Описание (клик - развернуть/свернуть):
«48 часов» — эталон жанра, идеальный комедийный боевик, заложивший основы так называемого «buddy movie» — фильмов о двух полярных по характеру напарниках, вынужденных работать вместе. Трудно подсчитать, сколько удачных и неудачных продолжений породил этот фильм — до сих пор тема черного/белого напарника остается ведущей темой в американских боевиках, но этот все равно остается первым и несравненным - своего рода неким началом, основой основ, от которой пошли комедийные боевики подобного рода про двух противоположных во всем напарников, вынужденных работать вместе.

Джек Кейтс (Ник Нолт) коп - одиночка и просто суровый мужик, который берется за самые тяжелые дела и порой сам действует вне закона, дабы поймать преступников. Однако очередное дело по поимке убийц полицейских обернется для Джека намного сложнее, так как в напарники ему достанется не просто юнец полицейский, а самый настоящий заключенный, который владеет информацией о беглецах.

Реджи Хэммонд (Эдди Мёрфи) — смешной, обаятельный и невероятно болтливый чернокожий зэк, шума от которого «больше, чем от бензопилы», преследует свои цели в этом выпавшем ему деле. Но так или иначе, несмотря на то, что они не братья, не партнеры и не друзья, разные во всем, но им придется объединиться, ибо у новоиспеченных напарников всего 48 часов на поиски преступников. Поначалу они ненавидят друг друга, но по ходу действия становятся лучшими друзьями и вместе гоняются за сумасшедшим бандитом. Все это с огромным количеством погонь, перестрелок, драк, перепалок и, конечно, юмора. За юмор в «48 часах» отвечает Эдди Мерфи. Для него фильм стал дебютом и одновременно грандиозным прорывом с самого начала карьеры. Мерфи в роли мошенника бесподобен — проявляются все его типичные черточки, позже сделавшие шедеврами «Полицейского из Беверли-Хиллз» и «Достопочтенного джентльмена» — он ловок, изворотлив, невероятно говорлив, обаятелен, задорен, его лошадиная улыбка, квакающий смех, щегольской костюмчик и нескончаемый запас остроумия сделали его любимцем зрителей во всем мире, и истинной звездой «48 часов». Здесь Мерфи нашел один из самых удачных и наиболее ярких образов в своей карьере. Игра потрясающая!

А скалоподобный Ник Нолт тоже хорош. Хорош своей нордической твердостью, бесстрашием, принципиальностью, твердостью. Этот холодный северный камень, чуждый, кажется, любым чувствам, брутальный и непримиримый, настолько ярко оттеняет Эдди Мерфи, что дуэт получается просто взрывным — да здравствуют контрасты! А какой у него голос! Едва услышишь его скрипучий, грубый бас, сразу понимаешь — этот никогда не отступится. В фильме вообще идеальный подбор актеров!

Классика во всем своем великолепии. Несмотря на солидный возраст и тысячи клонов, штампуемых под копирку Голливудом, «48 часов» на удивление свежо и увлекательно смотрится.

Интересный факт:

Саундтрек фильма, особенно в начале, полностью совпадает со звуковой дорожкой фильма «Коммандо».

Описание (клик - развернуть/свернуть):
«48 часов» — эталон жанра, идеальный комедийный боевик, заложивший основы так называемого «buddy movie» — фильмов о двух полярных по характеру напарниках, вынужденных работать вместе. Трудно подсчитать, сколько удачных и неудачных продолжений породил этот фильм — до сих пор тема черного/белого напарника остается ведущей темой в американских боевиках, но этот все равно остается первым и несравненным - своего рода неким началом, основой основ, от которой пошли комедийные боевики подобного рода про двух противоположных во всем напарников, вынужденных работать вместе.

Джек Кейтс (Ник Нолт) коп - одиночка и просто суровый мужик, который берется за самые тяжелые дела и порой сам действует вне закона, дабы поймать преступников. Однако очередное дело по поимке убийц полицейских обернется для Джека намного сложнее, так как в напарники ему достанется не просто юнец полицейский, а самый настоящий заключенный, который владеет информацией о беглецах.

Реджи Хэммонд (Эдди Мёрфи) — смешной, обаятельный и невероятно болтливый чернокожий зэк, шума от которого «больше, чем от бензопилы», преследует свои цели в этом выпавшем ему деле. Но так или иначе, несмотря на то, что они не братья, не партнеры и не друзья, разные во всем, но им придется объединиться, ибо у новоиспеченных напарников всего 48 часов на поиски преступников. Поначалу они ненавидят друг друга, но по ходу действия становятся лучшими друзьями и вместе гоняются за сумасшедшим бандитом. Все это с огромным количеством погонь, перестрелок, драк, перепалок и, конечно, юмора. За юмор в «48 часах» отвечает Эдди Мерфи. Для него фильм стал дебютом и одновременно грандиозным прорывом с самого начала карьеры. Мерфи в роли мошенника бесподобен — проявляются все его типичные черточки, позже сделавшие шедеврами «Полицейского из Беверли-Хиллз» и «Достопочтенного джентльмена» — он ловок, изворотлив, невероятно говорлив, обаятелен, задорен, его лошадиная улыбка, квакающий смех, щегольский костюмчик и нескончаемый запас остроумия сделали его любимцем зрителей во всем мире, и истинной звездой «48 часов». Здесь Мерфи нашел один из самых удачных и наиболее ярких образов в своей карьере. Игра потрясающая!

А скалоподобный Ник Нолт тоже хорош. Хорош своей нордической твердостью, бесстрашием, принципиальностью, твердостью. Этот холодный северный камень, чуждый, кажется, любым чувствам, брутальный и непримиримый, настолько ярко оттеняет Эдди Мерфи, что дуэт получается просто взрывным — да здравствуют контрасты! А какой у него голос! Едва услышишь его скрипучий, грубый бас, сразу понимаешь — этот никогда не отступится. В фильме вообще идеальный подбор актеров!

Классика во всем своем великолепии. Несмотря на солидный возраст и тысячи клонов, штампуемых под копирку Голливудом, «48 часов» на удивление свежо и увлекательно смотрится.

Интересный факт:

Саундтрек фильма, особенно в начале, полностью совпадает со звуковой дорожкой фильма «Командо».

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Англия всегда считалась страной, где свято чтят традиции, пуританскую помпезность и чаепития с черным юмором. Англичане превосходно знают, что молоко убивает антиоксиданты и упорно пьют чай с молоком, только в Англии есть выражение «Уйти по-французски», когда как во всем мире это выражение звучит не иначе как: «Уйти по-английски», только в «Туманном Альбионе» ездят двухэтажные невыгодные с экономической точки зрения автобусы, стоят красные телефонные будки и проживает инфантильный мистер Бин. И несомненно все жители британских островов немного мрачны из за нескончаемых дождей и туманных навесов смога, чопорны предубеждениями и чуточку сумасшедшие гордецы. Поэтому совершенно неудивительно, что именно в этой окутанной ореолом монархии стране написалась такая замечательная философская повесть, как «Алиса в стране чудес». А написалась «Алиса» благодаря чудаковатому джентльмену Льюису Кэрроллу (настоящее имя которого Чарльз Лютвидж Доджсон) из графства Чешир в далеком 1864 году.

А в пятидесятых годах прошлого века, процветающая и небезызвестная американская компания «Уолт Дисней» принялась за широкомасштабную экранизацию шедевра детской прозы. Америка всегда противопоставлялась с Англией. Страна демократии, джаза и слабоумной юности, казалась всегда невероятно дерзкой и привлекательной, в отличие от пуританских англичан американские режиссеры давно эмансипировали сознания сбросив кольчуги табу, и именно там в стране восходящей индустрии развлечения снимали «очень английское явление».

Никто не жалел красок: продюсеры расщедрились на «зелень», художники на тонны пурпурно-розовой акварели, а композиторы на колоритные мелодии и сочные ноты. И на свет родился новый, прекрасный шедевр мультипликации, гармонично сочетающий в себе американский послевоенный оптимизм и английский интеллектуальный каламбур крылатых фраз и самобытных шуток — лоскутное одеяло по которому ровным швом пришилась нить сюжета.

Алиса — милая двенадцатилетняя девочка. Она умна, самокритична, очень вежлива и воспитана, не смотря на юный возраст, Алиса имеет ясный слог и тактична с окружающими. История начинается с того, что под взором чопорной английской леди Алиса вынуждена слушать нудные рассказы про Историю Великой Монархии, но больше всего на свете она обожает фантазировать, мечтать про приключения в сказочных странах и плескаться в солнечных ваннах на свежем воздухе, утопая в сочной траве небольшого садика. Ее не волнует история праотцов державы, ей больше импонирует внутренний выдуманный мир из фантасмагорических мизансцен с чудаковатыми обитателями детской наивности.

Углубляясь в фантазии, Алиса падает в бездны своего сознания и попадает в Страну чудес, где все перевернуто с ног на голову. Где объекты кажутся большими, но в то же время маленькими, где в крикет играют ежами, а клюшка — это фламинго, где луна и солнце светят одновременно, где каждый день твои «не именины». Чем дальше, тем страньше и страньше. Голова чеширского кота существует отдельно, цветы умеют петь, а гусеницы курить кальян. Хотя если честно, то это самая «нормальная» экранизация «Алисы», есть настолько клинически больные и страшные интерпретации, что уже претендуют на сюрреалистические фильмы ужасов, а не на детскую сказку.

На почве фантасмагории «Алисы» слагались остроумные шуточки, что якобы Льюис Кэрролл был наркоманом и весь рассказ это галлюциногенные видения опьяненного опиумом рассудка. И вправду, для детского мультика сюжет до шизофрении необычен: вытянутые по струнке повествования образы магических инсектицидных существ выглядят сумбурно — летающие хлебобулочные бабочки, карандаши-птички и пес-швабра до умиления поражают богатством воображения создателей шедевра анимации.

Алиса по своей невероятной любопытности попадает из одной фантасмагории в другую,
еще более психоделическую ситуацию, где иероглифы сказки принимают непонятные и абстрактные образы. Убегая все дальше и дальше, она натыкается в границы безумия деспотичной Красной Королевы, где правит монархия анархии. Красная Королева — это отражение Алисы в кривом зеркале, гротескная жертва собственных фантазийных маний, бесконечно злая и самовлюбленная истеричка. Но в финале не будет битвы Аполлона и Диониса, детство не сразится с взрослостью, отражения не разобьют друг друга в жемчужное крошево. Алиса простым рефлекторным действием окажется в своем реальном мире, где нет места волшебству, но все же есть место маленькому анимационному чуду под названием «Алиса в стране чудес».

Пожалуй, главным плюсом является яркость буквально всех персонажей, так как во многих экранизациях обращают внимание почему-то только на характер Алисы. Здесь же мы видим и Белого Кролика с его проблемами, и абсолютно безумных Шляпника и Мартовского Зайца, и умилительно-очаровательную Соню, и Даму Червей, хоть и не совсем книжный вариант, нельзя забыть о Чеширском Коте, который просто поражает своей оптимистичностью. Каждый герой этого мультфильма имеет свой характер, эмоции, особые движения, кажется, что в этом сказочном мире все живое, все цветет, поет, благоухает.

Прекрасная анимация в духе старой диснеевской закалки понравится исключительно всем, в полотно набежали великолепные наброски детской фантазии, лингвистических интеллектуалов порадует каламбур английского, а любители абсурда будут без ума от безумного ералаша лишенного энтропии. Каждый в определенный момент хочет сказки, почувствовать щекотливый ветер из Тридевятого царства, окунуться в фейерверк красок и встретить обаятельных, но чокнутых существ… Если вам хочется увидеть запредельно детское и удивительное, то «Алиса» станет прекрасным новокаином для утоления болезненной жажды в сказке.

Интересные факты:

Эта лента стала первым диснеевским мультфильмом, в котором на экране напротив имён героев стали указывать фамилии озвучивающих их актёров.

Проект находился в стадии разработки на протяжении 10 лет, и еще 5 лет заняло его производство.

Дезориентирующее неврологическое состояние, которое затрагивает визуальное восприятие человека так, что субъект воспринимает объекты существенно меньшего размера, чем они есть в действительности, а объект кажется далёким или чрезвычайно близким в то же самое время, получило название «Синдром Алисы в Стране чудес».

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Первая лента 34-летнего австралийского режиссёра Джорджа Миллера стала настоящей сенсацией во всём мире. Она была буквально даром продана американцам для мирового кинопроката и в результате принесла гигантские доходы в размере ста миллионов долларов! Таким образом, ничтожный бюджет (всего лишь $350 тысяч) был превзойдён почти в 286 раз! И благодаря этому «Безумный Макс» даже был включён в 1998 году в Книгу рекордов Гиннесса как самый прибыльный фильм на свете. А его постановщик нашёл верный путь для воплощения своих художественных пристрастий, избрав жанр фантастического боевика, проникнутого идеями подчас мрачноватых антиутопий, которые оказались столь распространёнными в искусстве ХХ века.

Полицейский Макс из недалёкого будущего был прозван Безумным за непримиримую, жестокую, тотальную борьбу с дорожными бандами ещё более сумасшедших отщепенцев на мотоциклах и автомобилях. В этой войне не на жизнь, а на смерть погибают жена и ребёнок Макса — и отныне его месть бандитам становится особенно безжалостной.

Так как это чуть ли не самая первая роль Мела Гибсона, придираться к его актерской игре было бы не корректно. Однако это и не нужно, поскольку сыграл он просто великолепно. Поначалу это типичный положительный герой-полицейский в типичном западном фильме. Но ближе к концу Мел великолепно демонстрирует перерождение, трансформацию персонажа Макса, который из доброго копа, помогающего людям становится безжалостным убийцей, не щадящим никого.

Миллер великолепно чувствует в «Безумном Максе» именно кинетическую сущность кинематографа, справедливо полагая, что кино изначально, уже по своей природе должно быть построено на действии, движении, изменении. Он искусно творит то, что на английском языке называется non stop action, то есть безостановочное, непрекращающееся действие, непредсказуемое развёртывание повествования. Это может напомнить эффект раскручивающейся, распрямляющейся пружины, которая прежде была туго сжатой. И как раз подобный «разжимающийся сюжет» даёт мощную энергию всему происходящему в этой ленте, несущейся с той же невероятной скоростью, с какой гоняется сам Макс, в чьей роли впервые прославился в кино 23-летний актёр Мел Гибсон, будущая мировая знаменитость. Неудивительно, что после такого грандиозного успеха затем были сняты Джорджем Миллером ещё два продолжения о «Безумном Максе».

«Безумный Макс» — разумеется, сейчас уже смотрится совсем не так, как в 70-ые. Но поверьте, классику знать надо и даже несмотря на большое количество условностей, фильм завораживает своей атмосферой и ярчайшими и зрелищными погонями, который порадуют вас своим реализмом и полным отсутствием компьютерной графики. Подобные ленты прошлого надо помнить. Заодно узнаете с чего началась история у жанра "пост - апокалипсис".

Интересные факты:

Мэл Гибсон специально не проходил пробы для фильма. Он пошел на пробы за компанию со своим другом. Так как в предыдущую ночь он подрался в баре, его лицо было в синяках и невероятно распухло. Мэлу сказали, что он может вернуться через три недели для проб на роли всевозможных фриков, присутствующих в фильме. Он пришел через три недели, его никто не узнал, но зато ему предложили пройти пробы на главную роль в фильме.

Только две оригинальные модели «Перехватчика» были использованы в трилогии о Безумном Максе. Машина, использовавшаяся в первом фильм, была модифицирована для съёмок второго фильма. После окончания съёмок второй части эта машина была куплена и восстановлена Бобом Форсенко. В настоящий момент она находится в «Cars of the Stars Motor Museum» в Англии. Второй автомобиль был использован только для сцен автомобильных погонь во втором фильме. Как и в фильме, автомобиль был разбит вдребезги. Автомобиль, который находится в «Planet Hollywood», является точной копией и никогда не был использован ни в одном из фильмов.

Машина Макса – «Ford XB Falcon Coupe». Данная модель продавалась в Австралии с декабря 1973 по август 1976.

Машина Ночного Ездока в начале фильма – «HQ Holden Monaro», продававшаяся в Австралии в начале 1970-х в различных комплектациях. Полицейские машины в фильме – седан-версии «XB».

Несколько фраз, которые Ночной Ездок говорит по радио, повторяют текст песни «Rocker» группы «AC/DC».

Из-за ограниченного бюджета, в фильме были использованы списанные полицейские машины. Только Мэл Гибсон носил одежду из настоящей кожи. Все остальные полицейские носили одежду из винилопласта.

