Описание (клик - развернуть/свернуть):
Сейчас, как известно, у каждой уважающей себя киностудии должна быть «вселенная» для масштабной переработки старых идей — тем более в ней нуждалась студия с названием Universal. И вот «Мумия» Алекса Курцмана перерезает ленточку на открытии корпорации монстров, мегафраншизы «Темная вселенная» по мотивам классических юниверсаловских хорроров 1930–1950-х годов. Впереди — Франкенштейн и его невеста, Человек-невидимка, Человек-волк, Дракула с Ван Хельсингом, Тварь из Черной лагуны и даже, кажется, Призрак оперы.

У первой «Мумии» 1932 года не было официальных сиквелов, но историю про оживших египтян многократно и довольно удачно перекладывали — в том числе британцы со студии Hammer. Последнюю попытку все помнят: это поначалу очаровательная и до конца невероятно успешная трилогия с Бренданом Фрейзером, собравшая полтора миллиарда долларов. Но та «Мумия», несмотря на все спецэффекты, была старомодным, веселым приключенческим ретро в духе «Индианы Джонса». Теперь задача другая: время действия — наши дни, и выглядеть фильм должен как блокбастер 2017-го, а не восемьдесят какого-нибудь года. Что ж, что хотели — то и получили.

На этот раз действие перенесено в Ирак, где действует и пытается бороться с боевиками международный воинский контингент, в том числе офицер-прощелыга, на самом деле промышляющий добычей и сбытом добытых в суматохе древностей. Откуда в Ираке древнеегипетская гробница и как она может быть связана с внезапно нашедшимся в Лондоне захоронением тамплиеров? Не беспокойтесь, на все вопросы найдутся ответы, пусть и не всегда убедительные, но для блокбастера - сойдут.

Армия топовых сценаристов — во главе, собственно, с самим Курцманом, для которого это лишь второй режиссерский опыт, — накидала для фильма множество идей, но ни одна из них не доведена до конца. То, что герой — жулик, забывается уже ко второму акту. Линия про агентство по борьбе с монстрами — которое, видимо, в «Темной вселенной» будет чем-то вроде организации «ЩИТ» — пока что едва проработана. Даже секс между Крузом и блондинкой-археологом произошел еще до вступительных титров (что, впрочем, не помешает актеру вовремя обнажиться). С головы до ног забитая иероглифами, элегантно обмотанная дизайнерскими бинтами и снабженная дополнительными зрачками мумия в исполнении гуттаперчевой алжирской танцовщицы Софии Бутеллы на вид, безусловно, поавантажнее, чем Борис Карлофф, Кристофер Ли и тем более лысый мужчина из фильма с Фрейзером, но представить, что она способна кого-то напугать или хотя бы как следует насмешить, решительно невозможно.

«Мумию» бросает то в непритязательную комедию (важный диалог происходит в женском туалете), то в неизобретательный боевик, то в нестрашный зомби-хоррор, то в какую-то мечтательную ориентальную эротику — барханы, кинжалы, полуголая принцесса. Время от времени что-нибудь горит или взрывается. За казни египетские отвечает пара компьютерных крыс. Остросовременный поворот классического сюжета состоит в том, что не восставший из могилы жрец ищет, как бывало раньше, свою возлюбленную, а, наоборот, женщина положила глаз на Тома Круза (для начала она ощупывает его как лошадь) и хочет провести с ним ритуал, включающий символический акт пенетрации. По правде говоря, на мумию больше похож Том Круз, который и сам - превосходнейшая из всех современных мумий: непонятно, как еще, кроме передового бальзамирования, объяснить уникальную внешнюю сохранность видного голливудского актера, который сегодня выглядит точно так же, как 30 лет назад. Он вечно молод и бодр, что мы можем оценить с первых же сцен новой «Мумии».

Есть у «Мумии» и положительные стороны. В свете новейших феминистских тенденций сама Мумия здесь - женского пола: это - очаровательная, но и опасная принцесса, когда-то проклятая богами и людьми за убийство собственной семьи. А Том Круз, естественно, ее возлюбленный, у которого есть и своя зазноба - вообще, с какого-то момента фильм превращается в блокбастер о противостоянии блондинки и брюнетки. И это - не все козыри: вас ждет встреча с самим доктором Джекиллом, который в неожиданный момент может перевоплотиться в мистера Хайда. Роль злодея и добряка в одном теле – завидная для любого актера, какой лицедей не мечтает сыграть одним махом всё на свете внутри одного кадра. Здесь это счастье досталось Расселу Кроу, актеру большому во всех смыслах, который играет исследователя как раз с таким именем – Доктор Джекилл. Но к «Джекиллу и Хайду» возвращаются не только на уровне сверхзадач: смысл «Мумии» – тоже оттуда. Фильм – про раздвоение личности, про зло, которое содержится в каждом. Раздвоение тут играют, так или иначе, все. И Круз, героя которого мумия пытается сделать своим рабом, тоже. Если вас это убедило, то вы сможете сполна насладиться спецэффектами, погонями и драками, не обращая внимания на вторичный, неубедительный, попросту скучный сюжет и забыв о различиях между живыми и мертвыми.

Актеры – вторая после бойкого и обещающего бурное продолжение сюжета сильная сторона новой «Мумии». Круз вообще впервые за очень долгое время хоть что-то играет, а не просто показывает, как классно можно выглядеть в пятьдесят четыре года. Да, тут он именно что актер, а не симпатичная мордашка: сеансы гипноза, перерождения, галлюцинации, всё это он отыгрывает действительно отлично. Здесь у него как бы героическая, но скорее комическая роль: его всю дорогу разнообразно унижают и обижают, бьют, сбрасывают с самолета, затыкают ему рот, критикуют его мужские способности.
Совершенно оправдала выбор её на роль мумии египетская танцовщица и актриса София Бутелла: она не только здорово играет пятитысячелетней выдержки трупак пластически, но умудряется при этом придавать сюжету некоторый эротизм. Эпизоды с ней все построены на скольжении камеры по спине, шее, плечам и т.д. смуглой красотки.
Не подкачала и проверенная техника переманивания в блокбастер сериальных звёзд. Барышню-ученого тут играет Аннабелль Уоллис, роковая красотка из «Острых козырьков». И лишний раз подтверждает, что британская актерская школа на сегодняшний день – сильнейшая и самая кинематографичная.

Одна беда – тех, кто ждет от «Мумии» события, чего-то нового, яркого и неожиданного, ждет облом. Планка здесь ставилась не слишком высокая, цели — вполне коммерческие: перезапустить старый сюжет, наобещать побольше всего в продолжении, которое обязательно последует. Свидетельство тому – бесхитростный выбор на должность режиссера Алекса Куртцмана, для которого это только вторая работа в большом кино. Он осторожен, старается не слишком выделяться и не мешать актерам отыгрывать сильные драматические ходы. Здесь нет игры со стилем, как в десятилетней давности трилогии Стивена Соммерса. Это, если угодно, очень длинный трейлер – событие впереди.

Интересные факты:

В сентябре 2012 года режиссёром фильма был назначен Лен Уайзман, однако он покинул проект ещё до начала съёмок. Уайзмана сменил Андрес Мускетти, но и он впоследствии ушёл из-за творческих разногласий со студией.

Прежде чем утвердить Рассела Кроу на роль доктора Джекилла, авторы фильма рассматривали кандидатуры Тома Харди, Хавьера Бардема, Джозефа Гордона-Левитта и Эдди Редмэйна.

Во время набора актёров в фильм «Мумия» (1999) режиссёр Стивен Соммерс подумывал предложить главную роль Тому Крузу, однако затем остановился на Брендане Фрейзере.

Стать режиссёром фильма предлагали Бальтасару Кормакуру, но он предложение отклонил.

Поклонник драматического сериала «Острые козырьки» (2013) Том Круз настоял на том, чтобы на прослушивание пригласили сыгравшую там Аннабелль Уоллис.

В начальном варианте сценария предполагалось, что действие будет разворачиваться в Ираке, где с мумиями под предводительством Ашурбанипала будут сражаться «морские котики».

Дизайн и пол мумии были изменены из-за внешности Апокалипсиса, который появился в сцене после титров в фильме «Люди Икс: Дни минувшего будущего» (2014).

Когда Джейку Джонсону предложили сыграть в фильме, ему понравилась идея и возможность поработать с Томом Крузом, зная, что тот сам выполняет большинство трюков. Он немедленно согласился, но когда прочитал сценарий и узнал, какие опасные действия от него потребуются, признался, что испугался. Однако, Круз позволил ему пройти 4,5-месячный курс суровых тренировок на своих частных объектах, чтобы тот был готов ко всем трюкам.

Слоган фильма «Добро пожаловать в новый мир богов и монстров» является цитатой из фильма «Невеста Франкенштейна» (1935), который также был снят Universal.

Режиссер Алекс Куртцман заявил, что в фильме нет сцены после титров, так как это область Marvel.

Когда Universal планировала создание своей вселенной Dark Universe, изначально «Дракула» (2014) была первой частью, а «Мумия» (2017) должна была стать второй, однако, во время производства этого фильма решено было сделать его первой частью, а «Дракулу» оставить за пределами вселенной.

В мае 2017 года студия Universal официально назвала свою новую вселенную монстров Dark Universe.

Этот фильм вышел спустя 85 лет после выхода оригинальной «Мумии».

События фильма, где мумия возрождается из могилы и несет за собой проклятье, происходят в Египте после фильма «Мумия возвращается» (2001).

Эпизод с невесомостью в падающем самолёте снимали два дня. Было сделано 64 дубля.

Хайд во время драки говорит, что Ник моложе него, хотя в реальности Том Круз старше Рассела Кроу на год.

Сцена падения самолета была частично снята на специальном самолете с нулевой гравитацией.

Во время драки в офисе Доктора Джекила, можно заметить золотую книгу Амун-Ра, что является отсылкой к фильму «Мумия» (1999).

В фильме есть несколько отсылок к предыдущим фильмам студии. Например, череп вампира и рука монстра из фильма «Создание из Чёрной лагуны» (1954).

Когда Доктор Джекилл становится Хайдом, он начинает говорить с акцентом кокни, который принадлежит низшим слоям населения Лондона.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Роскошное кино. Красивое, жестокое, смешное и умное, совершенно самодостаточное, не требующее сравнения ни с литературной основой, ни с предыдущей экранизацией. Роман прочитан и прожит заново, и теперь мы знаем, куда уходит детство, в какие города. Один из них — Дерри, штат Мэн.

Когда в городке начинают пропадать дети, и пока взрослые искали кто мог сотворить такие ужасные преступления — дети сами нашли того, кто творил весь этот кошмар. К своему ужасу ребята поняли, что их противник — не человек, а злобный клоун Пеннивайз, чьи проявления жестокости и список жертв уходят в глубь веков. И единственный способ выйти из этой истории победителем — это не бояться. Что оказалось весьма сложно, ибо их противник досконально знал страхи своих жертв. И началась битва, в которой шансы на победу у детей были ничтожно малы.

Традиционная для Кинга тема ненависти, таящейся за белым провинциальным заборчиком сплетается с темой памяти. Сохранен основной посыл автора: мы все чего-то боимся, и страхи нас убивают. Только преодолев их, мы сможем жить полноценной жизнью. Побеждая, герои не просто уничтожают сердце зла, но прощаются с невинным детством, забывают совместно пережитые беды. «Оно» пугает и смешит, волнует и увлекает, сочетает тёплую ностальгическую атмосферу детства с ужасающими реалиями взросления. Пожертвовав частью сюжетных линий и персонажных характеристик, Энди Мускетти сумел передать важнейшую составляющую романа — ощущение настоящей дружбы, обостренной рискованной пляской со смертью, и чисто ребяческое упоение молодостью, когда под колесами велосипеда, кажется, вращается целая планета.

В фильме присутствует прекрасный баланс между драмой, мистикой и ужасами. За героев постоянно переживаешь и ожидаешь чего то ужасного. При каждом появлении клоуна Пеннивайза начинаются самые криповые моменты в фильме. Их достаточно много, и они не повторяются. Пеннивайз теперь стал еще более жутким, а актеру, который воспроизвел образ, хочется пожать руку. Актерский состав чудесный. Дети-актеры снова удивляют, а каждый герой и его характер проработаны до мелочей. Все кошмары детишек виртуозно нагнетают атмосферу неподдельного ужаса.

Визуальная сторона фильма также на высочайшем уровне и создается эффект реалистичности. Операторская работа и хороший саундтрек еще одни плюсы данной киноленты.

«Оно» — фильм, который даже не особенно хочется разбирать, им хочется просто восхищаться. Тем, как ладно он скроен, как ловко придуман, как качественно реализован, как здорово в нем страшное сочетается со смешным.

Интересные факты:

В романе Стивена Кинга «Оно» сюжетная линия с главными героями в детстве разворачивается в 1958 году. В фильме все события происходят в 1989 году.

Роль клоуна Пеннивайза предлагали Марку Райлэнсу и Бену Мендельсону. Её предлагали даже Тиму Карри, который сыграл клоуна в мини-сериале 1990 года. Актёр отказался, сославшись на проблемы со здоровьем.

Создатели сериала «Очень странные дела» (2016) братья Мэтт и Росс Даффер предлагали свои услуги в работе над фильмом, однако предложение было отвергнуто, так как их посчитали недостаточно известными.

Предполагалось, что режиссёром станет Кэри Фукунага, однако он покинул проект из-за несогласия с бюджетными ограничениями и творческих разногласий. Сюжет, с которым собирался работать Кэри Фукунага, содержал такие откровенные сцены с участием детей, что родители нескольких юных актёров отозвали разрешение им сниматься. Руководство студии попросило режиссёра переписать сценарий, на что он ответил категорическим отказом. Фукунага считал, что эти сцены слишком важны для фильма. Фукунага требовал оставить за ним право решать, на какой рейтинг Американской киноассоциации ориентироваться при съёмках фильма. Фукунага хотел сделать фильм под рейтинг NC-17 (лица 17-летнего возраста и младше на фильм не допускаются), тогда как продюсеры настаивали на рейтинге R (лица, не достигшие 17-летнего возраста, допускаются только в сопровождении одного из родителей либо законного представителя).

На протяжении практически всего периода съёмок Билл Скарсгард присутствовал на съёмочной площадке, однако сам стал сниматься далеко не сразу. Актёр проводил очень много времени с Андресом Мускетти и продюсерами, работая над образом клоуна Пеннивайза. Скарсгард хотел исполнить роль идеально и тем самым отдать дань уважения Тиму Карри, чьё исполнение этой роли в мини-сериале 1990 года признано великолепным.

Чоузен Джейкобс, сыгравший Майка Хенлона, отметил своё 15-летие на съёмочной площадке фильма. Джереми Рэй Тейлор, исполнитель роли Бена Хенскома, в качестве подарка сводил именинника на приключенческий боевик «Тарзан. Легенда» (Дэвид Йейтс, 2016), главную роль в котором сыграл Александр Скарсгард, брат Билла Скарсгарда, утверждённого на роль Пеннивайза.

Билл Скарсгард отметил своё 26-летие незадолго до начала съёмок. В качестве дружеской подначки режиссёр Энди Мускетти выложил в «Инстаграме» свой снимок в маске Пеннивайза и с поднятым вверх средним пальцем. Перед Мускетти на снимке стоит сам Скарсгард.

Финн Вулфард — единственный задействованный в фильме актёр, кто остался после того, как Андрес Мускетти сменил в роли режиссёра Кэри Фукунагу.

В первые недели съёмок Уайатт Олефф купил-таки себе роман Стивена Кинга «Оно», чтобы лучше узнать и понять своего героя. В фильме он сыграл Стэнли Уриса.

В предсъёмочный период на роль Беверли рассматривалась Хлоя Грейс Морец, однако тот затянулся настолько, что к моменту подбора актёров ей уже исполнилось 19 лет. Было решено, что для роли Беверли она больше не подходит по возрасту, и Беверли сыграла София Лиллис.

Билл Скарсгард значительно моложе и выше Тима Карри в то время, когда тот играл Пеннивайза в мини-сериале 1990 года. Скарсгарду на момент съёмок было 26 лет, а росту в нём 192 см. Карри было 44 года, а его рост — 175 см. Роль Пеннивайза предлагали сначала Уиллу Поултеру. Актёру ростом 182 см было на тот момент 22 года.

Предсъёмочный период фильма занял 7 лет.

Съёмки начались 27 июня и закончились 20 сентября 2016 года, за день до дня рождения Стивена Кинга, которому исполнилось 69 лет.

Дебют Джексона Роберта Скотта в кинематографе. Он сыграл младшего брата Билла по имени Джорджи. До съёмок в фильме «Оно» Скотт появился лишь в одном эпизоде телесериала «Мыслить как преступник» (2005).

Когда предполагалось, что режиссёром фильма станет Кэри Фукунага, на роль Билла Денбро был утверждён Тай Симпкинс. Когда режиссёром стал Энди Мускетти, роль Симпкинса передали Джейдену Либереру.

После ухода Кэри Фукунаги режиссёр Энди Мускетти переписал сценарий, добавив к нему наиболее известные эпизоды из романа Стивена Кинга. Изменением сценария он занимался сам, однако к работе приложил руку и Гари Доберман.

Примерно за полгода до выхода фильма был устроен специальный показ для Стивена Кинга.

В романе Пеннивайз появляется в Дерри каждые 27 лет. Сериал по роману вышел на экраны в 1990 году. Этот римейк увидел свет 27 лет спустя, в 2017 году.

