по его мнению, Рай и Ад — это одно и то же. После смерти душа уходит в Рай, а тело — в Ад. С раннего детства Джек отличался от других детей. Он не боялся жестокости и спокойно относился к ней. Он не умел любить и всегда считал свои убийства творчеством.

Построение фильма и его эпилог, озаглавленный «Катабазис», подтверждают, что Фон Триер хотел провести зрителя через бытие сложного человека, жившего за пределами морали и этики. В какой-то момент речь зайдет о рефлексии автора и личностном самокопании. Теперь понятно, что режиссёр говорил про себя. Становится ясно, что «Дом, который построил Джек» — завуалированная автобиография Триера. Это самый личный фильм режиссера, с помощью которого он подводит итоги жизни и творчеству. Ларс вспоминает, как хотел нести в мир искусство, но столкнулся с атакам на себя и свои картины. И его можно понять. На фоне неумолимо надвигающейся смерти, как у героев в «Меланхолии», Ларс сделал шалаш, чтобы всем было спокойно, но зайти в него не захотел никто.

И потому финал фильма — путешествие Джека вместе с загадочным незнакомцем, которому он рассказывал историю своей жизни, выглядит логичным. С юных лет Джек знал, куда в конечном счете приведет дорога. Он верил и знал, что для него иного пути нет. Поэтому маньяк был готов к своей судьбе. Был готов занять свое место среди таких же, как он, — вышедших за границы морали и погрязших в пороке. Ещё до просмотра было ясно, что хэппи-энд для Триера непозволительная роскошь. Но кульминация ощущается приговором, как для убийцы-искусствоведа, так и для его создателя. Они оба обречены вечно прозябать в своем личном Аду под легендарную песню Рэя Чарльза.

Триер приговаривает своего героя (а значит, и самого себя) к высшей мере наказания. Но принудить к покаянию не может все равно. Художник не кается. Он может лишь бесконечно ломиться в закрытые двери собственного подсознания — как в ту заклинившую дверь в морозильнике для трупов, которую никак не может открыть Джек. Она сродни дверце в потайную комнату из сказки про Синюю Бороду — тоже, кстати, серийного маньяка, убивавшего женщин. Что за ней? Чтобы узнать, придется досмотреть до конца.

Хороший ли это фильм?
Я не уверен, что к картинам Ларса фон Триера можно вообще применять такие понятия, как «хорошее» или «плохое». Этот фильм снят в духе его предыдущих картин со всеми их недостатками: с дергающейся от ручной съемки камерой, с долгими медленными планами, с затянутыми философскими беседами, с метафоричностью и вставками, которые порой сбивают с толку, с четким делением на акты или главы, а также с эпилогом.

Говорят, что зрители в Каннах уходили из зала, поскольку им было трудно выдержать жестокость фильма, и я в это не верю. Здесь меньше крови, чем в последней «Пиле», а смотреть на убийства Джека не противно и не мерзко — они воспринимаются как его осознанный путь, потому жертвы здесь — инструменты, необходимые для подачи образа.

Стоит ли смотреть «Дом, который построил Джек»? Если вас заинтересовал один из пластов смысла, приведенных выше, то можно дать ему шанс. Их в картине намного больше, я привел лишь самые главные. Но это кино далеко не для всех. Как и творчество Ларса фон Триера в целом.

Интересные факты:

Jack по-английски — домкрат. Герой этой картины — инструмент режиссера. Пожалуй, не простой инструмент, а именно домкрат — приспособление для приподнимания огромной машины над почвой, то есть над привычными законами жанра «триллера про маньяка».

Вежливый джентльмен в старомодном черном костюме, с карманными часами на цепочке: кто он? Verge — в переводе «край», «грань», по которой всю жизнь ходят и Джек, и создавший его режиссер. Verge — название мощной криптовалюты, обеспечивающей своим держателям максимальный уровень анонимности. А еще Verge — сокращенное и потому не сразу узнанное имя римского поэта Вергилия. Создатель «Энеиды» описал самое известное в античной литературе сошествие в ад; потому он же стал проводником Данте по загробному миру в «Божественной комедии». Теперь Вердж поведет туда Джека. Соответственно Джек — это Данте. В какой-то момент персонажи начнут спускаться в Преисподнюю, чтобы до метафоры догадались даже те, кто лишь мельком видел краткое содержание «Божественной комедии». В произведении заблудившийся в грехе поэт избавляется от пороков и страстей, проходит через Ад в Чистилище, и на пороге Рая встречает Беатриче, которая ведёт его к вечному блаженству. Джеку блаженство ни к чему. Он так давно попал в ловушку из собственных изъянов, комплексов и ненависти, что успел обжиться в этом капкане. Его цель не спастись, а сделать плохо всем вокруг.