«Безумный Макс» стал первым австралийским фильмом, снятым в широкоформатном аноморфном формате.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Человечество деградировало… Да так, что цивилизации больше нет… Выжили в основном только «отбросы» — вандалы, отморозки и убийцы, сбившись в стаи, они убивают, насилуют и грабят тех, кого повстречают на пути… А жизнь — это движение, движение только вперед… А поиск топлива — важнее поиска пищи…

Вторая серия фантастической картины «Безумный Макс», имевшая в США название «Дорожный воин», даже увлекательнее чем первая часть. И здесь режиссёр Джордж Миллер доводит исключительную силу воздействия напряжённого ритма на публику практически до совершенства. Его герой, оставшийся в одиночестве «борец за справедливость» по прозвищу Безумный Макс, теперь сражается с группой изгоев, которые терроризируют бензиновую компанию в условиях кризиса, хаоса и всеобщей паники, охватившей жителей с окраины света, где уже случилась третья мировая война.

Опыт, который был приобретён Миллером ещё в первом фильме, а также при постановке сцен с каскадёрами в боевике «Цепная реакция» Иэна Бэрри, блестяще использован в ленте «Безумный Макс 2». Помимо сногсшибательного и шокирующего темпа, изобретательного и виртуозного монтажа, также поражают изумительные каскадёрские трюки на бензовозах. Одним из факторов, вписавших фильм в историю, станет, вне всяких сомнений, финальная пятнадцатиминутная погоня, где Макс на огромном грузовике будет удирать от трех десятков всевозможных транспортных средств. Именно под данную сцену должны просыпаться и ложиться спать все начинающие экшен-режиссеры, потому что за смешные по современным меркам средства Джордж Миллер создал если не эталон, то что-то очень близкое к понятию идеальной автомобильной погони. Никакого CGI. Настоящие машины. Настоящие трюки на предельной скорости. И самое главное — никакой трясущейся камеры. Режиссер очень грамотно сочетает панорамные планы с крупными и средними. Мы всегда знаем, где находится тот или иной автомобиль. Мы видим весь масштаб сцены. Ни разу у нас не возникает вопросы «что, черт возьми, там происходит?» или «а это еще что такое, и откуда оно взялось?». Чистейший адреналин. Чистейший экшен.

А вот упрёки, которые делали Джорджу Миллеру относительно бессмысленной жестокости его главного персонажа, не совсем обоснованы. Постановщик всё-таки сохраняет дистанцию между изображаемым и своим отношением к происходящему. Он не просто рассказывает увлекательную историю о похождениях суперполицейского из будущего, но словно сказывает фантастическую притчу, еще дальше развивает утопические и пессимистические идеи первого фильма. Подобно любым антиутопиям, фильмы Джорджа Миллера из цикла о «Безумном Максе» тоже предостерегают и пророчествуют, указывая на возможную опасность для общества и даже на гипотетическую угрозу для всей человеческой цивилизации.

Идеальный фильм с лучшей в мире кино атмосферой дикого и грязного пост-ядерного будущего. Вторая часть внесла несоизмеримый вклад в развитие целого жанра кинофантастики, заложив основы того, каким должен быть пост-апокалипсический экшен, и установив до сих пор недостижимую планку качества фильмов на данную тематику.

Всем фанатам Fallout`ов от легендарных Black Isle Studios посвящается. Да и вообще фильм рекомендуется к просмотру всем любителям фильмов о будущем.

Интересные факты:

При выходе в прокат США фильм переименовали в «Дорожного воина», т.к. первая часть «Безумного Макса» (1979) прошла в ограниченном прокате, поэтому название «Безумный Макс 2» могло ввести зрителей в заблуждение.

Машина Макса – «1973 Ford Falcon XB GT Coupe». Данная модель была сделана эксклюзивно для Австралии. Ограниченное количество автомобилей было экспортировано в Новую Зеландию и Великобританию. В США данный автомобиль не продавался. Всего было выпущено 949 автомобилей данной модели.

Только две оригинальные модели «Перехватчика» были использованы в трилогии о Безумном Максе. Машина, использовавшаяся в первом фильм, была модифицирована для съёмок второго фильма (все планы внутри машины и внешние крупные планы автомобиля). После окончания съёмок второй части эта машина была куплена и восстановлена Бобом Форсенко. В настоящий момент она находится в «Cars of the Stars Motor Museum» в Англии. Второй автомобиль был использован только для сцен автомобильных погонь во втором фильме. Как и в фильме, автомобиль был разбит вдребезги. Автомобиль, который находится в «Planet Hollywood», является точной копией и никогда не был использован ни в одном из фильмов.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Супружеская пара в результате несчастного случаю оказалась заперта в собственном доме в виде привидений. К их ужасу в дом заселяются приезжие, которые немедленно начинают перепланировку дома. Помочь избавиться от них может только «специалист по экзорцизму живого» Битлджус, которого, впрочем, категорически запрещено вызывать. В конечном итоге из двух зол выбрали… большее.

Потусторонний мир, мертвецы, проделки обиженных духов — это настолько захватывает, что забываешь насколько история выдуманная. Это настолько реалистично смонтировано и сыграно, что возникает сомнение — неужели они ненастоящие… Возникает желание прикоснуться к параллельной жизни, но без вреда для себя. Атмосфера сказки обволакивает каждый сантиметр дома, в котором творятся чудеса. Жизнь после смерти — извечный вопрос многих — так просто и со вкусом изображена в «Beetlejuice». Как будто по взмаху волшебной палочки каждая вещь оживает и начинается вечеринка в стиле Хэллоуин.

Каждый герой настолько безумный насколько смешной и непохожий ни на кого. Больше всего восхищает игра Вайноны Райдер в образе юной готки, обожающей необычность, ужасы и фотографировать. Верно подмечено, что только нестандартные особы могут увидеть призраков, но никто и не подозревал — с призраками можно стать хорошими друзьями. Ведь именно ради друга можно согласиться стать женой бешеного экзорциста. Алек Болдуин и Джина Дэвис — самые милые, эмоциональные, добрые и дружелюбные духи всех времен. А Майкл Китон — само воплощение шаловливого черта.

Настроение магии не покидает даже после просмотра. Мир иллюзий можно описать одной фразой из фильма — «Я сойду с ума и тебя с собой прихвачу!», но только в хорошем смысле.

Интересные факты:

В момент работы над фильмом Тиму Бертону было всего 30 лет.

Съемочный период Майкла Китона занял всего две недели. Его экранное время составило чуть более 17 минут.

Первоначальный сценарий был весьма мрачный и серьезный. Это должна была быть моралистичная драма о призраках людей, чьи души не смогли найти покоя на небесах.

В эпизодической роли регистратора в комнате ожидания небесной канцелярии снялась «мисс Аргентина» Патриция Мартинес (Patrice Martinez).

В кинофильме использованы песни Гарри Белафонте.

Имя «специалиста по экзорцизму живого» Betelgeuse по-английски произносится так же как и заголовок картины Beetlejuice. Это просто игра слов. Beetlejuice в дословном переводе означает «Жучиный сок».

В финале фильма Битлджус превращается в странное существо с каруселью на голове. На вершине карусели — смеющийся череп, который станет Джеком Скеллингтоном в «Кошмаре перед Рождеством» (1993).

Вайнона Райдер первоначально отказывалась принимать участие в фильме, усмотрев в сценарии мотивы сатанизма.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Один из лучших фильмов от знаменитого мастера мистики и ужасов Джона Карпентера, «Большой переполох в малом Китае» на самом деле, здорово отличается от большинства его работ. По сути это кино иронизирует жанры фантастики, мистических ужастиков и боевичков 80-х. После просмотра становится ясно, что второй такой комедии просто не существует, особенно, учитывая Курта Рассела в главной роли. Его персонаж Джек Бартон — один из самых крутых героев-пофигистов в кино, и если бы этот фильм хотя бы окупился бы в прокате, возможно, Голливуд и сподобился бы сотворить продолжение. Ведь главный герой получился ничуть не хуже, чем тот же "Змей" Плисскин из «Побега из Нью-Йорка».

Сюжет чрезвычайно забавный — крутому водителю-дальнобойщику Джеку Бартону и его приятелю Вонгу Чи неожиданно пришлось столкнуться с участниками подпольной группировки Маленького Китая — почти волшебного квартала в Сан-Франциско. Несмотря на то, что действие происходит в настоящее время, в этом беспокойном местечке ведут войны китайские группировки, среди которых есть самые настоящие колдуны! Например, главный из них — Дэвид Ло Пэн, который похитил зеленоглазую подружку-китаянку Вонга, чтобы при помощи ритуала обрести молодость и бессмертие. Это не шутка, потому среди помощников сбрендившего старика есть троица, обладающая сверхъестественными способностями.

Один из умеет стрелять молниями, другой использует стихию ветра, еще один чуть ли не превращается в воздушный шарик. В общем, фантастики хватает, и обыгрывается все это как хорошая пародия в декорациях Китайского квартала. Джек с Вонгом продираются сквозь кучки сумасшедших последователей Ло Пэна и временами сталкиваются с его чудовищными созданиями, вроде рыжего кривого уродца или летающих «глаз и ушей» колдуна. Для 1986 года в фильме неплохие спецэффекты, вроде тех же молний, которые тут демонстрируются каждые двадцать минут. Редкая стрельба и рукопашные схватки поставлены на качественном уровне. Но «Большой переполох в маленьком Китае» больше интересен забавными диалогами и нелепыми поступками Джека Бартона. Это одна из лучших ролей Курта Рассела.

Отличная пародия Джона Карпентера на жанры фантастики, мистики, приключений и боевика. Карпентер вообще умеет снимать интересное кино. Фильм не напрягает при просмотре и с великолепным переводом А. Михалева доставляет громадное удовольствие от увиденного.

Интересные факты:

Финальная песня написана и исполнена группой «The Coupe De Ville», куда вошли Джон Карпентер, Ник Касл и Томми Ли Уоллас.

Дословный перевод китайских иероглифов на начальных титрах – «Злые духи устраивают большой переполох в маленьком духовном месте».

Иероглифы на автобусе Шена означают: «Туры от дяди Эгга гарантируют хорошо проведенное время».

Во время свадебной церемонии, когда Ло Пэн вонзает Иглу любви в руку Миао Йин, Джеймс Хонг на самом деле довольно сильно уколол Сюзи Пай. В фильме можно заметить, что она аж подпрыгивает во время данной сцены.

Несмотря на то, что Курт Рассел был первым и единственным кандидатом у Джона Карпентера на главную роль, студия рассматривала кандидатуры Джека Николсона и Клинта Иствуда.

Согласно комментариям на DVD Джона Карпентера и Курта Рассела, изначально сценарий фильм был написан в стиле вестерна, однако позднее Карпентер решил перенести место действия в наше время.

Количество погибших: 46.

Во время съёмок, Курт Рассел болел гриппом, поэтому в некоторых сценах пот на его теле настоящий, вызванный высокой температурой.

В сцене, где Джек (Курт Рассел) пытается проникнуть в бордель, он одет в ту же самую одежду, что и персонаж Рассела в фильме «Поддержанные автомобили» (1980).

90% фильма было снято в павильонах киностудии «20th Century Fox» в Сан-Франциско, где был выстроен целый Чайна-таун.

В хореографии трюков и боевых схваток принимал участие эксперт по боевым искусствам, разработавший технику кикбоксинга Джан-Фан для знаменитого Брюса Ли.

Первоначально планировалось снять фильм под названием «Баккару Банзай против Всемирной преступной лиги» (Buckaroo Banzai vs. The World Crime League), который должен был стать продолжением картины «Приключения Баккару Банзая через 8-е измерение» (The Adventures of Buckaroo Banzai Across the 8th Dimension, 1984). Но после полномасштабной переписки сценария получился фильм с совершенно иным сюжетом.

Персонаж в треугольной шляпе и метающий молнии явился прототипом Рэйдена - персонажа из серии игр «Mortal Kombat».

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Эта американская комедия с рядом цензурных купюр имела очень большой успех в советском кинопрокате в 1966 году (43,9 млн. зрителей всего при 208 копиях!), вообще-то известна во всём мире с иным заглавием — «Некоторым нравится погорячее». И, между прочим, самой знаменитой и часто цитируемой фразой, которая даже использовалась в названиях других фильмов, является финальное высказывание одного из героев картины — «Никто не совершенен», что парадоксально заключает прежде поведанный сюжет с явными мотивами трансвестизма. Ведь некоторым действительно хочется чего-то «погорячее» или же более нетрадиционного, в том числе — и в сфере сексуальных предпочтений.

А вот советский вариант «В джазе только девушки» намеренно уводил в сторону эксцентрики. Впрочем, это заявлено и по сюжету: когда чикагские музыканты Джо и Джерри случайно становятся свидетелями бандитской перестрелки, дело происходило сразу после знаменитой гангстерской «резни в день святого Валентина» в 1929 году, они в срочном порядке смываются на поезде во Флориду, прикинувшись женщинами. Теперь они — Джозефина и Дафна, новенькие и хорошенькие инструменталистки женского джаз — банда, где, конечно же, блистает весьма соблазнительная певичка «Душечка» Кейн в исполнении Мэрилин Монро.

До поры до времени их маскировка срабатывает. Но вскоре любвеобильная солистка «западает» на переодетую Джозефину, престарелый плейбой влюбляется в Дафну, а босс мафии, разгадав тайну маскарада, решает срочно разделаться со свидетелями…

Оригинальная версия названия, безусловно, намекала на возможность не столько внешнего, сколько внутреннего трансвестизма, который может почувствовать в себе вполне добропорядочный американец, по уши влюбившись в одного из переодетых музыкантов и не будучи склонным отказываться от объекта своей страсти даже тогда, когда этот невольный подлог обнаружился.

Мэрилин Монро, Тони Кертис и Джек Леммон — вот всем известные имена актеров, составивших великолепнейшее трио, доставляющее безграничное удовольствие своей игрой. Они создали пять колоритных образов, запоминающихся навсегда. Мэрилин — своим обворожительным видом и музыкально-песенными номерами. Кертис и Леммон — неповторимыми двойными персонажами, каждый из которых (Джо, Джозефина, Джерри, Дафна) будто бы отдельный человек. Банальное, но совершенно уместное, браво!

Снятое в черно-белых цветах (иначе бы грим Кертиса и Леммона не выглядел бы столь органично) кино изобилует множеством шикарных сцен. Может быть они бы и стали красочней от цветной пленки, но ч/б картинка уже настолько прочно ассоциируется с этим фильмом, что об альтернативе и не думаешь. Эдакий отличительный штрих!

Хорошее настроение, море улыбок и смеха, умилительные истинно романтические моменты, замечательную концовку — вот что дарит нам фильм «В джазе только девушки». Люди его смотрели, смотрят, и будут смотреть. И это опять не удивительно. Два часа сплошного позитива на дороге не валяются!

Режиссер фильма - австрийский еврей Вилли Вильдер (Билли Уайлдер) сделал прекрасную карьеру в американском кино, снимая ленты различных жанров. Знакомая и любимая многими комедия «В джазе только девушки» — это лёгкая и вполне деликатная история на вроде бы двусмысленную тему. Забавно, что единственный «Оскар» данной картине, которая была признана и зрителями (в прокате США бюджет в размере $3,5 млн. был превзойдён более чем в семь раз!), и критиками (по опросу Американского киноинститута в 2001 году, она вообще названа лучшей комедией за всю историю), достался лишь за костюмы в чёрно-белом фильме. Но всё объясняется очень просто — в тот год на Киноолимпе царствовал библейский суперколосс «Бен Гур», отхвативший рекордное количество призов (а именно — 11).

Интересные факты:

Так как Уайлдер считал, что снимать фильм по законченному сценарию нельзя, то во время съемок он продолжал работу над сценарием вместе с Даймондом. Занимались они этим чаще всего в выходные прямо на съемочной площадке. Завершить же работу над сценарием они смогли лишь за четыре дня до окончания съемок.

Картина снималась по мотивам немецкого фильма «Фанфары любви» (1951), который в свою очередь, представлял собой римейк одноименной французской ленты 1935 года. Правда в немецком фильме не было никаких гангстеров.

Знаменитая фраза «У каждого свои недостатки» родилась совершенно случайно. Ее произнес Даймонд в беседе с Уайлдером, когда они обсуждали финал фильма.

Первоначально фильм планировалось снять в цвете, но после нескольких экранных тестов, от этой идеи отказались из-за очевидного зелёного оттенка вокруг тяжёлой косметики Кёртиса и Леммона в образах Джозефины и Дафны.

Фильм занимает 32-е место по посещаемости среди зарубежных лент в советском кинопрокате.

