Описание (клик - развернуть/свернуть):
Светская дама Люси Хей была очень сильно влюблена в Джорджа Вильерса. Да и сам Джордж, больше известный как герцог Бэкингем, кажется, отвечал ей взаимностью. Девушка даже начала строить планы по обновлению его замка, но герцог бросил ее ради Анны Австрийской. И тогда Люси столь сильно огорчилась, что решила стать агентом кардинала Ришелье. За это Александр Дюма увековечил ее в романе «Три мушкетера» как леди Винтер, известную в народе как Миледи. Спустя много-много лет свою версию похождений Миледи представил небезызвестный режиссер Пол Андерсон, сняв свои «Три мушкетера 3D».

Она, Миледи, то есть Милла Йовович, с тех пор как сбежала от Бэкингема (Орландо Блум), закрутила роман с самым интересным мушкетером французского короля Атосом (Мэтью Макфейден). Он был не только умен и хорош собой. В бою Атос был способен выполнять многие функции из арсенала черепашек-ниндзя: выходить сухим из воды, семерых одной стрелой... А в компании с романтичным полусвященником-недоатлетом Арамисом (Люк Эванс) и боксером среднего веса Портосом (Рей Стивенсон) он и вовсе был непобедим. До тех пор, пока не догадался, что Миледи все еще не может оставить своей привязанности к герцогу-очаровашке.

Связь этой парочки, конечно, была построена по принципу «только бизнес», но Атосу было очень обидно за свое израненное сердце и поруганные чувства. Он поклялся отомстить, и случай не замедлил представиться, когда в Париж прибыл дворянчик Д’Артаньян (Логан Лерман). Он втемяшил себе в голову сильно потрепанные идеалы мушкетеров, замешанные на деревенской нахрапистости и здоровом юношеском задоре. Мальчишка мгновенно вмешался в интриги кардинала Ришелье (Кристоф Вальц), неуклюже помешал замыслам Миледи и Бэкингема, после чего принялся спасать Францию. Более удачного случая, чтобы разыграть партию мести, Атосу и придумать было сложно.

И тогда стали мушкетеры биться с врагами. То с собственными, то с недругами Франции. То в пределах романа Дюма, то в мире, придуманном Андерсоном. Не то, чтобы плохо разыгранном, но совсем никакого отношения не имеющем к истории. События придумываются Полом еще более виртуозно, чем самым прославленным романистом Франции. Хорошо это или плохо — сказать трудно. Стоит лишь учитывать, что этих «Мушкетеров» никак нельзя считать образчиком по изучению всемирной истории и литературы. Хотя бы потому, что фильм создан специально под жену режиссера Миллу Йовович. И она явится во всем блеске. Станет летать, будто Кэрри-Энн Мосс из «Матрицы», уклоняться от ударов шпаги и пуль как Анджелина Джоли в «Особо опасен» и «искрить» будто Хэлли Берри в «Людях Х». Да вот незадача, Йовович нисколько не похожа на свой прообраз — белокурой со «светлыми до странности голубыми глазами» Миледи. Конечно, мы любим леди Винтер не за ее внешние качества. Но и они имеют значение, когда обращаешься к классике.

Впрочем, подобные «осечки» режиссера с лихвой восполняются спецэффектами, достойными самого Леонардо да Винчи, оригинальными трюками и забавными диалогами. А несколько дуэтов оказались поистине шикарными. Повзрослевшему и ставшему сардоническим Орландо Блуму достойно противостоял юный невесомый актер Фредди Фокс, сыгравший французского короля. Мастеру перевоплощений Кристофу Вальцу достойно подыгрывала королева Анна. Да и мушкетеры, собравшись в квартет, достойны похвал и упоминания.

Проблема была лишь с Миледи. Но, как говорил Король в пьесе «Золушка» Исаака Шварца, «она, знаете ли, сама виновата. Связи связями, но надо же и совесть иметь. Когда-нибудь спросят: а что ты можешь, так сказать, предъявить? И никакие связи не помогут тебе сделать ножку маленькой, душу — большой, а сердце — справедливым». Впрочем, возможно, к следующей серии все изменится…

То есть, если не заморачиваться с сюжетом и поставить целью приятное времяпрепровождение — удовольствие от просмотра картины гарантировано. «Мушкетеры», однозначно, — кино для тех, кто любит глазами — проходной, но бодрый и вполне смотрибельный аттракцион, если не обращать внимания на то, что со времен «Матрицы» (1999) в жанре экшена так и не было придумано никаких новых трюков.

Интересные факты:

Фильм снят по мотивам романа Александра Дюма отца «Три мушкетёра» (Les trois mousquetaires, 1844).

Зал, в котором (по фильму) находится вход в тайник Леонардо да Винчи, на самом деле располагается в резиденции Баварских королей в Мюнхене и называется он — «антикварий» или «антиквариум».

Боевые цеппелины были созданы по рисункам Леонардо да Винчи.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
В 1982 году аниматору Стивену Лисбергеру пришлось пустить в ход весь свой энтузиазм, чтобы убедить студию Disney вложить деньги в новаторский проект "Трон". Но фильму не повезло, в прокате он не собрал хорошей кассы. А Киноакадемия отказалась брать его в расчет при раздаче "Оскаров" за спецэффекты, хотя они были для своего времени выдающимися. Фильм был построен по тому же принципу, что и классический "Волшебник страны Оз": персонажи из реального мира обретали двойников в виртуальном пространстве.

По сюжету талантливый охламон, программист Кевин Флинн (Джефф Бриджес) придумал для корпорации "Энком" серию видеоигр, но его подсидел коварный коллега Дилинджер — приписав авторство контента себе, пробился в вице-президенты и уволил Флинна. Но с помощью пары друзей, оставшихся в корпорации, Флинн взломал защиту и проник в ее виртуальную систему. Только для полного доступа к базе данных ему нужно победить электронный мозг — Master Control Program, который, по остроумному замечанию озвучившего его актера Дэвида Уорнера, ведет себя как Male Chauvinist Pig — оттирает пользователей от управления компьютерами и устраивает гладиаторские бои. Он заставляет компьютерные программы биться друг с другом до полной победы или аннигиляции. Флинн становится программой по имени КЛУ, а его друг программист Брэдли — программой Трон (сокращение от "электрон"), и MCP гоняет их по виртуальному пространству, как по уровням игры.

Драматургия первого "Трона" — кладбище упущенных возможностей. Искусственный мозг MCP влезает в базы данных Пентагона и Кремля, но его претензия на мировое господство не развивается в полноценную сюжетную линию. Так же провален мелодраматический сюжет о соперничестве Флинна и Брэдли из-за девушки. Вместо этого фильм следует примитивному канону компьютерной игры: КЛУ и Трон сражаются, кидая в противников круглые диски, участвуют в гонке на светоциклах и пытаются выжить на разных уровнях виртуальной реальности — то есть не заняты вообще ничем, кроме беготни и драк. Возможно, в "Троне" было слишком мало человеческого, линейная структура и бег с препятствиями не настолько увлекательны, чтобы долго удерживать внимание. Но в фильме присутствовала и занятная космогония — компьютерные программы в виртуальном пространстве верили в Пользователей как в богов — и вдобавок была представлена кубриковская тема соперничества искусственного интеллекта с человеческим разумом. А графический дизайн фильма выглядит удивительно до сих пор. Художники Жан Жиро (Мебиус) и Сид Мид (кстати, они вместе работали и над "Бегущим по лезвию") сделали декорации и костюмы в духе футуризма и конструктивизма — каждый кадр в статике напоминает о стиле киноплакатов Родченко и протазановской "Аэлите". В последующие годы фильм по праву обрел культовый статус, и спустя почти 30 лет студия Disney сняла продолжение.

Режиссер нового фильма — протеже Дэвида Финчера Джозеф Косински, дебютант, снимавший до этого только рекламные ролики, а над сюжетом потрудились сценаристы сериала "Lost". Ставший главой корпорации "Энком" Флинн продолжает втихаря шастать в виртуальное пространство. От имени Флинна этот искусственный мир контролирует его прежний аватар по имени КЛУ. Причем обоих снова играет Джефф Бриджес, только КЛУ с помощью технологии performance capture "омолодили" — он выглядит как тот же Бриджес 30 лет назад. Однажды Флинн исчезает совсем, и его маленького сына Сэма приходится взять на воспитание старому другу и коллеге Алану Брэдли, он же бывший Трон (Брюс Бокслайтнер). Спустя годы, когда Сэм Флинн (Гаррет Хедлунд) становится взрослым, Брэдли получает странный звонок из заброшенного офиса Флинна-отца, и Сэм, отправившись на его поиски, тоже проваливается в виртуальную реальность. В ней Флинну-младшему придется иметь дело с метанием дисков и светоциклами из первого фильма в их улучшенной версии, а для действия по ту сторону реальности использован 3D-формат. Причем здесь он служит не просто аттракционом, а наконец обретает и смысловую нагрузку — трехмерное изображение маркирует виртуальное пространство в его отличии от реального. Выживать и сражаться Сэму помогает Кворра (Оливия Уайлд) — компьютерная программа, которая выглядит как девушка. Клу, как это часто случается с носителями искусственного интеллекта, отбился от рук, и с этой проблемой теперь нужно справиться Сэму с помощью Кворры.

Для строительства снятой в 3D вселенной понадобилось $200 миллионов долларов. И это первый после «Аватара» киноопыт, в котором 3D (а еще лучше многомерная система IMAX) полностью себя оправдывает (сцены в земном мире остались двухмерными). В этой вселенной обитают «программы» — виртуальные «солдаты Джуса», выглядящие совсем как люди, ретиво подчиняющиеся аватару Флинна по имени КЛУ. Он моложе своего земного прототипа лет на… 28 (компьютерное омоложение Бриджеса сотворил тот же мастер Барба, что довел Брэда Пита в «Бенджамине Баттоне» до младенчества).

Пространство тоталитарной цифровой сказки, распростершейся внутри жесткого диска, поражает воображение. «Мир вам, программы! — вопит клон КЛУ, системный диктатор кибервселенной. — Свободу от тирании пользователей!» И многомиллионный стадион программ отвечает ему послушным ревом. Есть, конечно, у этих многоуровневых киногонок и приключений ненавязчивый интеллектуальный контент. В виде умных книжек в виртуальной библиотеке Флинта, устроенной по земному принципу (там и Толстой, и Достоевский). В виде мотивов двойничества, претворенных во взаимоотношениях прототипа и его «черта» — клона. В сюжете сквозят библейские темы: Флинт — Бог Отец, творец тридевятого виртуального царства; божественный сын Сэм и Дух Святой — созданная самовоспроизводящаяся Система. Есть кубриковские идеи противостояния искусственного разума и человека. Но все это факультативные виньетки для экшена нового поколения.

«Трон…» — крутейший цифровой боевик, кибер-Диснейленд, в котором потрясают и массовые сцены, и гладиаторские бои с неоновыми дисками (они разбивают человекообразные программы на тысячи осколков), и многоуровневые гонки по спиральным виражам на световых мотоциклах. Все вместе — биоцифровая аркада нового поколения с трехмерной, бьющей то по голове, то в спину форсированной музыкой Daft Punk. Все это захватывающее и устрашающее великолепие продолжается до финала страшноватой сказки, где, как Золушке, героям велено немедленно покинуть царство оцифрованного сна: «Ваше время истекло — спешите выбраться из портала!» А то вас просто «сотрут», обнулят или извлекут ваш личный жесткий диск.

Режиссер Джозеф Косински вместе с блестящей командой создал безукоризненную архитектуру высокотехнологичного зрелища. Компьютерная графика наконец-то (так же, как в «Аватаре») достигла способности творить фантастические миры с изумляющей воображение реалистичностью.

Интересные факты:

Флинн создал КЛУ в 1984 году, поэтому программа остаётся оцифрованной версией своего 35-летнего создателя. Благодаря удивительным новым технологиям Бриджеса удалось «омолодить» на 30 лет.

Джефф Бриджес — первый актёр в истории кино, который встречается на экране с омоложенной версией самого себя.

«Выпрямитель», боевой корабль КЛУ, размерами втрое превосходит авианосец. Вся армия узурпатора находится на его борту.

Шлемы, которые носят Фрэйн и другие актёры, были специально разработаны художниками по костюмам, чтобы соответствовать характерам и образам каждого героя фильма. Бутафорских шлемов на съёмках не было.

Программы, служащие КЛУ, выделены особой цветовой гаммой: их костюмы и транспортные средства освещены оранжевым, красным и жёлтым. Обычные обитатели Сети носят холодные цвета: белый, голубой и серебряный.

Чтобы надеть костюм обитателя Сети, требовалось много времени и сил, поэтому на съёмках использовались специальные инверсионные столы, чтобы Гарретт (и другие актёры) могли отрываться от земли и уклоняться в разные стороны, не нанося вреда костюму.

Готовясь к роли Сэма, спортсмена-экстремала, Хедлунд проходил тренировки по управлению мотоциклом, рукопашному бою, хождению по проволоке, капоэйре и паркуру.

Хедлунд и Оливия Уайлд мечтали поработать вместе с тех пор, как познакомились 7 лет назад, когда оба ещё дебютировали в кино.

Оливия Уайлд проявила такие способности к боевым искусствам, что удивила даже каскадёров. Они советовали ей продолжить тренировки после окончания съёмок.

Готовясь к роли, Оливия Уайлд отрабатывала каждую боевую стойку и каждый трюк вместе с Хедлундом — но, пока не были готовы костюмы, она репетировала босиком, и позже ей пришлось переучиваться, чтобы поставить Куорру на высокие каблуки.

Майкл Шин посмотрел оригинальный фильм «Трон» в Уэльсе, когда ему было 12, и стал верным фанатом фильма. Тогда он даже не подозревал, что ему выпадет шанс сыграть в продолжении.

Чтобы превратить актрис в Сирен, требовались 3 часа работы и усилия целой команды гримёров и парикмахеров, а также двух костюмеров.

С актрисами, игравшими Сирен, занимался хореограф, стараясь скоординировать их движения, чтобы они передвигались синхронно.

Перед тем как утвердить Гаррета Хедлунда на роль Сэма Флина, рассматривались также кандидатуры Криса Пайна, Райана Гослинга и Майкла Сталь-Дэвида.

В эпизодической роли программиста Эдварда Диллинджера снялся Киллиан Мерфи, но в титрах его фамилия не указана.

Для фильма было записано больше 100 минут музыки.

В фильме примерно 60-70 отдельных декораций, 15 из которых были полностью построены на площадке.

В тайной лаборатории Флинна под залом игровых автоматов можно разглядеть кадры и предметы реквизита из первого фильма.

Световые костюмы были сделаны при помощи электролюминесцентных ламп из гибкой полимерной плёнки. Большинство облегающих костюмов были изготовлены из латексной губки, а костюмы Сирен — из спандекса, опрысканного жидкой резиной для большей гладкости.

Световые диски, созданные специально для фильма, состоят из 134 светодиодов каждый, управляются дистанционно и крепятся к костюмам при помощи магнитов. В них также находятся батарейки и вся электроника, питающая энергией светящиеся костюмы.

Диктор новостей говорит о том, что Кевин Флинн стал руководить Encom в 1982 году. В этом же году вышел первый фильм «Трон».

В одной из эпизодических ролей (бармен в клубе «End of Line») появляется Стивен Лисбергер, режиссер первой части.

Собака Сэма названа Марвином, в честь видного ученого в области искусственного интеллекта — Марвина Минского.

Участники Daft Punk — Ги-Мануэль де Омем-Кристо (фр. Guy-Manuel de Homem-Christo) и Том Бангальте (фр. Thomas Bangalter) — сыграли ди-джеев клуба «Конец строки».

«Конец строки» — название клуба, означает завершение сеанса связи в мире Сети (именно так прощалась программа Мастер-контроль в фильме «Трон»).

Персонаж по-имени Зюс (Zuse) был назван в честь создателя одного из первых компьютеров Конрада Цузе (Konrad Zuse).

Когда Сэм приезжает домой, в кадре можно заметить контейнер, с надписью Dumont. Это имя персонажа фильма 1982 года, прототипом которого стал основатель Encom.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Ничто так не раздражает темпераментную, мечтающую о скорости улитку с говорящим именем Турбо, как неспешная жизнь, медленные разговоры, заторможенные соседи. Пусть наш герой выглядит большим чудаком в этом вялом, неторопливом мире, пусть он идёт вопреки закону природы о «рождённом ползать», но если в сердце горит «пламенный мотор», а душа верит в чудо, оно просто не имеет права не произойти!

«Турбо» — красочный, яркий, веселый мультик, в котором показано, что если у тебя есть мечта, то неважно, какого-то ты роста, возраста, веса, человек ты или улитка, главное — верить в мечту и стремится к ней, ведь, как гласит простая истина — нет ничего невозможного. «Волков не боятся, в лес ходить» — говорит одна из ленивых улиток. Можно всю жизнь прожить в своем маленьком мирке, никогда не увидев этого самого леса… В фильме много морали на эту тему, поэтому иногда эти повторения немного надоедают.

Вообще, тут сложно к чему-то придраться, потому что получаешь ровно то, что ожидал, и детям мультфильм обязательно понравится. Взрослым же остаётся смотреть на отличную 3D -анимацию - красота гоночных машин, игра неонового света, прорисовка дыма от пробуксовки резины машин и «резины» самого Турбо, и конечно же, детальный улиточный и человеческий мир, прелесть которых, скрывается в деталях. На высоте и музыкальное сопровождение. Здесь были использованы знаменитые темы из разных культовых фильмов: от «Рокки Бальбоа» до «Форсажа», которые только добавляли колорита, когда улитку несло во все тяжкие.

Интересные факты:

Большинство машин в мультфильме, это автомобили марки Chevrolet.

Во время продакшна на студии Dreamworks был припаркован индикар, чтобы предоставить художникам непосредственный доступ к гоночным автомобилям, задействованным в фильме.

В мультфильме присутствует отсылка к раннему фильму DreamWorks — в сцене, когда Анджело упрекает брата за неудачные идеи, на фото в газете можно обнаружить обезьян из мультфильма «Мадагаскар» (2005).

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Для победы на ежегодном Street Dance-чемпионате группа молодых танцоров начинает репетировать вместе с танцорами из Королевской Школы Балета. На стыке рок-н-ролла, уличных танцев и классики рождается умопомрачительный микс танцевальных стилей, страстей и эмоций.

Картина не блещет оригинальным сюжетом — как всегда, сначала команда распадается, а потом снова все вместе и танцуют! Но главное здесь — не сюжет. Здесь главное — танец! Это — отдельный персонаж картины. И танец оказывается разным: уличным, классическим… Но все это лишь характеристики одного явления, явления, которое объединяет таких разных персонажей, как обычных уличных танцоров, приверженцев массового искусства, и гордых и порой горделивых балетных ребят, представителей классического танца. И именно это им предстоит понять — они не такие разные, какими кажутся.

Ребята танцуют везде и весь фильм, а трехмерный формат делает их движения еще более реальными и впечатляющими. Четкая слаженность движений вечных победителей и свободная развязность наших героев — все это впечатляет. При этом оказывается важным понять: не надо ломать себя, не надо переучивать уже профессиональных танцоров. Карли, главная героиня, методом проб и ошибок все же понимает: то, что казалось ей слабым местом новых членов ее команды, может оказаться их козырем.

Главные конкуренты ребят - победители турнира, которыми восхищается Карли и прочие, пожалуй не производят на зрителя должного впечатления. Их сделали такими одинаковыми, похожими друг на друга: униформа, четкие и слаженные одинаковые движения, даже цвет кожи. Они как роботы, которые работают по некоей программе. Даже их танцы, такие сложные и четкие, не впечатляют: они одинаковы, как под копирку. И они очень техничны. В них не проявляется индивидуальность этих ребят. Они — массовка, где нет лидеров. Наверное, именно это и создает эффект некоторого неприятия этой команды.

И наши герои идут им в противовес. Карли смогла понять, что важна не только техника, но и душа. То, что давно поняла пожилая наставница классических танцоров, до Карли дошло только после того, как ей плюнули в душу. Весь танец ребят — это совокупность индивидуальностей. Где все — команда, слаженно и технично двигаются. Но не теряют при этом своего лица. Каждый — личность, у каждого своя история. Именно это — фактически маленький спектакль — и способно зацепить.

Что особенно понравилось.

1. Сцена баттла в клубе. Понравилась даже больше финального танца. Танец в финале был бледноват, причем в прямом смысле слова — танцоры выступали в невнятных белых костюмах. Смотрелось не очень, и сам танец почти не запомнился. А вот в клубе ребята показали класс. Еще запомнилась небольшая сцена, в которой Карли и еще один парень под музыку синхронно делают сэндвичи. Вот так весело можно подходить к приготовлению еды.

2. Балет. В какой-то момент захотелось, чтобы балета в фильме было побольше. Уличные танцы увидишь в любом современном танцевальном фильме. А вот изящные, отточенные, грациозные движения классического балета в фильмах встречаются намного реже. И знаете — это очень красиво. А еще порадовал главный герой фильма — балетный танцор. К вопросу о том, может ли парень в колготках выглядеть мужественно. Оказывается, очень даже может.

3. Шарлотта Рэмплинг. Ее героиня — единственный очень яркий персонаж в фильме. Аристократичная преследовательница танцев, великолепная, элегантная, неординарная. С точеной фигурой, в черном мини-платье и на высоченных шпильках. Не будем уточнять сколько ей лет, для меня она всегда выглядит молодо. Смотреть на Шарлотту в «Уличных танцах» (как и в любом другом фильме) — дополнительное удовольствие.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Монстры всегда были существами пугающими. Казалось бы, совсем недавно, лет этак 50-60 назад никто не осмеливался даже посмеяться над ними. Но страхи трансформируются, обретая новую форму и содержание, и монстры уже не кажутся чем-то страшным и отвратительным, над ними можно вполне и посмеяться, и даже всей семьей. «Корпорация монстров» в этом плане снимала психологический барьер «страшного зверя под кроватью» у детей, за что создателям мультфильма сказали большое спасибо кассовыми сборами.

«Университет монстров» же продолжает традицию, на этот раз, переместив основной акцент на главную идею всех мультфильмов Disney — поучительные взаимоотношения. «Университет монстров» — прекрасный пример приквела, который рассказывает историю становления и развития дружбы главных героев «Корпорации монстров» — жуткого, но доброго Салли и милого всезнайку Майка Вазовски.

Майк Вазовски — маленький симпатяга-круглик, обретший мечту всей жизни, побывав однажды на школьной экскурсии в той самой корпорации монстров. Несмотря на тотальное отсутствие доминантного гена настоящего страшилы, он старается изо всех сил достичь поставленной цели и зачисляется-таки в желанный вуз.

Джеймс Пи Салливан — в молодые годы ещё далеко не знаменитость. Но при этом он — наследник известной фамилии, от которого ждут оглушительных успехов, однако действительно впечатляющие природные данные ничем не подпитываются, и всё свободное время здоровяк тратит на вечеринки и другие развлечения, на учёбу же просто ничего не остаётся.

Два таких разных студента ожидаемо не понимают философии друг друга и долгое время не могут найти общий язык, но помощь приходит с неожиданной стороны — угроза окончательного и бесповоротного отчисления, благодаря которой недруги постепенно превращаются в закадычных друзей.

Поразительно умный и невероятно смешной фильм. Не просто расширение вселенной Монстров, но и абсолютно цельная и самостоятельная картина. «Университет монстров» – очень трудный экзамен, который сдан на «отлично». Не то, чтобы мир так уж нуждался в приквеле «Корпорации монстров», одного из самых больших хитов студии Pixar — но нельзя не сообщить: вселенная, в которой подобное продолжение не только возможно, но и разыгрывается в жизнеутверждающих декорациях колледж-комедии, определенно лучше, чем могло показаться. Виртуозной игрой в тот или иной взрослый жанр могут похвастать более-менее все пиксаровские фильмы, но «Университет монстров» — это уже стопроцентное попадание в материал: где же еще разворачиваться истории соперничества комичных страхолюдин с проблемной кожей и неконтролируемым ростом волосяного покрова, как не в университетской общаге? К тому же, как всегда с Pixar, не обходится и без мощного подтекста — в сущности «Университет» это история о том, что мечты имеют свойство сбываться несколько не таким образом, как надеешься. Куда более, к слову, жизненная проблема, чем в большинстве «взрослых» голливудских фильмов.

Для того, чтобы создать эту трогательную и поучительную историю, специалистам из Pixar Animation Studios пришлось изрядно потрудиться. В частности, на работу над лентой было потрачено 100 миллионов часов работы за компьютерами (для сравнения, если бы этот фильм делался на одном компьютере, на него ушло бы 10000 лет). В среднем же на каждый кадр уходило 29 часов работы, что является рекордом для Pixar. И все это было не зря — монстры отрисованы до того здорово, что хочется взять парочку домой. Живые, красивые, страшные, и главное, подвижные. Например, во время одного из соревнований в рамках "Страшильных игр" они несутся по подземному коридору с огромной скоростью — о подобной быстроте передвижения персонажи "Корпорации монстров" не могли даже и мечтать.

Много проблем было и с созданием массовок, которых практически нет в "Корпорации". Но и с этой задачей создатели мультфильма в итоге справились.
"Один из эпизодов разворачивается на футбольном стадионе, где в кадре присутствуют до 5000 монстров. Во многих других сценах у нас имеются средние по размеру группки монстров — по 200-400 особей. В этой картине очень высока плотность монстров на квадратный сантиметр экрана. По этому показателю мы превзошли все картины, когда-либо снимавшиеся на студии Pixar" — говорит Джон Нортруп, отвечавший за создание массовых сцен и размещение монстров в кадре.

Сейчас уже можно с уверенностью сказать, что титанический труд мультипликаторов не пропал зря. За первый уикенд проката мультфильм собрал 147 миллионов долларов, что является значительным показателем успеха ленты (это второе место для стартов фильмов, сделанных Pixar, первое принадлежит картине "История игрушек 3: Большой побег"). Мультик вызвал восторженные отклики не только детей, но и взрослых. Впрочем, это вполне закономерно, ведь Pixar Animation Studios, как и другие западные студии, не делают исключительно детские мультики — их картины предназначены для семейного просмотра, то есть рассчитаны на то, что на показе будут малыши и подростки, родители и бабушки с дедушками.

Так же и здесь, зрители каждой возрастной категории смогли найти в этой ленте что-то понятное и близкое для себя. В итоге, во время просмотра дети с интересом смотрели за забавными трюками героев, подростки, наблюдая университетскую жизнь, получали представление о том, что ждет их в уже недалеком будущем, взрослые с ностальгией вспоминали свою студенческую молодость, ну, а киноманы с удовольствием находили киноцитаты. А их в "Университете монстров" немало — во многих эпизодах можно увидеть пародию на различные эпизоды из эпопеи о Гарри Поттере, "Факультета" и других школьно-университетских картин.