Чем больше людей страдают от акций Джека, тем равнодушнее смотрит на это зритель: способность испытывать шок притупляется довольно быстро. Зато один момент в фильме травмирует всех без исключения. В флэшбэке Джек-ребенок на берегу пруда ловит сачком пушистого желтого утенка, берет того в кулак и секатором отрезает ему ногу. Моментально родилась легенда о том, что режиссер-живодер замучил птенца на самом деле — иначе как объяснить собственную резкую реакцию? Фон Триер, смеясь, поясняет, что это единственная сцена, в которой можно было обойтись без компьютерной графики: мальчик просто зажал настоящую ножку утенка в кулаке, а отрезал силиконовую, с искусственной кровью.

«Дом, который построил Джек» сам собой складывается в дилогию с не менее вызывающей «Нимфоманкой». Ее героиня Джо была воплощением секса, Джек — воплощенная смерть. Тот фильм был про Эрос, этот посвящен Танатосу. В том были порнографические сцены, в этом — сцены крайней жестокости и насилия, так называемое torture porn. В обоих Триер показывает себя верным наследником одного из своих кумиров — Маркиза де Сада.

Ироничная исповедь убийцы с яркими иллюстрациями — оператор Мануэль Алберто Кларо привычно чередует квазидокументальную спонтанность с эффектными, вплоть до перехода в китч, кадрами — не исчерпывает содержание картины Ларса фон Триера. В ней есть внутренний сюжет, изложенный в закадровом диалоге Джека с таинственным собеседником по имени Вердж. Благодаря ему в картине появляются лирические и философские отступления, включая анимационные вставки и многочисленные культурные, а также исторические отсылки. Триер называет этот метод «дигрессионизмом» — искусством отступлений. Живопись: Ботичелли и Курбе, Рембрандт и Мунк, Гоген и Климт. Поэзия: Блейк и Гете (под чьим дубом в Бухенвальде обнаруживают себя собеседники). Архитектура: Акрополь, готические соборы, Альберт Шпеер. Музыка: Гленн Гульд и Дэвид Боуи. С последними двумя гениями и чудаками Триер соотносит себя и своего героя особенно активно.

Фон Триер никак не отлепится от нацизма. Очевидно, мелькающий на экране Гитлер и тривиальные рассуждения о злодеяниях Сталина, Муссолини или Мао как глобальных инсталляциях — это средний палец Каннскому фестивалю и политкорректной общественности, записавшей режиссера в фашисты после неосторожной реплики на пресс-конференции. Важнее Гитлера здесь Альберт Шпеер: не диктатор, а приближенный к нему художник. Шпеер планировал идеальный Берлин утопического в его понимании будущего, фундаментом для которого была бы кровь миллионов жертв Гитлера. Шпеер, чьи планы пошли прахом, как и планы Джека; архитектор, который думал изменить мир, но не оставил ни одного шедевра. Горькое напоминание о том, в какую пропасть ведет творца его высокомерие. К руинам, как бы они ни были живописны.

Стоит ли удивляться, что на роль Верджа режиссер пригласил Бруно Ганца, знаменитого ангела из «Неба над Берлином» и Гитлера из «Бункера». Того самого, полуживого от усталости и обреченного фюрера, которого Ларс фон Триер осмелился публично пожалеть на злосчастной пресс-конференции несколько лет назад.

Повторяющиеся кадры, на которых Джек, стоя где-то на задворках, держит в руках большие листы бумаги с подсказками, являются отсылкой к видеоклипу Боба Дилана «Subterranean Homesick Blues» с альбома Bringing It All Back Home 1965 года.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Главный герой, авантюрист и искатель сокровищ по прозвищу «Азиатский ястреб» похитил в Африке ритуальный меч, дабы выгодно продать его на аукционе. Но он даже предположить не мог, что этот древний раритет является частью доспехов Бога, и что его ожидают самые опасные приключения.