Во время повторного выпуска в советский кинопрокат в 1985 году этот фильм посмотрели 28,9 млн. человек. Общая аудитория за два выпуска в прокат СССР составила 77,9 млн. зрителей.

Фильм был сокращён в советском кинопрокате на 17 минут.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Все-таки до сих пор не верится, что Тони Скотт дебютировал этой загадочной картиной. Ведь миру он известен по боевикам — благо они у него очень хорошо получаются. Тони Скотт снял будоражащую историю про вампиров, и это кино стало одной из лучших готических картин. Картина меланхолично-эстетичная, с лёгкими нотками эротики и необыкновенной атмосферой задумчивости. Снятая настолько красиво и тонко, что невозможно передать словами.

Изысканная вампирша Мириам и ее двухсотлетний возлюбленный Джон живут за счет того, что питаются кровью. Своих жертв они находят в гламурных ночных клубах. Но если Мириам суждена вечная жизнь, то Джон начинает вдруг стремительно стареть. Ни кровь любимой, ни чья другая, не в состоянии остановить его увядание. От отчаяния и безысходности пара обращается за помощью в медицинскую клинику, где знакомятся с очаровательной женщиной -учёным Сарой. На смену Джону, Мириам выбирает Сару. Мы видим этот безумный треугольник и загадочную, темную историю жизни вампиров…

Вампирская история рассказана здесь не как банальный ужастик, а как глубокая, полная мистики и особенной, темной эстетики, драма. История фильма вся пропитана чем-то жутким, холодным и безумным. И все это крепко замешано на крови, сексе, полутонах и визуальных излишествах. В то же время, в нем нет и намека на романтизацию образа вампира, как это было сделано позже, в культовом «Интервью с вампиром». Все потусторонние персонажи в нем хоть и выглядят как вполне обычные люди, тем не менее, от них веет холодным, смертельным ужасом, поскольку ясно осознаешь, что эти твари в человеческом обличии никогда не перестанут убивать, кровь и смерть для них как наркотик, как воздух, без него они не могут существовать, но это, скорей, является самой их внутренней сущностью, а не физиологической необходимостью для выживания.

Голод, который влечет героев, не столько по крови, сколько по любви. Одиночество — единственная угроза Мириам, и ради избавления от нее она пьет соки любящих ее людей, одного за другим, не считаясь с их болью, жизнью и смертью. В свете такого голода она становится здесь единственной «настоящей» вампиршей, все остальные страдают от выбора, который сделали ради нее.

Смешав в один (по идее пряный и стильный коктейль) и необычный сюжет, и навороченный стиль монтажа и съемок, а заодно и гремучую смесь актеров, Скотт не смог удержать всю эту алхимию в твердых руках. Отсюда и провал в прокате, и в целом неоднозначный прием у публики и критики. Но надо все-таки отдать должное, что в то время (1983 год) так подобную продукцию не снимали. История фильма на самом деле очень интригующая, и показана она необычно и далеко не заурядно. Просто Тони Скотт опередил время лет на десять. Более "понятные" фильмы на эту тему - «Интервью с вампиром», «Дракула Брэма Стокера», «Франкенштейн Мэри Шелли» были сняты спустя десять лет (1992 - 1994 г.г.)

Фильм о смерти, о ее неотвратимости и этот фильм дает импульс поразмыслить о ее природе, смысле, неизбежности. Это далеко не развлекательное кино вроде саги «Сумерки», а напряженная, глубокая, мистическая драма, которая представляет собой не самое легкое зрелище, но именно в силу этого свойства, она и оказывает такое мощное воздействие на зрителя.

Пожалуй впервые, вампиры представлены совсем с иной точки зрения, нежели мы привыкли их видеть. Они подобно простым смертным не лишены чувств: любят и ненавидят, ищут спутников жизни и страдают от недостатка любви.

Вампиры в этом фильме всего лишь фон, дающий свободу режиссеру утрировать и открыто преувеличить трагедию человеческой жизни, а зрителю — ещё явственнее примерить на себя ощущения главных героев. Ведь они, главные герои, по сути, могли быть обыкновенными людьми и их страхи ничуть не изменились бы. Любая женщина боялась бы остаться одна, мужчины так или иначе поддаются страху перед приближающейся старостью, а ученые всегда стремятся к открытиям, способным спасти мир.

Само название «Голод» определяет множество вопросов, поднятых в фильме. Здесь и безудержная потребность любить и быть любимым, воздвигнутая в абсолют, и вытекающая из этого жажда власти и полного обладания своим возлюбленным, и конечно же, боязнь старости и смерти. Хотя, в кокретном случае внимание заслуживают не сами вопросы, а то, как они были преподнесены зрителю. Властный и холодный образ Катрин Денев заставляет вас влюбиться в жесткую и расчетливую вампиршу, в которой аристократизм и безупречный вкус соединяется с животной сексуальностью и жаждой крови. Холодный своими мраморными стенами дом являет собой центр паутины черной вдовы, в котором она сжирает жизни своих любовников и тела своих жертв. Одного за другим она ловит их в свои сети — здесь и герой Боуи, сознающий неотвратимость надвигающегося конца, но движимый жаждой жизни, и бойкая целеустремленная ученая, пытающаяся разгадать тайну смерти.

«Голод» невероятно силен в эмоциональном плане - в который раз нам показывают весь ужас вечной жизни. Боль утрат, постоянные тяжёлые воспоминания — стоит ли вечная жизнь таких поистине вечных адских мук? На этот вопрос предстоит ответить каждому самостоятельно, ибо конец картины остаётся открытым.

Атмосфера фильма — одно из сильнейших ее мест. Там где не справляется режиссер, к нему на помощь приходят оператор, гример, композитор и, конечно, актеры.

Скотт, как умелый клипмейкер идеально поработал с картинкой, приблизив все к шикарному видеоклипу. Снято красиво до слез. Каждый лучик заходящего солнца, каждая застывшая в воздухе пылинка, каждое дуновение ветра и каждый взмах голубиных крыльев запечатлены объективом камеры так, что смотришь и веришь в то, что нет на свете ничего более прекрасного.

Визуальный ряд радует глаз. Потрясающий грим и спецэффекты, чего стоит только сцена со старением героя Боуи. Любителям клубнички, наверняка, придется по вкусу лесбийская сцена между Катрин Денев и Сюзан Сарандон, которая завораживает. Обе актрисы, будучи уже не молодыми девушками, выглядят настолько сексуально, что диву даешься.

Интересен монтаж. Резкие и даже непонятные склейки в начале чуть позже наполнятся смыслом. Чем дольше длится фильм, тем плавнее будут взятые оператором планы, но время от времени их все же разрывают во взятой вначале резкой манере. При этом прием дробления сцен ничуть не мешает, а только помогает глубже раскрыть смысл. Музыка тоже прекрасна — бурлящий клубный рок резко меняется на Шуберта, мгновенно погружая в умиротворяющую и грустную рассветную атмосферу с легким привкусом горечи.

Тони Скотт — он всегда был именно визионером, а уже потом — рассказчиком. Но в «Голоде» его любовь к красивым кадрам перевешивает всё, даже здравый смысл. Он готов минутами любоваться развивающимися занавесками (о, как их здесь много), светом пробивающимся через дымку, мраморными статуями, фигурами актёров (и мужчин, и женщин). Иногда это работает, иногда утомляет (занавески!). Тем не менее, именно таким любованием «Голод» обязан странной атмосфере — она даже не совсем готическая, а близка к нуару, где всё похоже на дрёму. «Голод» — кино исключительно сценичное, близкое к нарциссизму. Его можно было бы назвать несносным, если бы не другой важный аспект — актёры.

Катрин Денев, Сюзан Сарандон, Дэвид Боуи — очень интересный каст, который здесь творит чудеса одной фактурой. Боуи слишком мало пробыл на экране, но даже за это время очень мощно сыграл стареющего вампира. Ему даже не приходится говорить — всё делает мимика. Сказывается опыт сценических выступлений.
Дэвид Боуи, живущий в вечном стремлении к своему собственному идеалу, восхитительно сыграл человека, который после второго столетия вдруг начинает стареть. Он боится старости, цепляется за свою жизнь, но даже не подозревает, что его в любом случае не ожидает смерть.
Катрин Денев, замечательная французская киноактриса, уверенно держится в образе аристократки, заставшей ещё Древний Египет: она отчаянно боится остаться одной, и столетие за столетием находит себе спутников, которые спасли бы ее от ее страхов.
И до чего же прекрасны вместе точеные лица Катрин Денев и Дэвида Боуи! Чуть позже их холодную гармонию разбавит живая — во всех смыслах — и прекрасно человеческая Сюзан Сарандон.

Развязка истории пробирает до мозга костей, хоть финал и остается открытым. «Голод» — один из самых красивых фильмов, и одна из самых глубоких мистических драм, когда-либо выходивших в свет.

Интересные факты:

Фильм является экранизацией одноименного романа Уитли Стрибера.

Сначала режиссером фильма должен был стать Алан Паркер, но отказался в пользу полнометражного дебюта Тони Скотта.

Художник по костюмам Милена Канонеро, на несколько дней исчезла по среди съемочного процесса. Оказывается, не найдя подходящей ткани для платка героя Боуи в Лондоне, полетела за тканью в Рим.

Дэвид Боуи говорил, что для того, чтобы сделать свой голос сиплым и соответствовать образу чудовищно быстро стареющего человека, он каждую ночь выходил на мост Джорджа Вашингтона и орал все панк-песни, которые мог вспомнить.

Прочитав сценарий, Боуи настолько влюбился в своего персонажа-виолончелиста, что тут же принялся брать уроки игры на виолончели — «чтобы в кадре не было никаких дублеров».

На момент съемок Катрин Денев было 40 лет, Сюзан Сарандон 37.

Исполняемая в начале фильма песня группы Bauhaus «Bela Lugosi's Dead», посвящена смерти Беле Лугоши.

Бела Ференц Дежё Блашко (венг. Bela Ferenc Dezso Blasko), более известный как Бела Лугоши (англ. Bela Lugosi; 20 октября 1882 — 16 августа 1956) — американский актёр венгерского происхождения. Наиболее известен исполнением роли графа Дракулы в одноимённой бродвейской постановке 1927 года и в последовавшем за ней фильме.

Музыканты Bauhaus исполнили в картине камео: в начале фильма они представлены играющими «Bela Lugosi’s Dead» на концерте, куда в поисках новых жертв приходят вампиры — персонажи Боуи и Денев.

Именно выход «Bela Lugosi’s Dead» положил начало развитию готической музыки. Кроме того, песня Bauhaus стала первым связующим звеном между зарождавшейся тогда готической субкультурой и «вампирской» эстетикой, косвенно повлияв, таким образом, на готическую моду и задав субкультурные стандарты на годы вперёд. Театрализованные концертные выступления группы, на которых исполнялась «Bela Lugosi’s Dead», привлекли огромное количество поклонников, начавших одеваться и вести себя в том же духе, что и музыканты, — носить чёрное, обильно использовать чёрно-белый макияж, делать эксцентричные причёски. К 1981 году количество фанатов настолько возросло, что стало возможным говорить о формировании новой субкультуры "готик-рок".

Перевод текста песни "Bela Lugosi's Dead"

Белым на белом - прозрачный черный покров
Там, на постели, - Бела Лугоши мертв.
Летучие мыши разлетелись во все стороны со старинной колокольни
Жертвы их истекают кровью...
Черный короб, красный бархат.
Бела Лугоши мертв.
Бессмертен, бессмертен, бессмертен.
Колонны невинных дев шествуют мимо его гробницы.
Усыпанный мертвыми цветами времени,
Застывший в смертельном расцвете, покинутый всеми, заперт в темной комнате...
Бела Лугоши мертв.
Бессмертен, бессмертен, бессмертен.

По английски это будет так:

White on white translucent black capes
Back on the rack
Bela Lugosi’s dead
The bats have left the bell tower
The victims have been bled
Red velvet lines the black box
Bela Lugosi’s dead
Undead, undead, undead.

Таким образом, великий А. Михалев, переводя текст песни, ошибся, говоря "Я мертв, я мертв..."
что не мудрено т.к. по английски "Undead" (Не мертв) и "I am dead" (Я мертв) звучат почти одинаково, да и по смыслу - Дракула как-бы мертв. На самом деле все не так.

Текст песни написал бас-гитарист Дэвид Джей. В стихах, навеянных просмотром классических фильмов ужасов, обыгрывается образ Дракулы, созданный актёром Бела Лугоши. Связь с вампирской тематикой отчётливо проявляется в припеве, где сразу же после фразы Bela Lugosi’s Dead (англ. Бела Лугоши мёртв) поётся Undead, undead, undead (игра слов: англ. undead переводится дословно как «не-мёртвый», приблизительным эквивалентом в русском является существительное нежить). Таким образом, в песне сливаются актёр и образ, реальное и сверхъестественное — Лугоши, игравший Дракулу, действительно «оказывается» вампиром.
Питер Мёрфи (вокалист группы) впоследствии говорил, что воспринимал текст скорее как пародию на фильмы ужасов, однако он всё же спел его так, что романтическая составляющая композиции ощущается намного сильнее иронической. По словам исследовательницы Джулии Фей, довольно незамысловатый текст песни заложил основу своеобразной традиции, которую позже развили другие готические группы.

Питер Мёрфи позже рассказывал о собственной интерпретации композиции:
«Bela Lugosi’s Dead» была очень ироничной песней, которая звучит предельно серьёзно, очень тяжело и довольно мрачно. Но суть песни, если вы углубитесь в неё, очень иронична: Бела Лугоши мёртв… Не-мёртв! — это же забавно. Нашей ошибкой было то, что мы исполняли песню с такой наивной серьёзностью! Именно это привело к тому, что публика стала видеть в ней нечто куда более значительное. Замысел, лежавший в основе концертных представлений, в конечном счёте заслонил содержащийся в песне юмор.

Концертное выступление Bauhaus - Bela Lugosi's Dead:
https://www.youtube.com/watch?v=1U1SiIWuZeE

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Режиссёр Джим Абрахамс из распавшейся удачливой группы пересмешников, куда ещё входили братья Джерри и Дэвид Цукер, не отказал себе в удовольствии уже в одиночку (правда, при содействии сценариста Пэта Профта, который работал со всей троицей над циклом полицейских пародийных комедий «С пистолетом наголо») вволю посмеяться на сей раз над проамериканскими, суперпатриотичными армейскими мелодрамами типа «Офицер и джентльмен» и «Топ Ган».

Главными героями являются молодой военный лётчик — Топпер Харлей (он как раз и предпочитает больше времени гонять на своём мотоцикле «Харлей») и знойная красотка-военный психолог в лице Рамады Томпсон, роль которой исполнила итальянская актриса Валерия Голино. Топпер Харли с командой тех самых «горячих голов» должен выполнить сверхсекретное задание, и делает это максимально нелепым образом. Тут играть в регби на палубе авианосца, ловить авиационные бомбы голыми руками, держать отломанные самолетные крылья во время полета и делать омлет на животе своей подружки — обычное дело. И это лишь малая часть того, что есть в «Горячих головах». Почти полтора часа искрометного юмора, причем фактически ни разу не пошлого, а именно в духе всех остальных работ братьев Цукер. Кроме того, общему зрелищу помог недетский бюджет, который в итоге был компенсирован сборами почти в 200 млн.$! Для пародии 91-го это почти рекорд.

Рецепт голливудских пародий того времени — невероятно абсурдные и смешные ситуации, цитирование самых известных сцен из лучших представителей кино 80-90-х. И уж тут в фантазии американским киношникам не откажешь — они умудряются очень здорово высмеять то, что было ими придумано буквально за несколько лет до этого момента. Весьма забавно обыгрываются известные сцены из картин «Унесённые ветром», «Супермен», «Девять с половиной недель», «Танцы с волками» и многих других хитов американского кино.

Помимо абсурдных ситуаций, необходимы и такие же персонажи. Здесь их целая галерея.
Чарли Шин создал образ Топпера гениально. Его серьезное, полу-задумчивое лицо с очень недоверчивым взглядом смешит само по себе. Близорукий косоглазый штурман, который не видит дальше своего носа (Джон Крайер), тупой и жутко смешной адмирал Бенсон (Ллойд Бриджес) - это просто великолепные находки для фильма.