Определенно, фильм действительно динамичный, веселый и добрый, так что положительные эмоции зрителям всех возрастов обеспечены.

Интересные факты:

«В этом фильме гораздо больше героев с мехом, чем в любом другом кино, — рассказала руководитель отдела моделирования Кристин Ваггонер. — По большому счету в «Корпорации монстров» (2001) у нас был всего один герой, как следует обросший мехом, потому что тогда технология не позволяла справиться с большим числом таких героев на экране. В «Университете монстров» у нас 15-20 % всех монстров покрыты мехом. Технология обработки волос и меха значительно упростилась. Следовательно, и возможности моделирования расширились. Наши нынешние графические программы позволяют аниматорам видеть волосы персонажа в процессе анимации. Причем это не смоделированные волосы, а плод визуализации, осуществляемой столь быстро, что весь процесс можно назвать интерактивным. В результате аниматоры получают возможность лучше просчитывать композицию каждого кадра и точнее вычислять необходимый объем меха».

Создать университет для монстров — это колоссальная задача. «Когда мы приступили к работе, у меня еще не было четкого представления о том, как должен выглядеть наш колледж, — рассказал режиссер Дэн Скэнлон. — Но по мере того как продвигались наши полевые исследования, по мере того как мы знакомились с разными реальными университетами, мы все яснее понимали, что нам интересны продолговатые здания в классическом стиле. Мы хотели, чтобы здание указывало на то, что у вуза имеется многовековая история, но при этом не выглядело бы очень пыльным. С одной стороны, это должно быть элитное учебное заведение, думали мы, а с другой — учиться в нем должно быть весело. Мы решили расположить университетский кампус в холмистой местности, за каждым зданием нарисовали другие здания, а все лужайки исчертили тропинками, чтобы казалось, что, куда ни пойдешь, везде есть что-то интересное. Ведь именно такова студенческая жизнь. Так появился один из краеугольных камней нашего университета».

Чтобы понять, как должен выглядеть помолодевший Майк, создатели фильма изучили процесс старения у лягушек. Затем художник Рики Ниерва, ведущий художник-аниматор Джейсон Димер и некоторые другие члены съемочной группы применили накопленные знания в работе над юными версиями Майка и Салли. «Мы сделали их чуть более худыми, уменьшили им рога, стерли кое-какие морщины, сделали им глаза поярче, а цвета более насыщенными», — рассказал Димер.

Было решено придать каждому из трех вернувшихся на экраны героев некую новую индивидуальную черту, или визуальную зацепку, если говорить на жаргоне съемочной команды. Майку дорисовали зубные скобки. Салли обзавелся непослушной юношеской шевелюрой, отражающей его несколько расслабленный подход к жизни. Рэндалл, которого в «Университете монстров» зовут просто Рэнди, вооружен очками, время от времени выдающими его, когда он пытается применять свой еще не до конца отработанный фирменный трюк с исчезновением.

«Для первого фильма было очень сложно рисовать мех, — рассказал художник Рики Ниерва. — У нас было ограничение. В каждой сцене допускалось присутствие только одного мохнатого персонажа. С тех пор имел место невиданный прогресс, и в «Университете монстров» мы могли помещать шерстистых героев где угодно, без всяких ограничений. Правда, в какой-то момент режиссер Дэн Скэнлон был вынужден нас приструнить: слишком заметна была разница с первым фильмом, где роскошь иметь мех была позволена считанным монстрам. В итоге нам пришлось сбрить мех кое-кому из нового поколения монстров».

В мультфильме 500 героев, на каждый кадр приходится в среднем по 25 персонажей, что в два раза больше, чем в любом из предыдущих фильмов Pixar. Художники смоделировали и разработали многих из более чем четырех сотен персонажей второго плана еще на раннем этапе работы над фильмом, когда команда сценаристов заканчивала проработку деталей приключений Майка и Салли.

Над персонажем по имени Терзалес работало 12 человек. Героиню нужно было сделать страшной и мерзкой, но в то же время красивой и грациозной. Источником вдохновения для художников послужила редкая сороконожка Scolopendra Gigantea, известная также под названием гигантской амазонской сороконожки.

Продюсер Кори Рэй приняла участие в поездке по университетам в поисках информации и вдохновения. Это было еще на начальном этапе работы над сценарием. «Сначала мы отправились на Восточное побережье США, где посетили несколько ведущих университетов, включая Гарвард и Массачусетский технологический институт (MIT), — рассказывает Рэй. — Это было впечатляюще. В первый же день мы были потрясены размерами университетских кампусов и тем, сколько всего там происходило. Мы просто глазам своим не верили. Мы заходили в аудитории, слушали лекции и мгновенно втянулись в студенческую жизнь».

Съемочная группа побывала в университетах своей родной Южной Калифорнии, включая Стэнфорд и Беркли. Кинематографистов интересовали наиболее захватывающие аспекты студенческой жизни. Кому-то из съемочной группы даже посчастливилось побывать на фейерверке в Беркли, приуроченном к важному футбольному матчу против Стэнфорда. Этот опыт отразился в фильме в виде соперничества между Университетом монстров и СтрахМехом.

Съемочная группа решила добавить несколько веселых визуальных спецэффектов в сцену, где университетские клубы рекламируют свои достоинства первокурсникам. Майк в это время переходит от стенда к стенду. «Для клуба художников, — вспоминает Ниерва, — мы придумали героя, чья голова представляет собой один густой ком шерсти. Он окунает эту свою шерстистую голову в краску и с размаху стукается о холст. Ребята, готовившие спецэффекты, неплохо повеселились при разработке этой сцены. Один из них надел парик, залитый краской, и несколько раз прошелся головой по холсту».

Главный художник Рики Ниерва утверждает, что основной задачей при проектировании зданий кампуса было стремление отобразить дух учебы и науки, но художникам не возбранялось немного повеселиться. «Мы подвергли наши здания тщательной монстризации, пририсовав клыки, клешни, рога, зубы, пики, щупальца и жутковатые физиономии, где только возможно. Еще во всех помещениях видны трубы, напоминающие водопроводные. По ним подаются рев и ор, ведь все здания кампуса отапливаются энергией рева и ора».

Сеть компьютеров Pixar, использовавшаяся для создания этого фильма, примерно в два раза превышала ту, что использовалась при работе над фильмом «Храбрая сердцем». Кроме того, каждый компьютер был превращен в мультипроцессор (по 12 процессоров в каждом). Это позволяло дробить кадры на несколько частей и обрабатывать одновременно на нескольких компьютерах с использованием многопоточности.

Одна из главных инноваций в процессе создания «Университета монстров» — новая световая разработка Pixar, называемая глобальной иллюминацией (GI). Это революционный подход к освещению. Глобальная иллюминация позволяет кинематографистам получать свет сразу из одного объемного ресурса, а не от сотен отдельных источников освещения. В результате картинка выглядит гораздо реалистичнее. Одно из главных достоинств этого метода заключается в том, что у съемочной команды есть возможность уже на раннем этапе понять, как будет выглядеть финальный вариант освещения. Раньше для этого всегда нужно было ждать завершения съемочного процесса.

«Большую трудность для нас представляли число и разнообразие героев, — говорит технический директор Санджай Бакши. — Это фильм об университете. События в нем разыгрываются в огромном университетском комплексе, так что нам пришлось создать целую кучу разношерстных студентов, чтобы было похоже на реальный вуз, только для монстров. Командам, отвечавшим за моделирование и оснастку, нужно было сообразить, как справиться со всем этим разнообразием. С первым фильмом было попроще. Тогда мы прописывали руки и щупальца отдельно от тел. Но в «Университете монстров» все герои должны были выглядеть жизненно и органично. Мы знали, что нам предстоит создать сотни персонажей, поэтому разработали несколько базовых типов. На их основе мы могли конструировать более сложных героев, придавая им те или иные дополнительные свойства».

«Для второстепенных персонажей мы разработали шесть базовых моделей, — рассказал ответственный за изготовление персонажей Кристиан Хоффманн. — Затем мы их удлиняли, растягивали, добавляли к ним рога, шипы, волосы и прочие объекты. У каждой группы есть свое имя. У всех Чарли (имя выбрано в честь похожего монстра из фильма «Корпорация монстров», 2001) глаза посажены на тоненькие стебельки, а вместо рук и ног щупальца. Спиффы больше похожи на людей, но у них вместо носа рог. Пиллы напоминают небольшой замок с тремя глазами и тощими конечностями. Блоки похожи на борцов с квадратными телами. Фунгус-монстры выглядят как слизняки. Они скользят по земле. У них два больших глаза, как у жуков, маленькое круглое тельце и тощие конечности». «Большим подспорьем при работе над этим фильмом были системы контроля анимации, или AVAR, — поделился Хоффманн. — По технической продвинутости им пока нет равных. С их помощью мы могли создавать абсолютно феноменальные выражения лиц. Например, мы теперь могли позволить герою подвигать уголком рта или щекой с такой выразительностью, какой еще не знала мировая анимация».

Изначально планировалось включить в сюжет родителей Майка. Они должны были подвозить Майка к университету в первый день его учебы. Однако режиссер Дэн Скэнлон решил отказаться от этой идеи, чтобы Майк казался гораздо более уязвимым.

Второй фильм на тему колледжа, получивший рейтинг «G». Первый фильм — это «Папина дочка» (2008).

Лекционный зал с номером A-113 — это намек на реальную аудиторию в Калифорнийском институте искусств, где проводят занятия по анимации. Ссылка на эту комнату присутствует в любом фильме студии Pixar.

Мяч из мультфильма «Люксо-младший» (1986) можно заметить в виде рисунка на каменной стене.

Сцена из трейлера, где из Майка делают диско-шар, в финальную версию фильма не вошла.

В новом фильме совсем еще юный Майк попадает на фабрику со школьной экскурсией за 20 лет до того момента, как начинаются события первого фильма. Через 10 лет члены «Общажного кошмара» наносят «Корпорации монстров» еще один весьма неожиданный визит. Для этих эпизодов художники должны были разработать две ретроверсии корпорации. «Мы не могли использовать рисунки, оставшиеся от первого фильма, — объясняет Ниерва. — Технологии ушли слишком далеко. Нам пришлось все строить заново, попутно соображая, как омолодить наше предприятие на 10 и 20 лет». Например, команде художников пришлось переделать табло с показателями передовиков производства. «В первом фильме итоги работы сотрудников демонстрируются на нескольких телеэкранах, — говорит Ниерва. — Мы решили, что ранее, вероятно, результаты демонстрировались на ископаемом вокзальном табло, когда буковки бегут с характерным треском. В новом фильме корпорация выглядит по-иному, но родство с тем, что было в первой картине, налицо. Учли мы и эволюцию мобильных телефонов, которые из огромных кирпичей превратились в гаджеты скромных размеров. Наши станции управления дверьми также состарены. Они выглядят гораздо массивнее, как это было на более ранней стадии».

Описание (клик - развернуть/свернуть):
«Феи: Тайна зимнего леса» - долгожданное продолжение великолепного мультфильма про фею Динь-Динь и ее подружек. Это уже четвертый полнометражный мульт из этой серии. И стоит заметить, что он по-прежнему подкупает малышей и взрослых яркими красками и милым сюжетом. Возможно, зрителям, которые любят «Ice Age» и прочие творения Диснея с более взрослым юмором, серия про Tinker Bell покажется слишком наивной. В принципе, так и есть. Но это отнюдь не недостаток, а скорее достоинство, поскольку смело можно сажать детей перед экраном и не бояться, что покажут что-то лишнее.

Сюжет этой части немного проигрывает предыдущим. Были более увлекательные приключения раньше. Но и здесь есть на что посмотреть. Как обычно, любопытная непоседа Динь-Динь хочет узнать, что же творится в зимней долине, куда феям тепла запрещено ходить. Она по традиции собирает необходимую экипировку и собирается в путешествие, где познакомится с зимними феями и даже узнает кое-что интересное о своем рождении. Но гармония тепла и холода была нарушена, и теперь дерево пыльцы может окончательно замерзнуть. Феи с обеих сторон границы должны объединить усилия, чтобы спасти распорядок времен года и дерево пыльцы.

Очень красивые эффекты, когда зверушки перебирались с теплой стороны в зимний лес, меняя свою шерстку. Вообще любопытно было посмотреть, как зимние феи замораживают растения, делают снежинки и т. п. Плюс смена времени года предполагает смену гардероба для главных героинь, что тоже радует глаз. Даже есть довольно трогательная история любви, которая расскажет, как и почему появился запрет для фей пересекать границу. Новые персонажи хорошо разбавляют калейдоскоп уже знакомых лиц. Не могу не отметить кокетливую Розетту. После короткометражки «Турнир долины фей» на нее обращаешь больше внимания.

Мультик не только не утонул в новизне, гламурности и красоте зимы, но и имел невероятно напряжённую кульминацию. Наступление холода в летний мир Динь-Динь был также масштабен, как в фильме-катастрофе «Послезавтра».

И, конечно, мультик этот один из самых трогательных, вышедших в этом году. Динь-динь устроила просто невероятной красоты встречу для Барви в своём мире. Грустными были сцены их вынужденного прощания на мосту. А кульминационное заживление порванного крылышка — вершина всего этого.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Детская книжка "Хоббит" (1937), фантастический мир которой профессор Дж. Р. Р. Толкин впоследствии превратил во вселенную "Властелина колец" (1954), всегда занимала в читательской табели о рангах скорее подчиненное положение по отношению к грандиозной эпопее, из нее выросшей. В экранизации Питер Джексон изменил эту иерархию, да так искусно, что и сам профессор, наверное, был бы доволен. Дополнив историю несколькими сюжетными линиями, которых не было у Толкина, Джексон удивительным образом не погрешил против первоисточника, а, напротив, остался верен его духу.

"Пустошь Смауга" - это проект более радикальный, авторский, нахальный, он в меньшей степени иллюстрация к тексту и в большей — его осмысление и интерпретация. Основная его тема та же - речь идет о мире, в котором изменены представления о размере и масштабе. Большие существуют с Маленькими, а понятие нормы размыто вплоть до полного исчезновения. Безусловно, те же задачи решают другие голливудские блокбастеры новейшего образца — от "Трансформеров" до "Тихоокеанского рубежа". Только лишь один Джексон не ограничивается восхищением перед гигантами, но и применяет новаторские увеличительные стекла (речь о технологии HFR 3D), чтобы внимательно вглядеться в малое. Ему известно, кто в конечном счете победит, и он знает, что победа должна быть убедительной. Свершится это, впрочем, только в третьей части, где состоится решающий бой с огнедышащим змеем и Битва пяти воинств: вероятно, нас ждет три часа кульминации, так что готовиться можно начинать уже сейчас. А высшей точкой "Пустоши Смауга" становится встреча и беседа Бильбо с драконом — точно так же, как в предыдущей серии все внимание было сконцентрировано на диалоге с Голлумом. Концептуально эта остановка действия позволяет вновь оценить незаурядные способности Мартина Фримена — самого талантливого из актеров фильма, которому за эту роль следовало бы дать «Оскара», — а заодно обратить внимание на столкновение человеческого начала со сверхчеловеческим-спецэффектным. Тут становится окончательно ясно, как важно для Джексона обмануть голливудского Молоха и в чем-то даже приручить его, не позволив ярчайшей сказке ХХ века превратиться в тривиальный набор аттракционов.

Одна из задач новой экранизации состояла в том, чтобы еще крепче привязать новую трилогию к "Властелину колец" десятилетней давности. Для этого Питер Джексон предпосылает истории Бильбо (Мартин Фриман) пролог, в котором волшебник Гэндальф (Иэн Маккеллен) сговаривается с гномом Торином (Ричард Армитидж), что Бильбо поможет вернуть тому драгоценный камень Аркенстон — не просто побрякушку, а вещь, как и Кольцо всевластья, обладающую магической силой: Аркенстон может объединить семь разобщенных гномьих родов. Таким образом, поход гномов за сокровищами приобретает, как бы сказали сейчас, геополитическое значение.

Первый фильм трилогии "Хоббит: Нежданное путешествие" заканчивался чудесным спасением гномьего отряда от орков: из гущи битвы их уносили на спинах огромные орлы. С этого места в "Пустоши Смауга" и продолжается история. Гномы, волшебник и хоббит находят неожиданный приют в доме Беорна (Микаэль Персбрандт), медведя-оборотня, который, по словам Гэндальфа, "или поможет, или просто убьет всех". Оборотень, по счастью, ненавидит орков гораздо больше, чем не любит гномов. Поэтому Гэндальф, оставив своих спутников в относительной безопасности, отлучается по своим делам, как ему всегда было свойственно. Отряду под предводительством Торина предстоит без его помощи пересечь Лихолесье — чащу, полную таинственного галлюциногенного дурмана, где обитают гигантские пауки. А следом гномы и Бильбо попадают в плен к королю лесных эльфов Трандуилу (Ли Пейс). Тот предпочитает не вмешиваться в междоусобицы Средиземья, обороняет от орков лишь свою территорию, держит нейтралитет и укрепляет границы, как Швейцария перед началом Второй мировой войны, когда Толкин сочинял "Хоббита". Здесь-то Джексон и вводит в историю нового персонажа — главу эльфийской стражи рыжую Тауриэль (Эванжелин Лилли). Проникнувшись симпатией к гному Кили (Эйдан Тернер), она идет наперекор своему эльфийскому начальству и произносит прочувствованный монолог в духе "Властелина колец" о том, что отсидеться в лесах не получится и народам Средиземья нужно помогать друг другу в борьбе против общего врага. Сын Трандуила Леголас (Орландо Блум) не одобряет воззрений отважной диссидентки, но, испытывая к ней симпатию, следует за ней, когда она покидает пока еще безопасный лес.

Все эти геополитические расклады занимают Джексона ничуть не меньше киношного аттракциона, но и сам аттракцион тут, как обычно, на высоте. "Хоббит" номер два оказался куда эффектнее первого. Визуальные приемы поражают – фирма "Уэта Диджитал" взяла на себя заботу о целом ряде блестяще снятых экшен-сцен.
Например, когда гномы сплавляются в бочках по реке, одновременно отбиваясь от орков, а Леголас скачет по их головам, как персонаж из китайского фэнтези с боевыми искусствами. Не уступает ей и финальный поединок гномов с драконом Смаугом (в котором невозможно узнать Бенедикта Камбербэтча) в недрах Одинокой горы, где царство гномов представлено как огромные плавильные цеха внутри средневекового собора. Но особенно любовно Джексон выписывает озерный город Эсгарот, похожий на чудесную отстроенную в дереве Венецию, где между домами жители плавают на лодках. Но и тут без политики не обходится: в Эсгароте, которым управляет погрязший в пьянстве и коррупции бургомистр (Стивен Фрай), потихоньку зарождается демократия, которую олицетворяет народный лидер — лучник Бард (Люк Эванс).

Если после первого "Хоббита" еще оставались сомнения, вдруг вторая франшиза выйдет в целом неровной и не сможет тягаться с "Властелином колец", то по второму фильму очевидно, что Джексон снова снимает "мгновенную классику", насыщая детскую сказку новыми смыслами и подтягивая до идейного уровня "Властелина колец". Когда через год в прокат выйдет заключительная серия "Хоббита", недостающая часть рассказа встанет на место и пазл сложится, а значит, мы последнее поколение зрителей, кто смотрит толкиновскую сагу задом наперед, а не по порядку. Но присутствовать при рождении новой киноклассики тоже довольно почетно.

Интересные факты:

Фильм снят по мотивам повести Джона Рональда Руэла Толкина «Хоббит, или Туда и обратно» (The Hobbit, or There and Back Again, 1937).

Во время подготовки к роли Смауга Бенедикт Камбербэтч изучал игуан и комодских варанов в павильоне рептилий лондонского зоопарка.

Бенедикт Камбербэтч сам предложил прочитать речь некроманта задом наперед, чтобы она звучала страшнее.

Мартин Фриман и Бенедикт Камбербэтч снимались в перерывах съемок сериала «Шерлок» (2010). Стивен Фрай сыграл брата Шерлока, Майкрофта, в фильме «Шерлок Холмс: Игра теней» (2011), а Кристофер Ли сыграл Шерлока в фильме «Шерлок Холмс и звезда оперетты» (1991), сэра Генри Баскервиля в фильме «Собака Баскервилей» (1959) и Майкрофта в фильме «Частная жизнь Шерлока Холмса» (1970), в котором в роли Шерлока снялся Роберт Стивенс (озвучивавший Арагорна на радио BBC).

Орландо Блум на два года старше, чем Ли Пейс, который играет его отца, короля Трандуила.

По словам сценариста Филиппы Бойенс, Тауриэль является оригинальным персонажем, написанным специально для фильма: «Мы создали ее, чтобы привнести в фильм женскую энергию. И мы считаем, что это абсолютно в духе Толкина».

Для подготовки к роли Тауриэль Эванджелин Лилли прошла обучение фехтованию и стрельбе из лука, а также эльфийскому языку.

Эванджелин Лилли призналась, что является поклонницей романов Толкина еще с 13 лет.

Первоначально Даг Джонс должен был играть короля Трандуила, но Питер Джексон решил взять вместо него Ли Пейса, чьим поклонником он стал после просмотра фильма «Запределье» (2006).

Актеры этого фильма — Кейт Бланшет, Мартин Фриман, Ли Пейс, Орландо Блум, Ричард Армитедж и Бенедикт Камбербэтч — попали в список «100 самых сексуальных кинозвезд» в 2013-ом году, по мнению читателей журнала Empire.

Когда Бенедикт Камбербэтч был ребенком, его отец, актер Тимоти Карлтон, читал ему «Хоббита» на ночь.

Питер Джексон появляется в эпизодической роли в самом начале фильма, он проходит, жуя морковку.

Во время полуночного показа фильма в Сан-Паулу, Бразилия, после первого рева Смауга в кинотеатре сломался один из динамиков.

Цифровая обработка чешуи на теле Смауга заняла неделю.

Трон короля эльфов украшает пара рогов большерогих оленей.

Художник Алан Ли появляется в фильме в роли одного из музыкантов, в сцене, где несколько гномов и Бильбо покидают город на озере.

У Леголаса течет кровь из носа после схватки с Болгом. Он никогда «раньше» не был ранен в трилогии фильмов «Властелин колец».

Радагаст и Болг упоминаются в книге всего однажды. В фильме — они одни из основных персонажей.

Изначально фильм должен был рассказать о десятилетиях между событиями «Хоббита» и «Властелина Колец», однако такие съёмки оказались невозможны. Причиной стал конфликт правообладателей: компания Tolkien Enterprises владеет правами только на «Хоббит» и «Властелин Колец». Сюжет, основанный на черновиках Дж. Р. Р. Толкина, оказался бы в юрисдикции его сына Кристофера Толкина и его организации Tolkien Estate. Таким образом, съёмки фильма-апокрифа потребовали бы приобретения дорогостоящих прав, к тому же Кристофер Толкин известен как главный оппонент съемкам экранизаций.

Любовного треугольника между Кили, Тауриэль и Леголасом не было в материале, отснятом в 2011-м году. Эти сцены были добавлены по просьбе студии во время повторных съемок в 2012 году.

Глоин сильно обижается, когда его усатую жену по ошибке принимают за его брата. В фильме «Властелин колец: Две крепости» (2002) сын Глоина, Гимли, говорит о том, что женщин-гномов часто ошибочно принимают за мужчин из-за растительности на лице.

В книге Беорн в обычном облике встречает гостей у себя дома, причём сначала появляются Гэндальф с Бильбо, а потом, постепенно и парами — гномы. И это по просьбе Гэндальфа, так как Беорн был нелюдим и толпа гномов могла его сильно рассердить. В фильме же гномы вбегают в его жилище, закрывая дверь, перед рвущимся внутрь хозяином в облике медведя, а на следующее утро — как ни в чём не бывало разговаривают с Беорном.

В книге, после боя с пауками, Бильбо рассказывает спутникам про найденное Кольцо, а в фильме — нет.

В книге гномам и Бильбо удалось сбежать из крепости эльфов незаметно, в запечатанных бочках, и их не преследовали орки.

В книге к Эребору отправляются все 13 гномов и хоббит. В фильме — несколько вынуждены остаться в Эсгароте.

В сцене на 145-й минуте Бильбо падает с обрушивающейся каменной площадки и катится по полу, во время последнего поворота заметно, что его меч изгибается от касания земли. Это явно «резиновый» муляж для выполнения трюков с падениями.

Когда гномы убегают от эльфов и орков, плывя по горной реке, каждый гном находится в своей бочке, при этом пустых бочек нет. Но когда толстый гном разбивает свою бочку об орков, для него сразу находится новая пустая.

Расставаясь с Гэндальфом на границе Лихолесья, Бильбо прячет кольцо в правом кармане, через некоторое время, сражаясь с пауками, он достаёт кольцо уже из левого кармана.

Дракон Смауг на удивление хорошо «проинформирован». Он знал, что Торин после ухода с горы Эребор получил прозвище Дубощита в Средиземье.

Когда пауки атакуют группу в лесу, Бильбо Бэггинс одевает кольцо и слышит, о чем говорят пауки. В одном из моментов он снимает кольцо, но продолжает слышать пауков.

Когда Бильбо только вбегает в Зал Королей сквозь арку, Смауг обрушивает гобелены над ней. При смене кадра Бильбо уже убегает от них далеко от входа.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Когда отряд из тринадцати гномов нанимал хоббита Бильбо Бэгинса в качестве взломщика и четырнадцатого, «счастливого», участника похода к Одинокой горе, Бильбо полагал, что его приключения закончатся, когда он выполнит свою задачу — найдет сокровище, которое так необходимо предводителю гномов Торину. Путешествие в королевство гномов Эребор, захваченное драконом Смаугом , оказалось еще более опасным, чем предполагали гномы и даже Гендальф — мудрый волшебник, протянувший Торину и его отряду руку помощи.

В погоню за гномами устремилась армия орков, ведомых пробудившимся в руинах древним злом, а эльфы и люди, с которыми Бильбо и его товарищам пришлось иметь дело во время путешествия и которые пострадали от последствий желания гномов вернуть свой дом, предъявили права на щедрое вознаграждение — часть сокровищ Одинокой горы. Скоро неподалеку от Одинокой горы встретятся пять армий, и лишь кровопролитная битва определит результаты смелого гномьего похода.

Еще на первом «Хоббите» было понятно, что Джексон не просто экранизирует книгу, а превращается в ее полноправного соавтора. И дело не только в том, что небольшая (в сравнении с тем же «Властелином») повесть разрослась до почти девятичасовой трилогии. То, как детально выписывает режиссер и характеры, и антураж, превращает «Хоббита» в идеальный микс драмы, фэнтези и голливудского блокбастера.