Съёмки некоторых эпизодов прошли в Порт-Хоп в канадской провинции Онтарио. Там же Крэйг Р. Бэксли снимал мини-сериал «Буря столетия» (1999) по сценарию Стивена Кинга.

Энди и Барбара Мускетти сделали всё возможное, чтобы включить в фильм как можно больше эпизодов и сцен из романа. В основном им это удалось, но некоторые эпизоды (как, например, тот, в котором так называемый «Клуб неудачников» проводит древний индейский ритуал) продюсеры отвергли, посчитав, что их съёмки окажутся чересчур дорогими.

Жилище Пеннивайза построили и сняли в Ошаве в канадской провинции Онтарио.

В эпизодической роли в фильме снялся британский комик, сатирик и актёр Джон Оливер, большой поклонник романа «Оно» (1986).

В интервью Билл Скарсгард рассказал, что, когда снимали сцену, где Пеннивайз пугает большую группу детей, он впервые появился на съемочной площадке полностью загримированный. Увидев его, некоторые из юных актеров были заинтригованы, некоторые напуганы, а одного вообще начало трясти от страха. После съемок сцены все они расплакались из-за того, насколько ужасающей была игра Скарсгарда. Актер признался, что он чувствовал себя виноватым за это, и когда камера перестала снимать, он подошел и извинился перед ними всеми и заверил, что это все была лишь игра на камеру.

В феврале 2016 года продюсер Рой Ли говорил о том, что у создателей фильма есть мысль разделить его на две части.

Первоначально режиссер Андрес Мускетти планировал при помощи компьютерной графики добавить в фильм кадры, в которых у Пеннивайза глаза смотрели в разные стороны. Когда он сообщил об этом актеру Биллу Скарсгарду, тот продемонстрировал режиссеру, что он и сам может это сделать. В результате все соответствующие кадры были сняты вживую.

В интервью членов «Клуба неудачников» спросили, кого бы они выбрали на свои роли во втором фильме. В итоге получился следующий состав: Ричи – Билл Хейдер, Беверли – Джессика Честейн, Майк – Чедвик Боузман, Эдди – Джейк Джилленхол, Стэн – Джозеф Гордон-Левитт, Бен – Крис Пратт.

Билл Скарсгард признался, что он настолько глубоко погрузился в образ Пеннивайза, что в период съемок его постоянно мучили кошмары.

Готовясь к своей роли, Билл Скарсгард тренировался с профессиональным акробатом.

София Лиллис, сыгравшая роль Беверли, не боится фильмов ужасов. Когда она впервые увидела Билла Скарсгарда в образе Пеннивайза, она засмеялась.

Первый тизер-трейлер фильма был просмотрен 197 миллионов раз за первые 24 часа с момента его появления. И тем самым побил рекорд, который ранее установил трейлер фильма «Форсаж 8» (2017) – 139 миллионов просмотров за первые сутки.

Популярной идеей среди фанатов было вернуть актеров, которые сыграли детей в оригинальном фильме, чтобы они исполнили роли своих же персонажей только уже взрослых. Сыгравший Билла Джонатан Брэндис скончался в 2003 году, а Марлон Тейлор и Джаред Бланшар, исполнившие роли Майка и Генри, сказали, что если бы им поступило подобное предложение, то они бы согласились.

Одна из ипостасей Оно — сошедшая с картины женщина, названная в титрах Юдифь (Judith), отсутствует в книге. Этот образ вдохновлён творчеством итальянского художника Амедео Модильяни (1884-1920). Репродукция одной из его картин висела в доме матери Энди и Барбары Мускетти и пугала будущего режиссёра. Влияние творчества Модильяни очевидно и в образе заглавного существа из предыдущего фильма Мускетти — «Мама» (2013).

22 сентября 2017 года российская сеть закусочных «Бургер Кинг» подала жалобу на фильм «Оно». Причиной стало то, что клоун Пеннивайз, главный злодей, очень похож на клоуна Рональда Макдональда, символа McDonald’s. Это, по их мнению, является рекламой конкурента. Федеральная антимонопольная служба и сотрудники Burger King подтвердили заявку от компании. Несмотря на это, развёрнутых комментариев никто не дал.

По требованию режиссёра Билл Скарсгард ни разу не встречался с юными актёрами до съёмок эпизода схватки Пеннивайза с ребятами из так называемого «Клуба неудачников».
Энди Мускетти хотел, чтобы молодые актёры действительно испугались клоуна, и, как он рассказывал впоследствии, так и получилось.

Когда Ричи (Финн Вулфард) находится в наполненной клоунами комнате, там можно заметить сидящую на полу куклу, которая выглядит так же, как Пеннивайз Тима Карри из оригинального фильма «Оно» (1990).

Режиссер Энди Мускетти рассказал, что многие формы, которые принимает Оно в романе, в фильме были заменены на другие, чтобы сделать фильм менее предсказуемым для тех, кто читал книгу.

Хотя концовка романа «Оно» неоднозначна, и до конца не ясно осталось ли Оно в живых, Стивен Кинг поклялся, что никогда больше не будет писать о Пеннивайзе, поскольку этот персонаж слишком страшный даже для него самого.

17 сентября 2017 года актёр Билл Скарсгард, который исполнил роль танцующего клоуна Пеннивайза, поведал, что студия отсняла сцену с ним, которая разворачивалась в прошлом.

Как сообщил Скарсгард, в одной из ранних версий фильма присутствовал момент с флешбэком в 1600-х годах. Тогда ещё в городе Дерри не было Пеннивайза. Актёр исполнял роль персонажа не в гриме клоуна. В сцене было показано происхождение Пеннивайза. Сцена, как добавил актёр, заключалась в том, чтобы показать существование монстра в недрах Земли на протяжении многих лет. Портал Variety отметил, что в раннем сценарии «Оно», которым занимался Кэри Фукунага, также была подобная сцена. Там Пеннивайз играл на пианино и пожирал детей в 1800-х.

В романе Пеннивайз отрывает Джорджи левую руку, а не правую, как в фильме. Кроме того, сценаристы изменили и факт исчезновения Джорджи — в книге он остался на мостовой и был найден соседом сразу после нападения.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
«Мертвецы не рассказывают сказки» - пятый по счету фильм саги «Пираты Карибского моря». И точно не последний.
Пираты не тонут — это главное. Сага, которую четырнадцать лет назад затеяли на свой страх и риск режиссер Гор Вербински и продюсер Джерри Брукхаймер, оказалась неубиваемой. Рисковали, да: кому в двадцать первом веке интересны пираты? Кому нужен «малоизвестный актер авторского кино» (как-то так Деппа на тот момент ухитрялись определять продюсеры ) в главной роли? Сам он уже устал отвечать на вопрос, до каких пор готов играть Джека Воробья. До тех, пока это будет вызывать у публики интерес. Подвох только в том, что интерес – штука такая: при должном мастерстве его можно и нужно предугадывать самим художникам. Это, в том числе, часть их профессии. Популярными фильмы делают их создатели. «Мертвецы» – прекрасное тому доказательство.

Во многом это перезапуск саги. Один из ее создателей, Гор Вербински, после третьей части покинул проект. Четвертый фильм снял осторожный технарь Роб Маршалл, создатель «Чикаго» и «Мемуаров гейши» – получился едва ли не самый заурядный из «Пиратов». В пятой продюсер Джерри Букхаймер пошел на риск: пригласил дуэт норвежских режиссеров, Эспена Сандберга и Хоакина Роннинга. Морская тематика для них не нова: у себя на родине они сняли «Кон-Тики», биографию самого известного путешественника новейшего времени, Тура Хейердала.
Перезапускать сагу приходится и по техническим причинам: главные герои, молодые влюбленные в исполнении Киры Найтли и Орландо Блума уже не молоды. С их заматеревшими персонажами нужно что-то делать.

Сценарист Джефф Натансон сюжет «Пиратов» сочиняет заново. На первый план выводит новых персонажей: сына героев Найтли и Блума, юного максималиста, мечтающего освободить отца от морского проклятья, и девушку-астронома. Последний персонаж придуман ловко: «Пираты» теперь станут любимой сагой не только романтически настроенных детей и взрослых, но и феминисток. Барышня-ученый то и дело доказывает, что она ничем не трусливее пиратов, сражается с патриархатом. В общем, в «Пиратах» теперь не только дерутся, снимают проклятья и сбегают с собственных казней, но и борются за права женщин. Вместе с Джеком Воробьем (Джонни Депп действительно этого поручика Ржевского может играть до пенсии) эта гоп-компания отправляется на поиски трезубца Посейдона, который может снять все проклятья и сделать своего обладателя правителем всех морей.

В актерском плане этот перезапуск, возможно, образцовый. Кира Найтли и Орландо Блум никуда не деваются, пусть и довольствуются ролями special guest: на экране фигурируют от силы минуты - две. Их места занимает молодежь: австралиец Брентон Туайтес и британская актриса Кайя Скоделарио. Естественно, почти сразу после знакомства ребят начинает тянуть друг к другу ? законы жанры и молодости неумолимы. И это, определенно, попадание в яблочко, достойная смена Найтли и Блуму.

Но главное актерское событие «Пиратов» – не они. Впервые здесь есть еще одна звезда, составляющая конкуренцию светилу Джонни Деппу. Все-таки прежде если кто-то заметный на экране тут и появлялся, то либо ненадолго и в рамках аттракциона (как гитарист Rolling Stones Кит Ричардс в роли отца Воробья), либо явно никакой угрозы депповскому премьерству не представлял (как Пенелопа Крус в прошлой части). В «Мертвецах» пальма первенства переходит к исполнителю роли главного злодея. Что так случится, было ясно заранее – все-таки роль эта досталась Хавьеру Бардему, самому колоритному из возможных антагонистов. В современном кино звание лучшего экранного злодея он делит разве что с Кристофом Вальцем (которого в «Пиратов» пытались, но не смогли завлечь). Бардем в этом качестве о себе вполне ясно заявил в «Старикам тут не место», лишний раз напомнил в «Скайфолле», где сыграл брошенного спецслужбами на верную смерть агента. В «Мертвецах» его пират-призрак с характерным именем Салазар (куда без политических аллюзий) – идеальный персонаж для Бардема. С трагической историей за плечами, нюансами, тонкостями, полутонами. При этом, достаточно пластичный и зрелищный, чтобы не перегружать несчастные детские (все-таки выпускает на экраны фильм студия Диснея) мозги всякими взрослыми тонкостями. Собственно, Бардем и придает «Мертвецам» интонацию здравицы «Пиратам».

Сага не потонет даже тогда, когда (ну, мало ли) её покинет Депп. Она останется собой даже без Найтли и Блума. Её будут смотреть не из-за знакомых актеров и «полюбившегося публике сюжета». Залог её успеха в другом, куда более редком качестве — умении меняться. Отчасти это заслуга продюсера Брукхаймера. Отчасти — ушлых скандинавов Сандберга и Роннинга. Но факт остается фактом: эту песню точно не задушишь и не убьешь.

К «Пиратам» вдруг вернулась былая бодрость. Груз прожитых лет, конечно, остался ? усталость чувствуется и в дежурно кривой походке Воробья, и в навязчивости сюжетных поворотов, да и сложность родственных связей в этой франшизе скоро догонит латиноамериканские сериалы. Но по степени изобретательности «Пираты» дадут фору любому новому блокбастеру.

Призрачный корабль разевает пасть, как крокодил, пираты-мертвецы бегают по морю аки по суху, а вместо сторожевых псов у них ? дохлые акулы на цепях. Власти снова пытаются казнить Воробья, на сей раз с помощью гильотины ? и это самая смешная казнь на свете (конечно, неудачная). Редко какой фильм дарит такое, почти детское удовольствие, сопоставимое с чтением книги Стивенсона в летние каникулы.

Иными словами, пиратские похороны были преждевременны, в этом мире еще есть местечки, куда может заглянуть вечно живой Джек Воробей. Свой миллиард пятый фильм, наверное, соберет с легкостью, а жизненной энергии и чувства юмора у его создателей должно хватить еще на серию, а то и на две.

Интересные факты:

Норвежские режиссеры картины Хоаким Роннинг и Эспен Сандберг прославились в Голливуде, когда их байопик «Кон-Тики» был в 2013 году номинирован на «Оскар» в категории «Лучший фильм на иностранном языке».

На роль режиссёра фильма рассматривались кандидатуры Фредрика Бонда, Тима Бёртона, Альфонсо Куарона, Шона Леви, Сэма Рэйми, Руперта Сандерса и Криса Вайца.

На роль Генри рассматривались кандидатуры Энсела Эльгорта, Брентона Туэйтса, Тэрона Эджертона, Джорджа МакКэя и Сэма Кили. Выбор в конце концов пал на Туэйтеса.

Во время съёмок в Австралии Джонни Депп повредил руку и был вынужден вернуться в США.

Шорт-лист на роль главной героини фильма включал в себя Люси Бойнтон, Габриэллу Уайлд, Дженну Тиам, Каю Скоделарио и Александру Доулинг. Когда на роль Генри отобрали Брентона Туэйтеса, студия организовала его кинопробы с актрисами из шорт-листа. В результате было решено, что на роль возлюбленной этого персонажа лучше всего подходит Скоделарио.

По продолжительности эта часть самая короткая из всей серии.

Кристоф Вальц вёл переговоры о выступлении в качестве главного антагониста фильма, но в итоге отказался.

Двое детей режиссёра Хоакима Роннинга появляются в фильме в качестве массовки.

Съемки начались 17 февраля 2015 года. Судовые сцены были сняты перед гигантским наружным хромакеем в Хеленсвейле. Съемки фильма переехали в Парк Дуг Дженнингс с 30 марта по 15 июня 2015 года для водных сцен. Тем не менее, из-за сильной морской болезни среди актеров и съемочной группы, киносъемки переехали в Raby Bay для более спокойных водных сцен. Сцены были сняты в Lennox Head 1 июня. Сцены с изображением скелета кашалота были сняты в Хэйстингс Пойнт с 21 по 23 июня.

В некоторых странах, включая англоязычные, фильм вышел под названием «Пираты Карибского моря: Месть Салазара».

Съёмочные площадки пытались оградить от присутствия поклонников франшизы, поэтому всем интересующимся говорили, что здесь снимают фильм «Гершель».

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Сюжет картины основан на трагедии, которая произошла над Боденским озером в 2002 году. Тогда из-за ошибки диспетчера самолёт Ту-154М авиакомпании "Башкирские авиалинии" столкнулся с грузовым Boeing. В результате погиб 71 человек, в том числе 52 ребёнка. Среди жертв была семья осетинского архитектора Виталия Калоева – жена и двое детей. Комиссия по расследованию катастрофы назвала главным виновником произошедшего швейцарского авиадиспетчера Питера Нильсена. Он слишком поздно заметил опасно сближающиеся самолёты. 24 февраля 2004 года Калоев убил авиадиспетчера на пороге его дома.

В 2005 году он был признан виновным в умышленном убийстве и приговорен к восьми годам тюрьмы швейцарским судом. Летом 2007 года приговор был смягчен до пяти лет и трех месяцев, а в ноябре того же года Калоев вышел на свободу досрочно.

Мера ответственности убитого за случившееся до сих пор обсуждается, как и то, можно ли простить обезумевшего от горя мужа и отца. Так или иначе, история Виталия Калоева настолько драматична и неординарна, что рано или поздно в Голливуде буквально обязаны были бы превратить ее в кино.

«Последствия» сделаны с предельным уважением к реальным событиям, канва которых в самых важных деталях соблюдена с предельной точностью, но кое-где, естественно, нарушена во имя так называемой художественной правды.

Действие фильма перенесено в США, а главный герой превращен из работавшего в Испании по контракту россиянина в постоянно живущего в Америке украинца. Это исключило из повествования почти все культурные и политические нюансы реального дела и свело историю Романа к скорби по родным и к желанию услышать хоть от кого-нибудь искренние извинения.
"Русский след" здесь совсем не работает на то, чтобы приблизить события к реальным. И вряд ли про погасшего, заросшего седой щетиной Романа можно сказать "он русский (или украинец) — это многое объясняет". Работа на стройке, пикап, недоверие к корпорациям (Роман единственный из пострадавших, кто отказывается подписать контракт с ушлыми авиакомпаниями) — классический образ пожилого американца "от сохи" очень подходит постаревшему Шварценеггеру, но весьма абстрактно привязан к русской теме.

Конфликт менталитетов проходил через всю реальную трагедию. Начиная с того, что европейская пресса сразу и рефлекторно обвинила пилота "Башкирских авиалиний" в том, что он якобы не знал английского, и заканчивая тем, что швейцарская компания годами выкручивалась как могла, а пострадавшие недоумевали, "неужели в Европе такое тоже возможно". Виталий Калоев зарезал Петера Нильсена, потому что они говорили на разных языках: россиянин хотел наконец услышать извинения, а швейцарец принял это за правовой акт (извинишься — признаешь вину). Эти нюансы в «Последствиях» аккуратно обошли, а жаль.

То, что герой не родился в Америке, в фильме существенно лишь потому, что Роман не привык, что американские компании «извиняются» денежными подачками. С тем же успехом герой мог бы быть из Нигерии или Гватемалы. Его происхождение не имеет значения, и это обедняет и без того очень простую историю, которая даже в полном виде заслуживает скорее среднеметражного, чем полнометражного изложения.