Еще характерный момент для пародии является то, что при каждом новом просмотре каждый раз находишь какой то "новый скрытый" прикол, каждый из которых показан удивительно обычно, мимолетом, не обращая на это особого внимание. Например, картина, когда посреди океана на авианосце матрос сдувает с палубы сухие листья…

«Горячие головы» даже спустя десять-двадцать лет можно пересматривать сколько угодно, а это говорит о том, что фильм стал, как минимум, классикой, а для многих поклонников и вовсе шедевром от мира американских пародий 20 века. Веселая, легкая, остроумная и безумно смешная пародийная комедия, которая полностью достойна носить звание эталона жанра. Ну, и смотреть такие фильмы нужно исключительно в неповторимом переводе Алексея Михалева - вечная ему память.

Интересные факты:

Реактивные самолеты, задействованные в съемках — британские легкие истребители Folland Gnat. Они никогда не состояли на вооружении Американских вооруженных сил. Иракские перехватчики и двухместный истребитель в начале фильма изображены самолетами F-5 «Freedom Fighter».

Описание (клик - развернуть/свернуть):
«Горячие головы 2» — просто великолепное продолжение культовой пародийной комедии, которое, несмотря на все стереотипы сиквелов, подняло планку поставленную Джимом Абрахамсом в оригинале еще выше ! Фильм отлично снят, он остроумен, в нем есть прекрасная игра актеров и даже немного спецэффектов, которые хоть и выполнены несколько примитивно, но придают ленте особый шарм.

На этот раз основная пародия в фильме делается на всемирно известный боевик с Сильвестром Сталоне — «Рембо». Одновременно Абрахамс пародирует такие замечательные фильмы, как «Звездные войны», «Коммандо», «Терминатор 2», «Основной инстинкт», «Крестный отец» и уже не вспомню каких еще.
Особенно порадовала встреча Чарли Шина с отцом Мартином Шином, в виде пародии на «Апокалипсис наших дней».

На этот раз пилот-асс Топпер Харли, покинув службу, живет в далеком тибетском монастыре, где он нашел гармонию внутри себя, сбалансировав свой Инь и Янь. Но стране снова нужен герой. И он, с неохотой покидая полюбившихся ему монахов, возвращается на службу. Ему поручается секретное задание по спасению заложников из лап Саддама Хусейна.

Действия в «Горячих головах 2» действительно много. Причем с него начинается, им же и заканчивается. Юмора в сиквеле ничуть не меньше, просто его надо успевать разглядеть на фоне непрекращающегося действия. Смотреть нужно внимательно, стеб порой очень тонкий и незаметный на первый взгляд. Особое внимание авторы уделили мелочам (внимательно присмотритесь на продукты, которыми заполнен холодильник в резиденции Саддама Хусейна).

Уместить в менее чем 1,5 — часовой пародии столько всего, как это получилось у Джима Абрахамса, наверное, не смог бы никто. Абсурдность происходящего заставляет смеяться на протяжении всего просмотра, передохнуть не дают ни минуты. Тут все время стреляют, взрывают, каждую минуту совершают немыслимые глупости, высмеивая вышеупомянутые хиты 80- начала 90-х. Но делают это так, что нет никаких сомнений — «Горячие головы 2» уникальная голливудская пародия на все времена.

Традиционно искрометный юмор от персонажей Ллойда Бриджеса, Мигеля Феррера, и особенно Джерри Халева в роли Хусейна и нехилый масштаб происходящего идут наравне с обаянием героев Чарли Шина и Валерии Голино. Ричард Кренна очень порадовал своим присутствием, видно, что с самоиронией у него полный порядок, сняться в аналогичной роли в пародии на свой же фильм, довольно смелый поступок и отличная режиссерская находка.

Интересные факты:

Ллойд Бриджес (президент Бенсон) - отец актеров Бо и Джеффа Бриджесов.

Мартин Шин не упомянут в титрах.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
«Зловещие мертвецы 2» — потрясающее кино о параллельных мирах, монстрах, и прочей нечисти. Фильм представляет собой римейк первой части, нежели самостоятельный сиквел. Опять та же история, опять те же лица, опять тот же сюжет… но теперь это стало в разы интереснее и захватывающее. Вторая часть, можно сказать, пародирует первую. Больше юмора, больше крови, больше забавных мертвецов с закатившимися глазами, и парочка по-настоящему впечатляющих монстров из подвала. На этот раз кино куда динамичнее, а Эш из испуганного юноши превратился в настоящего безбашенного борца с нечистой силой. Тут же одержимость подруги Эша, которая своими безумными выходками способна свести с ума кого угодно. И знаменитые бензопила с двухстволкой, и даже полет назад через время, но об этом уже в третьей части...

Молодой парень Эш (Брюс Кемпбелл) отправляется в романтическую поездку вместе со своей возлюбленной, они приезжают в заброшенный домик в лесу, и решают там остановиться, Эш бродит по комнатам, находит уже известную нам, книгу мёртвых, и нечаянно вызывает заклинание… и вот тут-то начинается бойня с монстрами. События развиваются мгновенно: девушку тут же убивают,
Эша протаскивают метров двести по воздуху и с силой кидают об ствол дерева, тут же в него вселяется демон, и он превращается в исчадие ада! Потом, правда, приходит в себя. Сначала Эш смотрит на все это со страхом и безумием, но когда он преображается, то спокойно плюёт страху в лицо. Вообще, весь фильм держится только на главном герое. Смотря на него, чувствуешь и жалость, и насмешку, а потом и вовсе переживаешь за героя. Эти ощущения не покинут Вас во время просмотра данного фильма.

На протяжении всего фильма Эш убивает нечисть подручными средствами, от тесака до бензопилы. И пытается запихать её в другое измерение. В попытках противостоять демонам из Книги Мертвых, он сам начинает сходить с ума, и пугать нас еще больше...

Рейми сделал без пяти минут шедевр, бюджет фильма — сущие копейки, три миллиона долларов, но! … какие спецэффекты, на 1987 год, они действительно захватывают дух, чего стоят живые деревья, которые сначала оплетают жертву ветками, а потом едят её. А сцена где Эш вылетает из машины через лобовое стекло, вообще заслуживает больших наград. Этот трюк до сих пор пользуется популярностью во многих фильмах и играх. Грим на монстрах просто потрясающий, нет никакой халтуры, всё сделано с душой. В фильме полно комедийных моментов, хоть рейтинг «Мертвецов» далеко не детский, смотрится это всё легко и просто, и не оставляет тёмного пятна на душе. Рейми мог рассмешить до слез, когда Эш охотился за своей рукой, а через пару минут уже мог напугать до чертиков, когда какой-нибудь мертвец пытался съесть главных героев.

Данной картине удалось именно то, что не удается многочисленным «Очень Страшным Кинам». Картина развивается и как фильм ужасов, и как комедия, при этом нагнетая определенное напряжение, но и смеша и веселя зрителя не тупыми диалогами, сценами и рожицами, а именно полноценной тупостью в купе полной серьезности юмора и актеров. А то, что творилось в финале, ну просто настоящая фантасмагория!

Особой комедийности фильму естественно придаёт мега-харизматичный актёр всех времён и народов — Брюс Кэмпбелл. За его персонажа Эша — «Оскар» без вопросов! Актёрская игра — вышка.

Чего стоит момент с живой комнатой, самый странный момент в кино! Насколько чувствуется самоотдача актёра. А сцена погони от призрака, никогда не поверю, что ЭТО снято с одного дубля, Эш убегает закрывая двери, падая, снова вставая, снова закрывая двери… это гениально!

Момент когда Эш делает руку-бензопилу, и превращает ружьё в обрез - эта сцена создает тем самым просто культовый образ борца с нечистью.

«Зловещие мертвецы 2» — отличное продолжение, которое можно расценивать и как самостоятельный фильм. Местами он страшен, местами забавен, но в любом случае поражает. В нем есть отличный сюжет, отличный главный герой, отличный элемент внезапности и одна из лучших, неожиданных концовок.

Интересные факты:

Сэм Рейми сделал кровь зеленой, чтобы пройти цензуру.

Висящая перчатка, принадлежащая Фредди Крюгеру, видна в одной из сцен в подвале. Это ответ режиссера на использование фрагментов из первой картины в фильме «Кошмар на улице Вязов» (1984).

В эпизоде в подвале снялся младший брат режиссера — Тед Рейми. Он играет Генриетту, которой овладели демоны.

Некоторые нестыковки между финалом первой части и началом сиквела объясняются тем, что компания, обладавшая правами на первую часть, не разрешила режиссёру использовать кадры из оригинала для создания его краткой предыстории в сиквеле, вследствие чего Рейми пришлось переснимать эти куски заново, из героев имея в наличии только Эша и Линду.

Сэм Рейми собирался «перебросить» Эша в средние века уже в начале второй части, но из-за временных и бюджетных ограничений, это было отложено до третьего фильма.

Поскольку лесная хибара из первой части сгорела, для съёмок сиквела её интерьер был воссоздан на территории школы в городе Вадесборо, штат Северная Каролина. Причём, чтобы обеспечить всевозможные ракурсы для операторов, лачугу «подняли» над землёй на 2 фута.

По цензурным соображениям из фильма было вырезано множество сцен, в частности сцена, где «Злой» Эш поедает пойманную в лесу белку.

Идея «ожившей» руки была позаимствована Сэмом Рейми из короткометражки Скотта Спигеля «Атака руки помощи» (1981), в которой он сам снимался.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Три подруги, молодые незамужние женщины, — Алекс (Шер), Джейн (Сюзан Сарандон) и Зуки (Мишель Пфайффер) погибают от скуки в маленьком городке Иствик. Их единственным развлечением являются совместные посиделки по четвергам, иногда вышивка, макрамэ и мартини. Как любые одинокие женщины они мечтают встретить идеального мужчину, и загадывают желание, не догадываясь о том, что оно исполнится. Они рисовали в своем воображении абсолютно разных мужчин, но когда в городе появился удивительный, очаровательный, брутальный незнакомец по имени Дэрил ван Хорн (Джек Николсон), их сердца были покорены. Не сразу они поняли, кто же такой на самом деле их избранник. Льстящий самолюбию современных женщин, дьявол в прекрасном исполнении Джека Николсона быстро находит общий язык со всеми героинями. Сочетая в себе лучшие черты змия-искусителя и мудрость Воланда, он действительно делает все возможное и невозможное (благо, дьявольский арсенал намного шире даже возможностей олигархов), чтобы подруги просто наслаждались счастьем, воплотили свои безудержные фантазии, пробудили свой женский потенциал и стали ярче и привлекательней. Но их совместное времяпрепровождение в старинном фешенебельном особняке, окутанном загадочными легендами, сразу становится предметом для сплетен и пересудов местного благонравного общества. И три эмансипированные американки оказываются в большем подчинении у ханжеской морали, чем у самого чёрта, поэтому даже решаются на его уничтожение. Но дьявол всё-таки хитрее новоявленных ведьм. «Джина» не так-то просто загнать в бутылку. Он насытился их энергией, а в магии, как знают все мистики, однажды произнесенное заклинание обернется против тебя. Это если вкратце об идее фильма.

Интерес к фигуре Дьявола возник у человечества вместе с «изобретением» Бога. Как известно, Библия строится на противопоставлении двух величайших сил — добра и зла. Принято считать, что Дьявол, а не человек является виновником всех бед на Земле. Это весьма удобно, но речь не об этом. Испокон веков люди боялись сил тьмы и придавали им самые различные очертания. Свита Дьявола, расширялась в течение многих веков, не в пример окружению Бога. Дьявола унижали за множество имен — дескать, прячется от истины, скрывается. Свергнутого на землю Светоносного Люцифера окрестили отцом лжи, Вельзевулом, змеем-искусителем, Апполионом, Левиафаном. Вместе с именами стильный представитель ночи неоднократно менял свой облик. Поначалу — красивейший из Ангелов (о его первоначальной красоте мало кто из земных творений имеет четкое представление), позже, особенно в Средневековье, эпохе травления личности всяческими религиозными ужастиками, — звероподобный монстр (были и другие варианты).

А вот Романтики и произвели ту «дьявольскую» революцию, которая простирается по сие время. Они впустили Люцифера на землю, очеловечили его, позволили играть судьбами людей, открыто противостоять Богу. Так появился величайший злодей-бунтарь, зачастую наделенный более интересным характером, нежели его положительный соперник.

Кинематографисты продолжили тему, перенеся Дьявола на экран. В фильме «Иствикские ведьмы» перед нами предстаёт иронический образ, блестяще сыгранный Джеком Николсоном. Джек, как Паганини в музыке, обладает демонической притягательностью, испепеляющей страстностью исполнения и магнетической сексуальностью. Николсон часто и охотно играет в кино маньяков, оборотней и даже самого Дьявола, ухитряясь при этом сохранить за собой титул героя-любовника. Актерская игра — на высочайшем уровне. Фирменная улыбка Джокера еще больше дьявольская, а остроты Патрика МакМерфи («Полет над гнездом кукушки») еще более пошлы, но остроумны и точны по сути. Монологи Дьявола - искусителя ярки и пылки. Поначалу слова Ван Хорна даже несут в себе некую житейскую философию. Хотя и так понятно, что ни к чему хорошему его соблазнения не приведут.

Шер, Сюзан Сарандон и милашка Мишель Пфайффер украшают Николсона, как вишенки торт. Больше всех понравилась Сюзан Сарандон. Как она преображается: из скучной, некрасивой и забитой преподавательницы музыки она превращается в рыжую бестию с горящими глазами. Чего стоит сцена с дуэтом скрипки Ван Хорна и виолончели Джейн. Светоносный, страстный виолончельный концерт А. Дворжака звучит потрясающе в руках Джейн, как и пьеса Никколо Паганини, которую Дэрил ван Хорн исполняет на скрипке. Настоящий подарок ценителям музыки. Как собственно и весь фильм — яркая жемчужина в мировой коллекции кинематографа.

Лента снята по мотивам романа Джона Апдайка и представляет собой «чёрную комедию». Тут явно пародируется ситуация типичного фильма ужасов — и в то же время картина является ироническим комментарием по поводу проблем женской эмансипации, отсутствия взаимопонимания между мужчинами и женщинами, роста разводов и семейных конфликтов. Фильм несет не только развлекательный характер, но и чуть завуалировано дает ответ на вопрос «Чего хочет женщина?».

Комедийно-феерический стиль ленты (с отличными спецэффектами, музыкой опытного мастера зрелищных картин Джона Уильямса, находками известного профессионала по гриму Роба Боттина) был бы присущ американским режиссёрам типа Джона Лэндиса. Ряд сцен напоминает манеру «сумасшедших фантазий» Кена Рассела. Тем не менее, всё это продемонстрировал в своей первой работе в США (правда, столкнувшись с жёстким диктатом продюсеров и вступая с ними в долгие перебранки) австралийский постановщик Джордж Миллер, который завоевал мировую популярность тремя боевиками из цикла «Безумный Макс». А в фильме «Иствикские ведьмы» он обнаружил неожиданное чувство юмора и склонность к язвительной иронии. Созданная им самобытная загадочная атмосфера картины, вкупе с оригинальным сюжетом оставляют неизгладимые впечатления.

Интересные факты:

Когда на студии обсуждались возможные способы уменьшить бюджет фильма, Джордж Миллер предложил избавиться от его личного трейлера, мотивируя это тем, что режиссер постоянно нужен на съемочной площадке, и поэтому трейлер ему совершенно не нужен. Это было расценено боссами студии как слабость, и они начали активно вмешиваться в производственные запросы режиссера. Так, если Миллер запрашивал 50 единиц какого-нибудь реквизита, студия предоставляла всего дюжину. Если он запрашивал две камеры, студия предоставляла одну. Миллер решил «бороться с огнем при помощи огня» и стал отказываться снимать те сцены, запросы для которых не были полностью удовлетворены. Студия ответила тем, что начала поиски нового режиссера. От увольнения Джорджа Миллера спас Джек Николсон, который поддержал режиссера и публично поклялся покинуть проект, если Миллера заменят.

Партию свиста Дэрила ван Хорна в эпизоде у прилавка мороженщика насвистел сам композитор фильма Джон Уильямс.

Змея, фигурирующая в одном из эпизодов фильма, - это совершенно безопасная серо-ленточная королевская змея (Lampropeltis alterna), появление которой - обычное дело в Техасе.

Во время тест-просмотров зрители были настолько недовольны оригинальной концовкой фильма, что пришлось отснять несколько вариантов альтернативного финала.

Пьеса, которую Дэрил ван Хорн исполняет на скрипке, - это каприз №16 соль-минор Никколо Паганини.

Реплика «Женщина - это дыра, разве не так говорят? Вся тщетность мира льется в нее» - это цитата из книги французского философа Жан-Поля Сартра «Бытие и Небытие».

Эпизод, в котором одна из героинь срывается с балкона, - это цитата из классической кинодьяволиады Ричарда Доннера «Омен» (1976).