Можно любить или не любить Питера Джексона, дерзнувшего на огромный риск вызова многочисленным армиям фанов Толкина, но он передал по меньшей мере две главных вещи из его книг: что у каждого дракона в его алмазном панцире обязательно есть прореха, и что когда пасуют сильные, на бой выходят слабые, ведомые чувством долга. И побеждают.

Торин Дубощит, которого режиссер еще в предыдущем фильме показал героем неоднозначным и сложным, здесь переживает мучительное духовное перерождение. Среди выживших после атаки дракона людей не все блещут благородством – во всей красе покажет себя второстепенный, но яркий персонаж, советник бургомистра. А вот прикарманивший несколько важных артефактов хоббит Бэггинс всю дорогу вынужден выдерживать на себе суровые взгляды то одних, то других. Игры в гляделки в этой части становятся еще более затяжными и обескураживающими, однако даже эти сентиментальные моменты не портят картину – они ироничны и даже комичны, но без фальши и цинизма.

С помощью не только безупречного видеоряда, который заставляет практически поверить в существование Средиземья, а еще и таких тонких психологических штрихов Джексон доводит градус напряжения до максимума. К этому моменту количество сказочных существ на квадратный метр зашкаливает – не все они есть даже в книге Толкина, но, как известно, режиссеру посчастливилось заглянуть в авторские дневники и черновики. Финал «Битвы пяти воинств» заставляет по-новому взглянуть не только на снятого ранее «Властелина колец», но и на некоторых героев – прежде всего на Гендальфа, которому в «Битве пяти воинств» достались самые символичные и наполненные философским смыслом сцены.

«Битва пяти воинств» - действительно впечатляющее зрелище. Она напоминает о лучших эпизодах «Властелина колец» - например, о битве у Хельмовой Пади из «Двух башен». Вновь мы осознаем, что Джексон, при всей его миролюбивой внешности, является выдающимся и, вероятно, крупнейшим батальным кинохудожником современности. Причем война начинается только с середины картины, однако все ее действие с самого начала - с налета огнедышащего дракона Смауга на Озерный город и его убийства лучником Бардом - готовит к монументальному финальному противостоянию.

Вынесенный в заглавие бой – грандиознейший, без скидок, аттракцион. Продуманность драматургии и хореографии поражает прежде всего тем, что зритель, несмотря на обилие персонажей, ни разу в них не запутается. Причем помимо главных действующих лиц в кадре суетятся собачки, боевые кабаны и закованные в сталь бараны. А тем, кто считал, что слонов из собственного «Властелина колец» Джексону не переплюнуть, приготовлен целый ряд опровержений, например гигантские черви, прорывшие тоннель, кажется, из «Дюны» Дэвида Линча.

Была и еще одна очевидная проблема: в «Хоббите» не хватало проявления абсолютного зла, чтобы победа принесла героям и их стране успокоение, которое дарило (вернее, по хронологии повествования – еще подарит) поражение Саурона. И авторы фильма справились с этой сложностью по-своему виртуозно: оставили все как есть и закольцевали две трилогии. А то, что предыстория угодила вперед основного повествования, дало «Хоббиту» неожиданно актуальный ракурс.

Известно, что Толкин писал «Властелина колец» во время Второй мировой войны и несколько важных сдвигов в работе над романом произошли благодаря, например, Курской дуге и Сталинграду.
Джексон признавался, что, превращая короткого «Хоббита» в эпос, следовал нереализованному замыслу писателя, незадолго до смерти взявшегося за доработку повести. В этом контексте «Туда и обратно» – это, конечно, аллегория Первой мировой войны, в год столетия которой будто случайно вышла «Битва пяти воинств». Незаконченность реальной и сказочной войн рифмуется настолько явно, что вряд ли это можно считать случайностью, а вот совпадение духа описанных в фильме событий с теми, о которых рассказывают в новостях, кроме как гениальным чутьем режиссера, уже не объяснить.

В этом фильме есть и война между братьями, и беженцы - все то, что мы видим каждый день на телеэкранах. И народный предводитель, убивший дракона - Лучник в исполнении Люка Эванса. И Кейт Бланшетт в роли Галадриэль, защищающей "братские народы" от Вселенского зла, предстает совсем уж необычной, по сравнению с ее же образом в предыдущих фильмах по Толкину - ее появление коротко, но неповторимо. Еще сильнее - продолжение истории любви эльфийки Таладриэль (Эванджелин Лилли) и гнома Кили (Эйдан Тернер) - это уже типичная кинолиния, но она заворожила зрителей первых частей трилогии про Хоббита. Сейчас же, как история Ромео и Джульетты, способна заставить заплакать любого.

Философия Толкина заставляет думать, анализировать и мысленно возвращаться к фильму, а не воспринимать картину просто как развлечение, хотя спецэффектов в ней более чем предостаточно. Многие фразы звучат с особенным смыслом для восприятия сегодняшнего зрителя. Например, "Настало время орков", "Драконий синдром" - о тех, кто заболевает "золотой лихорадкой", "Власть золота нельзя недооценивать" - это слова временно помешавшегося на богатствах короля гномов...

При этом джексоновский эпос при всей своей печальной актуальности едва ли не самое оптимистичное киновысказывание года. Ведь, несмотря на то что найденное маленьким хоббитом кольцо еще принесет немало бед Средиземью и большая война лишь предстоит, мы уже прекрасно знаем, что добро в конечном счете победит. По крайней мере, в кино.

Правда самый финиш остался как бы подвешенным в воздухе. Будто сам Гендальф не верит, что покой и мир установились в Средиземье - и он прав, скоро Саурон предъявит права на кольцо всевластья. А Питер Джексон не верит, что авантюра, которую он начал почти пятнадцать лет назад, наконец подошла к концу.

Интересные факты:

Фильм снят по мотивам повести Джона Рональда Роуэла Толкина «Хоббит, или Туда и обратно» (The Hobbit, or There and Back Again, 1937).

Когда серия фильмов о хоббите была на ранней стадии развития, планировалось, что будет всего два фильма, а у второго появится подзаголовок «Туда и обратно» (There and Back Again). Но в июле 2012 года было принято решение разбить историю на три части, а этот подзаголовок отдать последнему фильму. В апреле 2014 года Питер Джексон объявил, что название третьего фильма все же изменится, и это будет «Битва пяти воинств» (The Battle of the Five Armies). Основной причиной для изменения названия стало то, что в последнем фильме в центре внимания находится именно эта битва. Джексон написал на своей странице в Facebook, что название «Туда и обратно» подходило для второй части фильма, если бы она была последней, но, когда решили сделать три фильма, это название стало неуместным, поскольку Бильбо уже прибыл «туда» во второй части.

После завершения съемок несколько актеров оставили себе некоторые предметы реквизита на память. Мартин Фриман оставил себе меч Бильбо и протезные уши, Ричард Армитедж сохранил меч Оркрист, а Ли Пейс — эльфийский меч своего персонажа. Сэр Иэн МакКеллен же смог забрать с площадки знаменитую остроконечную шляпу Гендальфа.

Несмотря на то, что Кейт Бланшетт появляется во всех фильмах трилогии, она провела на съемочной площадке всего восемь дней.

Когда было объявлено, что у фильма будет свой стенд на фестивале Comic-Con в Сан-Диего, несколько фанатов разместились у входа на фестиваль за день до события, чтобы получить лучшие места. Посреди ночи фанатов разбудили актеры Ли Пейс и Энди Серкис. Они раздавали автографы, общались с фанатами и фотографировались с ними на протяжении нескольких часов. В итоге Пейс от усталости уснул на матрасе рядом с фанатами.

Оленя, на котором ездит Трандуил (Ли Пейс), играла лошадь по имени Муз («Moose» буквально переводится как «лось»).

Песню из первого трейлера («Edge of the Night») пел Перегрин Тук (Билли Бойд) в фильме «Властелин колец: Возвращение короля» (2003). Более того, Билли Бойд исполнил финальную песню к фильму («The Last Goodbye»).

Все сцены с Иэном Холмом и Кристофером Ли были отсняты в лондонской студии Pinewood, потому что из-за проблем со здоровьем актеры не смогли полететь в Новую Зеландию.

В самом первом трейлере к фильму был момент, где некоторые гномы ехали в колеснице, в которую были запряжены козлы, навстречу волкам. Но в финальной версии фильма такого момента — нет.

13 октября 2015 года в кинотеатрах США состоялась премьера расширенной версии фильма, которая получила возрастной рейтинг «18+». До этого момента новые версии картин из трилогии «Хоббит», как и расширенные версии трех фильмов «Властелин колец», никогда не демонстрировались в кино.

Питер Джексон построил точную копию норы Бильбо Бэггинса, в подвале своего новозеландского дома. Под жилье Бильбо был переделан подвал поместья в городе Мастертон, купленного Джексоном в начале 2000-х. По словам дизайнера Бино Смита, работавшего декоратором на съемках экранизаций книг Толкина, чтобы попасть в нору, нужно спуститься в винный погреб, потянуть за одну из бутылок, пересечь тоннель длиной около 30 м и войти в потайную дверь. Этот дом Бильбо посещали режиссеры Стивен Спилберг и Джордж Лукас, а также актер Дэнни ДеВито, которого Смит назвал одним из ближайших друзей Джексона.

В основном сражении фильма участвуют 5 тысяч гномов и эльфов и 36 тысяч орков, а также стаи гигантских летучих мышей и несколько троллей. Все они в основном были нарисованы при помощи компьютерной графики.

Когда Леголас побеждает орка, который падает на мост и вместе с мостом подает в ущелье, то можно заметить, что там нет трупов, хотя там должны быть как минимум трупы орка гиганта и двух простых орков.

Азог ранил Торина через лед в ногу, но позже, когда Бильбо стоит над Торином, в кадр попадают его целые подошвы.

В момент в конце фильма, когда Бильбо прощается с умирающим Торином, есть план сверху над двумя персонажами, на котором видно много теней сражающихся орлов и летучих мышей, а когда персонажей показывают крупным планом, никаких теней вокруг них нет.

В сцене, когда Трандуил приказывает трубить об отходе, Гендальф обращается к нему, что бы тот послал отряд на помощь Торину. После ответа Трандуила, Гендальф зовёт его по имени. В этот момент можно увидеть, что Гендальф держит свой старый посох, разрушенный во второй части фильма.

Когда Торин Дубощит падает, он показан на краю ледяной скалы, но когда к нему подбегает Бильбо, он лежит возле лестницы.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Для начала следует отметить одно важное отличие повести Дж. Р. Р. Толкина от её экранизации. Книга «Хоббит, или Туда и обратно» была опубликована в 1937 году, за 17 лет до первой публикации «Властелина колец». Толкин задумывал повесть как доброе вечернее чтиво для своих детей, что, собственно, у него и получилось: «Хоббит» вышел довольно лёгким и очень походил на детскую сказку. Однако, придумав Средиземье, Толкин настолько увлёкся этой вселенной, что принялся развивать её, и так появились карты, история, родословные, календари, обычаи и даже множество вымышленных языков, к созданию которых Толкин обнаружил талант ещё в детстве. И благодаря всему вышеперечисленному на свет появилась эпичная трилогия «Властелин колец», утвердившая каноны жанра и обозначившая новый виток развития фантастического жанра в литературе.

Что же такое «Хоббит: Нежданное путешествие»? Это приквел к масштабной кинотрилогии «Властелин колец», который был снят не столько для людей, зачитывавшихся «Хоббитом» в детстве, сколько для публики, которой понравились фильмы «Властелин колец» и которая жаждет узнать, с чего же всё началось. Именно поэтому новый фильм так тесно переплетён с трилогией, из которой родился, хотя в оригинале именно трилогия появилась из повести, во время написания которой Толкин и не подозревал о том, во что всему этому предстоит вылиться. И если люди, идущие в кинотеатр на «Нежданное путешествие», заранее согласятся с таким положением вещей, то удовольствия они получат куда больше, чем если бы шли смотреть с настроем на точную и аккуратную экранизацию горячо любимой ими в детстве повести.

Сходство с «Властелином колец» поражает и радует с первых же кадров: та же красота пейзажей, эпичность батальных сцен, потрясающая операторская работа, убедительные костюмы и грим, а также высокий уровень спецэффектов и, конечно же, саундтрек, отсылающий нас на десять лет в прошлое, когда вышло «Братство кольца», встряхнувшее фантастический сегмент кинематографа почти так же, как полувеком ранее встряхнул литературу её одноимённый исходник. Первый фильм «Хоббита» и первый фильм «Властелина колец» даже начинаются в одном и том же месте и в одно и то же время — в Шире при подготовке Бильбо и Фродо к празднованию совместного дня рождения. К слову, было бесконечно радостно видеть юного Фродо — ещё беззаботного и не пережившего весь тот кошмар с кольцом, навсегда изменивший его жизнь.

И с этого места следует подробнее поговорить о персонажах. Мартин Фримен в роли молодого Бильбо оказался настолько гармоничен и хорош, что уже невозможно представить в этой роли кого-либо другого. Стоит признать, что с его внешностью, мимикой и повадками Фримен — идеальный хоббит.

Гэндальф (пока ещё Серый) в исполнении нестареющего сэра Иэна МакКеллена приятен и убедителен не менее, чем в трилогии. В очередной раз он прекрасно справился с ролью доброго и мудрого волшебника, который ненавязчиво входит в твою мирную налаженную жизнь и переворачивает её с ног на голову.

Отряд из тринадцати гномов Эребора порадовал своей колоритностью: каждый из гномов уникален, со своим характером и особенностями. Я знаю, что к гномам было больше всего претензий, дескать, не выглядят, как гномы: там слишком чистые, там бороды не хватает, там вообще чуть ли не на эльфов похожи. Сама я тоже была не в восторге от тенденции превращать гномов в секс-символов с глянцевых страниц, но сделала скидку на кинематограф: здесь очень важна визуальная составляющая, эстетика, поэтому такие метаморфозы были неизбежными. И если в книге мы просто знаем, что Торин Дубощит — великий и харизматичный лидер, за которым его отряд готов идти даже в пасть дракона, то в фильме Торину и сыгравшему его Ричарду Армитажу пришлось все эти данности доказывать. Поэтому киношный Торин вышел вдвойне пафосным и втройне харизматичным.

Хьюго Уивинг, Кейт Бланшетт и Кристофер Ли, вновь сыгравшие Элронда, Галадриэль и Сарумана соответственно, были приглашены в фильм не столько ради аккуратности по отношению к оригиналу (в повести среди второстепенных персонажей был лишь Элронд), сколько для того, чтобы ещё прочнее связать приквел с уже вышедшей трилогией, однако эта троица на совете в Ривенделе смотрится весьма органично и не вызывает нареканий. В конце концов, это не Арвен с Арагорном и не Мерри с Пиппином, чьё появление уж точно выглядело бы странно.

Особенно много претензий было к сценарию, мол, какой такой отсебятины можно натолкать в трёхсотстраничную повесть, чтобы растянуть её на три фильма? Безусловно, отсебятины немало, однако пока что, в рамках первого фильма трилогии, она показалось мне гармоничной и уместной: было весьма приятно и интересно посмотреть на развёрнутую историю гномов, в особенности, их принца, а затем и короля, от разрушения Эребора Смогом до визита к Бильбо. Благодаря этому нам полнее раскрывается мотивация Торина и причина его недоверия и даже презрения к эльфам. В отличие от конфликта Леголаса и Гимли, обусловленного в целом обычными расовыми отличиями и по инерции перенятым от предков стереотипным мышлением, неприязнь Торина к остроухим оппонентам весьма обоснована. Кроме того личный конфликт Торина с орком Азогом добавляет сюжету остроты, в результате чего боевые сцены смотреть немного интереснее, чем было бы без этого.

Ну и еще, хотел рассказать про новый формат (48 кадров в секунду). Это первый фильм, который снят с частотой 48 кадров в секунду. Целью этого было сделать картинку более гладкой, движения более реалистичными и уменьшить эффект стробирования. Это особенно действенно сказывается при просмотре фильма в 3D, так как высокая частота кадров помогает лучше синхронизировать изображение для каждого глаза. Возникает иллюзия, что ты смотришь не просто на плоский экран кинотеатра, а через открытое окно в тот мир. Кажется, что еще немного и почувствуешь запах тех мест, ощутишь дуновение ветерка, почувствуешь шелест травы под ногами. Конечно осознаешь, что все это только в твоем воображении, но в глубине души тот мир все-ровно живет в тебе.

«Хоббит: Нежданное путешествие» несмотря на свою излишнюю затянутость и, порой, неуместное внимание к мелочам — захватывает дух и позволяет на три часа окунуться в мир магии и приключений. Потрясающее мастерство Питера Джексона в вопросах визуального решения и постановки, великолепные натурные съемки и по-настоящему прекрасная игра Мартина Фримана, делают первую часть новой трилогии Джексона одним из тех фильмов, которые нельзя пропустить. Удивительно приятное, и что важно — не одноразовое кино, способное увлечь и детей и взрослых.

Интересные факты:

Фильм снят по мотивам повести Джона Рональда Руэла Толкина «Хоббит, или Туда и обратно» (The Hobbit, or There and Back Again, 1937).

Работа над проектом началась еще в 2007 году, однако подготовка к съемкам сильно затянулась из-за бесконечных судебных разбирательств вокруг прав на экранизацию, прав на прокат и на выручку от продажи сопутствующих товаров, в которые были втянуты несколько киностудий, наследники Толкина и сам Питер Джексон.

Этот фильм прошел через несколько этапов препродакшна, в том числе отдельные правовые споры между New Line Cinema, Питером Джексоном и наследниками Толкина. Затем компания MGM сдвинула проект с мертвой точки в 2008 году, но последовало еще больше осложнений. MGM обанкротилась, и проект заморозили, в результате чего режиссер Гильермо дель Торо ушел после трех лет препродакшна. Затем были проблемы с некоторыми организациями в Новой Зеландии, а также начало съемок было отложено, пока Питер Джексон восстанавливался после операции из-за перфорированной язвы.

Только после ухода Гильермо дель Торо с поста режиссера и личных просьб студий Warner и MGM в 2010 году Питер Джексон согласился вернуться в режиссерское кресло проекта, а в октябре того же года съемкам фильмов дали зеленый свет.

Рон Перлман был готов сняться в фильме при условии, что режиссером будет Гильермо дель Торо. Когда последний покинул проект, Перлман отказался от роли.

Это не первый из проектов Питера Джексона, где он просил Гильермо дель Торо быть режиссером. Ему также предлагали возглавить фильм «Хэло», но он отказался, чтобы заниматься режиссурой собственного детища «Хеллбой II: Золотая армия» (2008). Дель Торо принял предложение заниматься режиссурой этого фильма, но после того, как фильм пробыл нескольких лет в подвешенном состоянии в стадии препродакшна, он отказался от него, чтобы заниматься другими проектами.

Дэниел Рэдклифф, Шайа ЛаБаф, Джеймс МакЭвой, Эррин Аркин и Тоби Магуайр рассматривались на роль Бильбо Бэггинса. Тем не менее Питер Джексон заявил, что он всегда видел в этой роли только Мартина Фримана. Фриман изначально не мог принять роль в связи с расхождениями в расписаниях съемок с сериалом «Шерлок» (2010), но Джексон переработал весь график съемок фильма «Хоббит: Нежданное путешествие» (2012), чтобы актер смог сыграть эту роль.

Мартин Фриман ранее снимался в фильме «Зомби и Шон» (2004) с Биллом Найи и Пенелопой Уилтон, которая была замужем за предыдущим исполнителем роли Бильбо — актером Иэном Холмом.

Этот фильм был снят при помощи 48 камер Red Epic — новейшей модели этой серии, доступной во время производства фильма.

Голлум появляется в книге только в одной сцене. Энди Серкис завершил работу над этой сценой еще за первую неделю продакшна, но остался и продолжил работать в качестве режиссера второго плана.

Ричард Армитэдж сказал, что его первым опытом игры на сцене была роль эльфа в театральной постановке «Хоббита».

Трандуил, отец Леголаса, впервые появляется в книге о хоббите как эльфийский король, при этом его настоящее имя не упоминается. Только в книге «Властелин колец», когда Леголас появляется впервые, он представляет себя как сына Трандуила из Лихолесья.

Все сцены с Иэном Холмом и Кристофером Ли были отсняты в лондонской студии Pinewood, потому что из-за проблем со здоровьем актеры не смогли полететь в Новую Зеландию.

Сирша Ронан рассматривалась на роль молодой эльфийки, но отказалась из-за несогласованности расписаний съемок.

Съемки этого фильма и ленты «Хоббит: Пустошь Смога» (2013) были закончены 6 июля 2012 года и длились 266 дней.

Во втором трейлере Гэндальф произносит фразу «Дом уже позади, а впереди дорога». Это цитата из «Властелина колец» и часть песни, которую Пиппин поет Денетору в книге «Властелин колец: Возвращение короля».

Фродо (Элайджа Вуд), Саруман (Кристофер Ли), Галадриэль (Кейт Бланшетт) и Леголас (Орландо Блум) — персонажи, взятые из книги «Властелин колец», хотя ни один из них на самом деле не появляется в книге про хоббита. Как и Радагаст (Сильвестр МакКой), который только упоминается в книге о хоббите, а появляется во «Властелине колец». Однако в фильмах серии «Властелин колец» он так и не появился.

В 2009 году в интернете ходили слухи о том, что исполнителем роли Бильбо Бэггинса может стать Дэвид Теннант (после того как он и Питер Джексон вместе появились на Comic-Con). Оба они отрицали эти слухи. Однако в 2010 году Теннант проходил прослушивание на роль Трандуила, но был вынужден отказаться от роли, когда его девушка забеременела.

Метод создания ног хоббита в этом фильме был изменен. В трилогии «Властелин колец» это были специальные протезы, которые надевались на ступни актеров, и через какое-то время их приходилось менять. В этом фильме протезы по длине доходили актерам до колен.

«Крик Вильгельма» можно услышать, когда гномы бегут по горам гоблинов, а один гоблин падает с дорожки.

Брэт МакКензи, который играет роль эльфа Линдира, ранее исполнял роль другого эльфа в фильмах «Властелин колец: Братство кольца» (2001) и «Властелин колец: Возвращение короля» (2003). Его персонаж из трилогии «Властелин колец» изначально был безымянным, но неофициально фанаты прозвали его Фигвит (имя Figwit пошло от фразы «Frodo is great… Who is THAT?», произнесенной одним из фанатов во время просмотра момента, где появляется МакКензи в «Братстве кольца»).

Некоторые названия глав из книги упоминаются в диалогах, такие как «Радушный прием», «Из огня да в полымя» и «Баранье жаркое».

На вопрос о количестве волшебников Гэндальф отвечает, что есть пятеро, называя себя, Сарумана и Радагаста, а затем говорит, что не может вспомнить имена двух других. Их имена — Алатар и Палландо. Они появляются в книге «Неоконченные сказания», но создатели фильма не имели права использовать материал из этой книги.

Использование в фильме «Хоббит: Нежданное путешествие» (2012) высокой частоты кадров (48 кадров в секунду) приковало к себе все внимание общественности, при этом несправедливо оставив за бортом другие достижения в создании визуальных эффектов. Джо Леттери, являясь и супервайзером визуальных эффектов в этом фильме и действующим директором компании Weta Digital, рассказал о том невероятном труде и изобретательности, которые были приложены во время создания фильма. И вот основные моменты, осуществленные в фильме:

Голлум:

Первая сцена, снятая для фильма — это «Загадки в темноте» с Энди Серкисом и Мартином Фриманом в роли Бильбо. Хотя положение головы и жестикуляция актера совпадала с виртуальным Голлумом, пропорции их тел отличались, и после захвата движения потребовалась дополнительная коррекция.
В этой сцене Голлум является полноценной 3-D моделью, и был создан без съемок игры актера на зеленом фоне.
Использование высокой частоты кадров дало возможность для переработки микродвижений в мимике, но это стало головной болью для художников, которым пришлось рисовать и ротоскопировать вдвое большее количество кадров, чем обычно.
Для этого фильма персонаж Голлума был переделан с нуля. Количество отдельных деталей на лице Голлума в «Хоббите» больше, чем на всем его теле в трилогии «Властелин колец».
В компании Weta Digital процесс создания виртуальных биологических существ с полноценным скелетом и мускулатурой развит настолько, что позволяет их делать даже более реалистичными, чем аниматронные куклы.

Бэг Энд (нора хоббита Бильбо Бэггинса):

Сцена званого обеда в Бэг Энде сделана по тому же принципу, что и сцена приезда Гэндальфа к Бильбо во «Властелине колец», в которой Гэндальф ударился головой о люстру (причем случайно).
Вместо того чтобы использовать фиксированную перспективу, Питер Джексон хотел, чтобы камера перемещалась вокруг актеров, и тем самым дать им большую свободу передвижения. Для достижения этого эффекта, были построены два различных интерьера: один соразмерный Бильбо и гномам и один, чтобы показать Гэндальфа в тесном и замкнутом пространстве. Старая съемочная площадка, которая осталась после съемок «Властелина колец», была оборудована под домашний интерьер, который показывают в фильме, а новая площадка была полностью обтянута зеленым фоном. Основная камера, двигаясь по заранее определенной траектории, снимала на первой площадке, а вторая камера синхронно с ней повторяла движения на второй площадке с зеленым фоном. И затем, чтобы соотнести нужные пропорции, кадры с первой камеры были урезаны на 33 процента.
Вся сцена в доме Бильбо была отснята за 4 дубля.
Для совмещения отснятого материала с двух камер понадобилось 18 месяцев.

Гоблины:

Первоначально были живые люди в костюмах гоблинов, которые вели героев по веревочному мосту. Были использованы аниматронные головы, но, в конце концов, они все были заменены 3D-моделями, с помощью ротоскопирования живой игры актеров.
Движения гоблинов были воссозданы при помощи технологии захвата движения. Сложно поверить, что Двалин был полностью заменен цифровой моделью в этой сцене, так же как и все остальные персонажи, потому что было проще заменить всех, чем выстраивать всю сцену вокруг одного живого персонажа.
Технология захвата движения также использовалась во время создания сцены сражения Бильбо и гоблина на мечах. Позже во время пост-продакшна гоблин был уменьшен в размерах. А лицо Бильбо было заменено цифровой копией, поскольку вместо Мартина Фримана в этой сцене играл дублер.
Кадры пещеры гоблинов были практически полностью анимированы, но было построено и несколько реальных декораций. Они были сделаны специально для того, чтобы актерам было проще ориентироваться во время съемок, но позже все декорации были заменены цифровыми.
Сцена с раскачивающимся веревочным мостом была полностью цифровой, за исключением разве что самой веревки. Аниматоры сами надели костюмы для захвата движения для имитации героев фильма, когда они прыгают с раскачивающегося моста. Чтобы снять эту сцену им потребовалось всего несколько попыток.