Чтобы продлить повествование, картина основную часть экранного времени посвящает изображению страдания Романа и Джейка. Обоих мужчин случившееся погружает в долгую и тяжелую депрессию. Роман ночует у родных на могиле и перестает общаться с друзьями, а Джейк срывается на семье, и жена с ребенком переезжают к сестре. В итоге Джейку приходится сменить имя и работу и перебраться в другой штат. Роман же решает найти бывшего диспетчера, посмотреть ему в глаза и потребовать, чтобы он признал свою вину. Ведь от авиакомпании мужчина извинений не дождался…

«Последствия» - это очень простая, практически минималистская лента, с минимумом декораций, практически без экшена, вовсе без эффектов, а также без дополнительных сюжетных линий и прочих украшательств. Двое мужчин и связавшая их беда – вот и все, что картина предлагает публике. Очевидно, сценарист Хавьер Гульон и молодой режиссер Эллиот Лестер хотели подарить известному на весь мир, но несколько застрявшему в прилипчивом амплуа неотесанного супермена актеру роль всей его жизни: недаром в продюсеры позвали Даррена Аронофски, который в сходных обстоятельствах дал вторую молодость Микки Рурку в своем «Рестлере».

Но ничего не получилось. Сухой и почти документальной интонации «Рестлера» в «Последствиях» нет и в помине. Зато в избытке ненужная, чрезмерная риторика даже там, где без нее определенно можно было обойтись: например, в тюрьме, где отбывает срок несчастный убийца, сосед читает - причем вслух - последние страницы «Преступления и наказания». Это уже, согласитесь, чересчур.

Арнольд Шварценеггер уже сорок лет в кино, но он еще ни разу не играл сугубо драматическую роль, которая бы потребовала от него выражать глубокие чувства без помощи кулаков и автомата. «Последствия» – первый опыт такого рода для бывшего героя боевиков, и опыт довольно удачный. Возможно, въедливые эксперты по актерской игре найдут в работе бывшего губернатора те или иные помарки, но в целом Шварценеггер достаточно убедителен в роли непредставимо несчастного мужчины, который в одночасье потерял двух самых близких людей и утратил смысл жизни. Все еще очевидная физическая мощь актера удачно контрастирует с беспомощностью Романа, который ничего не может сделать, чтобы вернуть жену и дочь.

Глядя на Шварценеггера, постоянно ждешь, что он вот-вот превратится в супергероя, даст нам утешение, совершит то, к чему мы привыкли, или, наоборот, окончательно перевоплотится в актера психологической школы и убедит нас, заставит забыть о наследии «Хищника», «Коммандо» и «Терминатора». Но как о них забудешь? Тянется за Арни терминаторский шлейф, мешает воспринимать его в драматическом образе. Хотя, может, всё дело в плохой режиссуре. Однако и о судьбе Калоева и всех жертв катастроф, перед которыми беспомощны даже супермены, забыть невозможно - и фильм, при всем своем несовершенстве, все равно задевает за живое и вряд ли оставит равнодушным. В этом его, может, и единственное, но очень важное достоинство.

Интересные факты:

Во время съёмок создатели «Последствий» не консультировались с Калоевым.

«Последствия» не первая картина об этой трагедии, было снято много документальных фильмов, а в 2007 году Александр Миндадзе выпустил художественную картину «Отрыв». Кстати, это был его режиссёрский дебют.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
«Теперь мы смотрим словно бы сквозь мутное стекло, а когда-то смотрели глаза в глаза», – говорила майор-киборг Кусанаги, героиня аниме «Призрак в доспехах» (1995) Мамору Осии. В римейке майора играет живая Скарлетт Йоханссон, компьютерная картинка отполирована до блеска, но все главное, что было в японском оригинале, видно словно бы сквозь мутное стекло. Едва различимо. А прежде было – глаза в глаза.

Майор (теперь по имени Мира) по-прежнему хочет узнать, кто она такая, кем была. У нее искусственное тело и человеческий мозг. В фильме она действительно майор,здесь это не прозвище, а звание в Девятом отделе, входящем в МВД Японии, – группе оперативников, собранной из бывших солдат и преступников, которая борется с кибертерроризмом. Делать все безукоризненно ей помогает босс, роль которого играет Такеши Китано – под его руководством она и выполняет по большей части, конечно, сверхсекретные задания. Доктор из секретной правительственной программы (Жюльет Бинош) говорит ей, что после катастрофы тело спасти не удалось, но в этом есть какой-то подвох. Хотя в новом мире большинство людей уже наполовину девайсы (и это модно), майор уникальна. Вы можете заменить себе ноги, руки, глаза или печень (и хвастаться, что теперь готовы пить всю ночь без последствий), но оставить человеческим лишь мозг – пока эксперимент.

В Сети появляется новый террорист, который вставляет палки в колеса работе компании по производству роботов Hanka. Его нужно найти и уничтожить. Мира преследует неуловимого хакера не только потому, что тот взломал что-то суперсекретное и представляет опасность, но и потому, что надеется получить у него ответ на свой главный вопрос: что с ней случилось на самом деле?

В отличие от оригинала 1995 г., они встречаются довольно быстро, а ларчик открывается просто. Хакер оказывается результатом предыдущего – неудачного – эксперимента. Чудовищем Франкенштейна с лицом Майкла Питта и покореженным кибертелом, из которого торчат металлические кости, провода и контакты. Он хочет отомстить своим создателям и предлагает майору союз. Но она верна спецотделу, которым руководит старый мудрый Такеши Китано (в коротком эпизоде «не выпускайте кроликов против лиса» напоминающий о крутизне своих прежних киногероев). Верна напарнику Бато (Йохан Филип Асбек) – добродушному громиле с киберглазами (в римейке показано, как он их получил). Она не готова перейти на другую сторону пока не поймет, кто ее настоящий враг (а мы ведь не можем ей подсказать, хотя все ясно с самого начала).

Важный жанровый сдвиг состоит в том, что новый «Призрак в доспехах» – отчетливая антиутопия, в которой все в итоге сводится к тому, что капитал в союзе с правительством и спецслужбами ставит бесчеловечные эксперименты над свободомыслящей молодежью. Ничего подобного в японском оригинале не было. Схема антиутопии проглядывала в типичном для киберпанка соединении высоких технологий с социальным упадком. Но даже в многоэтажных трущобах там было больше меланхолии, чем ужаса. В римейке чудовищность антуража усугубляет гигантская голографическая реклама – спортсмены и домохозяйки ростом с небоскреб, алые губы величиной со стадион (с точки зрения дизайна этот подстерегающий нас в будущем кошмар – лучшее в новой картине). Внешне у двух «Призраков» много общего, вплоть до буквального повтора нескольких сцен, но сердце японского фильма было другим.
На голливудский взгляд он был, наверное, слишком запутан сюжетно: шестой спецотдел соперничал с девятым, представители МИДа плели свои интриги, а неуловимый хакер являлся лишь ближе к концу в изуродованном женском кибертеле, извлеченном из-под грузовика.

На голливудский взгляд старый «Призрак в доспехах», наверное, был непонятен по сути. В нем не было простого соединения человеческого мозга с кибертелом. В нем киборги начинали припоминать в себе человеческое – и пытались понять, как это происходит, откуда эта тоска по небывшему. Речь шла об эволюции искусственного интеллекта, который хотел не просто копировать себя, но создавать компьютерное подобие ДНК и даже собственный способ деторождения. Это была скорее утопия, чем анти-.

И совсем уж ненужным в Голливуде сочли главное – собственно «призрак». В аниме Мамору Осии под ним понимался ментальный образ, которым обладают и люди, и киборги. Что-то вроде оцифрованной души. Которую можно взломать, украсть, переместить в другое тело (доспехи), но не разгадать.

В римейке Руперта Сандерса «призрак» остался только в названии. Зато тут много драк и перестрелок, эффектный дизайн и сверхчеловеческое обаяние Скарлетт Йоханссон (хотя ее кибертело в обнаженном виде выглядит довольно нелепо – в более условном и эротичном аниме такой проблемы не возникало).

У Мамору Осии было куда меньше боевых сцен. Он позволял себе изощренную игру с бликами и отражениями, долгие медитативные эпизоды под ритуально-торжественную музыку Кендзи Каваи (чей саундтрек к «Призраку в доспехах» стал такой же классикой, как и сам фильм). Меланхолический взгляд переводился с верхушек небоскребов на мусор в воде (снятый почти как у Тарковского в «Сталкере»), на грустного бассет-хаунда на мосту (у Мамору Осии есть привычка в каждом фильме рисовать свою собаку). На лица прохожих – и в каждом, случайном, эпизодическом, виден был «призрак», душа. Которую из римейка вынули за ненадобностью. Доспехи движутся тут сами по себе.

Если в аниме Мамору Осии и его продолжениях киберпанковский антураж служил лишь формой для выражения рефлексий на тему единства и борьбы настоящего и искусственного, человеческого и технологического, то сейчас и мысли эти уже совсем не новы, и Руперту Сандерсу с его командой гораздо интереснее играть в компьютерные бирюльки, чем наполнять эффектную картинку хоть каким-то содержанием.

При переработке немассовой культовой вещи в массовый продукт получился… массовый продукт. Для широкого круга зрителей. А ты попробуй покажи этому широкому кругу длинные атмосферные сцены, где одна музыка играет и дождик капает, да философскую непонятную муть под это ему попробуй поднести про душу, про искусственный интеллект, про то, как они меж собой стыкуются. Оно ему надо? Предполагается, что не надо.

По мановению руки Руперта Сандерса манга превращается по всем параметрам в ладно скроенный боевик, в котором есть на что посмотреть и помимо прекрасной Скарлетт Йоханссон.
Сандерс неожиданно оказался на высоте, практически не уступив оригиналу ни в чем, кроме, разве что, самобытности; зато его мир - более понятный, убедительный, впечатляющий. Много красоты, драмы, юмора, погонь, стрельбы, детально продуманные драки и отменной красоты декорации, приключения, загадки и непредсказуемые разгадки на фоне таинственного мира будущего. Того будущего, которое, как мы убеждаемся к финалу, уже не за горами.

Новый «Призрак в доспехах» – не революция в жанре киберпанка. Дух не захватывает, дрожи к коленях нет. Одно можно сказать точно – Голливуд наконец нашел подход к строптивому японскому материалу. Дальше, надеемся, будет больше и лучше.

Интересные факты:

Изначально планировалось, что главную роль исполнит Марго Робби, но она отказалась. В итоге роль отдали Скарлетт Йоханссон.

Сэм Райли претендовал на роль, которую получил Майкл Питт.

Фильм снимался преимущественно в Веллингтоне (Новая Зеландия), а также в Гонконге и Шанхае.

Большую часть мужских костюмов сшила компания Rembrandt – последний и старейший изготовитель костюмов в Новой Зеландии.

В одной из сцен Каттер передает доктору Уэлет ампулу с красным веществом и надписью C11H17N3O8. Это химическая формула тетродотоксина — сильного яда естественного происхождения, который встречается в основном у рыб семейства иглобрюхих. Наиболее известна из них рыба фугу.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Молодой фотограф Крис (Дэниел Калуя) уже несколько месяцев встречается с Роуз Эрмитейдж (Эллисон Уилльямс), и та решает наконец познакомить его с родителями. Они отправляются на уик-энд в загородный дом, где родители — оба преуспевающие врачи, нейрохирург и психотерапевт, — и проживают. Крис немного нервничает, поскольку Роуз не сообщила родственникам, что он черный, но она смеясь уверяет его, что это ерунда. И действительно, и отец (Брэдли Уитфорд), и мать (Кэтрин Кинер) — само радушие. Но что-то в них все-таки настораживает Криса. К тому же младший брат Роуз (Калеб Ландри Джонс) ведет себя странно, равно как и люди, помогающие по дому, оба, что характерно, черные. Вдобавок к Эрмитейджам вскоре съезжаются друзья.

Режиссерский дебют чернокожего комика Джордана Пила — самое яркое, что случилось в жанре сатирического хоррора со времен, пожалуй, «Хостела». Как минимум по резонансу: фильм сейчас пользуется невероятным, беспрецедентным успехом, особенно в США, где он собрал почти $200 млн (при бюджете в $4,5 млн) и исключительно восторженную прессу. В «Нью-Йоркере» Пила уже назвали «американским Бунюэлем»; слыханное ли дело.

Довольно трудно отнести это на счет исключительных качеств самого фильма: первый час, когда дебютант пытается создать тревожную атмосферу, выходит медленным и унылым, а на втором часу, когда наконец выясняется страшная подоплека событий, нелепость оказывается нахлобучена на нелепость. Но американские зрители и критики (в унисон восторгающиеся фильмом) слышат и чувствуют что-то, чего русские не замечают.

Можно оговориться, что «Прочь», в первую очередь, действительно внутренняя американская история: она касается отношений двух конкретных рас в конкретное время в конкретной стране — и, скажем, у российского зрителя интерес к этим вопросам будет скорее академический. Но, разумеется, это ничуть не мешает получить от фильма удовольствие — от его остроумия, изобретательности, интеллектуальной дерзости.

Конечно, именно осторожная игра с крайне болезненной для американцев темой и сделала «Прочь» таким хитом. Конечно, расизм в США никуда не делся. С помощью доктрины политкорректности его удается сдерживать, прикрывать масками вежливости и учтивости, но не уничтожить полностью. Богатые белые с подозрением будут относиться к черным, а черные про себя думать (это цитата из фильма): «Неуютно, когда вокруг столько белых».

«Прочь» поначалу напоминает — где-то прямо пародирует — «Угадай, кто придет к обеду», не самый выдающийся, но исторически важный фильм Стэнли Крамера про девушку, которая знакомит родителей с черным женихом. Он был сделан ровно 50 лет назад — когда межрасовый брак был скандалом и только-только перестал быть преступлением. Сегодня это кажется дикостью из прошлого — но наладилось ли все с тех пор? И могло ли наладиться, учитывая, что миллионы американцев старшего поколения своими глазами видели в автобусах места для черных — или эти места занимали? И может ли наладиться в обозримом будущем? Нет, нет и нет, говорит Пил. Высмеивать оголтелых расистов — слишком просто: уже у Крамера нюанс состоял в том, что родители, Кэтрин Хепберн и Спенсер Трейси, были прогрессивными либералами, но даже для них помолвка дочери с Сиднеем Пуатье оказалась шоком. Пил делает поправку на обамовскую эпоху и доводит ситуацию до абсурда — родители Роуз и их друзья, пожилые богатые белые, из кожи вон лезут, чтобы показать свою открытость: превозносят того же Обаму, рассуждают о Джесси Оуэнсе и Тайгере Вудсе, неловко используют жаргон и только что не начинают читать рэп. Но все это, разумеется, лишь доказывает, что трещина, разделяющая американский народ, никуда не делась: просто ее обнесли красивой изгородью.

Для того чтобы развить эту мысль, не вогнав никого в сон, Пил использует метафору в духе Джорджа Ромеро, или Джона Карпентера, или Брайана Юзны — не то чтобы фантастически глубокую, но изящную, эффектную и проработанную до мельчайших деталей, которые начинаешь оценивать уже задним числом. В отличие от упомянутых режиссеров Пил ничего не знает про хоррор, едва ли собирается продолжать карьеру в этом жанре, и, наверное, назвать «Прочь» страшным будет некоторым преувеличением. Но несколько эпизодов получились образцово жуткими, и вообще опыт телевизионных скетчей, которыми раньше занимался Пил, даром не прошел: если на макроуровне фильм иногда чуть-чуть провисает, то каждая сценка в отдельности построена безупречно. Прямолинейная комедия отодвинута на второй план — линия с другом главного героя, который служит секьюрити в аэропорту, — а на первом остается болезненный сюрреалистический опыт молодого чернокожего (прекрасная, тонкая работа британского актера Калуи) в мире белых привилегий и кошмаров, где за каждой широкой улыбкой мерещится крик, а от фамильного сервиза исходит недвусмысленная угроза.

Все эти похвалы, конечно, заслуженны — это и правда остроумное, стройно придуманное и здорово разыгранное, местами очень страшное кино.

Интересные факты:

Режиссёр Джордан Пил однажды сказал, что на написание сценария и съёмки фильма его вдохновил классический фильм ужасов Джорджа А. Ромеро «Ночь живых мертвецов» (1968), а
так же скетч Эдди Мёрфи на одном из шоу, в котором его герой собирался познакомиться с родителями своей подруги.

Съёмки фильма заняли 28 дней.

В начальном варианте сценария концовка была более мрачной (Криса должны были арестовать за убийство Роуз и её семьи). К моменту съёмок, однако, Джордан Пил решил сделать финал более оптимистичным. К этому его подтолкнули многочисленные случаи убийств афроамериканцев в США полицейскими.

До 1967 года межрасовые браки в Америке были законодательно запрещены на территории 12 штатов.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Трех школьниц, возвращающихся с дня рождения одной из них, похищает неизвестный мужчина. Он запирает их в тесной комнатке и сообщает пленницам, что вскоре их ждет знакомство с неким Зверем. Знакомство это не предвещает ничего хорошего, потому что мужчина явно не в себе – в нем живет сразу несколько очень разных личностей, которые хаотически сменяют друг друга, и в то время как некоторые из них вполне дружелюбны, другие представляют реальную опасность.

Кино про человека с диссоциативным расстройством личности обычно как минимум претендует на отдельное место в сердцах настоящих любителей психологических драм; за примерами далеко ходить не надо – от культового «Бойцовского клуба» Дэвида Финчера и более скромной «Идентификации» Джеймса Мэнголда до одного из лучших сериалов современности, «Мистера Робота» Сэма Эсмейла. Однако, как правило, в теле протагониста умещаются максимум две личности, а кино не выходит за рамки всё того же количества жанров. «Сплит» же вмещает в себя не только драму и триллер, но и вполне уверенно чувствует себя на территории хорроров с элементами мистики и фэнтези, где главный герой Кевин вынужден уживаться с ещё 22-мя различными личностями в одном теле. Тем не менее, главной особенностью «Сплита» и залогом его успеха стал не факт окончательного и бесповоротного возвращения М. Найта Шьямалана к прежней форме, а впечатляющий высший актёрский пилотаж в исполнении Джеймса МакЭвоя.