Узнав о причастности Джеки к остальной части доспехов, силы Зла, укрывающиеся в неприступном монастыре, похищают девушку, в которую влюблен герой с целью заполучить все части древних вещей, и уничтожить их, что приведет к правлению сил Зла в мире. Но полчища бандитов даже заподозрить не могли, что навлекают на себя этим волну неприятностей, ибо Азиатский ястреб выходит на охоту…

Кинокартина объединяет в себе все то, за что можно любить творчество Джеки Чана. Захватывающий боевик с безупречно поставленными трюками в считанные минуты переносит зрителя в гущу событий. Автор фильма и автор главной роли демонстрирует чудеса своих способностей, используя каждую возможность, дабы выйти из критической ситуации. Он с легкостью побеждает массы врагов, при чем, все трюки, не смотря на уровень опасности, исполняет сам. Джеки не просто играет роль, он живет ней, а персонаж его воспринимается только с положительной стороны. К тому же, исполняет финальную песню, что снова-таки, подтверждает его универсальность.

Джеки Чан смог внести в свои творения ту нотку, благодаря которой его фильмы узнаваемы и любимы многими зрителями на протяжении многих лет. В традиционные боевые искусства он вплетает юмор, благодаря чему каждый эпизод переполнен комизмом, что смотрится очень динамично и весело.

Радуют эффектно поставлены сцены драк и погонь, которые разбавлены значительной долей юмора, благодаря чему фильм смотрится легко, на одном дыхании, вызывая самые светлые эмоции. Хорошо вписаны второстепенные персонажи, главная задача которых - путаться под ногами у главного героя, этим самым накаляя сатирический момент до предела.

В этом фильме Джеки Чан выступил не только в качестве исполнителя главной роли, но и в качестве режиссера ленты. Сразу видно, что этот статус развязал Чану руки, и он смог почувствовать себя свободнее в плане постановки трюков, постановочных фишек и каких-то собственных нововведений. Именно все эти перечисленные вещи и дали в совокупности вечный шедевр под названием «Доспехи Бога».

Интересные факты:

При прыжке со стены замка на дерево, Чан не удержался и упал на камень, пробив череп. Травма основания черепа, мозговое кровоизлияние. В результате правое ухо слышит хуже левого. Это самая серьезная травма, чуть было не стоившая Джеки Чану жизни.

Из-за травмы черепа, в начале фильма Джеки сначала с короткой стрижкой, а после прыжка со стены замка он катается по траве с уже отросшими волосами.

В ходе съемок сцены, где Джеки дерется с четырьмя девушками, он в некоторых моментах заменял их на каскадеров из своей группы.

Съёмки кинофильма «Доспехи бога» проходили в Югославии, при участии югославских кинематографистов.

В эпизоде, где Чан спасает из темницы своих друзей, Лора обращается к нему по имени «Кунсан», а чуть позже — «Чан Кунсан». На самом деле Кунсан — это настоящее имя Джеки, данное ему при рождении. В американской версии фильма «Кунсан» изменили на «ковбой».

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Азиатский Ястреб возвращается! На этот раз ему предстоит новая работа, из-за которой наш герой опять приезжает в Мадрид. Некий загадочный миллионер предлагает Ястребу заняться поисками нацистских сокровищ, которые спрятаны в глубине африканской пустыни. Он передает ключ к сокровищнице, соглашается финансировать экспедицию и отправляет с Ястребом попутчицу — специалиста по Африке Аду.

Во время своего пребывания в Мадриде Ястреб знакомится с немецкой девушкой Эльзой, которая разыскивает своего деда, пропавшего во время войны в Африке. После ряда приключений к экспедиции присоединяется еще одна девушка-японка продавец сувениров. Бесстрашный Джеки и его непутёвые помощницы отправляются на поиски золота, но даже не подозревают, с какими трудностями и опасностями им придётся столкнуться.

Все три его подруги — по-своему милы, забавны, каждая со своим характером и ролью. Вначале не испытывая друг к другу теплых чувств, в конце они становятся настоящей командой. Им противостоят, во-первых, двое уморительно глупых «сектанта-террориста», а во-вторых — настоящие жестокие профи-наемники, которых нанял… впрочем, узнаете сами.

«Доспехи Бога 2. Операция Кондор» без всяких сомнений получилась замечательной экшен-комедией, которая имеет в себе большое количество смешных моментов и зрелищных боевых сцен. Как всегда это бывает в картинах Джеки Чана, фильм захватывает с первых же кадров порцией самых невероятных трюков и юмора от автора. Второй фильм о Ястребе — именно тот случай, когда на ровне с боевым мастерством Джеки, в полной мере выходит мастерство актерское. Невозможно без смеха смотреть на выражения лица главного героя, вечно попадающего во всевозможные передряги.