Король гоблинов:

Перед созданием этого персонажа Питер Джексон попросил свою команду «сделать его настолько отвратительным, насколько вы только можете его представить».
Актер Бэрри Хамфриз, сыгравший роль этого персонажа, участвовал как при захвате движения, так и во время повторной записи диалогов с использованием специального оборудования для захвата анимации лица.

Азог:

Первоначально Азог был сыгран живым актером в костюме. Но результат был похож на полинявшего дикобраза человеческого размера, так что решили пересоздать его, сделав полностью цифровую версию. (А «полинявший дикобраз» стал другим персонажем в фильме).
На создание нового Азога ушло около шести недель.

Радагаст:

Сцена погони за Радагастом была изначально снята вручную с использованием небольшой машины, которая тащила за собой сани через декорации леса. Единственное, что осталось от этих кадров — это сам Радагаст, все остальное было заменено компьютерной графикой.
Для создания пейзажа в этой сцене, программисты написали совершенно новое программное обеспечение и назвали его «Дровосек» (LumberJack). Оно позволяло не только «выращивать» анимационные деревья с нуля, но и давало аниматорам динамический контроль вплоть до каждой хвойной иголки. На разработку этого обеспечения ушло около года.

Ривенделл:

Единственной проблемой при съемках сцены, в которой Бильбо и гномы входят по мосту в Ривенделл, было то, что потолок не был частью зеленого фона. В итоге аниматоры прибегли к другому программному обеспечению под названием «Парикмахерская» (BarberShop). Изначально оно применялось для создания «цифровых» волос для каждого актера, но так же подошло для сглаживания переходных областей, которые появлялись при совмещении кадров съемок живого актерского действа и кадров с зеленым фоном.

В «Хоббите» уже не использовались миниатюры из-за жесткого графика, и на самом деле уже существующие миниатюры были слишком низкого разрешения. Почти все было сделано при помощи компьютерной графики: от водопадов до птиц (каждая из которых имела свой уникальный скелет и форму туловища). Когда Джексон желал более детально снять какую-то сцену, соответствующие места отстраивались вручную и уже впоследствии на них накладывали компьютерную графику.

Так же Джо Леттери отметил, что кадр фильма с частотой 48 кадров в секунду ни чем не отличается от фильма с частотой в 24 кадра, просто в первом их в два раза больше. Сказал, что эффект 3D не зависит от частоты кадров, и что был выбран вариант именно с частотой в 48 кадров в секунду, а не 60, потому что разница между 24 и 48 значительна, а между 48 и 60 уже не так заметна. Кроме того прокатчикам проще было приспособиться к формату с 48 кадрами в секунду. Некоторые сцены фильма конвертировали из 2D в 3D на стадии пост-продакшна. Одна из них — это крупный план Бильбо в начале фильма. Это пришлось делать из-за сбоя одной из камер.

3D-фильм с частотой 48 к/сек был отправлен в некоторые кинотеатры на стандартном SATA-жестком диске с кодом безопасности, который защищал содержимое от просмотра или копирования. Сам код предоставлялся дистрибьюторами за сутки до выхода фильма. 3D версия фильма с частотой 48 к/сек занимает 639 Гб на жестком диске. Кинотеатры могли бы скачать весь фильм через защищенный канал спутниковой связи, но закачка заняла бы больше суток. Учитывая, что для 3D изображения необходима частота 96 к/сек (по 48 к/сек для каждого глаза), объем данных одного кадра для каждого глаза составляет 0,66 Мб.

Персонаж Азог не появляется в книге. Его сын Болг является лидером сил орков в битве пяти армий. Азог появляется только в приложении к «Властелину колец», в котором рассказывается, как он убил Трора, а впоследствии был убит Даином Железностопом.

Стивен Фрай описал свою роль правителя Эсгарота так: «Питер Джексон заставлял меня есть яички для этой роли! У моего персонажа лысина и прическа с отвратительным зачесом, к тому же тонкие усы и борода, пятнистая кожа и омерзительные ногти… В общем, очень неаппетитный персонаж».

Радагаст получает сообщение от дрозда, зависшего рядом с ним. Единственная птица, физически способная так парить в воздухе, — это колибри.

Когда Бильбо пытается спасти пони от троллей, настоящие лошади привязаны поводьями к столбам. Когда затем показывают пони, уже созданных при помощи компьютерной графики, они не только не привязаны, но и без поводьев вообще.

Прежде чем орлы спасают Торина и компанию, меч Торина лежит в стороне от него, слишком далеко, чтобы его достать. Когда же орел подхватывает его, меч лежит на нем.

Контактные линзы Гэндальфа видны на крупных планах в сценах за столом Бильбо.

Когда Торин обращается к группе за обеденным столом Бильбо Бэггинса, расположение, цвет и текстура элементов на блюде (печенье или бисквиты) меняются.

Вскоре после того как команда встречается с Радагастом, их прогоняют из леса и в тундру, но, когда после этого камера движется вокруг карликов, никакого леса нет и в помине.

В сценах с Галадриэль можно заметить, что, когда она поворачивается на месте, нижняя часть ее платья красиво оборачивается вокруг ее ног. Когда она прощается с Гэндальфом, она поворачивается и в этот момент широко расставляет ноги, но в следующем кадре ее ноги уже сдвинуты и опять красиво завернуты в платье.

Меч Бильбо не светится синим во время нападения орков на скале.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Главная миссия героев мультфильма — вернуть лето, исчезнувшее из королевства Эрендел в самом разгаре июля по оплошности принцессы Анны. Она обладает уникальной способностью превращать все, чего касается, в лед и снег. Спасать мир, то есть возвращать метеоусловия на сезонные круги своя, отправится ее младшая сестра Эльза со случайными попутчиками — добытчиком льда Кристофом, его оленем и снеговиком Олафом.

«Холодное сердце» — классический образец стандартизированной по всем параметрам истории, в меру увлекательной, в меру смешной и наивной, в меру поучающей. Вдохновлялись, естественно, классикой, но от «Снежной королевы» не оставили камня на камне, заменив брата на сестру, зло на предубеждение, опасности на приключения. В мультфильме есть всё, что от него ждут: принцессы (холодные и не очень), принцы (чистокровные обманщики и простоватые дуралеи), обаятельные персонажи второго плана (олень и снеговик), музыкальные номера (для номинации на Оскар) и любовь, которая спасёт мир. Красочная картинка и зимние пейзажи прилагаются, но разве кто-то ожидал от «Диснея» обратного?

На фоне поразительно красивых декораций Дисней в очередной раз рассказывают старую как мир историю, очень искреннюю и добрую, и не лишенную морали. Здесь всего в меру: периодически шутя, мультфильм не превращается в комедию или стеб, а сильная драматическая часть лишена излишней сопливости, положительные персонажи вызывают сильную симпатию, как им и подобает, а явных отрицательных персонажей и источника зла в мультфильме просто нет. Есть тут, чем поразвлечься и взрослым — для них припасены вполне недетские шуточки, а также аллюзии и на «Сумерки», и на «Аватар», и на «Властелин колец», и на «Хроники Нарнии». Итог просто торжественен: перед нами один из самых обаятельных мультфильмов последних лет, отлично подходящий для семейного просмотра, и главный претендент на призы нынешнего наградного сезона.

Интересные факты:

Фильм снят по мотивам сказки Ганса Кристиана Андерсена «Снежная королева».

В одной сцене Оукен предлагает Анне «лютефиск», который изображен как рыба в банке. Лютефиск является традиционным блюдом в странах Северной Европы. Для приготовления сушёную рыбу замачивают в щелочном растворе на трое суток, после чего вымачивают несколько дней в воде.

Помимо того, что Дженнифер Ли стала первой женщиной, которая занималась режиссурой полнометражного анимационного фильма студии Disney, она также стала второй женщиной, единолично написавшей целый сценарий для анимационного фильма студии Disney. Первой была Линда Вулвертон, написавшая сценарий для фильма «Красавица и чудовище» (1991).

Певица Деми Ловато записала песню «Let It Go» специально для мультфильма.

В сцене коронации Эльзы среди гостей можно заметить Рапунцель и Флина Райдера, из анимационного фильма «Рапунцель: Запутанная история» (2010).

Картина, вдохновленная знаменитым произведением Жана-Оноре Фрагонара «Качели», была создана во время работы над фильмом «Рапунцель: Запутанная история» (2010) и так приглянулась создателям «Холодного сердца», что они использовали эту картину в сцене, когда Анна поет песню «Впервые» и в прыжке повторяет позу девушки на картине.

Любовь Анны к сладкому безгранична. Так, на тарелке во время бала, можно заметить конфеты прямиком из игры «Сахарный форсаж», известной зрителям по анимационному фильму «Ральф» (2012).

Для создания Олафа потребовалось изобрести целых две программы. Одна из них, Spaces, позволяла аниматорам растопить снеговика и собрать вновь. Вторая, Flourish, упростила специалистам задачу с оживлением дополнительных деталей персонажа — веткам на его голове, к примеру.

Эльза стала любимым персонажем Джона Лассетера, выступившего исполнительным продюсером. По его словам, характер этой героини настолько сложный, что ее нельзя назвать настоящей злодейкой.

По словам продюсера Питер Дель Вечо, родственные отношения между Анной и Эльзой были установлены ради достижения эмоциональной глубины сюжета.

Чтобы создать мир, в котором живут персонажи мультфильма, производственная команда побывала в городе Джексон Хоул, штат Вайоминг, и в Норвегии. В этой стране особое внимание было уделено фьордам, деревянным церквям и их текстурной кровле, а также национальному стилю живописи «rosemaling». В Джексон Хоул некоторые аниматоры носили длинные тяжелые одежды, чтобы узнать, как герои мультфильма должны передвигаться по глубокому снегу.

По словам Криса Бака, снег — один из ключевых персонажей. Его реалистичный вид был главной головной болью аниматоров. Чтобы справиться с задачей, было разработано новое программное обеспечение, включая программу Matterhorn, позволявшую создавать бесконечное число вариаций свежего, липкого и мокрого снега.

Гардероб Анны разработала Дженнифер Ли. Режиссер выбрала «игривые» цветочные узоры для платьев принцессы и насыщенные цвета. Одежда, в которой Анна отправляется в путь, изготовлена из тяжелой шерсти и бархата.

Принц Ганс, Кристоф и Анна названы в честь датского писателя Ганса Кристиана Андерсена.

Идина Мензел пробовалась на роль Рапунцель в фильме «Рапунцель: Запутанная история» (2010). Несмотря на то, что она не получила эту роль, кастинг-директор студии Disney оставила у себя записи ее прослушивания и двумя годами позже Мензел досталась роль Эльзы. Кристен Белл также проходила прослушивание на роль в фильме «Рапунцель: Запутанная история» (2010).

Walt Disney Animation Studios несколько раз пытались сделать экранизацию сказки «Снежная королева» Ганса Кристиана Андерсена в 2000-х годах. В первый раз они пробовали это сделать в 2002-м году, тогда аниматор Глен Кин покинул проект, после чего создание фильма было прекращено. «Снежная королева» снова всплыла в 2009-м году и Джон Лассетер привлек к проекту режиссеров Кирка Уайза и Гари Труздейла. Продюсер Дон Хан и сценарист Линда Вулвертон также присоединились к проекту наряду с Аланом Менкеном и Гленном Слэйтером, которым было поручено написать песни к фильму. В 2010-м году работа над проектом была приостановлена, после чего все вернулось на стадию разработки.

Первоначально королева Эльза должна была стать злодейкой. Однако, после того как продюсерам поставили главную песню этого персонажа, «Let it go», они нашли эту песню очень трогательной и слишком позитивной для персонажа-злодея. В итоге сюжет был переписан.

Кристен Белл рассказала, что еще с детства мечтала о том, чтобы озвучить анимированного персонажа. Это желание зародилось в ней после просмотра мультфильмов «Русалочка» (1989) и «Аладдин» (1992), тогда же она записала, как она сама исполняет несколько песен из «Русалочки» (1989). Эти записи послужили одной из причин, почему она получила роль Анны.

Режиссер Дженнифер Ли сказала, что если бы не эти ее записи с песнями из «Русалочки» (1989), то было бы очень сложно найти подходящую актрису для роли Анны.

Для того чтобы аниматоры смогли изучить движения и манеру поведения оленя, в студию привезли настоящее животное. Дженнифер Ли сказала, что для нее это был лучший момент в процессе создания фильма.

Художественное оформление, созданное Майклом Джиаймо, было навеяно такими фильмами как «Золушка» (1950), «Питер Пэн» (1953) и «Спящая красавица» (1959).

Сантино Фонтана пробовался на роль Флинна Райдера в фильме «Рапунцель: Запутанная история» (2010). Благодаря тому прослушиванию ему предложили роль Кристоффа в «Холодном сердце» (2013). Но в итоге ему досталась роль Ганса.

22 декабря 2011-го года студия Disney объявила, что проект «Снежная королева» снова возвращен в стадию разработки и переименован в «Холодное сердце» (Frozen). Было также объявлено, что проектом занимается уже другая команда людей, и что выход фильма запланирован на 2013-й год. Однако не было сказано — будет это рисованная анимация или компьютерная. Двадцать дней спустя, 11 января 2012 года, было объявлено, что фильм будет анимирован при помощи компьютерных технологий.

Продюсер Питер Дель Вечо объяснил решение поставить во главу проекта двух режиссеров тем, что они могли как разделять свои обязанности и заниматься разными вещами, так и при необходимости вместе принимать решения или рождать какие-то новые идеи. Таким образом, они могли сделать большее количество работы за один день, нежели если бы над проектом работал только один режиссер.

Фильм стал режиссерским дебютом для Дженнифер Ли.

Майкл Джиаймо был тем человеком, который выдвинул идею о том, что фильм следует снять в системе синемаскоп (CinemaScope), чтобы передать всю его масштабность. Идея сразу же получила поддержку со стороны Джона Лассетера.

Одежда Эльзы в разное время отражает состояние героини: в начале мультфильма, когда она скрывает свою силу, одежда на ней скромная и неприметная. Когда же Эльза принимает себя и раскрывает свою сущность, платья подчеркивают ее свободу.

Ближе к концу фильма, когда Кристоф обнимает Анну, можно заметить, как его большой палец на мгновение проходит сквозь ее тело.

В сцене, где Анна и Ганс танцуют в маяке, их тени видны на парусе корабля, но при этом не видно тени площадки, на которой они танцуют.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Что было бы, если бы 65 миллионов лет назад не случился глобальный катаклизм, уничтоживший динозавров? Ящеры постепенно эволюционировали бы в разумных существ – таких как семья травоядных апатозавров, построивших ферму в горной долине Северной Америки. В то время как двое старших детей семьи растут крепкими и храбрыми, младший апатозавр Арло с рождения отличается слабостью, трусостью и неуклюжестью. Он не может даже справиться с простейшей задачей – защитить урожай кукурузы от двуногого звереныша, который повадился объедать початки. Когда отец динозаврика пытается исправить промах сына, он погибает в волнах разлившегося горного потока. Вскоре после этого в воду падают и Арло со зверенышем, который оказывается первобытным человеком. Когда вынесенный на берег динозаврик приходит в себя, он обнаруживает, что река унесла его далеко от дома и что возвращаться назад ему придется пешком. В этом путешествии ему помогает «звереныш», который получает кличку Дружок и становится любимцем Арло – его маленьким бесстрашным песиком.

Мультфильм является полнометражным дебютом режиссера Питера Сона, до этого он успел поработать над короткометражкой «Переменная Облачность», который шел в кинотеатрах перед другим фильмом Pixar «Вверх». Уже тогда Сон зарекомендовал себя как мастера по-настоящему хватающих за душу развязок, и на этот раз режиссер также не подвел.

Налицо уже две проверенных временем истории: фантазия о том, что динозавры сосуществуют с людьми, и сюжет о хозяине и питомце. Но в обоих случаях мастера из студии Pixar подошли к ситуации оригинально – метеор, в теории врезавшийся в землю и тем самым уничтоживший гигантских ящеров, пролетел мимо, динозавры эволюционировали, могут говорить, а вот люди оказались довольно примитивны – тот же Дружок на двух ногах ходить не может, не то что беседы вести. Вот и получилась прелюбопытная смена ролей, когда пресмыкающееся выполняет роль хозяина, а человек – питомца.

Конечно, видя невероятно реалистичный мир, которым может похвастаться мало какая анимационная лента, задаешься вопросом – а почему герои такие мультяшные? Отвечая на него, стоит учесть множество факторов, в первую очередь то, что главная тема фильма – страх. Как с ним жить, как не давать ему парализовать тебя и так далее, в том числе и идея о том, что нечто на первый взгляд опасное может быть дружелюбным и наоборот. А как развивать эту тему, если в реальности почти все эти животные выглядят опасными? Всего лишь элементарное художественное упрощение, в котором нет ничего плохого.

У «Хорошего динозавра» была довольно сложная история производства, и по итоговому произведению это видно. То тут, то там всплывают малюсенькие косяки, будь то появляющийся только в одной сцене персонаж, где он и так не особо нужен, или флэшбек, отсылающий к событиям, которые происходили не так давно, и при всем желании мы не могли бы их забыть. Но на самом деле все это незначительные мелочи.

В совокупности с безумно красивыми пейзажами, чудесной музыкой и небанальными героями и без того интересное путешествия Арло и Дружка оказывается еще более захватывающим, а концовка – еще более трогательной. «Хороший динозавр» можно назвать детским вестерном – это отличная смесь забавных, драматичных и нежных ситуаций, подталкивающих главного героя в нужном душевном направлении.

Мы уже давно знаем, как Pixar любит рисовать родную страну – достаточно вспомнить потрясающие ландшафты «Тачек». В «Хорошем динозавре», однако, эта любовь переросла в абсолютное, запредельное обожание. Американская природа отображена в фильме с фотореалистичной детальностью, и каждая травинка настолько живописна, что после выхода из зала ноги сами несут зрителей в бюро путешествий. Очень хочется узнать, так ли все на самом деле! «Хороший динозавр» принадлежит к той редкой категории фильмов, которые стоит увидеть ради того, как показан окружающий героев мир. Такую красоту обязательно нужно оценить на большом экране в 3D.

Интересные факты:

Во время исследовательской экспедиции по Вайомингу кинематографисты решились сплавиться по реке Снейк. Путешествие снималось на камеру GoPro. В какой-то момент крепеж камеры ослаб, и она упала в реку. К счастью, опытный гид, знавший реку, сумел рассчитать, куда примерно поток вынесет ценную аппаратуру. Камеру нашли, при этом она продолжала работать. Съемочная группа получила бесценный материал, на котором был запечатлен весь заплыв от начала и до конца, в том числе — и подводные съемки.

При создании местности использовались фотографии со спутников. Был написан специальный плагин для программы, который указывал, что любое зеленое пятно на карте — это деревья и другие зеленые насаждения. По той же аналогии наносились на карту и другие типы местности: коричневый — земля и грязь, синий — водоем или река.

Работая над семейством тираннозавров, художники черпали вдохновение в семействе фермеров с северо-западного тихоокеанского побережья США. Кинематографисты наткнулись на дом этой семьи во время исследовательского турне и были очарованы их внешностью и отношением к жизни.

Для того, чтобы местность в фильме выглядела реалистично, команда художников и технических специалистов Pixar подробно изучала Дикий Запад Америки, начиная с города Джунтура (штат Орегон) и вплоть до долины Джексон Хоул (штат Вайоминг). Именно в той местности, если верить сценаристам, заблудился Арло.

Чтобы окунуться в пучину девственной природы был организован исследовательский конный поход в Вайоминг. Дорога кинематографистов проходила вдоль горного хребта Тетон и реки Снейк. Исследовательская экспедиция дошла до Южной Монтаны, испытав на себе непростые климатические условия. Чтобы перенести все увиденные в ходе экспедиции красоты на экран, кинематографисты обратились к техническим специалистам Pixar, поскольку нужно было обработать огромный массив информации. Данные по Вайомингу нашли в Интернете. С остальными территориями создателям фильма помогло Американское Геологическое Управление, специалисты которого предоставили исчерпывающие ландшафтные данные по всем Соединенным Штатам. Большая часть сведений была представлена в качестве аэрофотографий. Информация о высотах точек рельефа местности стала отправной точкой в последующих изысканиях и разработке системы генерирования компьютерного ландшафта.

Готовясь к съемкам фильма, художники и техники из Disney/Pixar создали целую библиотеку различных дождевых и облачных эффектов, которые могли видоизменяться и комбинироваться друг с другом для получения оригинальных сочетаний. Обычно облака рисуются двухмерными, в этом же фильме, впервые в истории мультипликации, они были сделаны стопроцентно объемными. Они подвижны и могут освещаться с любого ракурса, создавая очень реалистичную облачность.

Работая над внешностью и поведением Бура (огромный тираннозавр, которого встречает Арло по дороге домой), кинематографисты ориентировались на актеров, которые гармонично смотрелись в образах классических ковбоев, таких как Клинт Иствуд и Джек Пэланс.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
В последние годы в голливудском кинематографе стало необычайно модно собирать в рамках одного проекта массу знаменитых зрителю героев. Первой ласточкой была «Лига выдающихся джентльменов». За ней последовал «Ван Хельсинг», затем «Неудержимые», «Мстители» и т. д. В мультипликации немного подобное объединение уже возникало в тетралогии «Шрек», но только в «Хранителях снов» все герои фильма полностью равноценны и готовы за себя постоять. У каждого из них полно экранного времени, хоть повествование и ведется в основном от имени мало нам известного Ледяного Джека.

На нашей планете на самом деле существует множество сказочных героев, среди которых Санта Клаус, Рождественский кролик, Зубная фея, Песочник и Ледяной Джек. Но если есть добро, то его должно оттенять и зло в лице Кромешника, который разрушает всю позитивную магию героев и навевает страх и кошмар в душах детей всей Земли. Вот именно его и должны остановить Хранители, но у Джека есть и другая цель — узнать тайну своего появления на свет…

Ответ на вопрос собственных детей о том, в каких взаимоотношениях находятся Рождественский кролик и Санта Клаус, занял у Уильяма Джойса несколько лет и тринадцать книг. Созданная им — и экранизированная в «Хранителях» — вселенная, где уживаются Рождественский кролик и Санта, — лишь отчасти напоминает известные легенды. Это хоть и сказка, но современная, и потому в ней легко можно обнаружить и заимствования из «Песочного человека» Нила Геймана, и почти буквальные цитаты из Толкина, и недетские моральные дилеммы, и даже отчетливый, пусть и не слишком вразумительный, религиозный подтекст. Все это буйство сюжетных мотивов здесь выстроено в довольно увлекательную и связную историю.

Кинотеатральный трейлер обещал нам действительно качественное фэнтези в своем лучшем проявлении, и мы это получили! Создатели раскрыли нам не только уже множество раз показанный на экране Северный полюс и дом-фабрику Санта Клауса, но и норы Кролика и дворец Феи. И все это настолько изящно и юморно, что во время просмотра вы забываете обо всем на свете и оказываетесь в мире грез и сказок словно маленький ребенок. И это прекрасно!

Уже в первой части фильма действие поражает красочностью и динамизмом, сочетающимся с красивыми и добрыми фантазиями. Накалу страстей и страшным боевым сценам из его второй половины позавидует самый интригующий триллер или крутой блокбастер. Но исполнение детских желаний и настоящие мечты невозможно измерить по шкале кинооценок, они дороже всего на свете.

«Хранители времени» — один из самых запоминающихся анимационных фильмов последних лет. Секрет фильма в том, что он одновременно страшный и смешной, динамичный и романтичный, серьезный и развлекательный. Словом, настоящее кино с глубоким моральным подтекстом, оформленным не в тяжеловесную уныло-назидательную форму, а исполненный в доступных и понятных любому возрасту красочных сценках. Так, чтобы зритель, не задумываясь особо, сумел воспринять и запомнить главное: преданность дружбе важнее собственных интересов и амбиций.

Многие проекты студии DreamWorks до завязки заполнены шутками и гэгами. Это, конечно, хорошо. Но что выделяет картину «Хранители снов», так это отличный баланс между захватывающей драматической историей и юмором. В какой-то момент даже становиться казаться что мы смотрим не мультфильм, а качественный фэнтези-блокбастер. Здесь также имеется юный и неопытный герой, который в финале спасает мир, друг-соперник для постоянных перепалок, прекрасная дама, молчаливый добряк и ироничный, умудренный опытом наставник.

«Хранители снов» — идеальный вариант для праздничного настроения. Это сказка и для взрослых, и для детей. Действительно неординарный проект, который скрасит не один зимний вечер.

Интересные факты:

Аниматоры, сделавшие персонаж Джека, утверждают, что в фильме ему 18 лет. Озвучивавшему его актеру (Крис Пайн) было 32, когда он записывал голос для фильма.

Рождественский кролик предупреждает: «Даже не надейся кролика обогнать». Это шутка с намеком на басню Эзопа о гонке между черепахой и зайцем, в которой победила черепаха.

Последний фильм студии DreamWorks Animation, дистрибьютором которого стала компания Paramount.

Рождественский кролик открывает в земле кроличью нору и прыгает в нее. Это намек на «Алису в Стране чудес», где кроличья нора ведет в другое измерение.

Изначально предполагалось, что озвучивать Ледяного Джека будет Леонардо ДиКаприо, но он покинул проект во время препродакшна.

Кристофер Ли, Дуэйн Джонсон, Натали Портман, Хью Лори и Иэн МакШейн рассматривались для озвучивания различных ролей в фильме.

Зубная фея в фильме представляет собой комбинацию человека и колибри.

В мастерской во время открытия Санта Клаус слушает и напевает сюиту Игоря Стравинского «Жар-птица».

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Клайв Стэйполд Льюис в 1950-1956 годах написал цикл книг про волшебную страну Нарнию, где магия — это обычное дело, а разговаривающие мифологические существа — ее законные жители.

В 2005 году киностудия Wald Disney экранизирует одну из книг К. С. Льюиса — «Хроники Нарнии: Лев, Колдунья и волшебный шкаф». Эта картина собрала приличную кассу в мировом прокате. В связи с этим боссы Wald Disney выпустили в 2008 году продолжение: «Хроники Нарнии: Принц Каспиан». Этот фильм проваливается в прокате, но окупает свой бюджет.

Вот наступил декабрь 2010 года и 20th Century Fox выпускает на экраны третью часть — «Хроники Нарнии: Покоритель Зари». Эта картина нам рассказывает не о стране Нарнии, а о корабле «Покоритель Зари», на котором известные нам герои отправляются на поиски приключений.