Самые смелые из нас начали очень аккуратно и осторожно использовать слово «возвращение» в контексте творчества Шьямалана ещё с выходом его предыдущего режиссёрского проекта – хоррора «Визит» в 2015 году. Но тогда индийский режиссёр всего-навсего вернулся к своей фирменной и фактически запатентованной художественной композиции: интригующая завязка, напряжённое развитие действий + нагнетание атмосферы, а затем неожиданный сюжетный поворот, меняющий всё с ног на голову (который обычно запоминается даже больше самой развязки). Тот самый сюжетный твист, возможно, и был лучшим элементом «Визита», поскольку остальные детали сценария и даже режиссура откровенно хромали. «Сплит» в сценарном плане также не идеален: среди основных претензий можно выделить необязательную и небрежно пришитую сюжетную линию с флэшбеками героини Ани Тейлор-Джой (ведущую более чем к прозаическому завершению), местами нелогичное поведение девушек в заключении (особенно на фоне прошлогоднего «Кловерфилда») и скомканную развязку. Шьямалан профессионально выстраивает саспенс, но сюжета явно не хватает – смотреть здесь толком не на что, кроме как на лицедействующего как в последний раз МакЭвоя.

Однако лучших диалогов Шьямалан не писал уже как минимум 15 лет, а что касается психологического аспекта, то в этом плане режиссёр даже вплотную приблизился к своему магнум опус – культовому триллеру «Шестое чувство», в котором также немаловажным сюжетным элементом являются взаимоотношения пациента и лечащего его психиатра. Именно эта научная сторона истории плотно связывает происходящее с реальностью (точнее с тяжёлым и болезненным прошлым героев МакЭвоя и Тейлор-Джой, свидетельствующим о том, что всё это приходит из детства, из семьи), балансируя тем самым на грани фантастики. Эта грань нарушается фактически с последними кадрами, куда Шьямалан и запрятал свой фирменный твист, впервые нарушая последовательность «сюжетный поворот – развязка». Все события, имеющие место до финальной сцены, получили немного неожиданное, но крайне научное обоснование, что и является, по сути, фундаментом истории, которого не наблюдалось в картинах Шьямалана вплоть с начала XXI века.

Несмотря на заявленные 24 личности, нам демонстрируют только 8 из них: Кевин – изначальная и давно подавленная личность, эпатажный Барри – модельер и как бы доминирующая личность, нервный Дэннис – коварный извращенец, любящий смотреть на танцующих обнажённых девушек (именно он совершает похищение в начале фильма), спокойная Патриция – домохозяйка и любительница цветов, девятилетний Хэдвиг – глуповатый любитель Канье Уэста и потанцевать, орнитолог Оруэлл и страдающая от диабета Джейд (о них мы почти ничего не знаем), а так же Зверь – таинственная 24-ая личность, с появлением которой связан весь основной саспенс фильма. Кого-то может разочаровать факт того, что остальные 16 личностей так и не проявили себя за время развития событий (между прочим, «Сплит» стал самым долгими фильмом в карьере Шьямалана), бенефис МакЭвоя сведёт любые возмущения на нет. Он нереально хорош в кадре, поражает его мимика и скорость перевоплощения, с завидной лёгкостью и мастерством меняя маски драмы и комедии, МакЭвой здесь является ярким примером того, когда актёр настолько силён эмоционально, что не просто заряжает своей энергетикой всю картину, эмоциональный импульс, исходящий от него, пронизывает весь зрительский зал. Не хочется называть данную картину «театром одного актёра», но успех фильма – это в первую очередь заслуга Джеймса, а не режиссёра / сценариста. Троица пойманных девушек-подростков (Аня Тейлор-Джой, Хейли Лу Ричардсон и Джессика Сула), их которых, пожалуй, выделяется лишь милашка Аня, генерируют совсем не эмоциональную атмосферу в кадре, а скорее сексуальную, чего также раньше не наблюдалось в фильмах Шьямалана. Возможно, на этот раз он решил женскую сексуальность противопоставить хищному магнетизму и природной харизме Джеймса МакЭвоя, подчёркивая тем самым другую параллель, заодно и основную идею «Сплита» – недуги и отклонения (как физические, так и психологические) не всегда подразумевают недостатки, порой они наоборот являются преимуществами. Об этом же был и «Неуязвимый», ещё один фильм «раннего» Шьямалана: противопоставление добра и зла, естественного и неестественного. М. Найт не только буквально «вернулся к прежнему» (те, кто видел «Сплит», понимают, о чём речь), но и тематически – он снова подхватил психологический аспект происходящего, продолжая мысль уже упомянутого «Шестого чувства», и развил идею супергеройской метафизики, начатой ещё в том же «Неуязвимом». Конечно, звания «нового Спилберга», полученного режиссёром на рассвете нулевых, ему уже не вернуть, а вот продолжать творить в том же духе, что и «Сплит», у Шьямалана есть все шансы. Особенно тогда, когда у него неожиданно для всех образовалась общая кинематографическая вселенная.

Пока с уверенностью можно констатировать лишь одно: Манодж Найт Шьямалан вернулся с очень удачной клаустрофобической историей, в которой словосочетание «лики зла» приобрело достаточно свежую интерпретацию. «Сплит» успешно генерирует мрачную и почти асфиксическую атмосферу, а Джеймс МакЭвой выдаёт без преувеличений одну из лучших ролей в своей карьере, попутно пополнив галерею злодеев мирового кинематографа столь ярким и запоминающимся образом.

Интересные факты:

Режиссер М. Найт Шьямалан признался, что съемки этого фильма были самыми трудными в его карьере.

У создателей фильма по ряду причин не получилось заключить контракт с Хоакином Фениксом, и в результате его роль получил Джеймс МакЭвой.

На момент выхода этот фильм стал самым длинным (117 минут) в карьере режиссера М. Найта Шьямалана.

Режиссер М. Найт Шьямалан рассказал, что нанял оператора Майка Гиулакиса после того, как увидел его работу в фильме «Оно» (2014), а композитора Уэста Дилана Тордсона после того, как услышал написанную им музыку для мини-сериала «Тайны миллиардера» (2015).

Во время съемок Джеймс МакЭвой сломал себе руку. Он решил никому не говорить об этом и продолжал сниматься еще в течение двух дней после инцидента, и лишь затем отправился в больницу.

Это уже второй совместный проект режиссера М. Найта Шьямалана и продюсера Джейсона Блума. Предыдущим был фильм «Визит» (2015).

Это первый случай с момента выхода фильма «Пробуждение» (1998), когда композитором фильма М. Найта Шьямалана стал не Джеймс Ньютон Ховард.

На показе фильма «Сплит» во время ежегодного кинофестиваля Американского института киноискусства Бетти Бакли, исполнительница роли доктора Флетчер, представилась как «та сумасшедшая из „Явления“». Она имела в виду фантастический триллер М. Найта Шьямалана, который вышел на экраны в 2008 году.

Режиссер М. Найт Шьямалан снялся в эпизодической роли охранника в доме доктора Флетчер (Бетти Бакли).

Изначально в представлении Шьямалана Кевин не был налысо стриженным. Джеймс МакЭвой побрил голову для съёмок в фильме «Люди Икс: Апокалипсис» и попался на глаза Шьямалану в тот момент, когда выпивал с друзьями в баре. Шьямалан, охарактеризовав в тот момент Макэвоя как «пьяный скинхед», решил, что этот типаж идеально подходит для Кевина.

Джеймс МакЭвой ранее уже играл персонажа, страдающего диссоциативным расстройством личности в фильме «Грязь» (2013).

В одной сцене Хедвиг (Джеймс МакЭвой) говорит Кейси (Ане Тейлор-Джой), что он обожает Канье Уэста. Уэст упоминал предыдущий фильм М. Найта Шьямалана «Неуязвимый» (2000) в своей песне "Through the Wire".

В фильме в эпизодической роли снялся Брюс Уиллис. Он сыграл того же персонажа, которого играл в фильме М. Найта Шьямалана «Неуязвимый» (2000).

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Бог-отец живет уединенно. Его рукотворная планета расположена вдали от главных галактических магистралей. Ему нужна лишь служанка Мантис, которая помогает уснуть. У Мантис (Пом Клементьефф) чувствительные рожки улитки, она наивна и мила. Бог носит имя Эго, его играет бородатый патриарх Курт Рассел. Теперь понятно, почему землянин -авантюрист Питер Куилл (Крис Прэтт), центральный персонаж «Стражей Галактики», смог удержать в финале первой части Сферу, по силе равную десятку термоядерных реакторов. Он герой в античном смысле – сын земной женщины и бога.

И вот они встретились. Отец предложил сыну разделить власть и показал свою планету (imdb.com отмечает, что это самый грандиозный визуальный эффект в истории кино). Планета оказалась царством оголтелого китча. А когда у бога дурной вкус, это настораживает.

«Стражи Галактики» - это удивительный проект, можно сказать, уникальный, что не так-то просто было осуществить в рамках грандиозной машины под названием Marvel. Впрочем, отдадим руководителям студии должное: в последние годы они все чащи вырываются за флажки, ими же самими и установленные, в результате чего на свет появляются «Человек -муравей» или «Доктор Стрэндж».

Но даже на этом фоне «Стражи Галактики» - чудо. Хотя бы потому, что это 100% авторский фильм: делать его, вытащив из забытья команду совершенно непопулярных полузабытых космических героев, решил Джеймс Ганн, и он же создал вторую серию, а сейчас приступает к третьей. Это он придумал эту вселенную, ничуть не похожую на ту, которую мы обычно встречаем в супергероических фильмах. Ганна освободили от разных глупых студийных обязательств, и он построил наивный и потому искренний кинопамятник восьмидесятым. И эта авторская честность намного ценнее, чем увязанная вселенная, перчатки бесконечности, отсылочки для «знатоков кино» и прочая ерунда, сделанная по просьбе коммерческого отдела «Диснея».

Во-первых, «Стражи Галактики» - кино про космические приключения, стилизованное под 1970-е или даже 1980-е, озвученные соответствующим саундтреком: это отсылает нас к шестому, самому пустяшному эпизоду «Звездных войн» или к «Флэш Гордону», или, допустим, к не самым удачным сериям «Звездного пути». Романтика и глупость.

На протяжении всего фильма видны старания Джеймса Ганна. Видны его кропотливая работа, забота о персонажах, желание нас развлечь, а также его полное погружение в мир «Стражей Галактики». Вряд ли кто-нибудь ещё кроме него смог бы удержать данное кино на грани качественного развлекательного блокбастера и абсолютно безумного трэша, что порой творится в кадре.

Сюжетного каркаса Ганну хватает, чтобы выстроить вокруг него свой сумасбродный аттракцион. В отличие от большинства других голливудских аттракционистов, этот режиссер еще не успел забыть: аттракционы в кино и жизни могут быть сколь угодно вычурными, изощренными и головокружительными, но они ничего не стоят, если не гарантируют инъекцию дурного, беззаветного веселья.

Музыка соответствующая, и не поддаться ее очарованию буквально невозможно, особенно учитывая, что герои упорно слушают аудиокассеты, не зная даже об изобретении MP3-плейеров. Среди самых ярких номеров, использованных умно и уместно, - Electric Light Orchestra и "My sweet lord" Джорджа Харриссона.

Во-вторых, сам тон «Стражей Галактики», лишь укрепленный и ставший более уверенным ко второй серии, уникален. То ли пародия, то ли игра, то ли издевка, но издевка с любовью, с нежностью над нашими любимыми детскими стереотипами.

В-третьих, удивительно тщательная работа над персонажами, каждый из которых объемен, забавен, трогателен и интересен: всегда обаятельный и инфантильный Крис Пратт - он же Звездный Лорд, зеленокожая и невыносимо крутая Гамора - она же Зои Салдана, неотразимый увалень-силач Дракс в объемных татуировках - лучшая роль здоровяка Дэйва Батиста. Ну, и добавленные здесь Сильвестр Сталлоне и Курт Рассел. Хотя будем честны: говорящий енот Ракета и деревянный малыш Грут, чей лексикон по-прежнему сводится к фразе "Я, Грут", все равно побеждают любого другого персонажа.

Ранее проявившие себя как команда, в сиквеле стражи становятся чем-то большим. Как это получилось у режиссёра — загадка, однако сиквел «Стражей» действительно заставляет проникаться к персонажам и переживать за них. А огромное количество визуально совершенного яркого космического экшена, идиотского юмора, ностальгических песен, безответственных приключений, классных спецэффектов и живописных персонажей — это уже детали.

Главный козырь вторых «Стражей Галактики» – не драки со спецэффектами (само собой, поставленные так, что не моргнуть), а, как ни странно, сюжет, который в экранизациях комиксов, как правило, вторичен и нужен лишь для связки между сценами кулачных боев, погонь на звездолетах и перестрелок лазерами. «Стражи Галактики. Часть 2» прежде всего рассказывают историю. Простую и сложную, интимную и величественную.

Лейтмотив фильма Джеймса Ганна – обретение семьи. Для Питера Куилла это поиск отца, точнее, выбор между тем, кто его зачал, и тем, кто воспитал. Синекожий космический пират, главарь банды Опустошителей Йонду (Майкл Рукер) вырастает в трагическую фигуру. А его давний поступок – похищение маленького Питера с Земли после смерти матери – видится теперь в совсем другом свете.

Для воительницы Гаморы (Зои Салдана) обретение семьи означает примирение с сестрой Небулой (Карен Гиллан), восставшей против отца, который превратил ее наполовину в киборга.
Здоровяку Драксу (Дэйв Батиста) нужно примириться с прошлым, с гибелью жены и дочери. В этом ему помогает Мантис, чьи рожки улитки даруют успокоение. Дракс со свойственной ему прямотой называет Мантис уродом, но ценит в ней внутреннюю красоту, и понятно, что это тоже начало прекрасной дружбы.

Мелодраматическая канва замаскирована фирменным юмором. Делая заметный шаг вперед по части драматизма, в озорном цинизме новые «Стражи Галактики» как минимум не уступают предыдущей серии. Тут есть, например, сеанс оскорблений енота. Как только не обзывают гордую киберзверушку (которую в оригинале озвучивает Брэдли Купер): лисой, длинноносой мартышкой и даже помойной пандой. Но обиднее для енота другое – он больше не самый забавный персонаж «Стражей Галактики». Теперь это маленький Грут (с голосом Вина Дизеля), новая инкарнация человека-дерева, ценой жизни спасшего друзей в первом фильме. Потому что, конечно, семья – это в первую очередь команда «Стражей Галактики». А в семье – сколь угодно странной – когда-нибудь может появиться ребенок.

Бэби-Грут обнажает один из главных секретов успеха «Стражей Галактики». Джеймс Ганн и его команда сделали кинокомикс, в котором герои не только круты и смешны, но и трогательны. В этом космический фильм Ганна похож на другую суперуспешную франшизу о странной семье – «Форсаж». В очередной серии которого тоже появился ребенок.

И даже битва между добром и злом во второй части «Стражей Галактики» – семейный конфликт. Одновременно восходящий к архаике, Античности – к мифу о верховном божестве Кроносе, глотавшем своих детей, пока титанида Рея не спрятала от него маленького Зевса в пещере на Крите. Только Питер Куилл, в отличие от Зевса, не очень-то жаждет быть богом. Круто, конечно, но есть занятия повеселей.

Интересные факты:

Джеймс Ганн признался, что им с Кевином Файги очень хотелось снять в эпизодической роли Дэвида Боуи, однако 10 января 2016 года певец скончался.

Роль злодея в фильме предложили Мэттью МакКонахи, однако актёр предложение отклонил.

Первый фильм, для съемок которого использовали камеру Weapon 8K производства компании Red Digital Cinema Camera Company. Это цифровой эквивалент камер, работающих с 70-мм плёнкой.

Режиссёр Джеймс Ганн хотел, чтобы визуально фильм выглядел в стиле ранних научно-популярных романов 50-х и 60-х годов ХХ века. Он вдохновлялся винтажными работами Валли Вуда, а также фильмами о Флэше Гордоне (как версии 1955-го года, так и экранизацией 1980-го года).

Рост австралийской актрисы Элизабет Дебики, которая играет Аишу, предводительницу расы суверенов, составляет 190 сантиметров, но Джеймс Ганн хотел, чтобы она была ещё выше и нависала над Крисом Праттом. С помощью туфель на платформе Дебики «выросла» до 2-х метров и существенно обогнала Криса Пратта, рост которого 188 см.

Автомобиль Эго – это Ford Cobra 1979 года.

Во время съёмок первого фильма накладывание Дэйву Батисте грима занимало 4 часа. На съёмках второго фильма на это уходило полтора часа. Чтобы грим снять, актёру после съёмок приходилось сидеть в сауне.

Танец Грута во время начальных титров исполняет режиссёр Джеймс Ганн с применением технологии захвата движения. На создание в цифре последней сцены фильма у отдела спецэффектов ушло два года.

На роль Эго рассматривались актёры Гари Олдман, Вигго Мортенсен, Кристоф Вальц, Макс фон Сюдов и Лиам Нисон.

Наложение грима актёру Крису Салливану занимало от двух с половиной до трёх с половиной часов.

На наложение грима Небуле в исполнении Карен Гиллан уходило 5 часов при съёмках первого фильма и 2,5 часа — на съёмках второго.