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Луису Криду, как человеку медицины, по долгу профессии периодически приходится сталкиваться со смертью. Однако на естественные вопросы об этом явлении, которые задаёт ему маленькая дочка, не так просто найти ответы, как кажется на первый взгляд. Ребёнок растёт, познаёт разные аспекты бытия, и смерть как одна из его основ закономерно затрагивает воображение ещё несформировавшейся личности. После гибели кота девочки, бывшей в то время в отъезде с мамой и младшим братом, Крид по совету старика-соседа хоронит несчастное животное на старом индейском кладбище. Но спустя некоторое время покойный кошак… возвращается к хозяину, сильно изменившись в своих повадках…

Очередная история Стивена Кинга (наверное, он — самый экранизируемый писатель в мире), превращённая им самим в сценарий, была использована женщиной-режиссёром Мэри Ламберт, которая ранее снимала абсолютно другое — рок-видеоклипы, интеллектуально-эстетскую криминальную фантазию «Сиеста» (1987).
Ряд тревожных и пугающих моментов всё же не могут поддержать устойчивый интерес к картине, которая временами кажется не очень умелой или по-детски безыскусной и наивной, как выведенное чьей-то ребячьей ручонкой слово sematary вместо cemetery на кладбищенском камне. Однако страх все-таки умудряется проникнуть в вашу кровь и ощущение живого и близкого человека, который уже совсем не живой, а главное не близкий — пугает больше всего. То есть, пугают не столько конкретные пугалки, сколько зрительские фантазии. Смотреть это людям неподготовленным я бы не рекомендовал.

Фильм производит тяжёлое, гнетущее впечатление. Это не только фильм ужасов, но и глубокая, эмоционально тяжёлая драма. Эта история относится к такой категории, которая по словам Кинга звучит как: «Почему если есть Бог, то происходят такие ужасные вещи?». На выходе мы имеем один из лучших фильмов ужасов восьмидесятых, который несмотря на натуралистичность некоторых сцен, всё же ценен именно не визуально, а содержательно. Авторы фильма не только сумели передать весь саспенс книги, но и оставили зрителям пищу для размышлений. О жизни и смерти. О любви к родственникам. О неизбежности морального выбора в жизни. Редко какой фильм ужасов может похвастаться таким набором подтекстов. Напряжённая музыка Эллиота Голденталя создает дополнительные условия для учащения сердцебиения при просмотре, особенно в первый раз.

Мы погружаемся в жизнь дружной семьи, которую стали преследовать кошмары — отца семейства преследует призрак умершего на его руках страшной смертью студента, мать — призрак давно умершей от страшной болезни сестры, которую она боялась и ненавидела. Маленькую дочь мучают кошмары, а в крошечном поселке, в котором они поселились, живет какая-то страшная и древняя тайна. Режиссеру Мэри Ламберт удалось главное — создать ощущение, что на каждом шагу этих людей преследует зло. Зло ощущается в идиотской дороге, по которой гоняют дальнобойщики, и на которой гибнут десятки животных и даже люди, зло исходит от тропинки, которая ведет к кладбищу домашних животных, злом пропитан туман, лес, само кладбище, зло в воздухе, а на индейском кладбище зло ощущается просто физически.

Используя вполне традиционные методы для съемки фильмов - ужасов, режиссер, тем не менее, создает ощущение настоящего «кинговского зла». А мы знаем, какое зло живет в книгах Кинга — оно изначально, оно вечно, его невозможно убить, его можно только задержать на небольшое время. Зло у Кинга не имеет лица, оно появляется в разных образах, но оно манит людей, оно сводит их с ума, оно приводит их в состояние исступления, оно красиво, оно знает все человеческие пороки и умело играет с ними.

Главным пороком, за которое зло ухватилось в этой книге Кинга и в этом фильме, стала любовь. Именно так — самый большой человеческий порок — способность самозабвенно любить своих детей. Ни один зверь так не убивается по умершему потомству, как родители по своим чадам — они готовы положить жизнь, готовы отдать всего себя, лишь бы их безвременно ушедшее дитя вернулось к ним. Зверь тоже чувствует горечь, но он продолжает жить для нового потомства, и только человек возводит страшный алтарь любви и становится рабом собственных чувств и эмоций. Рабом любви. Об этом фильм и книга.

Сострадание толкает старожила на рассказ о старом кладбище, на котором оживают мертвецы. Любовь к дочери толкает молодого отца на страшный эксперимент по оживлению ее любимого кота. Любовь к сыну влечет его на еще более страшные деяния и прощения ему уже не будет… Кинг вовлекает нас в замкнутый круг безрассудной человеческой любви, которая стала мерилом страха и жестокости в фильме. Смерть следует за смертью, и конца ей не видно, потому что смерть обостряет любовь, а любовь ведет к смерти….

Фильм сумел поймать не только эти мотивы у Кинга, он сумел подойти к раскрытию другой извечной кинговской темы: а имеет ли право человек играть в Бога? Важная нравственная проблема, которая рефреном звучит на протяжении всего фильма. Где та грань между нормальной человеческой любовью и одержимостью? между отцовскими чувствами и сумасшествием? Острые вопросы, наболевшие. Терять любимых людей тяжело. Иногда просто невыносимо, это и толкает героя фильма на непростительные поступки — он решает поспорить с силами природы, пытается обмануть судьбу, себя и Господа Бога, что и оборачивается закономерным кошмаром.

Стивен Кинг показывает слабость человека перед силами, которые содержит в себе Земля — как светлыми, так и темными, его бессилие и неспособность совладать со своими собственными чувствами и эмоциями. Воистину, слаб человек! — говорит каждый кадр этого фильма. Человек, который идет рядом со своим горем, неспособный перешагнуть его, — давно стал героем многих романов Кинга, и этот человек, обманутый, глупый, одурманенный горем, которое он не способен пережить, очумевший от страха и любви, идет и делает ошибки, которые уже не в силах исправить, и, пытаясь их исправить, он идет и делает новые, еще более страшные, с маниакальным, истинно человеческим упорством. «Сердце мужчины каменистее, чем земля на кладбище, но если что-то сумеет вырасти в этом сердце, мужчина будет беречь это и никогда не сможет отпустить». Возможно, писатель был прав, сказав это.

Интересные факты:

Замысел книги возник из реального происшествия — кота дочери Кинга сбил грузовик.

Стивен Кинг продал права на экранизацию с условием, что съемки пройдут в его родном штате Мэн.

Стивен Кинг появляется в роли священника в сцене похорон.

Картина задевает американскую щепетильную тему, которая и по сей день актуальна: это убийство детей в кинематографе, многие на это ставят табу. Но в «Кладбище домашних животных» ребенка убивают дважды.

Фильм поставлен практически точно по книге. Но есть одно существенное различие в самой концепции. В фильме те, кто восстал из могилы, однозначно трактуются как зомби, которые стремятся всё и всех убить. В книге же всё намного сложнее. Тот кто хоронит мертвого на индейском кладбище, как бы заключает сделку с Тем «кто знает всё» (с дьяволом?). Он (тот кто знает всё) воскрешает тело, а взамен получает над этим телом полный контроль и через него достигает какие-то свои цели. И в книге намерения у Него не обязательно кого-то убить, но намерения Его точно недобрые… Концовка фильма отличается от концовки книги опять же своей однозначностью, в книге же есть над чем подумать.

На задних титрах фильма звучит песня "Pet Sematary / Кладбище домашних животных" в исполнении группы Ramones. Стивену Кингу нравилась эта группа, а текст этой песни весьма подходит к замыслу фильма.

Under the arc of a weather stain boards,
Под аркой досок, пострадавших от непогоды,
Ancient goblins and warlords
Древние гоблины и полководцы
Come out of the ground, not making a sound,
Выходят из земли, не издавая ни звука,
The smell of death is all around,
Запах смерти повсюду,
And the night when the cold wind blows,
И ночью, когда холодные ветра дуют,
No one cares, nobody knows
Никого ничто не заботит, никто не знает.

I don't want to be buried in a pet sematary,
Я не хочу быть похоронен на кладбище домашних животных,
I don't want to live my life again,
Я не хочу проживать свою жизнь снова,
I don't want to be buried in a pet sematary,
Я не хочу быть похоронен на кладбище домашних животных,
I don't want to live my life again
Я не хочу проживать свою жизнь снова.

Follow Victor to the sacred place,
Следую за Виктором на священное место,
This ain't a dream, I can't escape,
Это не сон, я не могу вырваться,
Molars and fangs, the clicking of bones,
Зубы и клыки, щёлканье костей,
Spirits moaning among the tombstones,
Духи стонут среди надгробий,
And the night, when the moon is bright,
И ночью при яркой луне
Someone cries, something ain't right
Кто-то плачет, что-то не так.

The moon is full, the air is still,
Полная луна, воздух спокоен,
All of a sudden I feel a chill,
Вдруг я чувствую холод,
Victor is grinning, flesh rotting away,
Виктор ухмыляется, плоть гниет,
Skeletons dance, I curse this day,
Скелеты танцуют, я проклинаю этот день,
And the night when the wolves cry out,
И ночью, когда воют волки,
Listen close and you can hear me shout
Прислушайся, и ты услышишь мой крик.

Еще эта песня исполняется на немецком языке группой Rammstein, которая выступала в роли "разогревающей" на концертах Ramones по Гермнании в 1996 году. Песня посвящается памяти о Джоуи Рамоне.

Джоуи Рамон — вокалист американской панк-рок группы Ramones. Настоящее имя: Джеффри Росс Хайман. Скончался от рака 15 апреля 2001 в Нью-Йорке.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Соединенное Королевство Великобритании и Северной Ирландии в один миг почти полностью — до третьего колена — лишается правящей династии. Империя застыла в ужасе. Экстренные генеалогические изыскания позволяют найти последнюю надежду на престол. Ею оказывается обычный житель Соединенных Штатов, третьеразрядный музыкант Ральф Джоунс, бабушка которого когда-то неосторожно пофлиртовала с принцем. У парня как раз возникли трения с очередным работодателем — хозяином варьете в Лас-Вегасе, решившим исключить его номер из программы в пользу шимпанзе-предсказателя. Конечно, представления американского шоумена об Англии, королевской власти и хороших манерах пока далеки от совершенства, но было бы большой ошибкой считать, что эта страна ему чужая. Ведь Ральф слышал все альбомы Rolling Stones! Да и к тому же он всегда может рассчитывать на помощь преданных секретарей, пажей и консультантов… К сожалению, все оказалось не столь безоблачно. Очень скоро выясняется, что, соглашаясь на новую работу, Джоунс даже и представить себе не мог, насколько она трудна, сложна и ответственна…

Отличная комедия! Стоит посмотреть даже из-за одного только Джона Гудмена. Его герой чрезвычайно обаятелен — немного бестолковый и неуклюжий, зато добрый и непосредственный. Он честно показал зрителям наивного и простодушного человека, попавшего в невероятную историю. Вот и пресса говорит: Его Величество Ральф I доставил королевскому двору свежие веяния. Но, в силу обстоятельств, нашему герою предстоит сделать очень нелегкий выбор. Ведь перед ним две женщины и, соответственно, два варианта судьбы: простая, так сказать, морганатическая, и монархическая. Как вы думаете, какой из них отдаст предпочтение жизнелюбивый Ральф?

Не портят картины и персонажи второго плана: старина Питер О’Тул в роли сэра Седрика, председатель «конкурирующей фирмы» лорд Персиваль (Джон Хёрт), стеснительная стриптизерша Миранда… Все играют неплохо и в качестве оправы «главному бриллианту короны» смотрятся вполне адекватно.

Кроме всего прочего, в качестве своеобразного бонуса зрителю будет предложена познавательная экскурсия по королевской резиденции в Букингемском дворце. Ральф там, правда, кое-что изменил на свой вкус…

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Дисней не перестаёт удивлять нас своими красочными, добрыми и душевными мультфильмами. После просмотра любого из них на лице надолго остаётся улыбка, радость переполняет чувства…

Фильм приглашает в зачарованный замок, скрытый в чаще темного волшебного леса. Его хозяин ужасное Чудовище, которого все боятся и ненавидят. Лишь самая прекрасная и смелая девушка в мире по имени Белль способна разгадать тайну страшного, а на самом деле, очень несчастного хозяина замка и разрушить чары, обрекшие его на вечное пребывание в шкуре жуткого зверя.

Только тот, кто растопит лед в сердце чудовища и сможет полюбить его таким, какой он есть, сможет вернуть ему человеческий облик, но, чтобы спасти хозяина зачарованного замка, Белль придется выступить против всех: ведь жители ее деревни, подстрекаемые злобным охотником Гастоном, хотят погубить гордое и доброе Чудовище…

Старые Диснеевские Мультфильмы, всегда добрые, всегда интересные и милые. Это всегда сказка, это всегда весело, это всегда красиво. Вы только подумайте, сколько души вложено в каждый такой мультик.

«Аладдин», «Русалочка», «Король Лев», «Бэмби». Художники всех себя отдавали, чтобы преподнести своего персонажа не как рисованного героя, а как реально существующего человека/животного. Смотря мультик, мы знакомились с персонажами, по их поступкам, мимике, влюблялись, сопереживали, ненавидели, если это был отрицательный герой. И всё это заслуга художников. «Красавица и Чудовище» как нельзя лучше доказывает, что создатели действительно вкладывают душу в своих героев. В этом мультике они хотели создать зрелище, красивые образы, рассказать эту уже до боли знакомую историю про «Аленький Цветочек» по-своему, по-новому. Им удалось создать настоящую сказку, волшебную историю, которая прошла через года и до сих пор восхищает людей.

Чарующий пейзаж — лесная опушка с виднеющимся вдали замком с первого момента погружают нас в особую атмосферу, атмосферу волшебства и заколдованности. Голос автора мрачно повествует о роковом для принца дне. О дне, когда его заколдовали. Чудовище. Страшное. Большое. Просто невероятно, как же художники пришли к такому образу. Лохматое, с львиной гривой, бычьими рогами, поставленное на две лапы чудище — вот к чему приговаривает принца волшебница. Вместе с хозяином заклятью подвергаются и слуги. Однако они конечно уже не вызывают испуганного трепета. Весёлые, смешные, превращённые в вещи, но не отчаявшиеся как их хозяин. Вся утварь, какая только может быть в доме — такого новое обличье слуг. Чайник, часы, подсвечник, шкаф — все ходят, разговаривают, в душе всё равно остаются людьми. А маленький Чип? Чашечка для чая? Какой же он всё-таки милый! А собачка, превращённая в подставку для ног, но продолжающая гавкать?

Всё в этом мультфильме проработано до мелочей. Надо было создать Красавицу, и вот она! Белль! Настолько идеальная и действительно красивая, что невольно начинаешь жалеть, о том, что нельзя залезть в телевизор и пообщаться с ней. Кроме красоты, Белль наделена также невероятной смелостью и отвагой. Согласится остаться на попечении у Чудовища, в его мрачном замке. Не каждый на такое решился бы. Она принесла себя в жертву страшному зверю, и всё ради своего отца, на тот момент единственного близкого ей человека. Умная, начитанная, мечтающая о лучшей жизни, она разом отказывается от всех своих фантазий.

Этот мультфильм завораживает своей красотой. Сцена спасения от волков, танец двух противоположностей, и конечно финальная битва не могут не восхищать. Этот мультик один из лучших проектов Диснея. Песни, битвы, волшебство и конечно любовь. Пожалуй, самая красивая история любви. Выполненный в стиле мюзикла, он растопил сердца, самых ледяных кинокритиков и привередливых зрителей. А прекрасная песня «Beauty and the Beast» в исполнении Селин Дион и Пибо Брайсона, и музыкой Алана Менкена стала достоянием народов США.

Интересные факты:

Чип, чашечка, первоначально имел только одну реплику, но производителям так понравился его голос, что они добавили несколько дополнительных реплик для него.

Сценарист Tiny Toon Adventure, Шери Стонер была использована как модель для Бэлль, от нее Бэлль досталась и привычка поправлять волосы, а Ариель («Русалочка») - привычка прикусывать нижнюю губу.

Знаки, на которые Морис наталкивается в лесу, показывают названия городов Калифорнии: Анахейм и Валенсия: первый- местоположение Диснейлэнда, в то время второй знак, указывающий вниз на зловещую темную тропинку носит имя города, где находится конкурент Диснейлэнда - луна-парк Six Flags Magic Mountain парк. На третьем знаке написано «Глендейл» - так же город в Калифорнии, где находится Walt Disney Imagineering.

Гастон должен был быть низеньким и старым, но авторы решили переделать его и сделали абсолютно похожим на актера, его озвучившего - Ричарда Уайта.