Знакомые герои, потрясающие пейзажи, красочная картинка наряду с необыкновенными сказочными персонажами, интересный сюжет — непременные составляющие успешных фэнтезийных картин, и все это здесь есть.

Фильм Майкла Эптида не похож на военную эпопею, как это показано в «Принце Каспиане»; он больше походит на приключенческую картину, которая притягивает зрителя на целых два часа и не отпускает. В ней много интересных моментов. Например, сцена с семью мечами напомнила мне фильм «Индиана Джонс и королевство хрустального черепа», где надо было вернуть череп.

Были очень интересные и захватывающие кадры, которые поставлены профессиональным режиссером и профессиональной операторской группой.

Захватил меня момент на острове работорговцев. Все было выдержано в напряжении и страхе. Хвалю оператора, который прекрасно снял боевой эпизод. Его кадры украшали и делали еще прекраснее сражение нарнийцев. Так же мне понравился заключительный эпизод (остров зла). Он поражает своей масштабностью и энергичностью. Во многих моментах даже замирало дыхание от волнения.

К сожалению, компьютерная графика слабая. Не сказать, что она совершенно никуда не годится, но особым качеством не отличается. Дракон какой-то пластилиновый и не впечатляющий. Морское чудовище впечатляет, но не с графической стороны. В общем, компьютерные персонажи не удались. Увы! А вот актеры были более интересны. Они точно передавали все чувства героев «Покорителя Зари».

Главное почему этот фильм стал мне так дорог — это сказка, которую он дарит каждому человеку. И несмотря на то, что герои этого фильма подростки и, казалось бы, он больше ориентирован на юную аудиторию, фильм этот можно смотреть и в 10 и в 60 лет. «Хроники Нарнии» - очень чистый и искренний фильм, который даёт веру в сказку и проповедует идею, что люди не должны завидовать другим, не должны бояться своих страхов, а бороться с ними.

Интересные факты:

Фильм снят по мотивам романа К. С. Льюиса «Покоритель зари, или Плавание на край света» (The Voyage of the Dawn Treader, 1952).

Основные съемки фильма «Хроники Нарнии. Покоритель Зари» начались в штате Квинсленд, Австралия, 27 июля 2009 г., где осуществлялся полностью весь процесс производства, занявший 90 дней. Павильонные съемки проводились в нескольких киносъемочных павильонах студии Warner Roadshow в Голд Коуст.

На морском мысе Кливленд Пойнт был создан заглавный персонаж фильма, величественный Покоритель Зари. После съемок под открытым небом, конструкцию высотой 140 футов и весом 125 тон разобрали более чем на пятьдесят элементов и отвезли обратно на студию, чтобы снимать дальше в павильоне. Процесс съемок завершился в ноябре 2009 г.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Ожидаемый, но во всех отношениях неожиданный новый фильм Мартина Скорсезе — первый, снятый киноклассиком в 3D, для детей и к тому же не совсем на заявленную в сюжете тему. Игрушечная история сиротки, ищущего нити к семейной тайне, оказывается режиссерским признанием в любви эпохе немого кинематографа.

Малолетний обитатель Парижа тридцатых годов Хьюго Кабре волей несчастного случая остается сиротой — папа-часовщик (Джуд Лоу) трагически гибнет в пожаре на десятой минуте фильма. Тут же объявляется дядя-пропойца, тоже следящий за временем, но на вокзале; селит малыша в угол вокзальной башни и заставляет ухаживать за часовым механизмом. Единственная отрада юного Кабре — доставшийся от отца сломанный робот и увлекательная вокзальная жизнь. Будни скрашивает воровство круассанов и очаровательная Изабель (Хлоя Морец), в берете и тоже с семейной тайной, а жизнь усложняет злобный констебль с трудной судьбой, доберманом и лицом Саши Барона Коэна. Механизм автоматона, который заводит юный механик, запускает удивительную цепь событий, связанных с судьбой Мельеса и всего французского кинематографа. Фильм, начавшись о том, как дети на фоне почти игрушечного Парижа пускаются в большое приключение, где-то посередине вдруг превращается в оду истории кинематографа: одержимый желанием раскрыть тайну жизни отца, Хьюго с подружкой вместо этого открывают забытого (и вполне реального) режиссера немого кино Жоржа Мельеса. Так что под прикрытием рождественской сказки Скорсезе снял историю о любви к кино и с явным автобиографическим подтекстом.

«Хранитель времени» — лента красочная и сентиментальная; с трудом верится, что ее режиссером выступает Мартин Скорсезе. В своем трехмерном детище мастер криминальной драмы решил немного пофантазировать,... объединить правду и вымысел, подарить зрителям сказку и одновременно преподать небольшой урок из истории кинематографа. Под звуки печальной музыки и трехмерным снегопадом можно взгрустнуть и пофилософствовать.

Персонажи в исполнении звездных актеров вышли симпатичными, но карикатурными, приторно добрыми или злыми. Их поступки и диалоги (местами растянутые и «разжеванные») по большей части утомляют. Рассчитывая на аудиторию всех возрастов, режиссер в итоге не угодил полностью ни тем, ни другим. Фильм получился простым в исполнении, милым, но не увлекательным. Юных зрителей вряд ли заинтригует жизнеописание Мельеса, а взрослых — «удивительные и невероятные» приключения бедняжки Хьюго. Сложившуюся ситуацию уравновесил бы юмор, но его нет.

В итоге кому-то картина покажется редкостной тягомотиной (и небезосновательно). Для других станет удивительной возможностью прикоснуться к магии кино и увидеть наследие Мельеса на большом экране. Оставаясь где-то посередине, можно получить положенную долю удовольствия. Яркая и красивая картина пропитана атмосферой открытий и настоящим кинематографическим очарованием. Снятое с живописными пейзажами, выразительными спецэффектами и харизматичными героями, такое кино оставляет сильный след в памяти, неся в мир что-то вечное и доброе, при этом без банальных морализаторских нагрузок. Хотя при самом сочетании "Сказка от Мартина Скорсезе" воображение рисует не самые радужные перспективы и весьма слабые надежды на счастливый финал, данный опыт режиссёру удался во всем великолепии жанра, благодаря чему получилась одна из наиболее ярких и трогательных кино-сказок.

Интересные факты:

Фильм снят по детскому рассказу Брайана Селзника «Изобретение Хьюго Кабре».

По-французски имя героя должно произноситься как Юго. Но ещё интереснее тот факт, что это имя могло быть дано мальчику в честь французского писателя Виктора Гюго (у нас закрепилось неверное произношение его фамилии).

Прототипами автоматона, использованного в фильме, являются робот, созданный семьёй Жаке Дро, а также автоматон, созданный швейцарским часовщиком Генри Мэйллардетом, которого сценарист фильма Брайан Селзник увидел во Франклинском институте, штат Филадельфия.

Эпизод с крушением поезда из сна Хьюго действительно имел место 22 октября 1895 года на парижском вокзале Монпарнас. В тот день сильно опаздывающий поезд не сумел затормозить на уклоне, пробил путевой упор, выехал на перрон, пробил стену здания и рухнул со второго этажа на улицу. В результате 5 человек пострадало, а продавщица газетного киоска погибла от обломка стены, упавшего на киоск.

Примечательно, что картина Скорсезе «Hugo», как и графический роман Брайана Селзника — в оригинале «The Invention of Hugo Cabret» (Изобретение Хьюго Кабре), — взятый за ее основу, в России представлены как «Хранитель времени». Возможно, чтобы зритель не акцентировал свое внимание на главной роли мальчика Хьюго Кабре, ведь большая часть фильма повествует о жизни Жоржа Мельеса, и именно он и есть главный герой? А может, главным хранителем времени является историк кинематографа Рене Табар? Ведь именно он помог отыскать сохранившуюся видеопленку с фильмом Мельеса, вернув то, что казалось безвозвратно утраченным, как время, мчащееся от нас в далекое прошлое…

Описание (клик - развернуть/свернуть):
«Человек-муравей» — очередной кинокомикс вселенной Marvel, сужающий поле битвы до размеров дорожной сумки.

Скотт Лэнг (Пол Радд) подался в грабители не от хорошей жизни и у него неплохо выходит. Его отвага и страсть к авантюризму получают явное, хоть и экстравагантное поощрение. Пробравшись в дом ученого Хэнка Пима (Майкл Дуглас), он крадет у него странный костюм, способный уменьшать владельца до размеров насекомого. Надев на себя хай-тековое одеяние, Скотт слышит в шлемофоне приятный голос Пима. Выясняется, что Хэнк собственноручно подвел вора к злодеянию, чтобы сделать своим союзником в борьбе с не вполне оправдавшим надежды экс-коллегой, который задумал недоброе.

Второй год подряд Marvel ставит в летний прокат темную лошадку из своей линейки кинокомиксов. В прошлом году в этой роли выступали «Стражи Галактики», но там уже на уровне трейлеров было ясно, что енот Ракета завоюет любовь миллионов зрителей вне зависимости от прочих достоинств картины. С «Человеком-муравьем» ситуация немного сложнее. Как и в случае с многими марвеловскими персонажами, чудо-костюм примеряли на себя разные люди. Первоначально планировалось, что фильм будет рассказывать историю первого владельца и разработчика — Хэнка Пима, но от этой идеи было решено отказаться, поскольку в придачу к гениальности герой имел в анамнезе шизофрению. В связи с этим презентацию костюма доверили Лэнгу — второму Человеку-муравью.

Возникли проблемы и с разработкой сценария. Первый вариант был написан британцем Эдгаром Райтом, создателем «Типа крутых легавых», «Зомби и Шон» и других комедий с дуэтом Саймона Пегга и Ника Фроста. Райт оказался фанатом оригинального комикса, но покинул проект из-за разногласий с продюсерами. В итоге дописать за ним позвали еще нескольких авторов, а в режиссерское кресло сел Пейтон Рид — постановщик «Всегда говори «да» с Джимом Керри и мультсериала «Назад в будущее». В связи с этой чехардой даже у завзятых поклонников графических романов «Человек-муравей» вызывал определенный скепсис, который лишь усиливался по ходу приближения премьеры.

С первых же кадров фильма, впрочем, выясняется, что сомневаться в мастерстве и продюсерской хватке Marvel все же не стоило.

Механика, отработанная в целом ряде предыдущих фильмов, работает как хорошенько смазанные американские горки. Алгоритм восхождения простого парня к героическому статусу остается одним и тем же, но антураж не позволяет ни обвинить картину в банальности, ни заскучать. Да, Человек-муравей — это менее раскрученный бренд, чем, скажем, Железный человек, а значит, и детали его истории должны быть гораздо ярче. Фильм вполне предсказуемо может напомнить старшим зрителям хай-тек-версию «Приключений Карика и Вали» или «Бибигона», но это совершенно не недостаток: когда еще доведется посмотреть на красных муравьев на огромном экране и в 3D. С другой стороны, несмотря на уход из проекта Райта, отдельные гэги в фильме (как огромный, вращающий глазами игрушечный паровоз) явно достались от его сценария.

От главных героев здесь требуется немного, и Пол Радд, конечно, пока не может конкурировать с Робертом Дауни-младшим, но и не теряется на фоне окружающего действия, как Крис Прэтт из «Стражей Галактики».

Основное же внимание все равно сосредоточено на второстепенных персонажах.

Прежде всего на аристократичном сумасброде Майкле Дугласе, с невозмутимым видом несущем белиберду про уменьшение до размера кванта. Кроме того, стоит отметить успешно пробивающуюся в первую голливудскую лигу звезду сериала «Остаться в живых» Эванджелин Лилли, сыгравшую дочку Хэнка Пима.

Все вместе дарит зрителю два часа, на которые, честно говоря, грех жаловаться. Плюс очень к лицу «Человеку-муравью» и смена антуража: лучшие сцены здесь сняты с привычным для Marvel планетарным размахом, но разворачиваются в пределах муравейника или, допустим, сумки, в которую падают крохотные герои. Это обстоятельство показывает, что Marvel способна не только бить зрителя по голове кусками земной коры (как в последних «Мстителях»), но и не чужда психоделичности, которой, по чести, очень не хватало в полированном мире современных блокбастеров.

Особое и, пожалуй, главное удовольствие от фильма – наблюдать за преображениями главного героя. Уменьшенные люди показаны на экране не в первый раз, но технические возможности позволяют взглянуть на ситуацию в прямом смысле под новым углом. Скотт Лэнг на пути к становлению в качестве супергероя проходит огонь, воду и медные трубы, а точнее, путешествует по канализации, пытается не угодить под каблуки посетителям ночного клуба и взбирается на крышу игрушечного поезда – какой блокбастер без сцены погони на железной дороге?

И какой фильм Marvel без самоиронии и цитат: Лэнг поначалу – нелепый неудачник, который по ходу действия превращается в укротителя насекомых и спасителя людей. В процессе обучения ему даже выпадает шанс схлестнуться с одним из уже знакомых героев франшизы. Как известно, в следующий раз Человека-муравья можно будет увидеть в новых «Мстителях».

Интересные факты:

Человек-муравей ждал выхода на экраны четверть века. Автор комикса Стэн Ли предлагал сюжет студии New Line Entertainment еще в конце 1980-х, но тогда было решено, что получится слишком похоже на семейную комедию «Дорогая, я уменьшил детей» (1989).

Обычно супергерои имеют внушительный вид, но Человек-муравей и тут скорее исключение: исполнитель роли Пол Радд довольно компактен (175 см) и умеренно мускулист. Хотя это если сравнивать со здоровяками Тором (Крис Хемсворт, 190 см) и Капитаном Америка (Крис Эванс, 183 см). А Железный человек Роберт Дауни-младший даже чуть ниже (174 см). Как и громила Халк, который, пока смирный и похож на Марка Руффало, уступает Человеку-муравью 2 см. Скоро, кстати, Человек-муравей вольется в эту команду.

Также как и в остальных фильмах киновселенной MARVEL, большое внимание уделялось деталям интерьера викторианского дома доктора Пима, начиная с мебели и камина, заканчивая витражным стеклом и оформлением стен. Обои в ограниченном количестве были куплены в нью-йоркском магазине, специализирующимся на интерьерах 1930-40 гг. Художникам-постановщикам пришлось с ювелирной точностью рассчитывать поклейку обоев, чтобы ни один сантиметр эксклюзивного материала не пропал даром.

Шон Бин, Пирс Броснан и Гари Олдман рассматривались на роль Хэнка Пима.

Первоначально фильм должен был сосредоточиться на первом Человеке-муравье, Хэнке Пиме. Однако создатели фильма сочли, что история Пима может быть неблагоприятно воспринята (этот персонаж страдал от раздвоения личности), и вместо него решили сфокусироваться на преемнике Пима, Скотте Лэнге, при этом Пиму была отведена второстепенная роль наставника.

Вдохновляющими факторами при создании шлема Человека-муравья послужили шлемы Железного человека и трансформера Бамблби.

На роль Человека-муравья рассматривался Джозеф Гордон-Левитт.

Когда персонаж Осы, жены Хэнка Пима, еще был в сценарии, на эту роль рассматривалась Рашида Джонс.

Эдриан Броуди выражал свой интерес к роли Человека-муравья.

Джессика Честейн отказалась исполнить главную женскую роль, Хоуп ван Дайн, из-за несогласованности в расписаниях съемок.

Адам МакКей, Рубен Флейшер, Роусон Маршалл Тёрбер, Николас Столлер, Майкл Даус и Дэвид Уэйн рассматривались на роль режиссера.

Патрик Уилсон мог сыграть в этом фильме, но ему пришлось покинуть проект из-за несогласованности съемочных графиков.

Дизайнер костюма Сэмми Шелдон и дизайнер головных уборов Иво Ковени совместно с командой художников создали для Человека-муравья 13 костюмов, 17 шлемов, 17 поясов, 8 пар перчаток, 6 пар обуви, 15 рюкзаков, 15 подшлемников и 14 воротников. Каждый шлем состоит из 54 деталей и 10 светодиодных индикаторов. Если прибавить еще детали подшлемника, то получится, что каждый шлем сделан из более чем 60 отдельных частей.

В каждый костюм Человека-муравья вмонтировано 159 светодиодных индикаторов, которые управляются дистанционно. Все электронные схемы и энергопитание для индикаторов помещены в рюкзак. Весь костюм целиком, включая перчатки и пояс, подсвечивается.

Сцены с последовательным уменьшением Человека-муравья созданы с помощью комбинации кадра макросъемки, т. е. снятого сверхкрупным планом, и захвата движения актеров и каскадеров в кадре. Для каждого кадра создавалась мини-декорация.

Вдохновленные съемками миниатюрных сцен, съемочная команда смастерила «мини-хлопушку» для синхронизации картинки и звука. «Мини-хлопушка» — точная копия старой и доброй деревянной «хлопушки», на которой писали мелом.

Съемки фильма MARVEL «Человек-муравей» проходили в Сан-Франциско и многие уличные сцены сняты в этом городе, например, съемка около моста Золотые Ворота и в районе Тендерлойн, сцены с фасадом викторианского дома, в котором живет доктор Пим. Из Сан-Франциско кинопроизводство переместилось в новый комплекс Пайнвуд Студиос в Атланте, штат Джорджия. Декорации дома доктора Хэнка Пима стали первыми декорациями, сконструированными в звуковом павильоне.

Мини-предметы, расположенные по всему дому, рассказывают о приключениях доктора Пима, когда он сам был человеком-муравьем, и подсказывают, сколько экспериментов по уменьшению неодушевленных предметов Хэнк Пим осуществил перед тем как взяться за живые организмы.

Парик, который носит Майкл Дуглас в сцене, где он играет молодого Хэнка Пима, актер купил для фильма о президенте Рейгане, который он собирался снимать.

В детстве Пейтон Рид был страстным поклонником комиксов MARVEL. В старших классах он даже нарисовал рисунок карандашом, на котором члены панк-группы, в состав которой он входил, были изображены в образах Мстителей с обложки первого комикса о супер-команде. Удивительно, но в образе Человека-муравья будущий режиссер одноименного фильма нарисовал себя.

В фильме лучший друг Скотта Лэнга Луис водит видавший виды коричневый фургон. На протяжении всего фильма фургон видоизменяется и его разные модели специалисты по реквизиту называли «Марк 1», «Марк 2» и «Марк 3», желая дружески подшутить над названиями костюмов Железного Человека. Моделью «Марк 1» Луис гордится больше всего, хоть она и самая потрепанная. «Марк 2» — это модель для воров с увеличивающими зеркалами, чтобы лучше видеть происходящее вокруг фургона, и с боковыми подножками, чтобы было легко запрыгивать в фургон на ходу. Модель «Марк 3» подготовлена для ограбления корпорации «Пим Тех» и выглядит как автомобиль службы водоснабжения.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Супермен, он же Кал Эл, он же Кларк Кент, герой со сверхчеловеческими способностями и инопланетным происхождением, впервые появился в комиксах 1938 года и с тех пор совершал подвиги в кино, на телевидении, радио, в прессе, в видеоиграх. Попытку перезагрузить кинофраншизу, пригласив на главную роль британца Генри Кавилла, предприняли невероятно вдохновенно подходящий к каждому своему проекту режиссер Зак Снайдер и Кристофер Нолан, выступающий тут как продюсер.

Эта команда (в которую еще входит сценарист Дэвид С. Гойер, соратник Нолана по трилогии о Бэтмене) усилила линию внеземного происхождении героя — и это еще мягко сказано, так много экранного времени посвящено теме планеты Криптон и ее гибели. В младенчестве отправленный родителями на Землю, Кал Эл попадает в приемную семью и растет под именем Кларка Кента, мужает, помогая человечеству решать локальные проблемы типа пожара на нефтяной платформе, пытается разобраться в себе и понять, что ему делать со своими способностями. Затем прилетает другой криптонианец, генерал Зод (Майкл Шеннон), с командой, намеренный извести людей под корень и заселить Землю криптонианцами. Супермен, по рождению инопланетянин, но по воспитанию землянин, голосует против. И хотя в кадре появляются американские солдаты и пламенная журналистка Лоис Лейн (Эми Адамс), человечеству тут отводится роль статиста. Даже S на груди Супермена больше не первая буква его прозвища. Теперь это криптонианский символ надежды.

Что ни говори, а Супермен — персонаж, которому не повезло. Его придумали слишком прямолинейным, слишком правильным и неуязвимым, в конце-концов! Даже для безграничной комикс вселенной — это перебор! А если уже дело доходит до экранизации комиксов, то единственный правильный выход из подобной ситуации — сделать его киноприключения исключительно ироничными, как поступил в своё время Ричард Лестер. Хотя тот и переборщил с этой самой ироничностью, скатившись в итоге в откровенный китч.

Что и говорить, киношники подступались к Супермену всегда с особой осторожностью, если не сказать с опаской. То Тим Бертон, помнится, пытался переосмыслить историю персонажа на свой готический лад с Николосом Кейджем во главе. То Вольфганг Петерсон намеревался стравить криптонца с Человеком-летучей мышью. Все эти идеи, так или иначе терпели фиаско ещё на стадии препродакшна. Один только Брайан Сингер каким-то чудом сумел довести свою задумку до конца, но «Возвращение Супермена» не снискало особого одобрения ни у зрителей ни у критиков. И вот после невероятного успеха трилогии о Тёмном рыцаре Кристофер Нолан решил дерзнуть и попробовать «перезагрузить» историю о Супермене в привычной ему ультрареалистичной манере. По-крайней мере складывалось именно такое ощущение после первой порции тизеров и трейлеров. И хотя в дальнейших роликах фантастическая составляющая истории постепенно начала проявляться — Нолан так хорошо зарекомендовал себя на современной комикс-нуар территории, что весьма и весьма сложно было понять куда же в конечном итоге вырулит «Человек из стали», который был призван стать главным фильмом 2013 года.

Зак Снайдер, режиссер «Хранителей» и «300» — прекрасный визуалист, оттачивающий картинку в каждом кадре до совершенства. Кристофер Нолан, ответственный за сценарий — автор таких работ, как «Начало», «Темный рыцарь» и «Престиж». Такой дуэт не мог не выдать потрясающий блокбастер, к которому невозможно придраться ни с внешней стороны, ни по сценарной части. И вот зритель идет в кинотеатр… что же он увидит?

Если оценивать с позиции «хлеба и зрелищ», то вторая составляющая не подкачала. Напротив, после «Человека из стали» даже небезызвестные «Трансформеры» покажутся дешевой компьютерной игрой. Красивые лица актеров, потрясающие декорации, плюс отлично поставленные боевые сцены — все это то и дело выливается с экрана. Атмосфера и стиль — вот что в фильме выполнено блистательно! Атмосфера мрачна и можно сказать в одиночестве без сильной помощи сюжета создаёт ощущение реализма. Это не то, что было с фильмами Нолана. Но оно и понятно — как вообще можно сделать сугубо реалистичное кино про пришельца, неотличимого внешне от человека, летающего, пуленепробиваемого и стреляющего лазером из глаз? Да никак. И в фильме делается упор именно на атмосферный реализм, что на 100% верно. Эмоциональный фон в картине на уровне, сопереживание вызывает весьма достойно. Фирменные стильные ракурсы Зака есть, но не скажу что их очень много, но это не отнимает добротной постановки кадра и общей стильности картины. Везде, где съемочной команде пришлось применять CGI, видна любовь художника к своему творению. Только благодаря этому чувству режиссера, баталии пришельцев на нашей планете выглядят потрясающе. Битв такого действительно «супергеройского» размаха мы еще не видывали. Вот здесь становится интересно…

От обилия «пищи для глаз» поневоле испытываешь легкое головокружение. Но вот что касается «пищи для ума», то сценарий слегка подкачал. И это может испортить впечатление тем, кто собирается увидеть очередной «умный нолановский фильм». Сюжетная линия пряма до ужаса. Развитие истории сопровождается редкими флешбэками, раскрывающими детство героя. Но, во-первых, сценарий так и не объясняет, почему Кларк Кент ни разу не задумался о том, что реально может стать «богом на Земле». Все-таки мы видели и «Телепорт», и «Хранителей», где затрагивается такая тематика. В конце концов, девиз «великая сила несет и великую ответственность» никто не отменял. Но начинающий Супермен честолюбив — сказалось хорошее воспитание, не иначе. Среди огрехов можно отметить и притянутую любовную линию, и «превращение» Кала Эла в Кларка Кента, которое прокатило бы в пятидесятые и даже в восьмидесятые, но, черт побери, неужели никто не поймет, что тот парень, что разгромил пару городов, и тот, что работает с вами в офисе — одно и то же лицо?

«Человек из стали», возможно — самый романтический фильм о становлении супергероя. Снайдер с Ноланом не просто переписывают историю Супермена, но наполняют ее новыми – не побоюсь этого слова, сакральными смыслами, уделив немалое внимание инопланетному прошлому героя и его без преувеличения библейской, спасительной миссии на Земле.
«Человек из стали» полностью посвящен происхождению Супермена и постепенному осознанию им своей двойственной природы: непобедимый, неуязвимый уроженец иного мира, Мессия т.е. Посланник божий, принявший на себя грехи взрастившей его Земли. То, что буква S на костюме героя означает «Спаситель», а его возраст составляет 33 года – очевидные, но далеко не единственные и не самые занятные детали, формирующие символический ряд фильма. Отсюда и маниакальная увлеченность авторов флэшбеками, которые прерывают действие к месту и не к месту. В несколько рваном сюжете флэшбеки перевешивают актуальное действие. Да и оно периодически зависает в неопределенности. Криптонца голыми руками не взять, а представьте себе рукопашную двух криптонцев! Она длится воистину вечно. Но и это не случайно: Мессия не может вершить насилие (одна из базовых черт Супермена в комиксах — его неспособность убивать), и свернуть шею врагу он способен лишь в момент крайней необходимости, когда планета вот-вот погибнет. Истинный Спаситель появляется и действует только так, он вам не пожарный, приехавший котят с деревьев снимать.

Впервые становится заметным то, что всегда было на поверхности, а именно принципиальное отличие Супермена от прочих "спасителей": он не просто человек, надевающий костюм для борьбы со злом, он даже не совсем человек – он инопланетянин со сверхспособностями, воспитанный людьми.