За весь фильм Грут произносит фразу «Я, Грут» 17 раз.

Как утверждают представители группы спецэффектов, на создание образа живой планеты Эго ушёл триллион многоугольников. Таким образом, Эго стала самым крупным спецэффектом в истории.

Съеденное в фильме насекомое было сделано из шоколада и чёрного мёда, а съедобный корень тысячелистника был сделан из белого шоколада. Ему придали форму пыльцевого зерна.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Студентка Три (Джессика Рот), местная звездуля и главная стерва кампуса. Каждый в универе мечтал попасть на её день рождения, но праздник был безнадежно испорчен незнакомцем в маске, убившем виновницу торжества. Однако судьба преподнесла имениннице леденящий душу подарок — вместо загробной жизни героиня попадает во временную петлю. И теперь у девушки появился шанс найти своего убийцу, ведь этот день будет повторяться снова и снова.

Суть фильма кроется непосредственно в различных вариациях смерти и комичных попытках главной героини изменить свою судьбу. Юмор ситуации еще и в том, что Три кино не очень-то любит и «День сурка» никогда не смотрела. Видимо, поэтому ей далеко не сразу удается понять, что происходит...

Анонс «Счастливого дня смерти» заставлял в недоумении почесать затылок – и правда, почему никто раньше не догадался скрестить «День сурка» с молодежным слэшером? Это же какое богатство смертей, какой простор для кровожадной фантазии, сколько поводов для постмодернистской деконструкции! Не ударил в грязь лицом и трейлер, представивший «Счастливого дня смерти» как залихватский ужастик, пропитанный черной иронией. Но, к сожалению, сам фильм выданные ему авансы оправдать в полной мере не смог - замах был более многообещающим.

Это определенно не провальное кино, которое уже благодаря концепции отменно развлекает. Фильму все равно удается справиться со своей главной задачей — немного напугать и рассмешить зрителя. Но то, как неряшливо сценарист обыгрывает замечательную идею и сколько интересных возможностей он упускает, не может не расстраивать — это тот случай, когда способ подачи истории представлен в разы лучше самой истории. В хоррорах обычное дело, когда зритель то и дело «подсказывает» персонажам на экране, как им лучше поступить, но здесь кричать в экран хочется практически безостановочно. Например, Три упрямо не догадывается о самом простом выходе (в точности повторить «вчерашний» вечер, но на этот раз быть готовой к ходам маньяка), а раз за разом пробует совершенно новые варианты, закономерно нарываясь на сюрпризы.

Тем не менее, надо отметить, что это довольно оригинальная идея дать человеку возможность самому расследовать собственное убийство — на этой задумке можно было построить целый сериал, где разные герои могли бы разыгрывать один сценарий.

Вообще фильм на удивление точно следует формуле «Дня сурка» (раздражающая мелодия при пробуждении, назойливые встречные каждое утро, дикие выходки в отдельные дни), и это тоже не идет ему на пользу – штампы романтических комедий не всегда и не очень гладко ложатся на схему слэшера. Все-таки одно дело, когда в ромкоме, где ему ничего не угрожает, герой уходит «в позитив», изменив взгляд на окружающий мир, совсем другое – слэшер, где «в подворотне ждет маньяк». Тут как-то должно быть не до просветления и не до примирения с окружающими, надо шевелить извилинами и продумывать, как бы не «насадиться на крючок»!

Мягкий возрастной рейтинг фильму на пользу не пошел и практически свел на нет любые намеки на брутальность – смерти преимущественно остаются за кадром, даже крови днем с огнем не сыщешь. В сочетании с весьма условным саспенсом (ведь героиня, по сути, ничем не рискует) и легким сценарным читерством (маньяк почему-то всегда в курсе планов Три) - это заметно подтачивает жанровый «авторитет» фильма, который в какой-то момент становится больше похож на молодежную романтическую комедию, чем на хоррор.

В то же время значительную часть сценарных и концептуальных заусенцев начисто сносит своей харизмой Джессика Рот. В прошлом году ей повезло попасть в «Ла-Ла-Лэнд», но там ее героиню за Эммой Стоун, Райаном Гослингом и саундтреком совсем не было видно, зато в «Счастливого дня смерти» она в центре внимания постоянно, и вытягивает на себе большую часть ленты. Практически все экранное время отводится главной героине, и это одно из главных преимуществ фильма. Крики, ухмылки, подмигивания… в «Счастливом дне смерти» превалируют крупные планы, однако за полтора часа (да, фильм относительно короткий) Рот умудрилась ни разу не сфальшивить. Три не ощущается как типичная для слэшеров визжащая кукла, которая только и может, что раз за разом умирать. Напротив, это живой (несмотря ни на что) персонаж, которого ни на секунду не хочется оставлять без внимания. Первую половину фильма хочется самому залезть в экран и помочь придушить, настолько Джессика Рот блестяще играет неприятную девицу. Но потихоньку она превращается в несчастную, испуганную одиночку и уже хочется хэппи-энда для неё и какого-нибудь симпатичного ботаника.

Да, фильм безусловно не обошелся без стандартного взросления основного персонажа, который после череды тех или иных ошибок осознает свою жизнь и меняет свое отношение к другим людям. Но может быть фильмы подобного плана и должны наталкивать своего зрителя на какую-то мораль, пусть даже она успела уже в какой-то мере набить оскомину. И тем не менее, получилось вполне достойное произведение — забавное, где-то интригующее, а где-то глуповатое, но в любом случае колоритное и явно не худшее среди себе подобных.

Интересные факты:

Костюм убийцы в фильме разработал Тони Гарднер, автор знаменитой маски Призрачного лица из франшизы «Крик».

На футболке Три написано Dumpstaphunk. Так называется фанковая группа из Нового Орлеана, штат Луизиана.

Зрителю никто не объясняет, каким образом Три попала во временную петлю. Режиссёр Кристофер Лэндон пообещал дать объяснение в сиквеле.

В соответствии с первоначальным замыслом режиссёра, в финале фильма главная героиня снова погибает и снова попадает во временную петлю. Эта концовка страшно не понравилась зрителям во время предварительного просмотра, так что авторам фильма пришлось её изменить.

В следующем году Джессика Рот появится в главной роли в «Девушке из долины» – ремейке классического молодежного ромкома 1983 года, где главные роли играли Николас Кейдж и Дебора Форман.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Перед просмотром «Тебя никогда здесь не было» стоит знать лишь одно — это артхаусный фильм. Все полтора часа новая лента Линн Рэмси проверяет мозг зрителя на прочность — как логически, так и эстетически. Здесь много экспериментов и сцен, которые наверняка введут вас в ступор — а большая часть происходящего на экране и вовсе покажется абсурдом. Однако если вам удастся пробиться через терни авторского замысла, то «Тебя никогда здесь не было» станет одним из самых запоминающихся и эмоциональных киноопытов в вашей жизни.

С первых же кадров становится понятно: перед нами авторское кино, и зрелище нас ждет довольно неуютное. Линн Рэмси и Джонатан Эймс, автор оригинальной новеллы, создают очень правдоподобного поломанного персонажа, чей образ прекрасно воплотил на экране Хоакин Феникс. Проблемы Джо проистекают сразу из нескольких различных источников, ни один из которых до конца не раскрывается: периодически в сюжете всплывают отрывки флэшбеков, но полную картину так никто и не покажет. И это, пожалуй, здорово: такой подход действительно напоминает попытку влезть в голову героя, а не представить все в виде удобной для просмотра истории. Это крайне неприятное путешествие в чужую голову, от которого, тем не менее, невозможно оторваться.

Сюжет фильма является адаптацией романа Джонатана Эймса и этой работой занималась сама Линн Рэмси. Рассказывают они нам о молчаливом бородатом мужчине по имени Джо. Вначале вообще ни капли непонятно кто же он и чем занимается, вроде бы он как-то связан или с криминалом как Жан Рено из фильма «Леон» или с частной детективной практикой, но всё же внешний его вид выдаёт в нём какого-то бомжа. Но далее становится понятным, что Джо - наёмник, работающий на разных людей и занимающийся поиском пропавших, а его методы выдают в нём бывшего военного с профессиональной подготовкой (но, конечно, не такой как у Сталлоне в «Рэмбо»). На сей раз Джо просят найти юную девушку, дочь одного из влиятельных политиков. Джо с молчаливым спокойствием справляется с поставленной задачей, но дальше начинается кровавая вакханалия вокруг него и Джо осознаёт, что его жизнь висит на волоске. За себя он мало волнуется, а вот то, что под удар поставлена его мать и та самая девочка заставляет его вступить в неравную схватку.

Остановлюсь на подаче. Первые полчаса просмотра режиссер и сценарист вынуждает смотреть тягомотные непонятные сцены-обрывки из жизни главного героя, а также из его детства и прошлого, которые якобы должны раскрыть его характер. Вопрос, который возникает и уже просто давит на сознание: почему я должен тратить свое время на просмотр абсолютно не увлекательных сцен походов в магазин, хождений по улицам и прочее. Любительский стрим порой намного достойнее. Но эти полчаса я тешу себя надеждой, что вот сейчас начнется развитие сюжета, что автор оправданно подводит зрителя к дальнейшему сюжету и эти сцены волшебным образом и обснованно станут теми ниточками, которые все свяжут в одно логически целое. Легкий шок от неоправданных ожиданий...

Немаловажную роль в фильме играет и способ повествования — он нелогичный, рваный и полностью отражает жизненное восприятие Джо. У «Тебя никогда здесь не было» нет определенной тональности — лента то захватывает нервным экшеном, то вовсе скатывается в сюрреалистическую медитацию. Подобный контраст можно встретить практически в каждой сцене.

Вот главный герой крошит голову полуголому педофилу — а уже в следующей сцене держит за руку истекающего кровью копа, напевая ему грустную предсмертную песню. Копа, кстати, Джо пару минут назад избивал и допрашивал.

Фильм смонтирован таки образом, что своим ритмом и скачками по сюжету лишь сильнее запутывает, что прекрасно укладывается в заданный мрачный тон картины. На этот же эффект работают и цветовые решения фильма.

«Тебя никогда здесь не было» один из немногих фильмов, смысловая концепция которого была изначально заложена режиссером на уровне тонкой игры цвета, в постоянной борьбе красных и зеленых оттенков. В начале фильма мы видим на экране только оттенки красного: от бордово-коричневого до ярко-алого, символизирующего все возможные аспекты насилия и безумия. Но к середине фильма Рэмси начинает постепенно вводить зеленые оттенки начала исцеления и совсем еще призрачной надежды: зеленая конфета которую Джо ест в офисе своего менеджера, зеленые обои в номере гостиницы, куда он привозит Нину, зеленые деревья, зеленая вода озера, уютно-зеленый, увитый плющом дом…

И самая главная сцена в фильме, конечно, сверхкрупный план изысканного блюда в роскошной столовой загородной резиденции губернатора штата Нью-Йорк, сцены задумчивого выбора вилки в руках Нины между кроваво-красной клубникой и светло-зеленым горошком со спаржей. Выбора, от которого будет зависеть вся дальнейшая жизнь ее и Джо. Новая жизнь в новом мире, в котором положить конец предельному насилию могут только дети, ставшие жертвами этого насилия.

Нельзя не отметить и Томаса Тауненда, оператора фильма. Неожиданные ракурсы, словно пересвеченные или наоборот мутные кадры и личные, практически интимные планы легко меняют темп картины с методичного на невероятно быстрый самым органичным образом.

Диссонирующая музыка Джонни Гринвуда тоже вносит немалый вклад в темную атмосферу картины. В «Тебя никогда здесь не было» звук никогда не сочетается с видеорядом, все время заставляя зрителей переживать тот же дискомфорт, что переживает Джо. И если в «Леоне» герою удалось обрести смысл, то персонаж Феникса походит, скорее, на Аффлека-младшего из «Манчестера у моря» — он просто устал бороться и смирился со своей участью. Также как и зрители покинут зал в полном эмоциональном изнеможении, неспособные сразу осмыслить произошедшее.

«Тебя никогда здесь не было» — это зацикленный кошмарный сон, который не перестает терзать как главного героя, так и зрителя на протяжении всего сеанса. Линн Рэмси удалось отразить худшую форму человеческого страха, опираясь на одни лишь художественные средства и талант Хоакина Феникса. Который, к слову, сыграл свою лучшую роль за всю 36-летнюю карьеру.

В образе главного героя фильма – немногословного киллера и психопата Джо, безупречно сыгранного Хоакином Фениксом, Линн Рэмси послойно раскрывает один из концептов современного арт-хаусного европейского кино – органичное существование сумасшедшего в сумасшедше-расколотом современном мире, погрязшим за внешним лоском яркого и теплого летнего мегаполиса в вывернутой ночной изнанке насилия, растления, инцеста, педофилии и грязной политики.

Эмоционально убитый в далеком детстве своим отцом Джо является идеальным воплощением убийцы, продолжающим цепочку насилия, как коэновский Антон Чигур не испытывая никаких эмоций в отношении безжалостно уничтожаемых им людей. Рэмси специально показывает сцены десятков убийств в фильме сквозь призму сознания Джо максимально отстраненно, буднично и банально. Убийства как легкие облака проплывают на экране вслед за угасающим сознанием травмированного в детстве ребенка, который так и не стал взрослым, несмотря на брутальность, строительный молоток, бороду и мышечный корсет. Лишь убойные дозы «Ксанакса», которые Джо пригоршнями глотает каждый час и необходимость заботы о сумасшедшей матери поддерживают его на тонкой грани окончательного перехода в безумие. Но чем больше мы знакомимся с внутренним миром Джо, тем больше начинаем понимать, что в сумасшедше-испорченном мире полным лжи, фальши и растления, честно и безустанно махающий своим «божественным молотом» Джо оказывается намного более человечным и психически здоровым, чем вся «нормальная» аристократическая верхушка политического истеблишмента США.

Буквально все пронизано жестокостью в этом грубом и бесчеловечном фильме. Светлым пятном выступает лишь Нина, которой отведена немалая часть экранного времени, и именно травмированный ребенок по сути спасает травмированного же взрослого, чьи детские проблемы остались неразрешенными. И спасение ребенка выглядит, скорее, как попытка Джо спасти самого себя. Однако поможет ли это ему, остается загадкой. Как и многое другое в фильме.

Интересные факты:

Режиссёр Линн Рэмси прислала исполнителю главной роли Хоакину Фениксу аудиофайл, на котором взрывы петард и хлопушек перемежались со звуками выстрелов. В примечании к нему было сказано, что примерно вот это и происходит в голове его персонажа.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Помните бадди-муви, которые расцвели пышным цветом в 1980-х и 1990-х, после выхода «48 часов» и «Смертельного оружия»? Новый фильм режиссера «Неудержимых 3» Патрика Хьюза «Телохранитель киллера» снят по их лекалам. Вся суть прямо в названии, киллер и его телохранитель — два действующих лица, связанных общей целью и негодованием по поводу вынужденного сотрудничества друг с другом. Это тоже комедийный боевик о напарниках, которые поначалу терпеть друг друга не могут, но постепенно проникаются взаимным уважением. Конечно, в той мере, в какой могут уважать друг друга профессиональный телохранитель и профессиональный убийца, не стесняющийся своей работы, но настаивающий, что убивает только подонков.

Профессиональный телохранитель Майкл Брайс (Райан Рейнольдс), находящийся в трудной жизненной ситуации в связи с убийством его клиента, получает задание доставить в суд киллера Дариуса Кинкейда (Сэмюэл Л. Джексон), чтобы тот смог дать показания против диктатора Владислава Духовича (Гэри Олдман), обвиняемого в геноциде.

В отличной идее, построить сюжет на том, как два супер-профессионала в плане убийств пытаются добраться до контрольной точки и выжить, нашлось неожиданное второе дно. Столкновение зануды, который все планирует (и по его плану никто не должен умереть), и убийцы, который плывет по течению, приводит к неожиданному противостоянию жизненных парадигм: стабильность против хаоса, самоограничения против выгорания.

Майкл Брайс уверен, что всё можно просчитать, каждая мелочь должна быть учтена и не допускает никаких отклонений от плана. Кинкейд же уверен в обратном и вносит в стройную картину мира Брайса хаос. Здесь авторы на стороне Кинкейда. И, вероятно, мысль о том, что не всё жизни возможно спланировать как раз то, что создатели хотят донести до зрителя. В пользу этого говорят изменения в характере Брайса на протяжении фильма, в его поступках. Также это можно увидеть, проанализировав в экшен-сцены в начале, в середине и в конце фильма.

В сцене вызволения из здания клиента, на которого должно состояться покушение, учтены все мелочи: обезврежены киллеры в здании и у чёрного входа, им вызвана скорая и полиция, и даже спасена собачка из заминированного автомобиля. Идеально. Однако уже здесь жизнь вносит свои коррективы. В середине фильма энтропия нарастает, а ближе к концу фильма ни о каком плане, по большей части, уже речи не идёт. Брайс и Кинкейд из всех сил несутся по городу в суд, а люди Духовича изо всех сил пытаются им помешать.

Второстепенные сюжетные линии удачны, позволяют разнообразить действие на экране, раскрыть персонажей, показать их цели и стремления. Самые крупные из них — любовные: отношения Брайс и его бывшей девушки Амелии Руссел (Элоди Юнг), и отношения Кинкейда и его жены Сони (Сальма Хайек), находящейся в тюрьме. Наиболее интересна здесь, конечно, история Кинкейдов. Мы узнаём, как и при каких обстоятельствах они познакомились, какие между ними отношения. Именно ради освобождения Сони из тюрьмы Кинкейд и согласился свидетельствовать против Духовича прекрасно понимая, что это может стоить ему жизни.