Бэлль в переводе с французского - красавица, Гастон - красавец, Лефу - дурак, Люмьер - свет, Когсворд - часовой.

Последний танец Бэлль и Принца - шаг в шаг повторяет аналогичный танец в «Золушке», потому что последовательность движений из «Золушки» была использована в «Красавице и Чудовище».

Чудовище не умеет читать, первоначально в фильме была сцена, в которой Бэлль учит его читать, но ее вырезали, и от нее остался только кадр, где Бэлль и Чудовище вместе смотрят в книгу. Также из мультфильма был вырезан персонаж - музыкальная шкатулка, которая должна была успокаивать Чудовище, когда он был разгневан, но когда мультипликаторы решили увеличить роль Чипа, он заменил Шкатулку во многих сценах и ее можно увидеть лишь эпизодично.

Иллюстрация в книге Бэлль, которую она листает, сидя на фонтане - из книги Эндрю Лэнга «Blue Fairy Book», это иллюстрация к сказке «Красавица и Чудовище».

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Разведённый сорокалетний миллионер Эдвард Льюис, который занимается скупкой разорившихся компаний и их перепродажей по частям, случайно знакомится с молодой проституткой Вивьен, «подхваченной» им прямо на Голливудском бульваре по пути в Беверли-Хиллз. Эта встреча имела неожиданное продолжение, а вот финал предугадать несложно, поскольку всё действие происходит рядом с «фабрикой грёз».

Старая сказка об отважном и благородном рыцаре, спасающем принцессу из заточения, рассказана на новый лад, хотя и раньше появлялись умиляющие мелодрамы о раскаявшихся в своей профессии проститутках, которые обнаруживали в себе чистую душу и благородное сердце. Достоинством картины Гарри Маршалла, снимавшего и прежде мелодраматические истории о любви и карьере, является то, что на сей раз он, воспользовавшись сценарием под названием «$3000» молодого, всего лишь 29-летнего Дж. Ф. Лотона, особо не разводил слезливость на экране и не обострял ситуации драматическими поворотами. Он легко, непринуждённо и с юмором постарался взглянуть на возникший роман между миллионером, утратившим искренние чувства да и вообще вкус к жизни, и легкомысленной девицей, которая тоже лишена первого, однако обладает вторым, можно сказать, с избытком.

Видимо, зрителям разных стран, включая и нашу, где «Красотка» тоже пользовалась большим успехом (кстати, общие кассовые сборы в мировом прокате превзошли аж в 33 раза небольшой бюджет в размере $14 млн.) понравилось то, что авторы не пытались притворяться, а откровенно воплотили на экране «сладкую мечту» любой женщины, вполне осуществимую по соседству с Голливудом. По душе пришлись и красивые актеры, и эротические сцены, и неожиданные мотивы, и главное — прекрасная история любви там, где мы ее собственно никогда и не ожидали увидеть…

Труднее понять настоящий бум вокруг Джулии Робертс, исполнительницы главной роли (а претендентками были Мег Райан, Дэрил Ханна, Молли Рингуолд, Валерия Голино), которая называлась чуть ли не «идеалом» начала 90-х годов. Она довольно мила и забавна, несмотря на высокий рост, вероятно, мешавший Робертс ранее стать звездой в менее «пикантных» лентах. Но играет не так уж безошибочно, чтобы сразу же оказаться номинанткой премии «Оскар», которую вручили всё же другой актрисе (Кэти Бейтс за «Мизери») с более ярким талантом и многомерным амплуа.

Интересные факты:

На постере к фильму представлена лишь некоторая часть Джулии Робертс. Дело в том, что голову Джулии наложили на тело Шэйлли Мишель. На том же постере волосы Ричарда Гира каштановые, а в самой картине седеющие.

Опера, которой Ричард Гир очаровывает Джулию Робертс, носит название La Traviata (итал. «Сбившаяся с пути»). Она повествует о проститутке, влюбляющейся в богатого мужчину.

Ричард Гир на самом деле играет на фортепьяно. К тому же, музыкальное произведение, которое он играл, Гир сочинил сам.

Спортивная машина, которую Ричард Гир берёт на время в начале фильма - Лотус Эсприт (Lotus Esprit) принадлежала продюсеру Нэнси Гроссу.

Ожерелье, которое Вивьен одевает в оперу, в действительности стоит $250,000. Во время съемок вооружённый сотрудник службы безопасности из ювелирного магазина всё время стоял за режиссёром.

Первоначально считалось, что Кристофер Рив исполнит роль Эдварда Льюиса. Аль Пачино также отказался от роли Эдварда Льюиса.

Сцена, в которой Эдвард защёлкивает пальцы Вивьен футляром с ожерельем, была сымпровизирована Гиром, а реакция Робертс (смех) была абсолютно естественной. Фильм-мейкерам понравилось это настолько, что они решили оставить её.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Сюжет рассказывает про переживающего творческий кризис актера мультяшку-кролика по имени Роджер, который однажды на съемках очередного мультфильма пустил вместо звездочек, которые должны были появиться по сценарию, птичек, из-за чего очень сильно разозлил режиссера мультика и владельца студии, где и проходят съемки. Именно он принимает решение нанять известного в Мультауне детектива Эдди Вэлианта, которому предстоит добыть доказательство того, что жена кролика, шикарная Джессика Рэббит изменила своему мужу с владельцем корпорации «Акме», с которым у нее наладились хорошие отношения Но вскоре этот самый подозреваемый оказывается убитым, причем убивает его сто процентов нарисованный персонаж, так как убийство произошло с помощью рояля, который упал на богача с большой высоты и придавил насмерть. Теперь главным подозреваемым является безобидный кролик Роджер, у которого для совершения убийства были все мотивы и нет никакого алиби, подтверждающего что во время совершения убийства он находился в другом месте. Немного придурковатый, но забавный Роджер обращается за помощью к единственному человеку которому он доверяет, а именно к Вэлианту, которому из-за неугомонного кролика предстоит попасть в большую переделку, в которую также будут вовлечены судья Дум, который хочет наказать убийцу и банда хорьков, которые является помощниками злостного судьи, который не так прост, как кажется на первый взгляд.

К концу мы узнаём кто всё-таки подставил кролика Роджера и ради чего. Надо сказать сюжет здесь интересный, детективно-комедийный, в стиле сороковых годов. Это замечательное творения Роберта Земекиса, я даже не знаю фильм это больше, или же мультик, но он однозначно понравится как взрослым и детям. Произведение с интересным сюжетом, прекрасной музыкой, хорошей игрой актёров, шутками, обаянием мультяшек и атмосферой, чем-то похожей на старый детектив.

Один из рекордсменов мирового кинопроката 80-х годов (вплоть до 2000 года он оставался среди ста самых кассовых за всю историю кино США) возник благодаря альянсу фирм Стивена Спилберга и Уолта Диснея. Два сказочника рассказывали и продолжают рассказывать (Дисней хоть и умер давно, но его кинокомпания хранит верность традициям) занимательные, подчас невероятные и даже абсолютно невозможные истории для детей и взрослых. Фильм «Кто подставил кролика Роджера» Роберта Земекиса, талантливого спилберговского протеже, как бы открыл новое ответвление уже иссякавшей «золотоносной жилы», обнаружил ещё один способ привлечения аудитории самых разных возрастов в кинозал для того, чтобы развлечься, весело провести время, насладиться эффектным зрелищем.

Справедливости ради надо сказать, что и сам Дисней пробовал сочетать анимацию с живым действием, игрой актёров. Кроме того, этот приём был блистательно использован в ряде сцен мюзикла «Приглашение к танцу» (1956) Джина Келли. Но только «киновундеркинды» вроде продюсера Спилберга и режиссёра Земекиса догадались построить всю картину на подобном принципе, достигнув впечатляющего эффекта взаимодействия нарисованного и отдельно заснятого изображения с участием реальных исполнителей. Это ведь по-настоящему забавно, что частный детектив Эдди Вэлиант (то есть Отважный) помогает «мультяшке», кролику Роджеру, доказать его непричастность к убийству Марвина Акме, владельца студии по производству анимационных фильмов. И авторы ленты «Кто подставил кролика Роджера» поражают уникальным профессионализмом (анимация Ричарда Уильямса и визуальные эффекты, осуществлённые под руководством Кена Рэлстона, были удостоены премий «Оскар»), создавая свою увлекательную феерию.

Помимо этого, авторы остаются верны законам постмодернизма, насыщая повествование множеством иронических цитат, отсылок, заимствований. Детективный сюжет является очень смешным парафразом на темы триллеров и «чёрных фильмов» 40-х годов — от «Мальтийского сокола» до «Двойной страховки». Злодей - судья с «говорящей» фамилией Дум (Рок) перекочевал из комиксов. Популярные герои анимации (в том числе — диснеевские утёнок Доналд и слонёнок Дамбо) должны напомнить зрителям знакомые с детства ленты. А специально придуманный экстравагантный и отчаянный кролик Роджер — это более комический вариант Багза Банни из известного мультсериала компании «Уорнер Бразерс». Желающие также могут обнаружить пародийную перекличку ряда сцен, например финального поединка с судьей Думом и некоторых современных «крутых боевиков».

Интересные факты:

В титрах картины не указано, что роль роковой красавицы Джессики, жены кролика Роджера, озвучивала Кэтлин Тёрнер, которая прежде снималась у Роберта Земекиса в «Романе с камнем». А вот её вокальную партию исполняла актриса Эми Эрвинг, кстати, являвшаяся в то время женой Стивена Спилберга.

Титры фильма выводятся в течение почти десяти минут. На момент выхода кролик Роджер был рекордсменом по самой длинной последовательности титров за всю историю кино.

В фильме показаны легендарные трамваи PCC (эти трамваи, созданные в начале 1930-х годов, и сейчас используются в некоторых городах США и Европы). Трамваи грохочут, сыплют искрами, однако жители города всё равно любят их. Даже местная пивная называется «Terminal station Bar» (Бар «Конечная остановка»).

Большая часть кинематографической традиции и несколько сцен фильма являются данью уважения фильму Романа Полански «Китайский квартал».

Изначальное отсутствие вопросительного знака в названии можно объяснить, предположительно, суеверием, что фильмы с вопросительным знаком в названии собирают мало кассовых сборов.

Более сотни отдельных фрагментов фильма были оптически объединены, чтобы совместить элементы живого действия и анимации. Сами анимационные персонажи были прорисованы вручную без компьютерной мультипликации; аналоговые оптические эффекты использовались для того, чтобы добавить тени и освещение мультяшек, чтобы придать им «более реалистичный», трёхмерный вид.

Изначально, согласно первому варианту сценария, судья Дум должен быть охотником, который стрелял и убил мать Бэмби, таким образом, в большей степени раскрывается его садистская, жестокая, и чёрствая природа по отношению к своим собратьям-мультяшкам. Однако предполагается, что Дисней отклонил эту идею, считая, что идея массового убийства более предпочтительна, не желая пугать маленьких зрителей этим персонажем больше, чем это необходимо для эмоциональных целей фильма. Эта идея была позже использована в Диснеевском мультфильме «Красавица и чудовище», и предположительно, Гастон был тем, кто убил мать Бэмби. В данном случае нет точных сведений, кто же на самом деле этот судья Дум, большое число поклонников теряются в догадках.

Большинство поклонников фильма вешают на Джессику Рэббит ярлык «Франкенштейн из богинь фильмов»: говорит голосом Лорен Беколиш (по собственной просьбе Кэтлин Тёрнер в титрах не значится), имеет ноги Бетти Грэйбл, туловище и ягодицы Мэрилин Монро, грудь Джэйн Мансфилд, волосы Вероники Лейк, глаза Мерлин Дитрих, и певчий голос Джуди Гарланд (реализован Эми Ирвинг).

Впервые на экране одновременно появляются анимационные персонажи созданные разными киностудиями — Диснея и Уорнер Бразерс.

По началу режиссерское кресло предлагали Терри Гиллиаму, а на роль Эдди планировался Харрисон Форд, Сталлоне или Джек Николсон.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
У Тони Манеро, парня из рабочей семьи итальянцев, живущих в Бруклине, висит в комнате на стене портрет Сильвестра Сталлоне в роли Рокки — как напоминание о том успехе, которого непременно должен добиться и он сам. Интересно, что Джону Траволте, который сыграл этого неудержимо рвущегося к славе танцора, даже удалось на время превзойти названного киносоперника по популярности, стать настоящим кумиром, прославленным символом диско-поколения конца 70-х годов. «Лихорадка в субботу вечером» получила большие кассовые сборы в кинотеатрах (ныне занимает 132-е место за всю историю американского кино), вызвав бесчисленное количество подражаний во всём мире и оказав громадное влияние на стиль жизни и занятия молодых людей. А песни группы «Bee Gees» («Би Джиз»), прозвучавшие в ленте Джона Бэдэма, долго диктовали моду в диско-поп-музыке самых разных стран.

У Тони полно проблем, как и у миллиона таких же парней его возраста (эдакий собирательный образ парня 70-х). Отношение с родителями не складываются, мать постоянно пилит его за всякие мелочи и по всяким пустякам и вообще хочет, чтобы он стал священником, отец ей поддакивает. Нормальной работы нет, а на той, которой он работает, платят мало. Поэтому единственное ради чего живет Тони, смысл его жизни в походе в субботнюю ночь в клуб под названием «2001».

Прозванный «Boogie woogie man», там он всегда становится королем вечера, так как ввиду своего невероятного чувства ритма и потрясающей пластичности, абсолютно всегда является лучшим на танцполе. От его танцев бросает в жар и холод, а когда Тони в ударе и зажигает по полной программе — это просто фантастика, которую невозможно описать словами, от которой даже мурашки бегут по коже. Многие девушки хотят с ним танцевать и не только. Да, в этом клубе во время танца он действительно настоящий, там его жизнь, там он живет по-настоящему.

Хотя искушенных зрителей 21-го века трудно чем-то удивить и тронуть, но фильм цепляет… Убеждает хорошо выписанным и проработанным социальным фоном действия, воспроизведёнными нравами обитателей явно не респектабельного района Нью-Йорка (не по этой ли причине «Лихорадку в субботу вечером», долго примериваясь, всё-таки не купили для нашего кинопроката и, между прочим, подвергали цензурным сокращениям при демонстрации по американскому телевидению?!).

Дебютной, но отнюдь не дилетантской, работой Бэдэм взбудоражил сердца многих, сделав свой фильм одним из самых успешных в кассовом плане и популяризировав музыку в стиле «диско». Такого успеха картина достигла во многом благодаря своей атмосферности и эмоциональной направленности. Такая атмосфера была создана превосходными музыкальными композициями группы Bee Gees , записавшими саундтрек к этому фильму. Являясь самый продаваемым до выхода саундтрека к «Телохранителю», альбом «Saturday Night Fever» 15 раз становился платиновым в США, выиграл Грэмми за альбом года, попал на 131-ую строчку списка 500-a величайших альбомов всех времён журнала «Rolling Stone». Помимо всего этого был назван каналом VH1 57-м величайшим альбомом всех времён, а в опросе Channel 4, был на 80-й строчке.

Для самой группы, обратившейся к стилю «диско», это был сильный толчок к их дальнейшему развитию и становлению. Для фильма же это была грандиозная находка, ставшая не просто музыкальным фоном, а гораздо более важным компонентом. Энергетика музыки, зажигательные танцевальные номера, мода 70-х — времена ярких костюмов и джинсов-клёш, времена появления первых дискотек, на данный момент всё это приобретает статус ретроспективы, отчего, на мой взгляд, кинолента становится еще приятнее на вкус. Зрителям, жившим в те славные времена, наверняка приятно будет вспомнить дни своей молодости, а молодым, современным зрителям, особенно любителям музыки, танцев, клубной жизни будет необыкновенно интересно посмотреть как начинались и происходили первые музыкальные тусовки.

Молодой актер Джон Траволта, снявшийся в главной роли этого фильма, и не подумывал о том, что станет таким же культовым, как и разместившиеся на плакатах в комнате его персонажа личности. Oднако слава нашла все-таки своего кумира, и Траволта быстро оказался на ее пике. Одна из лучших его ролей, которая запросто может стать показательным и наглядным примером замечательной актерской игры.