Здесь вспоминается монолог из фильма Тарантино «Убить Билла». Билл перед смертью рассуждает о том, чем Супермен отличается от остальных супергероев. Все они — люди, переодевающиеся в костюмы и маски, чтобы обрести второе, магическое «я», и лишь один Супермен несет в себе магию от рождения, переодеваясь в обычного человека — Кларка Кента. Именно поэтому «Человек из стали» так радикально отличается от остальных недавних экранизаций комиксов: в нем нет уже привычной постмодернистской иронии, зато пафоса — океан. Иначе и быть не могло. Снайдер и Нолан не пытаются сделать Супермена понятнее, ближе, человечнее. Они рассказывают историю о Мессии, пришедшем с небес. Фактурная мужественная физиономия Генри Кавилла стократ важнее, чем его актерские данные. За него сыграют другие — Лоис Лейн (Эми Адамс), недоверчивая пулитцеровская лауреатка, вдруг влюбляющаяся в небесного человека и, как девочка, теряющая волю. И трагический антагонист Зод (Майкл Шеннон, актер с солидным стажем ролей психопатов и убийц), чьи мотивы и поведение значительно сложнее, чем у солнечного Кал Эла. И обе пары родителей, сопровождающие Супермена даже после своей смерти — в полном соответствии с религиозным каноном, в котором Мессия не может и не должен отрываться от тех, кто был причастен к его появлению на свет. Лишь так можно было сделать акцент на его богочеловеческом происхождении.

В какой степени это фильм Снайдера, а в какой Нолана и Гойера — это уже другой вопрос.
Кино Снайдера без тонкости, тонкость ему не свойственна, ее отсутствие он компенсирует бешеной искренностью и первобытным азартом. Если в фильме драка, то рвать будут на ремни; если злодей кричит, то его рот кажется пастью; если рушится город, то камни падают с таким грохотом, что отдает в солнечное сплетение. Лучшее, пожалуй, что есть в фильме Снайдера, — визуальное воплощение двуединства природы героя. Кларк Кент одновременно сверхчеловек и простой американец из Канзаса.

Как никогда чувствуется рука мастера-Нолана: продуманные до мельчайших деталей ландшафты Криптона, космические просторы и бороздящие их корабли, постапокалиптические пронизанные неземным светом пейзажи, эпические схватки – учитывая уровень, который достигла к настоящему моменту индустрия спецэффектов, делать такие вещи нужно или лучше всех, или не делать вовсе.

Как бы не старался сценарист Дэвид С. Гойер надавить на психологизм и попытаться основательнее раскрыть характер главного комикс-супергероя — у него получилось нагромождение штампов. Супермен у Гойера превратился в откровенно собирательный образ. Несмотря на достаточно убедительную игру Генри Кавилла, кроме как на своём природном обаяние выехать ему здесь больше просто не на чем. То же самое можно сказать и о Расселе Кроу — смотрится в кадре он великолепно и, как бы кощунственно это не звучало, практически не уступает Марлону Брандо, но Джор-Эл Гойеру не слишком интересен, как персонаж, поэтому Кроу приходится довольствоваться небольшим интро и крохотными эпизодами разбросанными по ходу фильма. Кевину Костнеру в этом плане повезло чуть больше, но и он не может похвастаться полноценной ролью, в то время как большая часть экранного времени отдана на откуп визуальным эффектам. И чего скрывать — они хороши! Как хорош и Майкл Шеннон в феерической роли генерала Зода. Пожалуй, Шеннон — единственный актёр кому повезло проявить себя в «Человеке из стали» в полной мере.

Вообще актёрская игра просто вытягивает плохо проработанные образы. Тут нет открытий, но и провалов однозначно тоже. Настолько, что мы вполне понимаем благородный поступок героя Фишберна хотя у него экранного времени, наверное, меньше 10 минут.

Разумеется фильм не плох. Он заслуживает право на жизнь и кое-как проходит проверку на самобытность. Снято все по правилам современного блокбастеростроения. А дальше — в точности как с религией. Те, кто уверует в Супермена, будут счастливы. Остальные еще долго будут жаловаться на уставшие глаза и зудящие барабанные перепонки.

Интересные факты:

Фильм снят по мотивам комиксов о Супермене, придуманном Джерри Сигелом и Джо Шустером в 1932 году. Персонаж впервые появился в комиксе Action Comics, # 1 (1938). Фильм Зака Снайдера не основан на каком-либо определенном сюжете из комиксов.

В фильме отсутствует криптонит, но первичное воздействие криптонской атмосферы похоже на воздействие криптонита (Супермен испытывает упадок сил и теряет свои способности).

Аманда Сайфред прослушивалась на роль, но ее кандидатура была отклонена.

Перед тем как Зак Снайдер занял режиссерское кресло, на его место рассматривались кандидатуры Даррена Аронофски, Дункана Джонса, Бена Аффлека, Тони Скотта, Мэтта Ривза и Джонатана Либесмана.

Натали Портман, Шарлотта Райли, Энн Хэтеуэй, Дианна Агрон, Кристен Стюарт, Малин Акерман, Рэйчел МакАдамс, Мэри Элизабет Уинстэд, Кристен Белл, Лейк Белл, Оливия Уайлд, Мила Кунис и Джессика Бил претендовали на роль Лоис Лейн.

Мэттью Гуд, Джеймс Хольцер, Арми Хаммер, Мэтт Бомер, Джо Манганьелло, Зак Эфрон, Дуэйн Джонсон, Роберт Паттинсон, Колин О’Донохью и Генри Кавилл вошли в окончательный список кандидатов на главную роль. В итоге выбор пал на Генри Кавилла, который чуть было не сыграл Супермена в 2006 году в фильме Брайана Сингера «Возвращение Супермена», но тогда роль получил Брэндон Рут.

На роль генерала Зода рассматривалась кандидатура Вигго Мортенсена.

Деннис Куэйд, Брюс Гринвуд, Майкл Бин и Курт Рассел могли сыграть Джонатана Кента.

Слово «Супермен» употребляется в фильме три раза.

Антье Трауэ, которая сыграла роль Фаоры-Ул, помощницы генерала Зода, планировала закончить свою карьеру актрисы и посвятить себя медицине. Причиной тому стал провал «Пандорума» (2009) и последовавшие многочисленные отказы на пробах в другие фильмы, в том числе в такие блокбастеры, как «Хоббит: Нежданное путешествие» (2012) и «Миссия невыполнима: Протокол «Фантом»» (2011). Из-за застоя в своей актерской карьере Антье даже была вынуждена подрабатывать в ресторанах и колл-центрах, пока ее агент не предложил снять видео для проб на роль в «Человеке из стали», что сама актриса воспринимала как свой последний шанс. Уже через две недели Антье была приглашена в Лос-Анджелес для дальнейшего обсуждения ее участия в съемках. Зак Снайдер считал, что она идеально подходит на роль Фаоры, и, несмотря на некоторые сомнения студии, утвердил Антье на роль.

Бен Аффлек отказался от должности режиссера фильма из-за малого опыта в области визуальных эффектов: «Урок, который я извлек для себя, — это не смотреть на фильмы, которые основаны на величине бюджета, на том, сколько денег будет потрачено на эффекты и где будут проходить съемки. Сюжет — вот что важно».

Благодаря успеху франшизы о Бэтмене, Кристофера Нолана позвали в проект в помощь сценаристу Дэвиду С. Гойеру. Нолан занимал должность некоего творческого консультанта. Когда на месте режиссера проекта появился Зак Снайдер, Нолан передал все свои творческие полномочия ему и сосредоточился на фильме «Темный рыцарь: Возрождение легенды» (2012).

Джулианна Мур, Лиза Ринна, Джоди Фостер, Села Уорд и Элизабет Шу рассматривались на роль Марты Кент.

Режиссер Брайан Сингер и актер Брэндон Рут выражали свою заинтересованность в участии в проекте. Сингер изначально наметил несколько сиквелов как продолжение истории фильма «Возвращение Супермена» (2006), и у Рута был подписан соответствующий контракт. Но затем студия Warner Bros. объявила о том, что фильм будет полным обновлением франшизы. Рут все еще выражал заинтересованность в возвращении в проект, пока Зак Снайдер не заявил, что этот фильм не будет иметь никаких связей с любым из предыдущих кинематографических воплощений его персонажа (Кларк Кент).

Гленн Форд ранее исполнял роль персонажа Кевина Костнера — Джонатана Кента. Оба они были вовлечены в конкурирующие проекты о Уайатте Эрпе. Гленн прошел на роль в фильме «Тумстоун: Легенда Дикого Запада» (1993), но вынужден был покинуть проект, а Костнер сыграл главную роль в фильме «Уайатт Эрп» (1994).

Конни Нильсен рассматривалась на роль Лары Лор-Ван. Джулия Ормонд также рассматривалась на эту роль, но отказалась, и в итоге роль досталась Айелет Зурер.

Съемки в городах Плано и Чикаго (штат Иллинойс) проходили в августе и сентябре 2011 года под кодовым названием проекта «Осенний мороз». Это так плохо держалось в секрете, что 6 сентября 2011 года Chicago Tribune опубликовала целую статью об этом.

Персонажа Уитни Фордмана не было в оригинальных комиксах. Он был создан для сериала «Тайны Смолвиля» (2001-2011), рассказывающего о школьных годах Кларка Кента.

Британский актер Генри Кавилл — это первый неамериканский актер, исполнивший роль Кларка Кента. Помимо него лишь ныне покойный уроженец Лондона Ли Куигли сыграл Супермена-ребенка в фильме «Супермен» (1978).

Рассел Кроу стал вторым после Марлона Брандо лауреатом премии «Оскар», исполнившим роль Джор-Эла. У Кроу когда-то была песня с его группой Rus Le Roq, которая называлась «Я хочу быть похожим на Марлона Брандо» («I want to be like Marlon Brando»).

Рассел Кроу и Кевин Костнер, которые играют отцов Супермена, исполняли роль Робин Гуда: Костнер — в фильме «Робин Гуд: Принц воров» (1991), а Кроу — в фильме «Робин Гуд» (2010). Оба актера также играли сотрудников правоохранительных органов, которые борются с бандитами: Костнер — в фильме «Неприкасаемые» (1987), а Кроу — в фильме «Гангстер» (2007).

Выпуск фильма в июне 2013 года приурочен к 75-летию Супермена. Первое появление этого персонажа было в 1938 году в Action Comics, # 1.

Монолог, который произносит Джор-Эл в трейлере, взят из комикса Гранта Моррисона «Сверхновый Супермен» (All-Star Superman), который считается одним из лучших рассказов о Супермене из когда-либо написанных.

Это третий художественный фильм о Супермене, в котором нет его заклятого врага Лекса Лютора. Остальные фильмы — это «Супермен 3» (1983) и «Супермен и люди-кроты» (1951).

Это первый фильм о Супермене, в названии которого нет слова «Супермен».

Режиссер Зак Снайдер пользовался услугами спортзала Gym Jones, чтобы привести в форму Генри Кавилла для его роли. Впервые Снайдер работал с Gym Jones во время съемок фильма «300 спартанцев» (2007), а затем сотрудничал с ним во время съемок всех своих боевиков, для того чтобы привести актеров в необходимую физическую форму.

Эми Адамс, играющая роль Лоис Лейн, ранее снималась в сериале о Кларке Кенте «Тайны Смолвиля» (2001-2011).

Идея того, что лого Супермена означает надежду, взята из комикса Марка Уэйда «Супермен: Право по рождению» (Superman: Birthright).

В большинстве экшен-сцен плащ Супермена был сделан при помощи компьютерной графики.

Генри Кавилл и Рассел Кроу уже встречались ранее, прежде чем сыграть отца и сына в этом фильме. Генри был в массовке фильма «Доказательство жизни» (2000), где получил напутственные слова о продолжении актерской карьеры и фотографию с автографом от Кроу, который был его любимым актером.

Это уже третий раз, когда Эми Адамс проходила прослушивание на роль Лоис Лейн. Она впервые пробовалась в фильм Бретта Ратнера, который он так и не снял, а затем в фильм «Возвращение Супермена» (2006).

МакКензи Грэй, который играет Якс-Ура, ранее играл взрослого клона Лекса Лютора в сериале «Тайны Смолвиля» (2001-2011).

Костюм Супермена в этом фильме основан на костюме из комикса DC New 52.

«Крик Вильгельма» можно услышать в фильме, когда Фаора бросает солдат из задней части C-17.

Монолог, который произносит Джонатан Кент (Кевин Костнер) в трейлере, взят полностью из комикса Джеффа Джонса «Супермен: Тайное происхождение» (Superman: Secret Origin).

Гильермо Дель Торо, с которым Дэвид С. Гойер работал над фильмом «Блэйд 2» (2002), отклонил предложение стать режиссёром перезапуска из-за своего обязательства по экранизации «Хребтов безумия».

На пост режиссёра претендовал Роберт Земекис.

По словам художника Уоррена Мансера, Зак Снайдер рассмотрел 1500 вариантов дизайна костюма, прежде чем остановился на одеянии без знаменитых трусов красного цвета.

В фильме 1500 планов с визуальными эффектами. Но во многих сценах на Земле задействована настоящая, а не созданная на компьютере военная техника.

В сцене драки маленького Кларка и Уитни Фордмана, на здании автомастерской можно отчетливо разглядеть логотип «Салливан, починка грузовиков и тракторов». Хлоя Салливан была лучшим другом и помощником Кларка Кента в сериале «Тайны Смолвиля» (2001-2011).
Представители DC Comics были настолько впечатлены этим персонажем, что включили ее в официальную серию комиксов.

В финальном сражении Супермена и генерала Зода последний сносит грузовики компании LEXCORP, владельцем которой является Лекс Лютор, антагонист Супермена.

Логотип компании Wayne Enterprises ясно виден на одном из космических спутников, который уничтожает генерал Зод.

В сцене, где торнадо швыряет машины, а отец Кал Эла спасает пса из машины, есть нестыковка. Сила ветра настолько велика, что поднимает автомобили, а отец главного героя выходит из машины (позади него в кадре видно открытую дверь машины, которой почему-то не касается ветер) и спокойно стоит, указывая, что делать сыну.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Нью-Йорк, наши дни. Неудачливая, но амбициозная журналистка Эйприл О’Нил становится невольной свидетельницей того, как неизвестные герои спасают мирных жителей от очередного нападения бандитского клана Фут, и спешит на работу с готовым материалом. Главред в исполнении Вупи Голдберг, смерив героиню Меган Фокс фирменным ироничным взглядом, отправляет девушку восвояси. Народ безмолвствует, но Эйприл не сдаётся, самовольно становится жертвой новой атаки группировки и, наконец, знакомится с отважной четвёркой — они не люди, а домашние черепахи, мутировавшие в антропоморфных накачанных существ, говорящих и владеющих боевыми искусствами. На работе вместо премии Эйприл выписывают заявление об увольнении, и она с чистой совестью спускается в канализацию и присоединяется к команде новых друзей под руководством крысы Сплинтера (тоже говорящего мутанта). На повестке дня — спасение города, который вот-вот будет уничтожен по воле главы клана Фут, таинственного мастера кунг-фу Шреддера.

Описание завязки фильма, кажется, занимает больше времени, чем длится эта самая завязка. Действие «Черепашек-ниндзя» несётся так стремительно, что успеваешь вдохнуть на первых кадрах, а выдыхать приходится только на финальных титрах — «поменьше разговоров, побольше действия», как завещал Элвис Пресли. В последний раз такой напряжённый и насыщенный видеоряд, в котором одна экшен-сцена сменяется другой, а все вопросы решаются во время затяжного падения с небоскрёба, можно было наблюдать в фильме «Адреналин». В «Черепашках», что показательно, этот препарат появляется в качестве своеобразной панацеи, способной вернуть с того света. Эпичная сцена погони, переходящая в скольжение с врагом наперегонки по склону заснеженного холма, невольно напоминает сцену железнодорожной гонки в финале прошлогоднего «Одинокого рейнджера» — но разве что своей продолжительностью. Вместо уныло раскрашенного Джонни Деппа — хоть и нарисованные преимущественно на компьютере, но в тысячу раз более живые черепашки, вместо допотопных поездов — машины, один грузовик и четыре панциря. Почувствуйте разницу.

Монстры с постеров оживают и тут же перестают быть страшными или отталкивающими, тем более что авторы фильма сохранили канонические характеры — серьёзный лидер Леонардо, вспыльчивый здоровяк Рафаэль, безумный учёный Донателло и, конечно, всеобщий любимец Микеланджело — и не забыли о том, что мутанты-черепашки-ниндзя ещё и подростки. Они любят пиццу, изображают группу гангста-рэперов и то и дело ссылаются на современную поп-культуру. Для устрашения противника, ну или чтобы произвести впечатление на Эйприл О’Нил, Рафаэль говорит «голосом Бэтмена», конечно, нолановского, а за минуту до гипотетической смерти Микеланджело искренне жалеет о том, что так и не понял, чем закончился сериал «Лост».

Не стоит ждать от «Черепашек» глубины драматического конфликта, все герои выполняют приписанные им функции. Безликий, закованный в доспехи Шреддер строит зловещие планы и демонстрирует безупречное владение восточными единоборствами, Сплинтер философствует, Меган Фокс хлопает ресницами, добро побеждает зло — на остальное просто нет времени. Ну разве что на пару трогательных жизненных историй, ненавязчивый флирт и одну интригу с мутагеном. Южноафриканский режиссёр Джонатан Либесман создал ультрасовременный, держащийся на спецэффектах и гиковских шутках блокбастер, проникнутый при этом ностальгическим флёром безумных 90-х, где героями были невообразимые черепашки-ниндзя и мыши-рокеры с Марса. «Черепашки-ниндзя» - свежее прочтение легендарного комикса. На этот раз продюсер Майкл Бэй чуть ли не превзошёл сам себя – даже несмотря на то, что режиссёр «Трансформеров» в данном случае лишь «помогал» режиссёру Джонатану Либесману, он смог весьма достойно перезапустить фантастическую историю. Новейшие технологии совместили кино и графику практически идеально и теперь даже закоренелым фанатам придётся задуматься – может быть новые черепахи – это как раз то, чего так не хватало в образе «Черепашек-ниндзя» все эти годы?

Интересные факты:

Изначально создатели хотели, чтобы у Микеланджело на шее была золотая цепь, но эту идею раскритиковали как стереотипную отсылку к чернокожим людям. В итоге вместо золотой цепи появилось ожерелье из морских ракушек, чтобы подчеркнуть любовь Микеланджело к серфингу и скейтбордингу.

На роль Сплинтера был взят актер Дэнни Вудберн, чей рост составляет 122 сантиметра, что соответствует оригинальным комиксам. Вудберн очень расстроился, когда узнал, что он будет только исполнять движения Сплинтера, которые затем будут перенесены в фильм при помощи технологии захвата движения. Голосом же Сплинтера стал Тони Шэлуб.

Кастинг на роли в клан «Фут» был проведен, когда празднование 25-летия «Черепашек-ниндзя» проходило в Лос-Анджелесе. Роли достались обычным людям с улицы.

Бретт Ратнер рассматривался на должность режиссера проекта.

Джейн Леви, Анна Кендрик и Элизабет Олсен проходили прослушивание на роль Эйприл О`Нил.

Фильм вышел к 30-летию франшизы «Черепашки-ниндзя».

Изначально название фильма было Ninja Turtles. Teenage Mutant добавили, чтобы порадовать фанатов, когда они стали негативно отзываться о первоначальной версии названия.

Эйприл О’Нилл носит желтую куртку в фильме. Это отсылка к оригинальному сериалу «Черепашки-мутанты ниндзя» (1987-1996), где у Эйприл был желтый комбинезон.

Это первый фильм о черепашках-ниндзя, выпущенный в 3D.

Персонаж Бернадетт Томпсон (босс Эйприл) основан на Бёрне Томпсоне, боссе Эйприл из оригинального сериала «Черепашки-мутанты ниндзя» (1987-1996).

Сценарист Кевин Истмэн, один из создателей черепашек-ниндзя, снялся в эпизодической роли доктора.

Авторы найденной Сплинтером книги об искусстве ниндзя, по которой он будет учиться сам и учить черепашек, Истмэн и Лэрд. Это отсылка к Кевину Истмэну и Питеру Лэрду — создателям «Черепашек-ниндзя».

Из всех актеров, которые озвучивали мультсериалы о черепашках-ниндзя в 1990-х, Робби Рист (Микеланджело) был единственным, кто обвинил Майкла Бэя в том, что он изнасиловал сагу о черепашках-ниндзя их инопланетным происхождением. Брайан Точи (озвучивал Леонардо), Кори Фельдман (Донателло) и Джудит Хоаг (Эйприл О`Нил) одобрили развитие сюжета в этом направлении. Позже Рист взял свои слова назад.

В оригинальном сценарии присутствовали мутанты-головорезы Бибоп и Рокстеди. Но в итоге было решено, что эти персонажи появятся в сиквеле.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Американский анимационно-компьютерный фильм «Шрек 2», являясь продолжением весьма популярного «Шрека», снятого в 2001 году, умудрился собрать гораздо больше денег в прокате, превзойдя первую серию в кассовом отношении в 1,65 раза в США и почти двукратно в мире! Это поневоле заставляет отнестись к «Шреку 2» повнимательнее, выискивая разгадку данного феномена. Всё же бывает довольно редко, чтобы так называемый сиквел существенно превосходил оригинал по коммерческим показателям. А уж в художественном плане подобное случается буквально наперечёт. Хотя несколько забегая вперёд, надо бы сказать, что вторая часть, будучи в отдельных моментах действительно увлекательной, пожалуй, проигрывает «Шреку» именно по цельности, законченности и отшлифованности всего сюжета, где не должно быть уводящих в сторону линий и своего рода провисания действия в середине поведанной истории.

Конечно, за три года после появления первой серии успела пройти дальнейший путь совершенствования уникальная компьютерная техника, которая позволяет кинематографистам, работающим в сфере анимации, добиваться почти реального впечатления, что перед нами — не рисованный, а как бы всамделишный мир, где действуют не движущиеся фигурки персонажей, но словно живые исполнители. Немаловажно и то, что новые творцы «Шрека 2» (из прежних остался только Эндрю Эдамсон, выступив как автор сюжета, соавтор сценария и сорежиссёр) решили развить практически пародийный принцип повествования, во многом переосмысливая мотивы известных сказок (такие прославленные сочинители, как братья Гримм, даже удостоились иронического упоминания в одном из диалогов).

Обычно после того, как влюблённые соединяются друг с другом, чтобы жить долго и счастливо, а потом умереть в один день, сказочное предание предусмотрительно заканчивается красивым романтическим многоточием… «Шрек 2», напротив, начинается с остроумного отточия, когда демонстрируется на экране как бы репортаж очередного пронырливого папарацци о том, как проводят Шрек и Фиона свой медовый месяц. Но тут, к несчастью, выясняется, что молодожёнам предстоит самое ужасное — знакомство с родителями, королём и королевой из Тридевятого царства, которые вовсе и не подозревают, что их дочь по-прежнему осталась настоящей уродиной, более того, умудрилась подыскать себе не менее безобразного жениха.

Прибытие Шрека, Фионы и, разумеется, увязавшегося за ними Осла в эту самую даль несусветную оформлено как весьма забавное зрелище, полное язвительных намёков, конечно же, на Голливуд — благо, что имеется на холмах соответствующая надпись крупными буквами Far Far Away (в нашей версии — именно Далекое далекое королевство). Кстати, комментаторы, которые выискивали в данной ленте бесчисленное количество комедийных аллюзий и ассоциаций, почему-то не обратили внимание на хохмаческую перекличку с названием известной эпической мелодрамы Far and Away («Далёкая страна») Рона Ховарда о приезде ирландских иммигрантов в благословенную Америку.

А вот последующее развитие сюжетной интриги с участием Феи, которая отнюдь не собирается творить добрые дела, наоборот, строит злые козни, чтобы непременно разрушить союз Фионы со Шреком и выдать Принцессу за самовлюблённого и глуповатого Принца, приходящегося Фее сыном, лишь отвлекает от главного. Как же двум любящим героям убедить всех сомневающихся, что внешность не играет никакой роли, если есть искренние чувства?! И Чудовище вправе претендовать на Красавицу, вообще не переродившись после поцелуя в назначенный срок — в таком случае они оба готовы быть уродами. Ведь в этой сказке навыворот действительно всё по-другому, в том числе — и в интерпретации образа Кота в сапогах. Он выдаёт себя вроде как за отважного мстителя Зорро (Антонио Бандераса, уже побывавшего на экране этим благородным разбойником в плаще и со шпагой, специально пригласили для озвучивания роли Кота в англоязычной версии), а на самом-то деле — милый, трогательный котик, который моментально привязывается к своему новому хозяину Шреку.

«Шрек 2» оказался по-настоящему занимательным, смешным, наполненным массой приколов и розыгрышей также и в финале. Поэтому не спешите покидать зал, когда на экране пойдут заключительные титры, поскольку один из наиболее забавных моментов с участием Осла припасён в качестве дополнительного сюрприза. А то, что затем последовал «Шрек 3», уже никого не удивило. И на 2010 год заявлен «Шрек 4» — ждите нового продолжения весёлой сказки о зелёном Чудовище!

Интересные факты:

Персонаж крестной матери Дамы Фортуны был создан еще для первой части «Шрека», однако создатели мультфильма решили от нее отказаться, но во вторую часть было решено все-таки добавить эту героиню.

Серый Волк в мультфильме впервые появляется перед зрителями с журналом «Новый поросенок» («The New Porker»), на обложке которого изображен элегантный поросенок с моноклем. Это пародия на недавно появившийся юмористический журнал «Житель Нью-Йорка» («The New Yorker»).

В действиях Кота в сапогах многие зрители усмотрели скрытую пародию на культового кота Гарфилда, который частенько повторял фразу: «Я ненавижу понедельники».

Над кроватью принцессы Фионы внимательный зритель может лицезреть постер «Сэра Джастина». Это обстоятельство подчеркивает тот факт, что во время создания фильма состоялась помолвка поп-звезды Джастина Тимберлейка и актрисы Кэмерон Диаз, говорящей в мультфильме за принцессу Фиону.

Гигантский имбирный пряник у сказочного замка напоминает зрителям о знаменитом Человеке-Зефире из «Охотников за привидениями».

Зелье, которое фея передала Королю с целью влюбить Фиону в первого мужчину, которого она поцелует, помечено римской цифрой 9, напоминая зрителям о картине «Любовный эликсир N9».

Впервые Ларри Кинг озвучивал персонажа, а не анимированного самого себя, чем он частенько грешил в нескольких эпизодах мультсериала «Симпсоны».

Тед Эллиотт и Терри Росси, написавшие сценарий к первой части, покинули проект из-за творческих разногласий с продюсерами. Они предлагали сделать мультфильм традиционной сказкой и не принимали стремление продюсеров повести повествование в совершенно ином русле.

«Шрек 2» стал первым анимационным фильмом-продолжением, который был номинирован на «Оскар» в категории «Лучший анимационный фильм».

В сцене, где ругаются Шрек и Фиона, можно заметить афишу Стоунхенджа.

Имя гигантского пряника «Монго» — это ссылка на картину «Сверкающие седла» (1974), где великана также звали Монго.

Центральные ворота королевства сильно напоминает вход на студию «Paramount».