Всю ленту можно условно поделить на две части: экшен и пререкания главных героев.
События развиваются очень стремительно, не провисая и не позволяя даже на полминуты отвлечься и заскучать. Качественно и добротно оформлены все экшен-сцены, из которых, по сути, считай состоит половина фильма: погони, перестрелки, драки, взрывы и всё довольно жёстко и местами кроваво. Если сложить всех убитых противников на пути следования в Гаагу, то, вполне возможно, наберётся небольшая армия.

Кроме того, зрителей порадует первоклассная музыкальная составляющая ленты. Мелодии не просто хороши, они органично легли на стилистику картины, добавили динамики и без того стремительному действию. Операторская работа тоже заслуживает внимания. Прекрасные виды Лондона и Амстердама, крупные планы героев и многочисленные взрывы, погони, драки и перестрелки — заслуга Джулса О’Лафлина.

Но именно на моменты с руганью приходится основная идея фильма: через бесконечный мат зрителю показывают эволюцию отношений между героями, некогда пытавшихся прикончить друг друга. Так, всевозможные оскорбления в «Телохранителе киллера» каждый раз переходят в молниеносное парирование: будь то словом, или мимикой.

Чтобы добиться еще большего контраста, Патрик Хьюз делает акцент и на стилях обоих персонажей: «Телохранитель киллера» это тот случай, когда ключевую роль играет именно манера исполнения. Пока Брюс пытается чисто и бесшумно выполнить свою работу, Кинкейд то и дело наводит шума, провоцируя не только окружающую публику, но и героя Рейнольдса. В итоге боевые перепалки периодически разбавляются словесными, где оба актера искрят шутками и гэгами, а случайные фейлы только усиливают эффект нелепости происходящего на экране. Из-за ироничной, даже абсурдной подачи, история смотрится классно и весело! Абсолютно нескучно, смешно и неправдоподобно. Непотопляемые герои ни на минуту не дадут усомниться в успехе своего на первый взгляд безнадежного дела.

Лента перегружена множеством ответвлений и стилизованных флэшбеков, однако собрав все вместе Хьюз выдает полный комплект того самого «чисто развлекательного» фильма, где нет какой-либо логики, но зато есть понемногу от всего. Все это мы видели сотни раз, но все это до сих пор работает. Причем автор так серьезно относится к этой наивной истории, что поневоле начинаешь верить в дурацкий мир секретных агентов из Интерпола, который «снова облажался», профессиональных телохранителей с «тройной защитой» и пожилых киллеров-рецидивистов с большим сердцем. На самом деле, фильм сражает наповал, это такое комедийно-боевое безумие и море нескончаемого смеха на всем своем 118-минутном протяжении.

Интересные факты:

«Телохранитель киллера» задумывался как драма, и только за пару недель до съемок сценарий был переписан под комедию, чтобы лучше соответствовать динамике отношений между актерами.

В фильме снялись российские актеры Юрий Колокольников и Михаил Горевой.

В оригинале под судом находится диктатор Белоруссии. Тем не менее, для проката в России, Украине и странах СНГ и Балтии правообладатели передали копию, в которой этот герой превратился в диктатора Боснии.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
…Помятый в схватках, суровый стрелок Роланд Дискейн (Идрис Эльба) с помощью чертежа объясняет мальчику Джейку, что вселенная похожа на нарезанную пиццу. Каждый ее кусок - это отдельный мир. Между мирами существуют порталы, но пройти сквозь них могут только избранные. В центре пиццы стоит Темная башня, которая защищает миры от гибели. Демонический Человек в черном (Мэттью МакКонахи) хочет ее разрушить; считается, что это можно сделать с помощью ребенка. Негодяй отлавливает детей-медиумов, сажает в специальное кресло и направляет в сторону Башни их психическую энергию. Башня трещит так, что в разных мирах происходят легкие землетрясения, но пока все-таки держится. Стрелок охотится за Человеком в черном, а Человек в черном охотится за Джейком, у которого магической силы (так называемого "сияния") гораздо больше, чем у остальных детей; этот паренек гарантированно уничтожит Башню, стоит его поймать и направить энергию в нужное русло.

В цикле романов Стивена Кинга «Темная башня» семь книг (и это только канонический текст - потом Кинг начал сочинять дополнительные повести). Сам Кинг называет «Башню» одним огромным сверхроманом. По размерам он существенно больше «Войны и мира». Когда ты экранизируешь его, и у тебя выходит фильм продолжительностью 95 минут, причем сюжет сводится к тому, что пересказано в предыдущем абзаце, что-то явно пошло не так.

«Темная башня» — это даже не самостоятельная «картина по мотивам», это — простая как три копейки шаблонная подростковая фантастика, самым наглым образом спекулирующая на чаяниях миллионов читателей. Полное переиначивание «Темной башни» Стивена Кинга превратило выдающиеся книги для взрослых в унылую детскую сказку.

Впрочем, справедливости ради, «Темную башню» нелегко экранизировать так же, как «Песнь льда и пламени» Джорджа Мартина, книгу за книгой. Слишком изощренно выстроено повествование (романы, действие которых прихотливо переплетено, написаны, в сущности, в разных жанрах: например, самый первый, «Стрелок» - это вестерн, и он воспринимается скорее как пролог к остальным текстам - только пролог размером в 300 страниц, а следующая книга, «Извлечение троих» - уже фантастический триллер). В Голливуде годами бились над этой задачей. Фильм должен был снимать Дж.Дж. Абрамс (в конце концов он от греха подальше переключился на «Звездный путь» и «Звездные войны»), потом за экранизацию взялся автор «Игр разума» и «Кода да Винчи» Рон Хоуард - но и он в итоге оказался благоразумен, ограничился функциями продюсера, а под расстрел поставил молодого датского режиссера Николая Арселя, на которого сейчас и обрушится весь гнев кинговских фанатов (они, видимо, будут выходить из зала с налитыми кровью глазами). Наверное, правоверным не понравилась бы никакая экранизация, но конкретно в этой бесить их будет все: то, что у Роланда внезапно поменялась цель (в романах он стремился дойти до Башни, а не просто убить Человека в черном), то, что из сюжета вычеркнуто много важных персонажей, то, что сюжетные линии порублены и склеены заново… Ну и что это вообще такое - 95 минут?

Впрочем, если не страдать фанатизмом, а в идеале вообще не читать Кинга, «Темная башня» покажется обычным детским фильмом, слегка напоминающим не то «Бесконечную историю», не то какую-нибудь «Гостью из будущего» (все жестокое и неприятное, что было в книгах, тщательно подчищено, чтобы обеспечить вегетарианский прокатный рейтинг 13+). Если зрителей, готовых это смотреть, наберется достаточно, Николай Арсель снимет продолжение; судя по его интервью, кинговские мотивы, не попавшие в этот фильм, непременно появятся в следующем. Переваривать «Темную башню» кинематограф намерен по частям - сначала хвост, потом голову, потом ногу; и плевать на тех, кто сочтет это святотатством.

Интересные факты:

На роль главного героя рассматривались актёры Дэниэл Крэйг, Вигго Мортенсен и Хавьер Бардем.

Стивен Кинг продал права на экранизацию цикла «Тёмная башня» за $19,19. Число 19 является одним из ключевых понятий в книгах цикла.

Уолтер О`Дим, известный также под именем Рэндалл Флэгг, был олицетворением зла и главным противником героев в романах «Глаза дракона» (1987) и «Противостояние» (1978).

На роль Роланда Дискейна рассматривалась кандидатура Педро Паскаля.

Фильм снят по мотивам цикла романов Стивена Кинга «Тёмная башня» (1982-2012), на написание которого автора вдохновила (кроме всего прочего) поэма Роберта Браунинга «Чайльд-Роланд дошёл до Тёмной Башни».

В своих путешествиях Роланд с друзьями нередко натыкаются на граффити, созданные Банго Сканком, художником из Срединного мира.

Роланд и его спутники неоднократно погружаются в состояние транса (тодэш), сопутствующее перемещению между мирами.

В фильме у психотерапевта в рамке стоит снимок отеля «Оверлук», который был местом действия в другом сценарии Кинга «Сияние».

Номер портала в деревне, через который Джейк и Роланд отправляются на землю — 1408, у Стивена Кинга есть короткий рассказ с таким же названием. В 2007 году вышел одноименный фильм по мотивам этого рассказа.

В лесу среди останков парка аттракционов видно вывеску «Дом смеха Пеннивайза» и из земли торчит рука клоуна, держащая воздушные шары, Пеннивайз — клоун, главный антагонист романа Стивена Кинга «Оно».

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Вернувшись в Асгард в поисках таинственного врага, ведущего охоту на Камни Бесконечности, Тор обнаруживает, что действия его брата Локи, захватившего трон Асгарда, привели к приближению наиболее страшного события — Рагнарока. По легенде это ознаменует последнюю битву Асгарда, последствием которой станет его полное уничтожение. В попытке предотвратить это событие Тору предстоит прибегнуть к помощи своего товарища из Мстителей — Халка. Вместе им предстоит столкнуться лицом к лицу со злейшим врагом всех девяти миров — огненным демоном Суртуром, целью которого является исполнение пророчества о Рагнароке и уничтожение девяти миров.

Супер-кино-вселенная Marvel, властно занявшая лидирующее место на рынке блокбастеров, поддерживает зрительский интерес регулярным обновлением тональности, что случается во многом благодаря неординарному выбору режиссеров. На этот раз был приглашен новозеландец Тайки Вайтити, номинант на «Оскар», доказавший свое умение нетривиально посмотреть на привычное и рассмешить там, где смех вроде неуместен – прежде всего, помещая персонажа в чуждую ему среду и лишая привычных бытовых подпорок. Так и случается с Тором (Крис Хемсворт, кто же еще), которого мы видим в первых кадрах фильма связанным и утратившим свой заточенный на владельца молот Мьёльнир. Превратить супергероев в то, чем они были изначально — в красочный, но при этом кровавый мультик с тонной юмора и персонажами в поблескивающих на солнце цветных трико — это, пожалуй, на сто процентов верное решение.

Фигурирующее в названии слово «Рагнарок» в скандинавской мифологии означает конец света, апокалипсис, Армагеддон, но для Вайтите это не повод впасть в угрюмую серьезность, а шанс на обновление миров в сюжете, и заодно – возможность нового поворота в стратегии супергеройского кинокомикса. «Рагнарок» стоит особняком даже в марвеловской вселенной — это уже без всяких оговорок комедия. Населенная самыми яркими звездами (иногда даже в крохотных ролях), раскрашенная самыми яркими в палитре красками, иногда озвученная несерьезными синтетическими клавишами. Студия явно предоставила режиссёру полную свободу. Его «Тор» вышел совершенно другим. Концентрация шуток на минуту экранного времени просто невероятная! Это как плюс, так и минус фильма. В предыдущих лентах всё-таки комические сцены чередовались с драматическими.

Вайтити, ясное дело, не один выработал этот новый подход, в котором, кажется, удачно найден баланс между свежеподанной адресацией к традиционно задействованным эмоциям и уверенно звучащей ностальгической нотой. Я имею в виду не архетипические модели северо-скандинавской мифологии, воспроизводившиеся в разных других мифологи ческих сюжетах, в том числе библейских, которые утоплены в нашем подсознании и всегда обеспечивают благодарный зрительский отклик. И даже не отсылки к заэкранным персонажам и подсюжетам – вроде камео Скарлетт Йоханссон в роли Наташи Романофф (она же Черная вдова). Или эпизод с Доктором Стрэнджем (Бенедикт Камбербэтч), поселившимся на улице, чье название созвучно с Бейкер-стрит. Или, еще один пример, упоминание Железного человека / Тони Старка, не позволяющее зрителю забыть, что он смотрит историю Мстителей.

Я о другом. Давно замечено, что современный приключенческий блокбастер – это возвращение к эпохе «кино аттракционов». Но Вайтите шагнул дальше. Новизна его фильма, во-первых, в том, что он вместе со своей командой совершил своего рода контрреволюцию в супергеройском кинокомиксе, сделав бесценный подарок знатокам раннего кино, «кино-примитивов». Сегодня мало кто, наверное, знает, что на заре американского кинематографа экранные короткометражки вкрапливались в сборные программы по типу «бриколажа» (создания предмета из разнородных вещей) и продолжались эти программы иной раз столь же долго, как и «Тор». Иначе говоря, демонстрацию фильмов сопровождал широкий репертуар коммерческих развлечений, процветавших на рубеже XIX-XXстолетий. Сюда входили цирковая магия, бурлески с комическими трюками и визуальными гэгами, короткие пьески, танцевальные номера, бойцовские поединки, мистерии и даже живые картины. Композиция «Тора…», бесшовно сведенная оператором Хавьером Аггиресаробе в единое целое, как раз и состоит из набора подобных элементов. Часть из них – гладиаторский поединок Халка (Марк Руффало) с Тором или вставные выходные номера-презентации новых героев – охотницы за головами, выпивохи Валькирии (Тесса Томпсон) и человека, которому она служит – эксцентричного тирана Грандмастера (Джефф Голдблюм), – изначально обязана сценарию Эрика Пирсона (написанному по сюжету Крэга Кайла и Кристофера Йоста). Другая часть – в первую очередь, с «живыми картинами» – художникам Дэну Хенна и Ра Винсенту.

Во-вторых, следует особо отметить работу дизайнера Беверли Данн, чьи декорации столицы планеты Сакаар-Сити, построенные под открытым небом на двух площадках величиной с футбольное поле, и дворец Грандмастера напоминают легендарные, известные своим масштабом декорации к вавилонским эпизодам шедевра Дэвида Уорка Гриффита «Нетерпимость» 1916 года.

Ну и, конечно, в новом «Торе» вовсю задействованы традиционные для супергеройского комикса тропы, в том числе «двойной идентичности»: противоборство ученого Брюса Бэннера со своим перекоммутированным зеленым двойником Халком, как и раньше, помогает двигать сюжет и создавать напряженность. Но на этот раз циничный завистник Локи (Том Хиддлстон) неожиданно обнаруживает в своем характере свежие обертоны. Любителям покопаться в психологии персонажа бездну материала предоставит Кейт Бланшетт в роли роковой красавицы, сестры Тора и Локи, богини смерти, демонессы Хелы. И если перепалки Тора и Локи иной раз начинают слегка утомлять, то от Хелы-Бланшетт точно глаз не оторвешь.

Интересные факты:

В самом начале работы над проектом ходили слухи, что, как и фильм «Тор» (2011), «Тор: Рагнарок» (2017) будет снимать Кеннет Брана. Продюсер Кевин Файги эти слухи неизменно опровергал.

Джейми Александер заявила в одном из интервью, что не появится в фильме в роли Сиф из-за занятости в съёмках телесериала «Слепая зона» (2015).

Третье исполнение Марком Руффало роли Брюса Беннера/Халка в художественном фильме. Руффало — единственный, кто столько раз сыграл эту роль. Более того, его контракт с Marvel Studios резервирует за ним этот персонаж во всех будущих фильмах кинематографической вселенной Marvel, покуда студия остаётся правообладателем.

Действие фильма «Тор: Рагнарок» (2017) разворачивается после событий, о которых рассказано в фильме «Мстители: Эра Альтрона» (2015).

Единственная франшиза Marvel Studios, все три фильма которой сняты разными режиссёрами. Кеннет Брана снимал «Тор» (2011), Алан Тейлор — «Тор 2: Царство тьмы» (2013), а Тайка Вайтити — «Тор: Рагнарок» (2017).

Режиссёром фильма стал Тайка Вайтити. Список кандидатов также включал Рубена Флейшера, Роба Леттермана и Роусона Маршалла Тёрбера.

Согласно скандинавской мифологии, Ragnar (Рагнарок) переводится как «Сумерки Богов». Миф повествует об уничтожении всего человечества и вселенной, а также о гибели некоторых ключевых фигур скандинавской мифологии, включая Одина, Тора, Локи и Хеймдалля.

Чтобы вновь исполнить роль могучего Тора, Крису Хемсворту пришлось сесть на строгую диету, посещать спортзал 6-7 раз в неделю и потреблять около 6000 калорий в день. В результате актер набрал около 10 кг мышечной массы, и его вес составил более 90 кг.

Это второй раз, когда Сэм Нил и Джефф Голдблюм вместе появляются на экране после «Парка Юрского периода» (1993).

Это второй фильм с Халком в центре сюжета, в котором Тор появляется во второй главной роли, после картины «Невероятный Халк: Возвращение» (1988).

В комиксах и скандинавской мифологии Валькирия – светловолосая белокожая дева-воительница. В фильме эту роль исполняет афроамериканская актриса Тесса Томпсон. Режиссер Тайка Вайтити пояснил: «Мы не строго придерживались первоисточника. Цвет кожи и волос персонажа не имеет значения. На первом месте должна стоять история, которую нужно рассказать, а для этого на роль нужно подобрать лучшего кандидата. Тесса и оказалась лучшей».

Фильм вышел на экраны в 2017 году – в 55-ю годовщину с момента первого появления Тора (первый комикс о нем появился в августе 1962) и Невероятного Халка (дебютировавшего в мае 1962), а также в столетний юбилей одного из создателей этих персонажей Джека Керби.

Кейт Бланшетт приняла предложение участвовать в проекте в ответ на уговоры своих детей, которые являются фанатами комиксов Marvel. Один из ее сыновей Игнатиус Мартин Аптон даже заполучил камео в этом фильме.