Траволта доказывает в своей первой «звёздной роли», что он — не только отличный танцор, но и неплохой драматический актёр. В американском издании «Видео Муви Гайд», пожалуй, очень щедро назвали фильм Бэдэма «Бунтовщиком без причины» 70-х годов, хотя по степени влияния образа Джона Траволты на сознание юных американцев той поры он вполне сопоставим с мифом Джеймса Дина. Культ, порожденный выходом картины на экраны, переоценить достаточно сложно. После фильма Траволте стали подражать во всем: двигаться, как он (хотя, по-моему это просто невозможно), одеваться и причесываться как он и, наверное, думать как он. Брошенная вскользь фраза героя Траволты тут же въедается в мозг и запоминается надолго: «К черту будущее… для меня будущее уже сегодня !». Жить сегодняшним днем, не заглядывая вперед, или распланировать всю свою жизнь на тридцать-сорок лет вперед?! Каждый решает для себя сам! Юношеский максимализм, который нужно просто перерасти, что мы и видим в конце картины.

Господи, а как же тот белый костюм с черной рубашкой!!! Это был настоящий писк моды, эталон и олицетворение всей эпохи, эпохи «Диско». Показательная сцена, как герой Траволты собирается в клуб, по часу укладывая свои волосы перед зеркалом, на эту сцена стоит обратить особое внимание. А походка в начальных кадрах, когда он идет под «Staying Alive» группы Beе Gees, стала образцом для подражания.

Пластика молодого Траволты во время танцев в клубе просто невероятна. Бесспорно, что любовь миллионов в начале своей карьеры Траволта завоевал именно за счет потрясающего танцевального таланта, равных в котором среди актеров ему может быть лишь Патрик Суэйзи.

Годом позже более облегчённый мюзикл «Бриолин» вновь с Траволтой в качестве танцора-исполнителя умудрился намного обогнать по доходам «Лихорадку в субботу вечером». В свою очередь, поставленное ещё через пять лет не кем иным, как Сильвестром Сталлоне, продолжение под названием «Оставаясь живым» не вызвало большого восторга у публики.

Интересные факты:

Джон Траволта хотел, чтобы его костюм был черного цвета. Однако ему объяснили, что в темном диско-зале его тогда трудно будет заметить рядом с партнершей в красном платье.

Известный кинокритик Джин Сискел, который не раз говорил, что это его любимый фильм, смотрел картину 17 раз; одно время он даже был владельцем знаменитого белого костюма, в котором снимался Траволта. Этот костюм был продан на аукционе за 145 000 долларов.

В спальне Тони (Джон Траволта) висит плакат фильма «Рокки» (1976), снятого Джоном Г. Эвилдсеном, кстати сказать, он должен был ставить «Лихорадку субботнего вечера», но незадолго до начала съемок покинул проект из-за творческих разногласий. Джон Бэдэм получил постановку в самый последний момент. Любопытно и то, что сиквел «Лихорадки…» — ленту 1983 года «Остаться в живых» — снял создатель «Рокки» Сильвестр Сталлоне.

Сцена, в которой Тони сравнивает свой ботинок с обувью, выставленной в витрине магазина, стала единственным эпизодом в фильме, в котором ногу Траволты «сыграла» нога его дублера.

Готовясь к съемкам, Траволта ежедневно пробегал по две мили и танцевал по три часа. В итоге он похудел на 20 фунтов.

Съемки пришлось ненадолго приостановить, чтобы Траволта смог присутствовать на похоронах его тогдашней подружки Дианы Хайленд.

Съемки, проходившие на улицах Нью-Йорка, довольно часто приходилось прерывать, так как девчонки-фанатки начинали визжать, завидев Траволту, который к тому времени уже обрел большую популярность, сыграв в телесериале «С возвращением, Коттер» (1975).

Саундтрек фильма разошелся рекордным по тем временам тиражом 20 млн копий. Это достижение шесть лет спустя превзошел «Триллер» Майкла Джексона.

Джон Траволта очень долго репетировал танцевальный номер на песню группы Bee Gees «You Should Be Dancing». Продюсеры уже хотели отказаться от него, однако Траволта заявил, что тогда он уйдет из проекта.

Композиция Дэвида Шайара «Manhattan Skyline» стала очень популярной в качестве фоновой инструментальной музыки. Ее часто использовали в трейлерах, кинороликах и рекламе фильмов. В картине под эту мелодию танцует Стефани, когда Тони предлагает ей выпить кофе.

Фильм был выпущен в конце 1977 года с рейтингом R. Когда же выяснилось, что саундтрек ленты очень нравится подросткам, студия Paramount решила привлечь в кинозалы как можно больше юных зрителей; ради этого она на несколько минут сократила картину и в 1978 году выпустила ее сокращенную версию с более мягким рейтингом PG. Впоследствии обе версии вышли на VHS, а на DVD была выпущена только первоначальная версия.

Рабочее название ленты — «Субботний вечер». Но после того как группа Bee Gees добавила в саундтрек песню «Night Fever», слово Fever прикрепилось и к окончательному варианту названия картины.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
В последний день перед свадьбой водитель школьного автобуса Рик решает собрать всех друзей на последнюю отвязную вечеринку по принципу «пива и женщин много не бывает». Его невеста Дебби с помощью верных подружек берет ситуацию под свои контроль.

Устроив ловушку проституткам, вызванным к Рику, подружки переодеваются и проникают в отель, где проходит вечеринка. Тем временем богатый отец Дебби, недовольный тем, что дочь выходит замуж за раздолбая, натравливает на всю компанию бывшего возлюбленного Дебби с целью вернуть дочь любой ценой.

Как это обычно и бывает - безумная вечеринка начнет выходить из под контроля и веселым приключениям кажется не будет конца, коварные силы попытаются разрушить предстоящий брак и, что намного важнее, испортить сумасшедшую ночь. Но всё, как и положено, закончится хэппи-эндом. Рик доблестно справится с ситуацией — отлично повеселится, не ударит в грязь лицом перед друзьями и при этом сохранит верность своей невесте.

В далеком 84 году Нил Израэл (сценарист "Полицейской академии") снял отличную молодежную комедию, которая и по сей день может дать фору всяким там пирогам и прочее. Фильм нереально смешной — море замечательных шуток. Причем почти все шутки и приколы очень удачные и необыкновенно естественные, не надуманные. Реальные, если можно так сказать и в тоже время весьма изобретательны, как реальны и изобретательны колоритные персонажи. Единственно, не хватает толстяка - непременного завсегдатая молодежных комедий. Чем еще привлекателен фильм, так это очень здорово переданной атмосферой сумасшедшей вечеринки, о которой в глубине души мечтает каждый из нас. Примечательно, что главную мужскую роль исполнил еще тогда совсем молодой Том Хэнкс. Интересно увидеть известного актера, прославившегося своими драматическими ролями, в таком амплуа. Среди друзей Рика можно заприметить ещё совсем юного американского ниндзю с немного русской фамилией — Майкла Дудикоффа.

Комедия, ставшая по-сути классикой жанра взрослого юмора 80-х и отправной точкой для многих современных картин в Голливуде.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
«Маньяк - полицейский» — это такой забавный треш - слэшер, который пугал всех раньше на кассетах. Сейчас такие фильмы смотрят просто для того, чтобы вспомнить старые времена. Впечатливший меня ещё в далёкой юности, этот фильм и сейчас смотрится на удивление свежо, не затасканно, оригинально и напряжённо. Вполне логически законченная история, самодостаточная и полностью раскрывающая тему.

Этот фильм вышел в 1988 году и одну из главных ролей в этом фильме сыграл актер Брюс Кэмпбелл, хорошо известный любителям ужастиков по своей роли Эша из «Зловещих мертвецов» (1981). В данном фильме он играет полицейского, которого ложно обвиняют в убийстве простых граждан. Он вместе с одной девушкой пытается узнать правду, и кто все-таки из полицейских убивает простых людей.

Хотя сюжет фильма и не пронизан какой -то моральной идеей и глубоким смыслом, что вообще-то не является недостатком, кино и не должно явно что-то проповедовать, но, тем не менее, большинство сцен фильма проделаны очень психологически напряжённо, натурально, и это достоинство вдвойне потому ещё, что здесь ещё нет никакой натуралистичности, никаких таких жестоких кадров, показывающих всё, что может быть на самом деле, а натуральность создаётся очень удачным сочетанием музыки, обстановки, эмоций персонажей, самого контекста происходящего.

Особенно поразила сцена, где женщина в машине в пустынном месте, слышит по радио, что в городе орудует маньяк-полицейский и тут же около её машины останавливается полицейская машина, а у женщины машина не заводится, это банально, но интересны все эмоции женщины в короткий промежуток времени. Ведь это может быть остановилось просто полицейская машина с нормальными полицейскими…, а что если нет?

Атмосфера фильма в первые же минуты втягивает зрителя. Фильм смотрится на одном дыхании. Сюжет интригует и умело держит зрителя в напряжении. «Маньяк-полицейский» при этом жестокий, кровавый слэшер. Убийств в фильме великое множество, поставлены они здорово. В общем, в фильме есть всё то, что должно быть в хорошем, заправском слэшере: неожиданные и при этом отнюдь небанальные и непредсказуемые повороты сюжета, шокирующая предыстория из биографии маньяка и, собственно, сама его личность.

Если вы любите треш, а особенно треш - слэшер, который пришел из восьмидесятых, то данный фильм нужно обязательно посмотреть.


Интересные факты:

Слэшер (англ. slasher) - жанр хоррора, поджанр фильмов ужасов, для которого характерно, как правило, наличие убийцы-психопата (иногда носящего маску), который преследует и графически убивает серию жертв в типично случайной не спровоцированной манере, убивая многих за один день.

Характерные особенности жанра:

Жертвы — обычно фотогеничные подростки или молодые взрослые, находящиеся вдали от цивилизации или далеко от помощи и часто совершающие действия сексуального характера, или употребляющие наркотики, или и то и другое. Эти фильмы обычно начинаются с убийства молодой женщины и заканчиваются тем, что единственной выжившей удаётся одолеть убийцу, только чтобы обнаружить, что проблема не была полностью решена. Хотя «Психо» Альфреда Хичкока стал ранним вдохновением, первым подлинным слэшером стало «Чёрное Рождество», хотя успех «Хэллоуина», «Пятницы, 13-го» и «Кошмара на улице Вязов» помог популяризовать и реконструировать жанр в 80-х.

В фильме жанра слэшер убийца почти всегда использует нетрадиционные виды оружия, вроде лезвий, бензопил, топоров и тупых предметов; редко, если вообще используется пистолет. Часто там есть трогательная предыстория, объясняющая, как у убийцы развилось его ожесточённое умственное состояние и почему он сосредотачивается преимущественно на определённом виде жертв или месте. Часто убийца способен выдержать большинство или все попытки своих жертв защититься, иногда благодаря либо явным, либо подразумеваемым сверхъестественным способностям. Так, даже после того, как он был застрелен, заколот, забит, закорочен электротоком, сожжён или утоплен, он может продолжить преследовать своих жертв. Обычно в продолжениях убийца возвращается из мёртвых и определяется скорее как нежить, нечеловеческое «чистое зло», чем убийца-психопат. Среди всех категорий, однако, есть несколько фильмов, показывающих убийцу вызывающим жалость или, по меньшей мере, понимание, а не только страх. Известным среди таких фильмов являются «Тихая ночь, мёртвая ночь»; другие, вроде «Высшей школы резни», «Топора» и др. могут быть описаны таким образом.

В фильме жанра слэшер отсутствуют различного рода зомби, инопланетяне, монстры и другие разного рода мифические и вымышленные существа. Слэшер, в отличие от других поджанров фильмов ужасов, при сохранении вышеперечисленной концепции пугает напряжением, ожиданием смерти. Исходя из этого убийцы в фильме редко появляются в кадре, либо появляются под конец фильма при развязке сюжета. Центральная идея слэшера характеризуется наличием убийств, а сюжет раскрывается попытками определённого круга людей избежать этих убийств — в отношении них, либо другой группы людей. Как правило этой группой людей являются подростки, а классическим признаётся сюжет, действие которого разворачивается на фоне школы, университета, загородной местности. В целом нагнетание напряжения на зрителя играет немаловажную роль и оканчивается финальной схваткой героя фильма с убийцей.

Появление жанра:

Существует два истока появления данного жанра. К первому относится выход в 1962 году такого фильма, как «Девушка, которая слишком много знала» режиссёра Марио Бава. В свою очередь, этот фильм послужил для образования такого течения фильмов ужасов, как giallo (в 1960-70 годах это течение было доминирующим). Вторым истоком жанра явился фильм «Психо» Альфреда Хичкока. Иногда именно его считают родоначальником слэшеров. Этот фильм стал культовым, к нему снимались продолжения (1983, 1986 и 1990 года), а в 1998 был заново переделан. Сцена купания в душе из этого фильма стала классической и использовалась впоследствии во многих фильмах данного поджанра.

Следующим шагом в становлении и развитии жанра стал фильм «Техасская резня бензопилой», повествующий о семье людоедов. Но первым фильмом жанра слэшер считается канадский фильм «Чёрное Рождество» (другие названия — Тихая ночь, Злая ночь). Наиболее же известным, а по мнению некоторых и первым фильмом жанра, стал «Хэллоуин» Джона Карпентера. Фильм стал культовым. В 1980-х жанр находился в расцвете, но к концу десятилетия из-за массовых выпусков дешёвых фильмов данного жанра к слэшеру был потерян интерес. Возрождение жанра связано с выходом фильма «Крик» режиссёра Уэса Крейвена.

Золотой век:

Следуя тенденции, установленной фильмами Чёрное Рождество, Хэллоуин, и Пятница13-е, действие многих фильмов этой эпохи происходит в праздник или знаменательное событие. Примерами таких фильмов являются Мой Кровавый Валентин, Новогоднее зло, С Днём Рождения Меня, Первое апреля — день дураков, Школьный бал, День Мамочки, и Тихая ночь, смертельная ночь (за которыми последовали Смертельная забава, Кровавый день рождения, На греческой улице…, Адская ночь, Поезд террора, Часы посещения, Одни во тьме, Безумец, Перед самым рассветом, Занавес, Страх сцены, Лагерь вечных снов, Незваный гость, Резня в школе, и Ночное предупреждение).

На пике популярности жанра интерес зрителей поддерживался новыми, более необычными способами убийства (за что особенно известна серия фильмов Пила), а также более зрелищными и реалистичными спецэффектами. Некоторые фильмы, такие как Кошмар на улице Вязов и Детская игра, добавили сверхъестественные элементы в формулу слэшера, а позже и элементы комедии. Более ранние фильмы, такие как Психо и Техасская резня бензопилой, получили более жестокие и кровавые продолжения, чтобы конкурировать с другими представителями жанра. Считается, что пик слэшеров пришелся на 1983 год, в который почти 60 % кассовых сборов пришлось на слэшеры.

Антигерои:

Многосерийные слэшеры имели тенденцию фокусироваться на злодее, а не на выживших жертвах. Таким образом, ужасающие монстры становились антигероями. Известные примеры: Джейсон Ворхиз, Кожаное лицо, Фредди Крюгер, Бэн Уиллис, Майкл Майерс, Чаки, Призрачное лицо, Пинхэд, Ганнибал Лектер, Джон Крамер и Норман Бейтс, ставшие одними из самых узнаваемых персонажей американских фильмов ужасов XX века.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Фильм рассказывает нам о чикагском полицейском Нико Тоскани, бывшем агенте ЦРУ, побывавшем на войне во Вьетнаме в качестве секретного агента и ушедшем из ЦРУ в связи с тем произволом и превышением полномочий, которые творили агенты спецслужб на этой войне. Нико не хотел мириться с этим, но тогда он ничего не мог сделать. Поэтому он и поступил в полицию, чтобы бороться с людьми, ставящими себя выше закона.

Начиная новое расследование вроде бы рядового для себя дела о взятии очередного наркодельца, Тоскани выходит на след более серьезной и крупной «рыбы». В ходе своего расследования он наталкивается на связи агентов ЦРУ и ФБР с наркомафией и незаконными операциями с наркотиками. В последствии ему предстоит встретиться со своими бывшими коллегами из ЦРУ, испытать немало проблем от агентов ФБР, лишиться полицейского значка и, наконец выйти на продажных ЦРУшников, которые хотят убить сенатора, расследующего дело о связи агентов с поставкой наркотиков в США.

Главной ценностью для Нико является его семья. Для него семья, как и его самые близкие друзья, превыше всего. Тоскани пытается уберечь всех и вся, но к сожалению он не всесилен и не способен помочь всем сразу.

«Над Законом» — это первый фильм подаривший нам нового фантастически харизматичного актера Стивена Сигала, к тому же мастера восточных единоборств и обладателя 4-х черных поясов: по карате, айкидо, дзюдо и кендо и познавшего тайны кунг-фу и кен-джитсу. Этот фильм был первым опытом Стивена в качестве актера и он с ним справился на все сто. Помимо всего прочего Сигал вместе со своим коллегой и другом Эндрю Дэвисом спродюсировали фильм и написали сценарий. Сам Стивен исполнил в фильме главную роль, ну а Дэвис выступил в качестве режиссера.