Будучи предоставленным, самому себе как соавтор сценария, режиссер и исполнитель главной роли, популярный мастер единоборств выложился по полной, и практически создал идеальную приключенческую комедию, где межжанровый баланс (приключение - комедия - рукопашный боевик) соблюдён настолько тонко и умеренно, что каждый отдельный кадр можно хоть сейчас смело вставлять в золотую рамку.

Сюжет интересен и держит в напряжении от начала до конца. Прекрасно продуманные характеры героев, хорошие диалоги, несколько неожиданных, но при этом логичных сюжетных поворотов и достаточно сильная сценарная концепция не позволяют оторваться ни на единую минуту, у ленты вообще нет провисающих сцен, в то же время и перебора с экшеном здесь не будет.

По просмотру сиквела не было ни единого момента, в котором хотелось бы видеть что-либо лучше того, что уже происходит: великолепная хореография драк, динамичная и интересная история, хороший визуальный ряд, бодрая и энергичная музыка, отличная игра актёров и легкая беззаботная атмосфера. Путешествие, которое сулит зрителю огромным количеством различных приключений. Приключений, за которыми очень интересно наблюдать. Ведь во всех них подкупают именно великолепно раскрытые и харизматичные персонажи, на шутках и эксцентрических поведениях которых и держится сам фильм.

Что сделал Джеки, как режиссёр? Он взял саму концепцию первого фильма и отполировал её до полного совершенства. Традиции заложенные работами прошлых лет прибавили в весе, обросли новыми идеями, горячими чановскими придумками. Здесь больше и лучше всего, что было в первой ленте: больше экшена, больше юмора, больше энергии, лучше прописаны персонажи и более интересен сам сюжет.

Рукопашные схватки — одно из главных украшений фильмов Джеки здесь приобретают скорее декоративный характер. Главная цель их применения — показать не противостояние ловкости и мускулов (чего навалом в более ранних работах), а просто позабавить зрителя. И потом, бои здесь — неисчерпаемый кладезь шуток и приколов. И как обычно, концентрация действия и юмора в фильме высочайшая, из каждого эпизода Джеки выжимает максимум.

Стал более цельным характер и у его героя — слегка циничный, веселый авантюрист, но все-таки надежный товарищ и в целом хороший парень. Чан сделал себя не только крутым и бесстрашным искателем приключений, но и обольстительным сердцеедом: ему в компанию набиваются три симпатичнейшие красавицы различных национальностей: китаянка, немка и японка, двое из которых даже не постесняются снять одежду перед камерой.

В этом фильме Джеки прекрасно подошел к женскому вопросу. Женские персонажи легко выходят на первый план и радуют глаза как внешними данными, так и безумно смешными и яркими героинями. Забавно смотреть на комедию, которая время от времени разыгрывается между этой сексуальной троицей, как бы показывая нам столкновения межнационального менталитета, а также то, как Ястребу приходится ладить с этим капризным женским батальоном, в финале показавшем довольно неплохие боевые качества.

Даже самый небольшой, но всё-таки заметный прокол предшественника Джеки с лихвой исправил: здешние злодеи вовсе не производят впечатления карикатурных клоунов из первых «Доспехов бога», напротив, антагонисты ведут себя правдоподобно и по ситуации. Например, преданный соратниками главарь банды Адольф, незамедлительно принимает сторону наших героев, а новый возглавляющий банду, негодяй, видя, что справиться с отважным Ястребом ему не под силу, пытается урегулировать ситуацию мирным путём, предлагая тому честно разделить сокровища.

Фильм, конечно, не лишен логических и сюжетных натяжек, переходящих порой в откровенный наивняк, но ностальгия по «старым добрым временам» заставляет закрывать на них глаза.

Интересные факты:

Съемки длились 8 месяцев, четыре из них ушло на постановку сцены боя в аэродинамической трубе.

При падении с высоты Джеки Чан зацепился ногой за железную цепь, в результате чего получил растяжение связок и вывих тазобедренного сустава. После падения на землю с этой цепи повредил грудину, сломал несколько ребер.

Члены съемочной группы постоянно заболевали и страдали от укусов тропических насекомых и других пустынных тварей. Песок был постоянной проблемой, потому что проникал внутрь чувствительных камер и другого оборудования. Сытая по горло борьбой с «натуральными элементами» пустыни, съёмочная группа вернулась в Гонконг, захватив с собой тонну песка, чтобы закончить съёмки некоторых сцен.

Во время погони с участием черных машин, прямо в конце, когда две из них падают в воду, а Джеки хватается за подвешенный ящик, можно увидеть, как пассажиры вылезают из машины и показывают знак съемочной группе, что все в порядке.