Франшиза студии Marvel про Тора уникальна тем, что музыку к каждому из ее фильмов написали разные композиторы: Патрик Дойл работал над картиной «Тор» (2011), Брайан Тайлер – «Тор 2: Царство тьмы» (2013) и Марк Мазерсбо – «Тор: Рагнарок» (2017).

В предыдущих двух частях франшизы про Тора снимался Стеллан Скарсгард, который появлялся вместе с Сэмом Нилом в «Охоте за «Красным Октябрем» (1990).

Это первый фильм про Тора без участия Джейн Фостер и ее команды. Их отсутствие разгневало многих фанатов романтической линии между Тором и Джейн и комедийного дуэта Дарси и Эрика Селвига.

В комиксах Валькирия ездит верхом на крылатом коне Арагорне. Арагорн – один из главных персонажей трилогии «Властелин колец» Питера Джексона, в которой Кейт Бланшетт (Хель) и Карл Урбан (Скердж-Палач) играют его союзников Галадриэль и Эомера.

Это третий раз, когда Сэм Нил и Сэмьюэл Л. Джексон появляются в одной и той же кинематографической вселенной, но пути их персонажей так и не пересекаются. Нил играл в «Охоте за «Красным Октябрем» (1990), а Джексон – в сиквеле «Игры патриотов» (1992). Оба актера также снимались в «Парке Юрского периода» (1993).

Согласно скандинавской мифологии, Хель (Кейт Бланшетт) является дочерью Локи.

В фильме участвуют три члена группы супергероев «Защитники», а именно: Валькирия, Халк и доктор Стрэндж. Халк и доктор Стрэндж были одними из основателей группы.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Все, чему учил нас Гай Ричи и километры кельтских легенд — это ложь и провокация! Оказывается, король Артур, Мерлин и прочие закругленные рыцари некогда так мощно выступали лишь потому, что их поддерживали свалившиеся с неба автоботы. Свалились они, к слову, тоже не очень случайно, но это уже спойлер. В общем, когда все успокоились, на нашей зеленой планете осталось немало странных вещиц, одна из которых — посох того самого Мерлина — способен сыграть решающую роль в оживлении Кибертрона и погребении Земли. Благо, полтора тысячелетия спустя с неба свалится и еще один артефакт, способный этому процессу помешать.

Свежие «Трансформеры» — отличное тому доказательство. Квадратные роботы круглого стола. Пьяный в сопли Гэндальф, выпрашивающий у пришельцев дракона. Гарвардский профессор в теле стриптизерши. Истеричный целибат внезапного сэра Уолберга. Мощнейший конферанс реального сэра Хопкинса, неожиданно в совершенстве владеющего средним пальцем и терминологией Южного Централа.

И пока земляне будут методично отстреливать всех без разбору трансформеров, наш старый знакомый Йегер объединится с девочкой, девушкой, бодрым стариком и десятком автоботов, чтобы сразиться с инопланетными засланцами в отсутствии Оптимуса. Только вот в отсутствии ли?

Что еще можно добавить в уравнение, чтобы получились не просто очередные, а новые «Трансформеры»? Как выяснилось, многое. Здесь действительно есть рыцари, в том числе король Артур, Ланцелот, Персеваль и сам волшебник Мерлин; к ним добавлен слегка механический трехголовый дракон. Динозавры - как огромные, так и симпатичные ручные. Мексиканская девочка и чернокожий помощник: все-таки политкорректные коды мультикультурной Америки тоже надо соблюдать. Маленький робот, срисованный с Валли. Робот человеческих габаритов, списанный с C-3PO. Вам этого недостаточно? Тогда вы безнадежны. И вам точно не нужны пятые «Трансформеры».

Можно негодовать, призывать к соблюдению правил хорошего тона и бойкотировать эту машину по продуцированию шума, лязга, грома и спецэффектов, но невозможно игнорировать очевидное: этот проект — успешный, иначе не было бы пятой уже серии.
Можно сколько угодно обвинять Бэя в примитивизме, объективации, пубертатности и маниакальном дуболомстве, но в деле поджаривания зрителей в огне своей мегаломании он набил обе руки уже давно. А потом — этими же руками — еще и физиономии всем хейтерам. И сделал это вновь — выплеснув на экран и в уже упомянутые физиономии «Трансформеров» за номером пять. Не кино, нет. Скорее, иллюзия аттракциона, отраженная в кривом зеркале индивидуального бессознательного старины Майкла. «Трансформеры» продавались и продаются, продавали и продают. Это бесконечный конвейер по производству денег, концентрированной дури, грохота и подросткового безумия. И даже некоторая усталость главного маховика дела не меняет. Пропускать штатный Апокалипсис на основании каких-то там правил хорошего тона и потомственно отставленного мизинчика — это ничем не прикрытая глупость. Никто не мешает вам по ночам смотреть Вирасетакула. А в кино нужно идти на «Трансформеров», невзирая на их порядковый номер. Шутка ли, гигантские инопланетные роботы, выдирают друг другу мосты, острят, тупят, зашкаливают и между делом методично рвут нашу планету, как механизированная обезьяна газету. И правда, кому это может быть интересно?

Да, Бэй по-прежнему большой пошляк и эпический самоплагиатор. Роботы раз за разом повторяют давно исполненные кульбиты, планету аннигилируют старым проверенным способом, количество силуэтов на фоне пылающего заката зашкаливает за отметку «лолшто?», а любое появление в кадре декольте Лоры Хэддок обставляется фанфарами фортиссимо и венецианским салютом.

Да, этот фильм лучше было бы смотреть без перевода и на китайском — каждый диалог (за исключением юмористических) с удовлетворением стучится в днище предыдущего. А уж господин Прайм и вовсе открывает новые горизонты в дисциплине «Зачитывание ереси с левитановскими интонациями».

Да, обязательное политкорректное привлечение в качестве сайдкиков афроамериканцев и афролатиносов неимоверно бесит. Это ведь тоже расизм, не правда ли?

Да, обрывочность сознания сценаристов и режиссера приводит к тому, что «необходимые» блокбастеру 150 минут достигаются за счет лишних персонажей и эпизодов, с которыми непонятно что делать ближе к финалу. На кой ляд в сценарии Туртурро и уже упомянутые негр с мексиканкой? Зачем повествованию Дюамель, начальник отряда СЛТ Сантос и робот-танк времен Первой Мировой? Во имя какого счастья нам так пафосно расписывали команду Мегатрона, если у нее всего одна вялая боевая сцена? А злодейство Оптимуса — это все, что вы смогли извлечь из чеховского ружья, мистер Бэй?! Зато персонажа Хопкинса, который тут является главным развлечением после гигантских роботов, знает слово «ништяковый», хамит премьер-министру и вообще всячески поддерживает чудной образ истинных британских джентльменов,- наоборот убирают с помоста совершенно бессмысленным и отмороженным образом.

Опять же, Уолберг, новый «муз» Бэя, больше похож на истеричку, чем на последнего рыцаря. Значительную часть хронометража он бегает и орет — причем и то и другое зря. А еще, как Ван Дамм, обнажается не по делу, проводя при этом самые ключевые моменты в бесформенной хламиде. Что же до Хэддок, отвечающей за феромоны и сделанной ради смеху профессором Оксфорда, то ей можно было бы и вовсе не говорить, а просто почаще переодеваться. Желательно не выходя из кадра.

Но несмотря на все вышеперечисленное, караван идет, а крыша едет. Хорошее ли «Последний рыцарь» кино в художественном понимании — так сразу и не скажешь. Хорошее ли в развлекательном плане — безусловно, да. Более того, один из ярчайших блокбастеров года и, вероятно, лучшая часть во всей серии о гигантских роботах. Это так нелепо, смешно, безрассудно, безумно, волшебно, что хочется вручить Майклу Бэю «Оскара», британский флаг, ковер и телевизор. Можно по-разному оценивать отсутствующую художественную ценность фильма, но Бэй умеет валять дурака по-крупному. К чему тут сравнения, когда можно просто отдать мозг на кипячение? Бэй по-прежнему мастерски тратит деньги на тротил и пиксели. Песнь железа и магии все так же прекрасна — как в старых, так и в новых обличиях. А неожиданный съезд в дурную комедию (шутят тут реально больше, чем дерутся) доказывает, что громозека Майкл смотрит не только свои фильмы и пытается соответствовать трендам.

Впрочем, вполне возможно, что он просто устал воспринимать свое творчество всерьез. И теперь предпочитает жечь тряпки и смеяться. Не над собой. И не над вами. Просто так. И хотя это, определенно, смех без причины, в дураках останутся, скорее, те, кто ему не вторит. Ведь уже давно следовало понять, что Бэй — это навсегда.

Интересные факты:

Съемки фильма начались на Кубе весной 2016. Второй голливудский фильм, съемки которого проводятся на территории данного государства.

Фильм снимался в Исландии, Англии, Шотландии, Уэльсе, Ирландии, Кубе, штате Мичиган, штате Аризона, Намибии и Калифорнии. Некоторые эпизоды фильма снимали в Стоунхендже.

Сцена посещения сэром Эдмундом Бёртоном здания по адресу Даунинг-Стрит, 10 действительно снималась в резиденции премьер-министров Великобритании в октябре.

Под штаб-квартиру нацистов оборудовали Бленхеймский дворец. Это вызвало бурю негодования у британских ветеранов войны.

Образ Мегатрона в этом фильме списан с Циклонуса из мультсериала «Трансформеры» (1984-1987) — шлемы у обоих украшены подобием рогов, и оба превращаются в истребители.

Когмен является хэдмастером — это трансформер, составленный из двух корпусов (каждый из них имеет два режима функционирования, каждый выполняет свою роль).

Описание (клик - развернуть/свернуть):
В 1934 году знаменитый бельгийский сыщик Эркюль Пуаро (Кеннет Брана) садится на фешенебельный поезд, который следует из Турции во Францию. Посреди ночи одного из пассажиров жестоко убивают. В то же время снежная лавина заваливает пути, и начальник поезда умоляет Пуаро, чтобы тот раскрыл преступление, пока никто из подозреваемых не может скрыться и пока в дело не вмешалась топорно работающая югославская полиция.

Роман Агаты Кристи «Убийство в Восточном экспрессе» – одна из самых известных детективных историй во всей западной литературе. Любой, кто хоть немного интересуется книгами о сыщиках и убийцах, отлично знает, кто нанес жертве «Убийства» двенадцать ударов кинжалом, даже если не помнит всех обстоятельств дела. С одной стороны, столь громкая слава романа привлекает внимание к любой его экранизации. С другой стороны, всеобщая известность развязки лишает постановки «Убийства..» львиной доли их увлекательности. Вместо того чтобы воодушевленно гадать вместе с Пуаро, зрители ждут, когда сыщика осенит известная им разгадка.

Как решить эту проблему? Когда в 1974 году Сидни Люмет экранизировал «Убийство», он сделал фильм занятным, поручив почти каждую роль знаменитому и яркому исполнителю – от Альберта Финни в роли Пуаро до Майкла Йорка в роли венгерского аристократа. 43 года спустя британский актер и постановщик Кеннет Брана пошел по тому же пути. В картине - ошеломляющий звёздный состав и большой вопрос, у кого труппа получилась "звезднее". Кроме того, в фильме больше юмора и эмоций, чем обычно бывает в экранизациях Агаты Кристи.

Кроме самого Кеннета Браны, мелькают Мишель Пфайффер, Джонни Депп, Уиллем Дефо, Джош Гад, Пенелопа Крус. Хотя, лицедействуют они довольно кисло - есть в этом кастинге что-то от стрельбы из пушки по воробьям. Проблема в том, что Пуаро имеет дело с толпой подозреваемых, и двухчасовая картина, которая тратит довольно много времени на представление сыщика и сюжетную завязку, может уделить каждому из участников дела лишь несколько сцен. Поэтому важно, чтобы зрители легко различали персонажей и чтобы каждый из них запоминался. В противном случае детективный пасьянс не сложится. Актеры фильма с задачей более-менее справляются, но недостаток времени не позволяет им выдать все, на что профессионально способны.

Помимо звездной труппы «Убийство...» завлекает прекрасными зимними пейзажами, не менее красивыми декорациями, играми с точкой съемки (так, несколько сцен сняты с потолка) и несколькими короткими экшен-сценами, которые придают энергии чинной разговорной постановке. Это роскошное костюмное кино. Каждая деревянная панель купе, десерт, шубка на изящных плечах сделаны с таким вниманием, что оторваться просто невозможно. Всё, что для глаз - выше всяческих похвал. Оператор - критянин Харис Замбарлукос — один из лучших в своём роде, а с Кеннетом Брана его связывает многолетнее сотрудничество. Перед нами - горы, лавина, поезд, светильники, алое кимоно с золотистым драконом. Кажется, что лучше бы фильм был немым! В духе старинных лент. Живые иллюстрации к популярнейшему роману. Замбарлукос любуется каждой сценой, и даже тёмные силуэты рабочих на фоне пролета вызывают эстетические переживания. Блестящ и сам поезд — он гораздо более выразителен, чем его картонные пассажиры.

Авторы «Убийства...» тщательно подошли к материальной стороне проекта — никаких вневременных или - осовремененных деталей. Беспримесное, дистиллированное Ар Деко с его буржуазной фанаберией. Патефонная пластинка и джаз-фейрверк — игла крупным планом. Мужчины и женщины, сошедшие со страниц Vogue и Vanity Fair за 1934 год. Широкие лацканы, галстучные зажимы, набриолиненные проборы, выверенная длина плащей и дамских платьев. Грим — точен до невероятности. Мишель Пфайффер поражает чертами божественной Греты Гарбо, а Джонни Депп смахивает на повесу -Кларка Гейбла. Всё и вся — в нужном месте, в правильное время. Что удалось Кеннету Брана и его соратникам, так это воссоздать уютную и — зловещую атмосферу 1930-х годов, где предчувствие грядущих кошмаров порождало сюрреализм. Тонкая грань между упоением и страхом. Раззолоченные пространства, благоуханные шелка, хрупкие плечи, белокурые локоны — сколько дней до катастрофы? А пока — всего лишь убийство подонка. Нормальная, понятная человеческая месть. Но детектив ли это? Здесь имеется всё, что угодно — от видовых, этнографических зарисовок высокого качества до психологической мелодрамы и политической агитки. Но собственно детектива — нет.

К сожалению, это еще не все минусы. Прежде всего, картина существенно упрощает загадку, которая стоит перед Пуаро. Персонажи меньше лгут и хуже скрывают правду, и сыщику не приходится долго ломать голову, чтобы докопаться до истины. При этом Пуаро в совершенно несвойственной ему в книгах манере вслух жалуется, что дело очень сложное и что оно ставит его в тупик. Он даже разговаривает об этом с фотографией любимой девушки. Великий сыщик должен вызывать восхищение, а не жалость!

Никто абсолютно не ожидал, что главным промахом кастинга станет сам Кеннет Брана в роли Пуаро. Во-первых, сам персонаж не вызывает никакой симпатии. Не позволяют его напыщенные, пафосные фразы и нескрываемое самолюбие, постоянно демонстрируемые им по ходу фильма. Во-вторых, Брана постоянно перетягивает на себя одеяло, подводя повествование не под расследование убийства, а под Пуаро и его моральные дилеммы. От этого вторая часть «Восточного экспресса» становится неумолимо скучным и безрадостным действием. Зрителю просто нечем себя занять: вместо того, чтобы постоянно строить догадки у себя в голове о возможном убийце, анализировать показания пассажиров и найденные улики, приходится наблюдать за тем, как Брана в очередной раз включил Шекспира. Взамен увлекательного детективного расследования, мы получаем исследование скорби, потери, мести и сложного клубка отношений и человеческой души.

Брана, однако, настаивает на принижении Пуаро. Из фильма следует, что сыщик – раб своего эксцентричного поведения и что он страдает психическим отклонением, которое помогает вести следствие, но в остальном мешает жить. Например, ему трудно есть яйца всмятку, если они не в точности одинакового размера. Это популярный мотив в современных детективах (вспомним «Детектива Монка»), но у Кристи все ровно наоборот. Книжный Пуаро намеренно вел себя нелепо и комично, чтобы сбить подозреваемых с толку. В этом суть его метода. Даже умные преступники, отлично осведомленные о его репутации, не принимают всерьез смешного человечка с густым акцентом, и сыщик мастерски этим пользуется.

У Браны, если ещё в начале умозаключения Пуаро показаны обоснованными, когда например сыщик знакомится на пароме с героиней Ридли, догадавшись, что она гувернантка (по мелу на рукаве и атласам в сумке) и направляется в Стамбул (по билету из той же сумочки). То затем все его догадки не подкреплены никаким доказательствами, мы должны верить на слово, да и все герои почему-то верят на слово, и никто даже не спрашивает, откуда Эркюль догадался о том или об этом. У Люмета каждый, даже обличительный, довод не оставался без ответа со стороны подозреваемого. У Браны опять же – всё крутится вокруг его персонажа, а не самой истории.

Это, впрочем, цветочки. Ягодки в том, что, сокращая и меняя текст Кристи, авторы ленты не проделали столь же скрупулезную работу, как Королева детективов. Например, в фильме Пуаро позволяет доктору из числа подозреваемых осмотреть тело – детская ошибка, которую никогда бы не допустил даже начинающий сыщик. Мало ли что подозреваемый с медицинским опытом может сделать с трупом, если он причастен к убийству и хочет замести следы!

А как вам то, что венгерский танцор путешествует с дипломатическим паспортом? В книге этот персонаж – сотрудник посольства, и его сделали танцовщиком, потому что на роль взяли украинского артиста балета Сергея Полунина. Но, сказав «а», нужно говорить «б». Особенно в детективном кино, которое держится на мелких деталях и незначительных проговорках. В «Убийстве» каждая настыковка бросается в глаза и ощущается как значимое фиаско.