Свои знания восточных единоборств Сигал применил в «Над Законом» в полной мере, где поставлено большое количество рукопашных схваток, главная особенность которых предельная реальность поединка и отсутствие каких-либо красиво поставленных трюков или драк с использованием спецэффектов. При просмотре фильма порой пробегает мурашки от того, как герой Сигала жестоко расправляется со своими врагами.

В начале фильма авторы оригинально совместили реальную биографию Сигала до того момента как он уехал в Японию и выдуманную биографию героя фильма Нико Тоскани. Мы видим реальные фотографии Стивена, его Тэнсин додзё (так называется его школа айкидо) в Лос-Анджелесе, его настоящих учеников и мастер-класс самого Сигала.

Грамотный сюжет с политическим уклоном, интересное детективное расследование, жёсткость и бескомпромиссность главного героя, отличная режиссура Эндрю Дэвиса, отменно поставленные сцены экшен, блестящее айкидо Сигала и его харизма, молодая Шэрон Стоун в роли жены главного героя, красивая мелодичная музыка, а главное — дух боевиков 80-х — всё это присутствует в фильме «Над законом».

Словом, Дорогие зрители, «Над законом» — это истина, талант и классика, что вечно и неоспоримо, что навсегда в сердцах и памяти людей.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Основанное на реальных фактах киноповествование об одном из самых важных периодов американской истории. Чикаго 1930-е. Рассвет организованной преступности в городе пришелся как раз на период «сухого закона». Крупные преступные синдикаты зарабатывают миллионы на нелегальной торговле спиртным. Самым могущественным из них является гангстер Аль Капоне. В это время правительство создает специальный отдел по борьбе с финансовыми преступлениями. Возглавил его Элиот Несс. Молодой, по-хорошему амбициозный, а главное, верящий в то, что он делает. «Законник» до мозга костей. В определённые моменты истории, именно такие люди могут добиться результатов там, где все другие потерпели неудачу. Собрав вокруг себя таких же идеалистов, он начал свою войну против короля преступного мира.

Элиот Несс, довольно наивный агент ФБР, который преувеличивает свои способности (кстати, реальное лицо, потом он принял участие в создании книги обо всём случившемся), задумал дерзкую авантюру, намереваясь подловить неуязвимого Аль Капоне на сущем пустяке — доказать неуплату им причитающихся налогов. А для этого надо было найти соответствующие документы о разнообразных сделках, совершённых гангстером. Осуществлению плана Несса помогают хитроумный бухгалтер Оскар Уоллес, импульсивный италоамериканец-полицейский Джордж Стоун (на самом деле — Джузеппе Петри), а главное — многоопытный, умудрённый страж порядка Джим Мэлоун, который учит их всех профессии и жизни (разумеется, тут трудно было обойтись без Шона Коннери, в итоге получившего за эту роль свой первый «Оскар»).

Газетчики мигом окрестили новоявленный отдел, как «Неприкасаемые». Команда «Неприкасаемых» прекрасно понимает, войну с каким человеком они затевают, но их это нисколько не останавливает. Они должны довести свое дело до конца. Либо Аль Капоне, либо они. Методы борьбы «Неприкасаемых» буквально сразу же принесли свои плоды. Капоне терял товар, терял деньги, и, что самое главное, начинал терять свое влияние. Как результат — началась настоящая война, итог которой известен каждому — Капоне все-таки сел за решетку,

Брайан Де Пальма не стал мудрить и подарил нам мужское, прямолинейное кино. Именно такое, каким должно выглядеть противостояние достойных противников. При этом, оно обладает кучей достоинств, а главное, прошло испытание временем. И спустя 25 лет, всё так же смотрится на одном дыхании. Самое главное - это идея фильма. Торжество справедливости, смелости, честности и принципиальности. Вот та, возможно, единственно достойная цель, которой можно и нужно служить, невзирая на опасность и риск. Это своего рода особая романтика! И я благодарен авторам картины за те ощущения, которые испытываешь при виде, скажем, общей фотографии главных героев, или в эпизодах, когда они вооруженные идут вчетвером по улице, решившись «выйти на тропу войны» и от них шарахаются прохожие, или на лошадях с автоматами и пистолетами они просто восхитительны. Вообще в том эпизоде приятно пахнуло вестерном... Это не передать словами. Здорово.

Как и у всех великих режиссёров, у Брайна Де Пальмы есть свой собственный стиль. Это и нагнетание обстановки, украшенное музыкальным сопровождением. Это и фирменные ракурсы. Это и подчеркивание драматичных сцен, возведения их в ранг чуть ли не катастрофы вселенского масштаба, хотя всё происходящее остаётся, например, в рамках одной личности. А сцена с коляской вообще выше всех похвал. Знаменитые кадры из фильма «Броненосец Потёмкин» (1925 г.) Де Пальма, по-своему интерпретировав, превратил в первоклассную перестрелку, невиданную по накалу страстей. ( Не забываем, что фильм снят в 1987 году ). Интересно, что Брайан Де Пальма был вынужден ограничиться съёмками на ступеньках вокзала, поскольку студия «Парамаунт» отвергла его первоначальную идею насчёт перестрелки агентов ФБР с людьми Аль Капоне возле остановленного поезда, посчитав, что подлинный железнодорожный состав 30-х годов обойдётся слишком дорого. Но киночиновники могли бы и рискнуть — ведь в итоге эта картина, стоившая $25 млн., в прокате превзошла более чем втрое собственный бюджет.

Де Пальма просто мастер ставить такие эпизоды, когда просто мурашки по кожи идут, вспомним эпизоды в торговом центре из фильма «Путь Карлито», или покушение на Тони Монтану в диско-клубе из «Лицо со шрамом», это его можно сказать особый почерк как режиссера-постановщика.

Самым заметным достоинством является постановка и операторская работа. Оператор это в самом деле что-то — практически каждый кадр отточен до мелочей! Каждый разворот камеры выглядит безумно красиво и четко. Ничего лишнего. Вообще весь фильм от вступительных до финальных титров визуально потрясающ!

Похвалы заслуживает проработка действующих лиц. Характеры отменны. Приличное время отведено терзаниям самого Несса, который понимает, что ему не одержать победы в этом противостоянии, используя только законные методы. Сколько ты бы не чтил и соблюдал закон, но приходит время когда его необходимо нарушить. Нарушить именно чтобы добиться правосудия и навести порядок.

Плюс ко всему, фильм стоит смотреть хотя бы из-за имен, задействованных в съёмках. Кевин Костнер в самом расцвете сил. Просто красавец! Блестяще сыграл упёртого законника и преданного семьянина. Для Костнера это была первая крупная, успешная роль. Правда временами в нём мелькала доля неубедительности, но во-первых лучше чуть-чуть не доиграть, чем переиграть, а во-вторых полный образ героя получился отличным.

Роберт Де Ниро просто великолепен в роли Аль Капоне. Вот где фирменная кривая ухмылка Де Ниро сработала на все сто! Блестящая роль, просто блестящая. Его «игра в бейсбол» с головой одного из подручных и речь в суде — две самые яркие сцены в фильме. К сожалению, в фильме он представлен гораздо меньше чем хотелось бы. Всего несколько сцен и когда смотришь их, то пытаешься напиться великолепной игрой «мастера мафиозных ролей», но жажду так и не утоляешь. Чувствуется присутствие такой харизмы, что даже не верится, будто она может уместиться в таком малом количестве эпизодов. Но мы уже ничего не можем сделать — остаётся только созерцать.

Еще запомнился главный подручный Капоне — убийца Фрэнк Нитти в исполнении Билли Драго. Изумительная харизма и потрясающий типаж. Отличный образ хладнокровного, устрашающего и невероятно стильного киллера. И пусть его персонаж находится даже не на вторых, а на третьих ролях, но впечатляет он не менее ярко чем остальные.

Шон Коннери, как известно, весьма упрямо отказывался от участия в фильме, но, все же, когда согласился на роль Мэлоуна, то исполнил ее с шикарнейшим блеском и величайшим мастерством. Его работа удостоилась премии Оскар за «Лучшую мужскую роль второго плана» и была по достоинству оценена мировым зрителем.

Приятно было наблюдать за становлением совсем молодого Энди Гарсии — его лучшие роли еще только впереди, но и в этом фильме он показал себя просто превосходно, поскольку представить кого-либо другого в образе Джузеппе Петри просто невозможно.

Помня, сколько лет этому фильму и зная работы режиссёра, даже как-то неудобно говорить о недостатках. И все же... при всей серьезности темы, «Неприкасаемые» - кино скорее развлекательное, чем впечатляющее и трогающее. Никакого сравнения с классикой гангстерского кино — тем же «Крестным отцом», «Славными парнями» или Де Пальмовским же «Лицом со шрамом», или «Однажды в Америке».

Для гангстерской драмы картине не хватает глубины и психологичности. Сюжет, посвященный перепетиям охоты на великого и ужасного Аль Капоне отдает привкусом голливудского ретро - комикса. Трогательная дружба напарников, семейные ценности, противостояние мафии и полисменов. Не то чтобы это все заезжено, но смотрится наивно и неестественно. А некоторые моменты и вовсе карикатурно — тот же эпизод с нападением на грузовики со спиртным. Также трудно принять на веру и схематичность складывания отношений между «неприкасаемыми» — за какие-то пару дней практически первые встречные становятся соратниками и близкими друзьями. Не смешите! Другие эпизоды вообще навевают какого-то Индиану Джонса — стрельба и беготня бухгалтера с винчестером. Дурость какая то.

Странно так же, как обычный чикагский патрульный Мэлоун, в сумме, оказался чуть ли не самым крутым копом, который всё обо всём знает, имеет связи и т.д. Неправдоподобной показалась сцена, где даже после того как наемный убийца всю обойму из Томсона выпустил в этого Мэлоуна, он все никак не хотел уходить в мир иной пока не передал столь нужную информацию на клочке бумаги, а потом когда выполнил эту миссию, так помпезно и страдальчески испустил последний вздох, что повеяло мексиканским сериалом.

Брайан Де Пальма человек неоднозначный, со своим видением любой тематики. Возможно, он и не собирался снимать серьезную гангстерскую сагу. Де Пальма создал стильную, оригинальную, именно полицейскую историю, не лишенную юморка. В любом случае, вполне возможно, эта работа была тем шагом, который нужен был для создания его выдающегося фильма «Путь Карлито».


Интересные факты:

В 1919 году, правительство США сделало одну из самых больших ошибок в своей истории — была принята декларация о запрете экспорта и продажи спиртных напитков на территории страны. Сухой Закон перевернул тихую и размеренную жизнь американцев с ног на голову, стал причиной возникновения подпольных организаций и целых предприятий по закупке и распространению алкоголя, породил уличные войны и погубил сотни жизней. Особенно преуспели в этом деле эмигранты с Европы, итало-американского и еврейского происхождения, которые строили свои преступные кланы на нелегальном ввозе товаров в страну. Так начинал Аль Капоне — самый известный гангстер всех времен и народов…

Итальянцы одни из первых смекнули, что тот, кто удовлетворит потребность населения в алкоголе, сможет пусть и из тени, но фактически править этой страной. Своего апогея итальянская мафия достигла во времена Аль Капоне. Умного, дерзкого, харизматичного, жестокого и решительного главаря, построившего свою грандиозную алкогольную империю и фактически владевшем всем Чикаго. Это был первый в своём роде светский криминальный босс, который не мог обходится без внимания прессы и вспышек фотоаппаратов, участвовал в культурной и общественной жизни, был всегда в центре внимания. Деньги и чувство собственной безнаказанности сыграли с ним злую шутку. Вседозволенность и банальное отсутствие страха, стало концом его эпохи.

В декорации личной парикмахерской Капоне в «Lexington Hotel» присутствовали небольшие предметы (бутылочки из-под одеколона, кисточка для бритья), принадлежавшие Аль Капоне.

Брайан Де Пальма встречался с Бобом Хоскинсом, для того чтобы обсудить роль Аль Капоне, которую получил бы Боб, если от неё отказался Роберт Де Ниро. Так как Де Ниро сыграл в фильме, Хоскинс получил письмо от Брайана с благодарностью за время, которое Хоскинс согласился потратить на данный проект, и чек на сумму в $200,000. В последствии Боб позвонил Де Пальме и поинтересовался — нет ли еще каких-нибудь фильмов, где Брайан откажется занять Боба в главной роли.

Альберт Х. Волф, входивший в группу настоящих «Неприкасаемых», был консультантом на съёмочной площадке, а также помогал Кевину Костнеру лучше вжиться в роль Элиота Несса.

Мэл Гибсон и Харрисон Форд отказались от роли Элиота Несса.

Кандидатуры Майкла Дугласа и Дон Джонсона рассматривались на роль Элиота Несса.

У Роберта Де Ниро не было времени, для того чтобы набрать лишний вес, нужный для роли, поэтому он носил специальные подкладки, которые делали его толще.

Кевин Костнер, Шон Коннери и Энди Гарсия прошли специальный курс подготовки, включавший в себя обращение с различными видами оружия и изучение тактики действий полиции.

Сцена ужина, где Аль Капоне неожиданно забивает до смерти бейсбольной битой одного из своих людей, основана на событиях 7 мая 1929 года. Двое наиболее опасных людей Капоне, Альберт Анселми и Джон Скализе, решили убить Капоне и возглавить его банду. Капоне узнал об этом и пригласил на ужин наиболее влиятельных членов своей организации, включая Анселми и Скализе. Во время ужина Капоне забил их до смерти бейсбольной, после чего выстрелил им в голову.

Персонаж Оскар Уоллас (Чарльз Мартин Смит) частично основан на Фрэнке Уилсоне, агенте Налоговой службы, работавшим над обвинениями против Капоне за неуплату налогов. Уилсон работал над этим делом с 1928 года и в реальной жизни никогда не пересекался с Несом и его людьми. Уилсон не был убит людьми Капоне, хотя Капоне назначил награду за его голову.

На пачке «Лаки Страйка» Элиота Несса можно заметить красный круг. Однако до начала Второй мировой войны на сигаретах этой марки был нарисован зеленый круг.

Несмотря на то, что кленовый лист является символом Канады с XIX века, впервые на национальном флаге он появился лишь в 1965 году. Это значит, на бутылках канадского виски, который конфискует полиция, никак не могло быть изображения современного варианта флага.

Монти (Роберт Суон), чиновник канадской границы, имеет звание капитана. Однако канадские пограничники не пользуются американскими званиями. Правильней было бы называть Монти инспектором.

Действие фильма происходит в 1930-м году, и Элиот Несс слушает по радио шоу Эмоса и Энди. Однако впервые это шоу вышло в радиоэфир лишь в декабре 1936, а та самая конкретная программа и вовсе датируется 16 ноября 1952 года.

Во время съемки сцены убийства Мэлоуна, Шон Коннери не ожидал, что петарды с «кровью» будут разрываться с такой силой. После первых дублей Коннери был доставлен в госпиталь, в глаза ему попали осколки и искусственная кровь.

Хотя существование Несса, его команды «неприкасаемых» и, конечно же, Аль Капоне, не вызывает сомнений, многое в фильме просто выдумано сценаристом и не соответствует реальным фактам.

Для своей роли Роберт Де Ниро специально нашел портных Аль Капоне и заказал им точно такую же, как у Капоне, одежду. Вживаясь в образ, он даже настоял на том, чтобы носить рубашки из такого же шелка, из которого их шили гангстеру. Это притом, что сами рубашки в кадр так и не попали.

В фильме правая рука Аль Капоне, «андербосс» Фрэнк Нитти, роль которого исполнил Билли Драго, погибает от руки Элиота Несса. На самом же деле Фрэнк Нитти был осужден вместе с Алем Капоне за неуплату налогов в 1930-ом году. Нитти получил только 18 месяцев лишения свободы, в то время как Капоне был осужден на 11 лет. После освобождения Нитти, СМИ провозгласили его новым боссом «Чикагского Синдиката», который при Нитти начал получать огромную прибыль. Однако, в 40-х годах дела «Синдиката» ухудшились. Фрэнку Нитти грозил срок за вымогательство и к тому же он успел настроить против себя остальных боссов «Чикагского Синдиката». 19 марта 1943-го года, опасаясь заточения в тюрьме, страдавший клаустрофобией Нитти покончил с собой, застрелившись на Центральной Иллинойской железной дороге в Риверсайде, штат Иллинойс.