В день премьеры мультфильма в Италии дистрибьютор полностью выкупил место для рекламы в газете «La Gazzetta dello Sport». Характерной чертой газеты является тот факт, что уже более ста лет она печатается на розовой бумаге, однако в этот день номер вышел на зеленой бумаге.

«Шрек 2» стал вторым самым кассовым фильмом за всю историю австралийского проката, преодолев планку в $50 миллионов. Первое место принадлежит «Титанику» (1997).

Изначально создатели мультфильма хотели, чтобы король Гарольд на протяжении всего фильма ходил голым, как в «Новом платье императора».

В одной из сцен можно заметить, что мама Фионы читает книгу под названием «Короли с Марса, королевы с Венеры».

Джон Клиз и Джули Эндрюс озвучивали мультфильм в одно и то же время, что является весьма необычной практикой, так как обычно актеры, озвучивающие мультипликационных персонажей, не встречаются друг с другом.

В сцене, где Шрек и Фиона приезжают в Далекое далекое королевство, присутствовало свыше 600 «статистов».

В производстве мультфильма было задействовано более 300 графических станций Hewlett Packard.

Лицо Шрека содержит 218 мышц.

В мультфильме содержится множество ссылок на известные торговые марки, улицы и логотипы компаний:
Burger Prince — Burger King
Olde Knavery — Old Navy
Гигантские буквы на холме Далекого Далекого королевства — это, конечно же, ссылка на надпись Голливуд
Saxon Fifth Avenue — Saks Fifth Avenue
Romeo Drive — Rodeo Drive
Versarchery — Versace
Gap Queen — Gap Kids
Farbucks Coffee — Starbucks
Friar’s Fat Boy — Big Boy
Tower of London Records — Tower Records
Baskin Robinhood — Baskin Robins ice cream
FFPS — US Postal
Barney’s Old York — Barney’s New York

Мультфильм установил рекорд по кассовым сборам в первый уикенд проката для анимационных фильмов в США (более 100 млн. долларов).

В одной из сцен Ослик говорит: «Я иду, Элизабет», — что является ссылкой на Фреда Сэнфорда из сериала «Сэнфорд и сын» (1972).

Своей шпагой Кот в сапогах тремя ударами вырезает букву «P» на дереве, что является ссылкой на Зорро. Антонио Бандерас, озвучивший данного персонажа, сыграл Зорро в фильме «Маска Зорро» (1998).

Фейерверк над замком в финале картины напоминает салют над замком Магического королевства в начальных титрах «Диснейлэнда» (1954).

В таверне, человека с крюком, играющего на пианино, сначала озвучивал Том Уэйтс, спев «Little Drop of Poison», а затем — Ник Кейв с песней «People Ain’t No Good».

Гигантский имбирный пряник говорит: «Будь молодцом», что является ссылкой на «Инопланетянина» (1982).

Когда Шрек и Фиона едут по улицам Далекого далекого королевства, можно заметить, что в кинотеатре идет «Смертельная стрела 4».

Когда главные герои картины въезжают в Далекое далекое королевство, Ослик говорит о «брызгах шампанского с икорными берегами». Данная фраза была позаимствована из «Lifestyles of the Rich and Famous» (1984) Робина Лича.

В начальной сцене фильма, состоящей из кадров медового месяца Шрека и Фионы, содержатся ссылки на следующие фильмы:
— «Человек-паук» (2002): Фиона стирает грязь с лица Шрека, который висит вверх ногами.
— «Властелин колец: Братство кольца» (2001): обручальное кольцо случайно падает на палец Фионы, также на внутренней стороне кольца выгравирована надпись.
— «Отсюда в вечность» (1953): Шрек и Фиона целуются на пляже.

В сцене-драке между Шреком и Котом в сапогах, кот разрывает рубашку Шрека и появляется как будто из грудной клетки последнего. Это — ссылка на «Чужого» (1979).

В сцене ужина, королева говорит: «И в этом нет ничего плохого», что является ссылкой на «Сейнфелд» (1990).

«Шрек 2» стал первым фильмом, шедшим более чем в 4000 кинотеатрах в США.

Шрек, запрыгивая на лошадь во время штурма замка, повторяет трюк Леголаса из «Властелина колец: Две башни» (2002).

«Шрек 2» стал первым мультфильмом, в начале которого появлялся новый логотип Dreamworks Animation.

Фраза Ослика «Эй, красотка! Не уходи, мы за тобой вернемся!» была позаимствована из рекламы «Mr. Microphone», вышедшей в 1970-е годы.

В картине появляется множество персонажей из различных сказок и мультфильмов. Среди них:
— Капитан Крюк играет на пианино в таверне.
— В таверне можно заметить два говорящих дерева из «Babes in Toyland».
— На фабрике Крестной матери можно заметить Люмьера (канделябр) и Когсворта (часы) из мультфильма «Красавица и чудовище» (1991).
— В начальной сцене, когда волна покрывает Шрека и Фиону, Ариэль из «Русалочки» (1989) целует Шрека вместо Фионы.

— Хансел (из «Хансел и Гретел») является владельцем домика, в котором останавливаются Шрек и Фиона во время медового месяца.

— Красная Шапочка стучится в домик, где находятся Шрек и Фиона, а затем, увидев его обитателей, убегает, оставив свою корзину.

Во время ужина, королева, король, Фиона, Шрек и Ослик поочередно дважды называют друг друга по именам. Это — ссылка на «Шоу ужасов Рокки Хоррора» (1975).

В конце мультфильма Кот в сапогах говорит, что он направляется в клуб «Кит-Кэт». Точно так же назывался клуб в «Кабаре» (1972).

Вывеска таверны «Отравленное яблоко» показывается в мультфильме точно так же, как и вывеска «Гарцующего пони» во «Властелине колец: Братство кольца» (2001).

В момент, когда Пиноккио прыгает в камеру, где содержатся Шрек, Ослик и Кот в сапогах, звучит заглавная тема «Миссии невыполнимой» (1996).

Когда Кот в сапогах танцует на вечеринке, он садится на стул, дергает за веревку и обливает себя водой. Это — ссылка на «Танец-вспышку» (1983).

Незадолго до окончания мультфильма, когда Кот в сапогах смотрит на Фиону и Шрека, он восклицает: «Что бы ни случилось, я не должен плакать! Я не могу при всех разрыдаться». Джейн Фонда произносит такую же фразу в «Кошке Балу» (1965).

В таверне «Отравленное яблоко» можно заметить следующие вывески: «Несчастливые часы 5-7», «Вход лицам моложе 21 запрещен», «Мы оставляем за собой право обезглавить любого посетителя».

В начальной сцене, Фиона применяет два приема из видеоигры «Street Fighter II: The World Warrior» (1991).

В карьере Майка Майерса «Шрек 2» стал второй картиной, после фильма «Остин Пауэрс: Шпион, который меня соблазнил» (1999), когда сиквел заработал в первые две недели проката больше, чем первый фильм за всё время проката.

Когда Фиона встречает Крестную мать, и она поет песню о том, как сделать всех счастливыми, Крестная мать используют свою волшебную палочку, чтобы приподнять платье Фионы точно так же, как и в известной сцене с Мэрлин Монро в «Зуде седьмого года» (1955).

Когда Монго швыряет горящий круглый леденец на рыцарей на стенах замка, можно услышать, что они кричат: «Разбегайся, разбегайся». Это — ссылка на картину «Монти Пайтон и священный Грааль» (1975), где также сыграл Джон Клиз.

Когда Шрек, Фиона и Ослик въезжают в Тридевятое королевство, Шрек говорит: «Теперь я убедился, что мы уже не на болоте», — что очень похоже на фразу Дороти из «Волшебника из страны Оз» (1939): «Тото, теперь я убедилась, что мы уже не в Канзасе».

В Англии голоса Ларри Кинга и Джоан Риверз были заменены голосами местных известных ведущих — Джонатана Росса и Кейт Торнтон.

Сцена, где Крестная мать поет, лежа на пианино, — это ссылка на «Знаменитых братьев Бейкер» (1989).

Антонио Бандерас также озвучил Кота в сапогах для испанской и латиноамериканской дублированных версий фильма. В испанской версии Антонио говорил с андалусским акцентом, в латиноамериканской версии — с кастильским акцентом.

Когда неразлучная троица приезжает в Далекое далекое королевство, Ослик говорит: «Бассейны, кинозвезды», что является ссылкой на сериал «The Beverly Hillbillies» (1962).

Когда в Монго попадают из катапульты, он кричит точно так же, как и Годзилла в таких фильмах, как «Mosura tai Gojira» (1964), «Gojira tai Mekagojira» (1974) и «Годзилла» (1998).

Когда под дождем Ослик кричит: «Я таю! Таю!», — это еще одна ссылка на «Волшебника из страны Оз» (1939).

В книге, рассказывающей о жизни принцессы Фионы, когда родители показывают её людям Далекого далекого королевства, они держат её на вершине башни замка, и лучи солнца падают на принцессу. Это — ссылка на начало мультфильма «Король Лев» (1994), где Симбу показывают остальным зверям.

Уильям Стейг, автор книги, по которой была поставлена первая картина, умер во время производства «Шрека 2». Мультфильм посвящен его памяти.

Во время финальных титров мы видим отдельные кадры с каждым персонажем и с именем актера, его озвучившего. Кадр Ослика Эдди Мерфи идентичен кадру из фильма «Полицейский из Беверли-Хиллз» (1984), где он сыграл главную роль.

Дженнифер Сондерс записала песни для фильма, находясь в Англии, так как снималась в очередном сезоне «Absolutely Fabulous» (1992).

Танец Пиноккио во время бала напоминает известный танец Майкла Джексона.

В погоне, которую показывают по телевизору, камера следует за «белым мустангом». Это — ссылка на полицейское преследование «Ford Bronco» О. Джей Сипсона в 1994 году.

Большинство картин в замке — портреты настоящих королей и королев. Например, в коридоре можно заметить известный портрет Королевы Елизаветы II.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Данная лента режиссёров-дебютантов Эндрю Эдамсона и Виктории Дженсон была признана новым словом в анимации вообще и в компьютерной графике в частности. Хотя внешне она похожа на старые добрые кукольные фильмы — разве что всевозможные трёхмерные существа двигаются намного естественнее, а главное — люди выглядят более натуральными. На самом-то деле, немалое достоинство «Шрека», который с энтузиазмом был принят и на фестивале в Канне (там он даже оказался в основном конкурсе!), и зрителями во всём мире, заключается отнюдь не в технических новшествах, к тому же имеющих свойство быстро устаревать.

Пожалуй, после «Аладдина» (1994) впервые появилась столь же популярная анимационная картина, которая лихо, смешно и удачно переосмыслила долговечные каноны сказок. Кстати, двое из сценаристов «Шрека» — Тед Эллиот и Терри Россио — как раз принимали участие в создании «Аладдина», поэтому знали способ виртуозного реанимирования (буквально — оживления) наизусть знакомых всем с детства сюжетов. И пусть сейчас практически перестали использовать термин «постмодернистское кино», но «Шрек», подобно «Аладдину», представляет именно постмодернистский взгляд на давние сказки, которые словно выворачиваются наизнанку, перемешиваются одна с другой, явно осовремениваются, а вдобавок снабжаются пародийными аллюзиями, что позволяет воспринимать всё происходящее в рамках иронического киноконтекста.

Причём если другой суперхит сезона 2001 года, «Как Гринч украл Рождество» (тоже, между прочим, про чудище, которое все считают ужасно злым, а оно, напротив, готово ответить дружелюбием на дружелюбие), кажется излишне привязанным к американской детской культурной традиции, то «Шрек» более, так сказать, интернационален, открыт для различных сопоставлений. Заглавного персонажа можно принять не только за скандинавского тролля, но и за славянского Водяного или Лешего, а в истории заколдованной принцессы, которая должна избавиться от скверных чар только лишь после поцелуя благородного спасителя, легко углядеть перекличку с «Царевной-лягушкой».

В пространстве «Шрека» вполне уместны даже азиатские боевые искусства, которыми, как выясняется, блестяще владеет принцесса Фиона. А поскольку озвучивала её актриса Кэмерон Диас, параллельно снимавшаяся в приключенческом боевике «Ангелы Чарли», где прибегала к помощи восточных единоборств, то это воспринимается уже в качестве остроумной самопародии. Кроме того, удивительная популярность в США тайваньского фильма «Крадущийся тигр, затаившийся дракон» способствовала дополнительному (тоже незапланированному) ироническому восприятию нежданных талантов этой красотки, которая по ночам превращается в уродливое создание, почти под стать самому Шреку.

Так что — две уродины пара? Ведь и типичный голливудский хэппи-энд, который, собственно говоря, был позаимствован «фабрикой грёз» именно из сказок, обязанных заканчиваться только счастливо, поставлен в «Шреке» с ног на голову. И принцесса-оборотень, и монстр из болота, несмотря на обнаружившуюся взаимную любовь друг к другу, вовсе не становятся в миг прекрасными, а навек остаются внешне такими же безобразными. И даже ослик-зануда, который неотступно следовал за Шреком в его приключениях, тоже подыскал себе умопомрачительную подругу в лице огнедышащего дракона — точнее, драконши. Получается, что абсолютно неважно, как они все выглядят и кого вообще едят на завтрак. Главное, что примиряются с отдельными своими недостатками и начинают поступать по-доброму — конечно, в отношении тех, кто этого действительно заслуживает (а вот низкорослый злодей Фаркуад, безусловно, подобного не достоин). Такова уж современная политкорректная мораль Голливуда, как будто чуть подправившего известное изречение насчёт «нашего сукиного сына».

Интересные факты:

Изначально Крис Фарли должен был озвучить Шрека. После смерти актера роль отошла Майку Майерсу.

Во время записи звука для сцены, где Шрек признается в любви к Фионе, Майк Майерс читал роль перед своей женой, Робин Рузан.

В данном мультфильме присутствует около 36 различных локаций, что было рекордным показателем на момент выхода картины.

Работа над мультиком началась 31 октября 1996 года и закончилась спустя более чем четыре с половиной года.

Актеры, озвучившие персонажей, никогда не встречались в процессе производства мультфильма. Свои роли они читали отдельно друг от друга.

В начале мультфильма Шрек чистит зубы и смотрит на свое отражение в зеркале, которое затем трескается. Точно такая же сцена содержится в фильме «Остин Пауэрс: Шпион, который меня соблазнил» (1999), где главную роль также исполнил Майк Майерс.

В сцене-драке между Фионой и людьми Робина Гуда действие останавливается, камера облетает вокруг персонажей. Это — конечно же, ссылка на «Матрицу» (1999).

На еврейском «шрек» означает «монстр», на немецком — «ужас» или «страх».

Персонаж крестной матери Дамы Фортуны был создан еще для первой части «Шрека», однако создатели мультфильма решили от нее отказаться. Она стала одним из ключевых персонажей во второй картине.

По словам создателей, боевая хореография принцессы Фионы создавалась на основе фильмов с Джеки Чаном, а также картины «Крадущийся тигр, затаившийся дракон» (2000).

«Шрек» стал первым лауреатом «Оскара» в категории «лучший анимационный фильм».

В одной из сцен снаружи дома Шрека можно заметить Папу Медведя с сыном. Позднее, в замке Фаркуада, когда он смотрит на изображение Фионы в зеркале, мы можем увидеть Маму Медведя в качестве коврика, лежащего на полу. Однако не стоит волноваться, создатели мультфильма не стали разрушать семью: Мама Медведь появляется во время сцены-караоке на DVD, танцуя с Папой и Сыном.

Сцена, в которой Телониус (палач в маске) поет, — ссылка на «Stacker 2», рекламный ролик, где рестлер Каин, также носящий маску, пел караоке.

В сцене, где лорд Фаркуад лежит в своей постели и смотрит ролик принцессы Фионы в зеркале, можно заметить картину, висящую над ним. Данное полотно очень похоже на «Рождение Венеры» Боттичелли, но с Фаркуадом вместо Венеры.

Хотя Ослик должен быть копытным животным, однако практически все его движения смоделированы с движений собаки, за исключением сцены-погони в начале мультфильма, где движения Ослика смоделированы с движений… кролика.

По словам Майка Майерса, создавая акцент Шрека, он старался сымитировать акцент его матери, когда она читала ему сказки в детстве.

Некоторые аниматоры по-настоящему приняли грязевой душ, для того чтобы лучше изучить движение вязкой массы.

Аниматоры изучили немало видов средневекового холодного оружия и брони, перед тем как выбрали вооружение для сцен спасения принцессы и рыцарского турнира.

В начале мультфильма на болото к Шреку прибегают около 1000 сказочных персонажей.

Для картины было «создано» около 1250 видов реквизита, что было рекордом для компьютерного мультфильма.

Кэмерон Диаз озвучивала сцену-драки между Фионой и людьми Робин Гуда уже после своей физической подготовки для фильма «Ангелы Чарли» (2000). Поэтому иногда она настолько вживалась в роль, что переходила на кантонское наречие.

По словам Эндрю Адамсона, рост Шрека составляет примерно 7-8 футов (примерно 213-244 см). Реальный рост Шрека 7 футов, но в глазах испуганных людей он подрастает еще на один фут.

Создатели мультфильма не планировали использовать песню «All Star» группы «SmashMouth» на начальных титрах в готовом варианте картины. Однако на тест-просмотрах она настолько понравилась аудитории, что её решили оставить.

Песня «Welcome to Duloc», которую поют деревянные куклы на входе в Дулок, — это не только пародия на диснеевскую композицию «It’s a Small World», но она также выдержана в той же тональности и том же ритме, что и диснеевская песня.

Перед выходом картины в прокат её очень пристально изучили юристы студии «DreamWorks», для того чтобы избежать возможных судебных исков со стороны «Диснея».

Изначально в мультфильме отсутствовала сцена, в которой принцесса Фиона рыгает. Данный эпизод решено было добавить в картину, после того как на записи звука рыгнула Кэмерон Диаз.

Во время озвучивания Майк Майерс забыл произнести «Вниманию всех сказочных существ!» Для того, чтобы исправить такой просчет Джеффри Катценберг (продюсер) прилетел в Нью-Йорк к Майклу, и последний сказал данную фразу на микрофон в лимузине Джеффри.

Во время озвучивания мультфильма Коуди Кэмерон в шутку предложил Кэмерон Диаз выйти за него замуж, сказав: «Ты сможешь стать Кэмерон Кэмерон».

Единственные персонажи, называющие Шрека по имени, — Ослик и Фиона. Все остальные обращаются к нему как «Чудовище», «Людоед», «Оно», «Он», «Это».

По словам создателей, песня «I’m a Believer» была выбрана исключительно из-за строчки «Я думал, что любовь бывает только в сказках» (I thought love was only true in fairy tales).

По словам Джона Литгоу, несмотря на то, что ему очень понравилось работать на данном проекте, он был немного разочарован, т. к. во время производства ни разу не встретился с Майком Майерсом, Кэмерон Диаз и Эдди Мерфи.

По версии британского «Channel 4» «Шрек» занял второе место в списке «Лучших семейных фильмов».

В оригинальной версии Робин Гуд говорит с французским акцентом, но не потому что он француз, а потому что он, как и его исторический прототип, является не англо-саксом, а норманном. И до столетней войны между Англией и Францией для норманнов, составивших после Вильгельма Завоевателя основу английского дворянства, родным языком являлся французский, а не английский.

В одной из сцен Лорд Фаркуад хочет жениться и просит Зеркало показать ему принцесс. Зеркало предоставляет ему образы Золушки, Белоснежки и Фионы. Но, как общеизвестно, Золушка не была принцессой.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Спустя три года любимые герои возвращаются, чтобы представить нам свои новые приключения. Точнее, их на свою беду находит не знающий своего счастья Шрек. Спокойная жизнь семьянина, жизнь, в которой каждый день похож на другой, начинает его раздражать, и он мечтает вернуть то время, когда он был «настоящим» огром. Как же ему повезло, когда он встретил волшебника Румпельштильцхена, который согласен подарить один такой день, в обмен на любой день из своего прошлого. Согласие недальновидного Шрека привело к тому, что он потерял всё, что, оказалось, было необычайно дорого для него — друзей и семью. Мир стал другим, и первоначальная радость сменяется пониманием утери. И есть всего один день, чтобы всё исправить.

Новые приключения Шрека снова окунают в мир «перевёрнутых» сказок, доставляя нам немало удовольствий. Мы встречаем заново Осла, Кота в сапогах и других старых знакомых, и эти встречи с ними, полные забавных моментов, воистину заставляют нас улыбнуться. Но также мы чувствуем грусть, которой пропитана атмосфера мультфильма, что, наверное, делает его порой не совсем детским, а скорее для взрослых. Действительно, главный герой, по сути, переживает кризис среднего возраста, и это детям не понять, но вначале очень просто показали, как это бывает. Тема здесь поднята серьёзная, и возможно это попытка объяснить её понятно и для маленьких, а взрослые должны уразуметь сами. «Шрек навсегда» выталкивает наружу то, что порой мы не видим, что мы «забываем» о своём счастье, поддаваясь мелочам.

Шрека можно понять, он хотел хотя бы небольшой свободы от каждодневной суеты и бесконечной гонки с малышами, ему хотелось вспомнить то, каким он был раньше, еще до встречи с Фионой. Но, как известно, за все приходится платить. Будучи обманутым, Шрек постепенно приходит к тому выводу, что есть настоящая семья и как же ему повезло в жизни. Дети — это не обуза, а счастье, которое дается не каждому. И нужно ценить то, что имеешь. Шрек всегда отличался душевной добротой, которая делала из него пусть и простого, но при этом потрясающе обаятельного персонажа. То есть, таким образом, мультфильм охватывает очень интересные жизненные и в достаточной степени философские темы, ответы на которые обязательно будут даны по ходу действия, при этом понятные как взрослым, так и детям.

Но в том-то и прелесть «Шрека», что он ни на секунду не дает зрителю заскучать и серьезно задуматься о происходящем, действуя при этом двумя способами. Первый — впечатляющий экшен. Второй — забавный юмор главных героев, в особенности Осла, ведь 90% реплик Эдди Мерфи — это сплошные спонтанные шутки. А когда детский смех при виде сползающего по канату раздувшегося одутловатого Кота заполняет весь зал, уже сложно о чем-то серьезно думать.
Мультфильм обладает потрясающим стилем, он ненавязчиво открывает все карты, доводя действие до вполне закономерного финала, естественно счастливого, где песни и танцы и есть конец истории. Лихо прокатываясь по сказкам, не обойдётся, конечно же, и без кучи киноцитат, способных удивить и порадовать, смотрящихся органично и уместно, а что самое главное — узнаваемо, даже если при увиденной сцене в голове рождается не название фильма, а элементарное «где-то я это уже видел». Вся альтернативная история, включающая в себя Фиону — предводительницу огров, Осла на службе ведьм, растолстевшего Кота и Пряника-гладиатора, построена интересно и способна захватить зрителя на время просмотра. Четвертое похождение Шрека смотрится целостным и интересным, а колоритные персонажи ежеминутно пытаются отжечь какую-нибудь шуточку самого разного уровня, превращая сюжет в марафон приколов.

Всем, кто любит франшизу, четвертая часть обязана доставить море удовольствия и оправдать возложенные ожидания. Мультфильм веселый, смешной, довольно яркий и эффектно выглядящий за счет прекрасного 3D, где пусть внешность персонажей по-прежнему выглядит пластиково-восковыми скульптурами, но многообразный экшен, регулярные полёты и многочисленная игра с залом от выпрыгивающих искр до торчащей головы главного злодея — захватывают дух и вызывают настоящий восторг! Комичное зрелище, увлекающее в свой мир на время просмотра, и готовое оставить приятное послевкусие и позитивные впечатления.

Интересные факты:

После побега из замка Румпельштильцхена Осёл говорит Шреку: «Я не буду спрашивать, чего ты такой грустный… а чего ты такой грустный?» является пародией на реплику Джокера из фильма «Тёмный рыцарь» (2008), там Джокер при рассказе о своём отце говорит: «А чего ты такой серьёзный?».

В финале на полке, куда Шрек поставил книгу, можно заметить другую книгу с названием следующего мультфильма — «Кот в сапогах» (2011).

В мультфильме «Шрек Третий» (2007) показан Гном-Тихогром (так называют Румпельштильцхена), но он выглядит по-другому. Крысолов также был показан в мультфильме «Шрек» (2001), когда сказочные существа прибежали на болото Шрека, и тоже выглядел по-другому.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Третий «Шрек» значительно отличается от предыдущих частей, это более взрослая и совсем другого характера картина. Это видно и по подаче материала, и по развитию сюжета, и по уровню шуток, и по общей концепции. Третья серия несколько растеряла ту изюминку волшебства и очарования, которые пестрили практически в каждом эпизоде, первой и второй главы. Но если смотреть третьего «Шрека» без скептицизма и не заниматься сравнениями, то мультфильм сам по себе выдался замечательным. В нем по прежнему присутствует немалая доля юмора, интересная история и обаяние задействованных персонажей. Да, данная картина менее проработана и детально безупречна, но одно то, что лента способна на все полтора часа увлечь зрителя в свой по прежнему сказочный и красивый мир, уже априори не ставит на фильме крест.

Первая часть «Шрека», была безумно оригинальна своим нестандартным подходом и концепцией — в ней блистали очень свежие и не заезженные идеи, в мире анимационных картин. Уморительные пародии, искрометный сюжет, яркие персонажи — все это сразу же сделало «Шрека» культовым. А продолжение, переняло все самые вкусные аспекты первой части, еще больше их развив и добавив истории остросюжетности и лоска. И вообще, если говорить о лучшей серии «Шрека», то на мой субъективный взгляд, пьедестал возглавляет именно вторая картина. Наверное поэтому, третьего «Шрека», в основном приняли в штыки, — все ожидали нового наплыва феерии и нового уровня безупречности. Многие, разочаровавшись тем, что «Шрек Третий» несколько во всем этом отступает на 1-2 шага назад — попросту не стали обращать внимание на достоинства, которых в ленте все же немало…

Да, хороших мультфильмов в последнее время стало выходить достаточно много, чтобы привередливый зритель, подавшись сравнениям, нашел таки элементы недостатков и выразил свое равнодушное фи. Но, позвольте — недостатков, если захотеть, можно найти в чем угодно, и где угодно, сначала хочется написать о достоинствах — во-первых, мультфильм имеет в себе увлекательный сюжет, обаятельных персонажей, умилительные шутки и яркую анимацию. А во-вторых — по прежнему способен понравиться как маленькой, так и большой аудитории, да и к тому же, будучи неся в себе сугубо развлекательную основу — вполне себе развлекает. Ну или может быть это я такой не привередливый зритель, отлично проведший время, глядя на новые приключения Орга, подарившие мне отличное настроение… Не знаю. Но, одно я знаю точно — третий «Шрек» не произвел на меня ничего негативного или скучного. В целом, лента вполне понравилась, но это не помешало мне отметить то, чего в данной работе не хватало. А не хватало мне более продуманного сюжета — каждая серия «Шрека», всегда славилась своей остросюжетностью и динамикой. Концепциям и сюжетным поворотам «Шреков», с легкостью могли бы завидовать большие художественные картины. В третьей части, перед нами предстает хоть и любопытная история, но зато по мультяшному типичная, не выделяющаяся в среднестатистических анимационных рядах…

Так же, я не остался в восторге и от музыкальной составляющей. Понятно, что вторую часть, с ее грандиозными песенными номерами, превзойти было бы сложно, но хотелось бы увидеть хотя бы попытки. Нам показали парочку музыкальных сцен, но они, к сожалению, выглядят достаточно блекло, — нет в них того задора и искры. А ведь у меня пред глазами до сих пор парит крестная фея со своим «Я жду героя»… Зато в данной ленте, появилась некая театральность, которая между прочим начала развиваться еще во второй, но и это, кажется было не до конца продуманно — хотелось бы больше эксцентрики от персонажей и соответствующего юмора. Что касается новых персонажей, то тут тоже чуда не случилось — юный Артур выглядит забавно, и с его участием есть немало интересных и смешных сцен. Но он не производит того эффекта восхитительности, как во второй ленте, когда мы впервые познакомились с Котом в сапогах. Кстати, который на пару с Ослом, по прежнему прекрасно выглядят на экране, постоянно бросая всяческие прикольные шуточки и колкости. Но того противостояния, которое мы наблюдали в предыдущей картине, к сожалению больше нет — они стали более дружны, и хотя все еще друг друга не понимают, стараются по возможности проявлять к оппоненту лояльность.

А у самого Шрека, тем временем куча проблем — намного больше, между прочим чем в прежних историях. Посудите сами — отец Фионы умирает и передает трон зятю. Трон Шреку абсолютно не нужен, так как всем известно, что Огру любо-дорога лишь его топь. Есть конечно выход — перед смертью папаша-король называет еще одного претендента на престол — некоего Артура. И вот теперь, Шреку нужно еще и переться незнамо куда, за юным мальчуганом. Но, это еще ладно — а как вам известие о том, что наш зеленый великан, скоро станет отцом? Эта новость, становится для Шрека, худшей в жизни, ибо мысли о писающих и орущих детках, нарушающих покой и единение создают в душе великана настоящую депрессию. Да и в добавок ко всему, сумасшедший павлин принц Чарминг, затевает новый план, по захвату Далекого далекого королевства! Как говорится — покой нам только снится. Вот, примерно такие события, нас ожидают в третьей истории «Шрека». Шреку, ставшему на порог кризиса среднего возраста, предстоит вновь решить все внешние трудности, чтобы в очередной раз убедиться, что ничего важнее семьи не бывает. Что проблемы будут всегда, и не стоит от них прятаться.

Именно поэтому здесь на первый план выходит компьютерная анимация, которая за шесть долгих лет стала ещё реалистичнее. Теперь перед нами не огр, а самый настоящий человек. Он также морщит нос, улыбается, из-за чего на лице появляются настолько знакомые морщины. Да и вообще, вся его мимика заиграла какими-то новыми красками. За одно только это новшество стоит сказать огромное спасибо.

Да, безусловно, картина проигрывает первой и второй части, но тем не менее, откровенного провала и ужаса, как отмечают многие — я не вижу. Можно, конечно, сидеть и выискивать в каждом кадре политические аллюзии и киноцитаты, а можно просто смотреть на экран и получать простое человеческое удовольствие. Здесь есть на что посмотреть и над чем посмеяться: анимация традиционно высшего уровня (если не считать детей Шрека — маленьких, зеленых, и достаточно халтурно анимированных огрят), количество смешных шуток просто зашкаливает. Если первая часть была скорее оригинальной и неподражаемой сказкой, во второй уклон был сделан на пародии знаменитых фильмов Голливуда и американской жизни в целом, то третья часть получилась смесью сказки со своими находками и кучей шуток. Да и не стоит забывать, что в третьем эпизоде, замечательный Эндрю Эдамсон, создатель первых картин — покинул режиссерское кресло, что не могло не сказаться на новой серии…

Интересные факты:

Новыми действующими лицами в этой серии, помимо принца Арти, стали традиционные персонажи легенд о рыцарях Круглого Стола — Мерлин (Эрик Айдл) и Ланселот (Джон Красински).

Антонио Бандерас в фильме говорит, помимо английского языка, ещё на итальянском и испанском.

В одной из сцен у Пряничного человечка перед глазами проносится вся его жизнь. Это отсыл к фильму «Человек на шесть миллионов долларов» (1974). Кстати, согласно этой сцене, Пряничный человечек женат (или был женат).

Фильм развозился по кинотеатрам под фальшивым именем «Stone» («Камень»).

Во время представления принца Чарминга в театре сидят 1373 персонажа.

В конце фильма в своей театральной постановке принц Чарминг появляется на сцене из большой ракушки. Этот эпизод фактически повторение сцены из «Русалочки» Диснея.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Фильм «Эверест» Бальтасара Кормакура («Контрабанда», «Два Ствола») рассчитан на широкую публику и рассказывает реальную историю восхождения 1996 года, закончившуюся ужасной трагедией с массовой гибелью людей на склоне. В центре сюжета — несколько групп туристов, в частности «Горное безумие» во главе со Скоттом Фишером (Джейк Джилленхол) и Анатолием Букреевым (Ингвар Эггерт Сигюрдссон) и «Консультанты по приключениям» под руководством Роба Холла (Джейсон Кларк) и Энди Харриса (Мартин Хендерсон). Из-за большого количества людей, поднимавшихся 10 мая 1996 года на вершину Эвереста, и временных накладок, связанных с фиксацией верёвок вдоль тропы, альпинисты выбились из графика. Само по себе длительное нахождение на высоте в 8000 с лишним метров для человеческого организма уже является большим риском. А вдобавок ко всему, во второй половине дня погода резко ухудшилась и началась сильнейшая буря, резко осложнившая спуск и приведшая к ужасной трагедии.

Весь фильм снят четко по книге «В разряженном воздухе» и воспоминаниях участников коммерческих экспедиций Роба Холла и Скотта Фишера 1996 года. Практически все, что происходит в фильме, происходило в реальности тогда на Южном склоне Эвереста, и чудесное отсутствие ветра в ночь восхождения, и снежная слепота Бека Уэзерса, и Роб Холл со своим другом Дагом, не имеющий моральных сил развернуть Дага обратно во второй раз подряд, и Гарольд, которого начало глючить от отсутствия кислорода и который ввел всю группу в заблуждение «что кислорода здесь нет», и прощальные переговоры Роба с беременной женой. Нашего великого альпиниста Анатолия Букреева не стали изображать как, любят изображать русских, он хоть и показан вскользь, но говорит и делает ровно то, что делал тогда на горе.

Лента не ставит своей целью разобраться в причинах произошедшего и найти виновных. Режиссёр не пытается представить одного персонажа плохим, а другого — хорошим, не стремится оправдать поступки кого-либо из участников той злополучной экспедиции.

Не стоит и ждать от фильма «Эверест» ответов на извечный вопрос: «Зачем человек идёт в горы?» Зритель так и не услышит внятных реплик, как не получит их и поднявший эту тему на экране журналист Джон Кракауэр (Майкл Келли). Оно и понятно, ведь картина Бальтасара Кормакура касается совершенно иной проблемы. Режиссёр весьма однозначно заявляет, что коммерциализация природы — огромная ошибка. Природа — не аттракцион. А те, кто воспринимают её именно с этой точки зрения, вынуждены платить за подобного рода развлечения собственной жизнью.

Менее заметной и оттого более любопытной выглядит ещё одна идея кинокартины исландского режиссёра. Центральный образ Эвереста — по сути, как образ Бога, непостижимого, своенравного и безжалостного. По сравнению с величественной горой, безмолвным исполином, всё остальное кажется лишь мышиной вознёй. Что такое эти жалкие попытки горстки людишек взойти на вершину вселенского абсолюта, от одного только взгляда на «дымящуюся» вершину которого захватывает дух. Дерзнувший бросить вызов Эвересту, возможно, расплатится за свои амбиции жизнью.

Снятый со сдержанностью, суровостью и техничностью выходцем из «страны льдов», «Эверест» помимо претензии на документальность и внимания к деталям, все же не лишён живых человеческих эмоций. Ведь на фоне этой безумной гонки по покорению вершины решаются жизни отдельных людей, судьбы их родных и близких.

Чисто визуально «Эверест» оставляет очень сильное впечатление, позволяя на два часа забыть о теплой комнате дома или зале кинотеатра и совершить своеобразный формат кино путешествия, вместе с главными и второстепенными героями. Огромное уважение актерам и съемочной группе, которые активно работали на натуре, не ограничиваясь современными достижениями в области спецэффектов. Это создает ощущение реальности — хочешь верить в то, что герои Джейсона Кларка и Джейка Джилленхола действительно испытывали известное недомогание при подъеме на вершину пика. Умелое вплетение комбинированных съемок и отменный монтаж дополняют картину — ощущение естественности, что в наше время редкость.

Бальтасар Кормакур сотворил одну из самых впечатляющих драм об альпинистах в истории кинематографа и, возможно, самую знаковую картину в своей жизни. Кто бы что ни говорил, главным героем ленты, по праву, является сам Эверест. Масштабные натурные съемки, от которых перехватывает дыхание, мастерски подкреплены изумительно реалистичными визуальными эффектами от малоизвестной студии Leonardo Cruciano Workshop именно в тех сценах, где это действительно необходимо. Грамотное распределение планов позволило оператору Сальваторе Тотино («Нокдаун», «Код Да Винчи», «Ангелы и Демоны») создать естественный трехмерный эффект потрясающей глубины, который благодаря 3D-формату, только усиливает ощущения от восхождения героев на вожделенную гору. Безукоризненно чистый и точный звук окунает в, разбушевавшуюся во втором акте фильма, стихию с головой, а дополняет звуковую картину чудесная музыка Дарио Марианелли («V — Значит Вендетта», «Солист»).

Превосходен и финальный аккорд «Эвереста». Не смотря на свою безжалостность к некоторым персонажам ленты, он перекликается с все той же «Гравитацией», ведь человеческие жизни в этих картинах являют собой многогранную драматическую призму, через которую отчетливее всего просматривается величие природы.

Интересные факты:

Производственный период начался 14 января 2014 года в Катманду. Сцены снимались на высоте 4877 метров.

Роб Холл (Джейсон Кларк) является первым человеком, покорившим Эверест пять раз. А его жена Джен (Кира Найтли) является второй женщиной из Новой Зеландии, поднявшейся на вершину Эвереста (первой была Лидия Брэди (Lydia Bradey)).

Фильм основан на самой масштабной катастрофе, произошедшей на Эвересте в 1996 году. По жестокой иронии судьбы в тот самый период, когда проходили съемки, 18 апреля 2014 года, в Непале сошла лавина, в результате чего погибли 16 человек.

Некоторые участники экспедиций, судьба которых легла в основу фильма, впоследствии издали книги, в которых изложили свое видение событий весны 1996 г. Наиболее известные — «В разреженном воздухе» (Into Thin Air, 1996) журналиста Джона Кракауера и «Восхождение» (The Climb, 1997) профессионального альпиниста Анатолия Букреева в соавторстве с Вестоном Де Уолтом (Weston DeWalt).

Кристиан Бэйл был утвержден на роль Роба Холла, но покинул проект ради участия в фильме «Исход: Цари и боги» (2014).

Некоторые сцены были заимствованы из документального фильма «Эверест» (1998).

Консультантом фильма выступил Лу Касишке, один из выживших участников трагедии, написавший об этом книгу — «После ветра» (After the Wind).

Роль Баба Уэзерса сыграл 13-летний сын режиссера Бальтасара Кормакура — Стормур Йоун Кормакур Бальтасарссон.

Это первый совместный фильм студии Walden Media и студии Universal Pictures.

Фильм снимался в итальянских Альпах, в павильоне римской студии Cinecitta и британской студии Pinewood. Некоторые сцены снимались при температуре -30°C.

Чтобы сделать фильм еще более реалистичным, продюсеры наняли 11 настоящих шерпов, которые снялись в фильме. Непальцам довелось впервые покинуть свой дом и приехать в Италию, а затем некоторое время провести в студиях Cinecitta и Pinewood.

Чтобы снять сцену на леднике Сеналес, съемочная группа ездила на горнолыжный курорт Шнальсталь в северной Италии. Группа состояла из 180 человек из Великобритании, Новой Зеландии, Австралии, Германии, Италии, США, Исландии и Непала. И без того непростые съемки были осложнены внезапным снегопадом, самым интенсивным в истории курорта. Иногда съемочная площадка полностью исчезала под метровым слоем снега, который приходилось оперативно расчищать.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Девушка Мэри Кэтрин (или как она сама себя называет — Эм Кей) после долгой разлуки, приезжает в захолустье, навестить своего отца — профессора. Тот настолько поглощён своей идеей найти доказательства существования маленьких лесных человечков, что даже забывает о приезде дочери. Все попытки девочки поговорить с отцом не к чему не привели, и она решает уехать обратно к маме. Но волей случая с ней происходит нечто невероятное. Она уменьшается в размерах и оказывается в лесу, где встречает тех самых «лиственных людей» поиском которых одержим её отец. Оказывается всё то о чём он говорил ей с детства — правда! В мире, скрытом от глаз людей идёт настоящая война двух рас маленьких человечков живущих в лесу — добрых Лифменов — защитников природы, и злобных Поганцев — пытающихся привести лес к гниению и вымиранию. А главная роль в этой битве теперь у нашей Эм Кей, так как именно ей лесная королева Тара передала волшебный бутон, от которого зависит исход войны. А помогать ей будут отважный командир добрых воинов — Ронин, и его непутёвый ученик Нод…

Теперь посмотрим, что же это за мультфильм, скрывается за гордым и пафосным названием -«Эпик». Прежде стоит сказать, что этот своеобразный проект — мечта режиссера Криса Уэджа, известного миру по саге «Ледниковый Период». Он «пробивал» его аж с 2006 -ого года. И вот наконец кино -боссы дали деньги на реализацию его замысла. И не мало дали — целых 100 миллионов долларов!

Столь баснословная сумма позволила подключить к проекту таких звёзд как Джош Хатчерсон, Аманда Сейфред, Колин Фаррелл, Кристоф Вальц и Бьонсе Ноулз. Как вы уже наверное поняли, все эти знаменитости занимались озвучиванием разнообразных рисованных персонажей (заметка на будущие — пересмотреть мультик в оригинале, дабы услышать «злодея» Вальца, убитого в нашем дубляже нарочито грубым голосом). А еще сценариста Джеймса В. Харта (автора сценариев к «Дракуле» Копполы, и «Капитану Крюку» Спилберга) и самого автора книги «Лифмены и Добрые Смелые Жуки», лёгшей в основу картины — Уильяма Джойса. А на должность композитора фильма — самого Дэнни Элфмана, настоящего чародея от музыки, написавшего мелодии к стольким чудесным картинам.

Теперь, когда с создателями разобрались, немного о самом мультфильме. Новое творение Криса Уэджа, очень яркий, красочный и невероятно обаятельный мультфильм, в лучших традициях «новой школы» (читай — компьютерной анимации). Лес будто живой — слышны звуки насекомых, шелест листьев, видно по качающимся ветвям дуновения ветра. Замечательно прорисованы все персонажи, все человечки, жучки, насекомые и животные. А что касается людей, то стоит поблагодарить режиссёра за то, что он подобно Земекису не стал гнаться за «фото-риалистичной» анимацией (навроде «Беовульфа», «Полярного Экспресса» и «Рождественской Истории»), а просто «нарисовал» героев как мульт - персонажей и не стремился сделать их уж больно похожими на живых людей. В противном случае это был бы уже не мультфильм — а один сплошной компьютерный спецэффект (не самого лучшего качества), как у того же создателя «Форреста Гампа»…

Анимация на высшем уровне — пейзажи природы, журчащие ручейки, зелёные чащи и травяные луга радуют глаз. «Эпик» — это погружение в другую реальность, сказочную, волшебную и красивую. Представленный мир играет сочными красками и благодаря хорошему 3D буквально вываливается за пределы экрана в зал.

Саундтрек картины понравился, все эти героические мелодии, и лирические нотки скрасили сеанс. Дэнни Элфман поработал на совесть, впрочем как и всегда.

Сам сюжет и его герои. Тут можно придраться к шаблонности (добрые воины сражаются со злыми воинами, у обоих харизматичные вожаки, девушка от которой невольно зависит исход сражения, дружба героини и обаятельного паренька, которая почти перетекает в романтические отношения, конечная победа Добра над Злом и всё в том же духе). Придраться можно… Но оно нам надо?Вот и я думаю, что не надо…

Главное — мультик яркий и смотреть его очень интересно и благодаря красивой картинке, ещё и приятно. А персонажи запоминаются, и очень харизматичны. К примеру гусеница — мудрец Ним Голуй, приятели улитка Граб и слизняк Моб, смешная жаба — мафиози Буф, добрая королева Тара, и главные герои девчонка Эм Кей, отважный «летун» Нод и его учитель Ронин. За их приключениями, спорами и особенно перепалками самоуверенного слизняка и храброй улитки очень интересно наблюдать. А последняя парочка постоянно вызывает хохот!

На мой «взрослый» взгляд, этому мультфильму недостаёт совсем чуть-чуть до Великого. Чего именно не знаю. Возможно драматичности (хотя тут в отличии от многих подобных мультиков персонажи гибнут, и сценаристы этого не стесняются, меня лично рассмешила смерть одного из «воинов зла» в самом начале, и комментарий таксиста по этому поводу -«О, посылка прилетела»), а возможно большей продолжительности, так как финальные события больно быстро «закруглились», и последнюю битву Лифманов и Поганцев можно было бы нарисовать и по «эпичнее», что ли?..

Новый мультфильм Криса Уэджа и правда можно назвать эпичным: хотя в его основе — детская книга (ее автор Уильям Джойс работал над первой «Историей игрушек» и написал «Хранителей снов»), здесь без труда угадываются все главные подростковые кинохиты последних лет тридцати, начиная от «Звездных войн» и заканчивая «Аватаром» и «Сумерками». Главная находка Джойса и Уэджа, скорее, имеет отношение к более взрослой фантастике (вдобавок еще и имеющей в своей основе популярную гипотезу). Маленькие человечки двигаются так быстро, что обычным глазом их не заметишь. Люди же для них, наоборот, слишком медленны — и поэтому сняты в рапид, — как раз поэтому поймать лесных жителей оказывается не так-то просто. Рассказать про относительность времени в детском мультике — прекрасная идея; тем более что, досмотрев «Эпик» до конца, редко кто не удивится, узнав, что с начала прошло более полутора часов.

Интересные факты:

Это первый фильм Blue Sky Studios, в котором главным героем является девушка. Для студии Twentieth Century Fox это первый после «Анастасии» (1997) кинотеатральный анимационный фильм с девушкой в качестве главной героини.

Это второй фильм Blue Sky Studios после фильма «Ледниковый период» (2002), где композитором не стал Джон Пауэлл.

Когда Мэри Кэтрин и ее отец воссоединяются в лесу, его глаза синие, в то время как в любых других сценах они зеленые.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Знаменитый американский фантаст Айзек Азимов ещё в начале 40-х годов попытался впервые сформулировать основные законы будущей науки под названием робототехника. И хотя голливудская фантастическая лента не является экранизацией одноимённой книги Азимова, она использует, в частности, придуманные им три строгих правила поведения роботов, которые не должны причинять никакого вреда человеку, даже защищая собственное существование. Однако другим распространённым мотивом мировой фантастики является именно «бунт роботов», предсказанный ещё Карелом Чапеком.

Поэтому поставленная 40-летним режиссёром Алексом Пройасом картина «Я, робот» строится на пересечении этих двух сюжетных линий, а в жанровом отношении оказывается типичным фантастическим триллером, где научные идеи и технологические разработки по созданию компанией U.S. Robotics нового поколения весьма продвинутых роботов из серии NS-5 представлены в эффектной упаковке напряжённого детектива со стремлением выяснить ответ на тоже классический вопрос «Кто убил?».

Крупный учёный Альфред Лэннинг, который руководил работами по совершенствованию роботов в Америке 2035 года, был найден разбившимся на смерть на полу первого этажа громадного здания фирмы U.S. Robotics и потому объявлен самоубийцей. Но вызванный для расследования явно «технофобный» полицейский-детектив Дел Спунер, его давний приятель, сильно сомневается в добровольности этого ухода из жизни, считая, что Лэннинг был убит — и начинает подозревать наличие специального заговора в робототехнической компании, во главе которой стоит амбициозный технократ Лоренс Робертсон. Доктор Альфред Лэннинг, по всей видимости, обнаружил принципиальный сбой в программе производства NS-5, из-за чего суперсовременные роботы, сменяющие прежние модели NS-4, рискуют превратиться в настоящую угрозу для людей, а в перспективе — для всего человечества.

Смерть изобретателя и дорого для героя Смита человека становиться фундаментом в захватывающем экшне «Я, робот». Держа интригу до самого конца, фильм смотрится на одном дыхании. А именно это, по моему мнению, является наивысшем показателем хорошо проделанной работы. Отличные спецэффекты, потрясающая игра актеров, превосходные саундтреки, которые замечательно дополняют сюжетные линии, фразы, которые хочется цитировать и, конечно же, прославленная конфетка — Audi… Все это стоит того, чтобы посмотреть «Я, робот». Отдельно хочу отметить восхитительную игру Уилла Смита. В жизни оптимистичный и веселый счастливый семьянин играет одинокого, скрытного и недоверчивого без-пяти-минут холостяка. Кроме абсолютной противоположности в характере, Уилл сталкивается с так называемой «игрой с пустотой». Как обычно, футуристический жанр сопровождается огромным количеством компьютерной графики. И на съемочной площадке, актер не редко сталкивался лишь с указаниями режиссера и дорисованными персонажами его собственной фантазией. Однако, преградой для любимца зрителей это не стало.

Вполне понятно желание создателей фильма «Я, робот» (ранее Пройас снял фантастико-мистические ленты «Ворон» и «Город мрака» — и вторая из них как раз близка по атмосфере и антуражу к этой работе) привлечь зрителей моментами активного действия — поединками, погонями, перестрелками и взрывами, а также удивить сложными компьютерными модификациями облика роботов будущего (их лица, особенно у Санни, как бы предводителя поколения NS-5, напоминают ожившие посмертные маски).

Центр всей истории — «неисправный» робот Санни — робот новейшего поколения, абсолютная имитация человека со всеми его изъянами. Этот персонаж хранит в себе не малый смысл. Он умеет обманывать, играть, спать и хранить секреты, что другим роботам не свойственно. На примере робота показана вся неизмеримая ценность человеческой души, ценность чувств и эмоций, которые нельзя перенсти в программный код. Однако, какую-то часть души профессору Лэннинг всё-таки удалось внести в робота Санни, который по-началу вызывает мурашки по телу одним только взглядом.

Надо сказать все, что показано в «Я, робот» воспринимается донельзя естественно. В происходящее на экране веришь. Режиссер не стал показушно демонстрировать нам достопримечательности будущего и технологические достижения. Нам все показывают ненавязчиво и естественно, так как будто это все происходит на самом деле. Все уже давно привыкли к такому миру, и зрители не должны воспринимать это как нечто из ряда вон выходящее. Отлично получилось. Дизайн роботов тоже порадовал. Они именно такие какими и должны быть. Рациональность на лицо. Никаких изощрений. Минимализм и простота, ничего лишнего.

В принципе, соответствует требованиям жанра стремление авторов выстроить интригу как можно хитроумнее и позаковыристее, чтобы в финале мы изумились, насколько далеко была просчитана многоходовая комбинация, истинная суть которой подразумевалась лишь инициатором столь масштабной манипуляции. И это даже отвечает традициям антиутопий, мрачно и предостерегающе повествующих о том, что может произойти с миром и человечеством в случае его бездумного развития (например, возникает косвенная перекличка с «Планетой обезьян»). В то же время трудно отделаться от стойкого ощущения, что заключительный, действительно неожиданный сюжетный выверт, который всё ставит с ног на голову, нужен был лишь для того, чтобы кинематографисты застолбили возможность для съёмок продолжения.

Ведь находясь по поводу рекламной раскрутки картины «Я, робот» в Австралии, где Алекс Пройас прожил первую часть своей жизни, он уже успел объявить о намерении подготовить сиквел именно там, а популярный афроамериканский актёр Уилл Смит, который сыграл детектива Дела Спунера, вообще согласен появиться в любом проекте этого режиссёра. Что называется, сработались на славу! А результаты проката (фильм «Я, робот», стоивший весьма значительную сумму — $120 млн., собрал в мировом прокате почти втрое больше) показали, что их также ожидал коммерческий успех. Впрочем, вторая серия пока что не предвидится.

Интересные факты:

Фильм поставлен по мотивам всех девяти историй, входящих в сборник Айзека Азимова «Я, Робот» (I, Robot, 1950). У сборника есть продолжение в виде четырех романов «The Caves of Steel», «The Naked Sun», «The Robots of Dawn», «Robots and Empire».

Изначально сценарий не имел ничего общего с произведением известного американского фантаста Айзека Азимова (название которого данный проект сейчас и носит). Однако, после того, как первоначальный сценарий дошел до режиссера, и были выкуплены права на экранизацию произведения Азимова, продюсера приняли решение передать имеющийся под рукой текст Акиве Голдсману с пожеланием скрестить оригинальный рассказ Азимова и уже разработанный сценарий «Hardwired».

Сценарий картины был основан на совершенно другом проекте под названием «Запаянный» («Hardwired»). Несмотря на то, что у проекта было довольно мало шансов на выход в свет, композитор Джефф Занелли умудрился написать заглавную композицию для картины.
Марко Белтрами был приглашен для участия в проекте под самый занавес работы над ним, и получил в свое распоряжение всего лишь 17 дней для того, чтобы написать порядка 90 минут музыкального сопровождения к фильму.

В одном из окон магазинчика, торгующего антиквариатом, зрители могут увидеть знаменитую собачку-робота AIBO.

В картине задействована одна из последних разработок компании Audi — шикарный автомобиль Audi Le Mans Quattro. Хотя изначально этот автомобиль изготавливался специально для фильма, боссам компании новая модель настолько понравилась, что они решили запустить её в серийное производство.

При запуске проекта в 1998 году режиссером значился Брайан Сингер.

Экранный образ робота Санни создавался с использованием тех же технологий, что и Голлум во «Властелине Колец» Питера Джексона. Пластику и голос робота сыграл актёр Алан Тьюдик.