В экранизации «Убийства в Восточном экспрессе» Сидни Люмета расследование проходило в одном единственном вагоне, где были заперты все подозреваемые, что генерировало камерную обстановку. У Браны пассажиры не просто спокойно гуляют по всему составу, они даже выходят из поезда и устраивают чаепитие на снегу. Порой это достигает нелепости. В одной сцене главным подозреваемым становится секретарь (там каждый по очереди становится главным, так что это никакой не спойлер), поскольку на рукаве найденной формы проводника найдены следы спиртного. Связь прямая: алкоголем увлекается только один из пассажиров. Но вот вам пример, когда персонажи в сценарии совершенно не подходят под актёров – нам показывают стройную форму, а если вы вспомните габариты Джоша Гада, то тут не нужно быть «величайшим детективом в мире», чтобы понять, что нынешний секретарь в этот костюм попросту не влезет физически. Но это одна беда, вторая – это то, что данный персонаж ещё решил сбежать с поезда, застрявшего посреди ничего. Или еще: барбитал, о котором говорил детектив, исследуя место преступления, является снотворным, который не имеет запаха. Но детектив понял, что это барбитал, просто понюхав чашку с кофе. У Люмета, и тем более у Агаты Кристи такие глупости попросту не могли бы иметь место.

Настоящий ад разверзается в финале, где Брана забывает, что играет сыщика с огромным опытом неоднозначных дел, и устраивает пафосное и смехотворное шоу, во время которого Пуаро мучительно решает, расскажет ли он полиции, кто совершил убийство. Неужели сыщик впервые расследует дело, в котором убийца вызывает большую симпатию, чем убитый? Невозможно поверить. Равно как и в то, что пожилой человек, который в прошлом служил полицмейстером Брюсселя и участвовал в политических интригах, сохранил «черно-белый» взгляд на мир («Добро есть добро, а зло есть зло»). У Кристи ничего подобного нет – это сценарные домыслы. И домыслы откровенно неудачные. Понятно, что Брана пытался добавить в картину перца, но это можно было сделать как-то умнее и с большим уважением к герою.

Майкл Грин — сценарист комиксов и теле-шоу в последнее время нарасхват. За этот год отметился сценаристом к «Логану», «Американским богам», «Чужому: Завет» и «Бегущему по лезвию 2049», но лишь с написанием скрипта к данному фильму ему никто не помогал. Результат на лицо: сценарий ? слабейшая часть фильма. Залог любого детектива в логическом мышлении. А здесь и мышление вязкое, и логики происходящему часто не хватает.

«Убийство в Восточном экспрессе» - это красивая и излишне вычурная ярмарка тщеславия Кеннета Браны, который в очередной раз променял структурированное детективное расследование на шекспировские страсти. Тем не менее, финал картины прозрачно намекает, что это только начало цикла фильмов по мотивам романов об Эркюле Пуаро.

Интересные факты:

Экранизация «Убийства в Восточном экспрессе» 1974 года удостоилась 6 номинаций на «Оскар». Ингрид Бергман получила статуэтку за роль второго плана.

Кеннет Брана хорошо подготовился к съёмкам в техническом плане: выбрал крайне редкий размер плёнки (65 мм), решил все связанные с этим проблемы вплоть до открытия специальной лаборатории по проявке недалеко от Лондона. Мало того, он построил Восточный экспресс, вагоны с раздвигающимися перегородками и съёмным потолком. А так же акведук в горах - не компьютерный.

Великолепный проход Пуаро по всему поезду вместе с допросами, со сценами на улице и заключительным кадрами на Восточном экспрессе с высоты птичьего полёта сняты одним кадром.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Над семьей Логанов, простых работяг из Западной Виргинии, нависло родовое проклятие: в каждом поколении кто-то из них влипает в неприятности, погибает самым нелепым образом или, на худой конец, умудряется постирать в машинке выигрышный лотерейный билет. Вот и Джимми (Ченнинг Тейтум, в руках Содерберга превращающийся в отличного актера), подававший большие надежды квотербек школьной футбольной команды, из-за травмы колена лишился не только блестящего спортивного будущего, но и будущего вообще. С работы на стройке его выгоняют, бывшая жена (Кэти Холмс) давно нашла нового мужа и собирается увезти дочку в другой штат. Младший брат Клайд (меланхоличный Адам Драйвер), еще одна жертва семейной кармы, потерял руку в Ираке и торчит за стойкой захолустного бара, терпеливо снося шуточки о своем увечье. Единственная, кого пока не коснулось проклятие,— сестренка-парикмахерша Мелли (резкая и дерзкая красавица Райли Кио в упоительно вульгарных нарядах).

Поскольку терять Джимми уже нечего, он решает разорвать цепочку семейных неудач одним рискованным ударом и ограбить автодром NASCAR в Северной Каролине, охранная система которого, как выясняется, полна лазеек, надо только уметь ими пользоваться.

Для осуществления своего замысла братья Логан обращаются к настоящему профессионалу — специалисту по сейфам Джо Бэнгу (Дэниел Крейг в наколках и с невообразимой прической, с радостью сменивший бондовский смокинг на полосатую тюремную робу). Джо приводит на дело двух своих брательников (Джек Куэйд и Брин Глисон), совокупный IQ которых примерно равен табуретке, и они вносят в происходящее свою долю слабоумия и отваги.

В 2013 году Стивен Содерберг объявил об уходе из большого кино, поскольку студийная система не позволяла ему снимать то, что он хотел — фильмы со средним бюджетом для взрослых зрителей,— и иметь полный творческий контроль как над съемочным процессом, так и над маркетинговым продвижением. Конечно, все это время он не сидел без дела, а продюсировал телефильмы и сериалы, в том числе блестящую «Больницу Никербокер», все 20 эпизодов которой сам и поставил. Теперь Содерберг вернулся к полному метру — с новой схемой кинопроизводства, изяществом и прибыльностью не уступающей проекту Джимми Логана. $29 млн на фильм были собраны за счет продажи прав на прокат за рубежом. На рекламную кампанию пошли деньги, полученные за право показа на телевидении, в стриминговых сетях и даже в самолетах. Миновав посредников — студии и дистрибуторов, Содерберг не только сохранил контроль над производством и продвижением фильма, но и сумел заработать, несмотря на скромные успехи картины в американском прокате.

«Удача Логана» принадлежит к старому, даже избитому жанру heist movie (фильма об ограблении), в котором центром действия является тщательное выполнение сложного криминального плана. Но Содерберг вложил в этот классический сценарий столько энергии, юмора, изобретательности, что фильм получился каким угодно, но не тривиальным.

Это не столько захватывающий, сколько теплый и очень уютный фильм. Где важнее не схема ограбления, а ежеминутные реакции обаятельно нелепых персонажей, получающих больше удовольствия от процесса, чем от результата. Содерберг снял странное нечто, удачно умещающееся где-то между авторским и массовым кино, с отличным юмором, сложным и увлекательным сюжетом и фирменной вылизанностью режиссуры и монтажа — все идет стык в стык, слаженно и логично. Со всех сторон «Удача Логана» — юморное, трогательное кино, близкое по духу прошлогоднему номинанту «Оскара» «Любой ценой». Та же босяцкая атмосфера низших слоев одноэтажной Америки, в которой чувствуется что-то русскому человеку родное, та же щемящая, искренняя сермяжность.

Сравнения с «Одиннадцатью друзьями Оушена», конечно, неизбежны, и режиссер иронично подмигивает самой известной своей картине. Но Джимми Логан и сотоварищи нисколько не похожи на лощеных джентльменов-аферистов из компании Дэнни Оушена. Это неуклюжие реднеки со Среднего Запада, от которых никак не ожидаешь изящных многоходовок,— тем приятнее их восхитительная в своей нахальности победа над системой и та неподдельная симпатия, с которой интеллектуал и эстет Содерберг относится к своим простоватым героям. Он легко и элегантно вписывает свой фильм, в котором есть даже очень смешные шутки про «Игру престолов», в контекст современной поп-культуры, но кажется, впервые в своей фильмографии не стесняется слегка старомодной душевности, и это «Удаче Логана» очень идет.

Интересные факты:

Для роли Джо Бэнга актёр Дэниел Крэйг осветлил волосы.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Опасение, что вечного школьника Питера Паркера оставили на второй год и мы опять будем смотреть, как его укусит паук-мутант, оказались беспочвенными. 15 лет, за которые франшизу перезапускали уже дважды, не прошли даром. Третий раз в первый класс? Нет, сразу во второй!

Легконогий британский актер и танцовщик Том Холланд – новенький Паркер – не только скачет кузнечиком (на сравнение с которым напрашивается больше, чем с пауком). Но и проходит стажировку в корпорации Тони Старка (Роберт Дауни-младший), подарившего ему красно-синий паучий костюм собственной разработки за участие в финальной драке фильма «Первый мститель: Противостояние». Пока что костюм функционирует в учебном режиме с обидным названием «ходунки», а Питеру поручено осваивать роль «доброго соседа» и разбираться с проблемами районного масштаба, т. е. сюжетно он еще не в команде Мстителей. Но это формальности: теперь «Человек-паук» перезапущен в прочной связке с остальными частями супергеройской вселенной Marvel.

Капитан Америка, как самый тупой, дистанционно преподает в школах физкультуру и основы морали. А Железный человек Тони Старк опять невзначай порождает злодея. Но если в «Эре Альтрона» это был результат его пытливого ума, то в «Человеке-пауке» – продукт капиталистической жадности: обиженный прораб (Майкл Китон), у которого Старк отобрал бизнес по утилизации инопланетных отходов, открывает подпольное производство оружия, мастерит летающий суперкостюм Стервятника и планирует большое ограбление Stark Industries.

По меркам супергеройского комикса это не то чтобы реалистическое, но очень теплое кино. Да, тут летят клочки по закоулочкам, но сюжет норовит увильнуть в сторону школьной комедии, а картинка любовно стилизована режиссером Джоном Уоттсом и оператором Сальваторе Тотино под фильмы 1980-х. И в этом взгляде куда больше свежести, чем ностальгии: Уоттсу всего 36, «Человек-паук» – его третий полнометражный фильм и первый крупнобюджетный.

Вместо рассуждений о судьбах мира на языке комикса зрителям наконец предложили нормальное летнее развлечение и первого после Железного человека живого персонажа, за приключениями которого наблюдать интересно всякому зрителю, который когда-нибудь учился в школе. В отличие от большинства супергеройских фильмов, «Возвращение домой» может похвастаться настоящим сюжетом, в котором даже есть прекрасный твист, а второстепенные герои настолько крутые, что иногда даже затмевают главного. Режиссер Уоттс все сделал правильно — если и снимать супегеройское кино в 2017-м, то делать это нужно именно так.

Тут даже человеческое 3D! От него не раскалывается голова, оно не столько лупит зрителя спецэффектами, сколько дает кадру дополнительную глубину. Которую уютно и органично обживают обаятельный Холланд, драматический Китон, ироничный Дауни. Романтическая линия с красавицей-отличницей (Лора Хэрриер) заметно провисает, но на этот раз Человеку-пауку важнее выяснить отношения со старшими. А в этом и Дауни, и Китон – отличные партнеры. Особенно Майкл Китон. Бывший Бэтмен и Бёрдмен тащит в новый фильм разом маску, крылья и правду характера: у них с Томом Холландом идеальный дуэт и лучшие сцены – не те, где дерутся, а те, где они переглядываются. А ведь я тебя понимаю, старик. Да, пацан, и я тебя тоже. Говорят они что-то другое, но это не важно. Выключите звук, мы все равно будем слышать обоих – и знать, почему они действуют именно так и что при этом испытывают. Им бы не драться, а выпить. Но Человек-паук еще маленький, ему нельзя.

У Джона Уоттса получился очень лёгкий и приятный фильм, просмотр которого напоминает чтение простого, но невероятно увлекательного комикса. Лучшее воплощение летнего, солнечного блокбастера, от которого так и веет безмятежностью, весельем и невероятной энергией. Вас ждет крайне веселое, более приземленное приключение, которое преподносит множество сюрпризов по пути и с оптимизмом смотрит в будущее, как, собственно, и наш герой.

Интересные факты:

Во время промо-тура своего нового фильма «Как я теперь люблю» (2013) в 2013 году на вопрос журналиста, в каком следующем проекте он хотел бы участвовать, Том Холланд ответил: «Что-нибудь с экшеном и юмором». На встречный вопрос, хотел бы он сыграть супергероя, актер ответил: «Может быть Человека-паука, лет через десять. В ребуте, если они надумают перезапускать франшизу».

По словам Винсента Д’Онофрио, ему было бы интересно появиться в этом фильме в своей роли Уилсона Фиска / Кингпина из сериала «Сорвиголова» (2015). Кингпин является одним из общих для обеих франшиз злодеев и выступал противником Человека-паука во многих историях про этого супергероя.

Дж. К. Симмонс ранее проявлял интерес к возвращению к роли Джея Джоны Джеймсона (которую он исполнял в трилогии Сэма Рэйми и сериале «Великий Человек-паук» (2012)). Однако разговоры об этом сразу прекратились, когда его взяли на роль Комиссара Гордона в фильм «Лига справедливости» (2017).

Брайан Крэнстон проявлял интерес к исполнению роли злодея из вселенной Marvel, особенно Нормана Озборна / Зеленого гоблина. Интерес к этой роли также выражал Мэттью МакКонахи.

Том Холланд – второй британский актер после Эндрю Гарфилда, изображающий Человека-паука – американского супергероя.

Непосредственная съемка фильма началась 20 июня 2016 года в Атланте, штат Джорджия под рабочим названием Summer of George («Лето Джорджа»).

19-летний Том Холланд – самый молодой актер, играющий Питера Паркера / Человека-паука. Тоби Магуайру и Эндрю Гарфилду было 25 и 26 лет соответственно, когда они были взяты на роль этого супергероя. Между тем Питеру Паркеру по сюжету всего 15 лет.

Первый фильм о Человеке-пауке, где спецэффекты для образа главного героя созданы не какой-либо фирмой, аффилированной с правоообладателем компанией Sony, а компанией Industrial Light & Magic. Эта компания часто отвечает за спецэффекты в фильмах кинематографической вселенной Marvel.

Одно время считалось, что фильм будет снимать режиссёр картины «Хижина в лесу» (2012) Дрю Годдард. В апреле 2014 года было объявлено, что Годдард станет режиссёром и автором сценария фильма «Зловещая шестерка» для франшизы «Удивительный Человек-паук». Годдарда даже включили в шорт-лист кандидатов на съёмки фильма «Человек-паук: Возвращение домой», однако режиссёром всё-таки стал Джон Уоттс.

Согласно условиям контракта с производителем Marvel Studios и Sony Pictures Entertainment, Кевин Файги за работу исполнительным продюсером фильма не получит ничего.

Киллиан Мёрфи выражал заинтересованность в роли злодея в этом фильме, так как ему понравилось работать с Томом Холландом в картине «В сердце моря».

Чендлер Риггз известный по сериалу «Ходячие мертвецы» пробовался на роль Человека-Паука.

После выхода в прокат фильма Сэма Рэйми «Человек-паук 3: Враг в отражении» (2007) компания Sony задумалась о съёмках четвёртого фильма. Роль главного героя в нём должен был играть Тоби Магуайр, а роль антагониста Стервятника — Джон Малкович. Малкович уже приступил к подготовке к съёмкам, когда проект отменили. Было объявлено о перезагрузке франшизы фильмом Марка Уэбба «Новый Человек-паук» с Эндрю Гарфилдом в главной роли. Картина вышла на экраны в 2012 году.

Стервятник стал четвёртым членом оригинальной Зловещей шестёрки, появившимся в фильмах о Человеке-пауке. В фильмах Сэма Рэйми «Человек-паук 2» (2004) и «Человек-паук 3: Враг в отражении» (2007) главному герою противостояли соответственно доктор Осьминог и Песочный человек. В фильме «Новый Человек-паук: Высокое напряжение» (Марк Уэбб, 2014) герой сражался с Электро. В Зловещую шестёрку также входят Мистерио и Крэйвен-охотник.

Первый фильм о Человеке-пауке, в котором за спиной главного героя можно увидеть знаменитые крылья из паутины, как в комиксах.

Школа, в которой учится Питер Паркер, была основана в 1962 году. Это отсылка к первому появлению Человека-паука в комиксах, которое произошло в 1962 году в августовском выпуске серии Amazing Fantasy.

Большая часть сюжета разворачивается на Манхэттене в Нью-Йорке, однако фильм снимали, в основном, в Атланте, штат Джорджия. Съёмки некоторых эпизодов прошли в Германии и в самом Нью-Йорке.

В школе, где учится Питер Паркер, можно увидеть портреты Говарда Старка (отца Железного человека), Авраама Эрскина (создателя сыворотки супер-солдат, которой обязан своим существованием Капитан Америка) и Брюса Баннера (Халка).

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Придуманная в 1941 году писателем Уильямом М. Марстоном, Чудо-женщина только сейчас получила свой первый полнометражный фильм, предназначенный для широкой аудитории. История происхождения этого персонажа искусно сочетает в себе вымысел и реальность, противоположность которых в фильме подчёркнута ещё и за счёт визуальных решений. Яркий, солнечный остров Темискира, населённый амазонками из древнегреческих мифов и атмоферой благополучия, сталкивается с тёмной и мрачной реальностью, погрязшей в пучине Первой мировой войны, пропитанной болью и разрухой.

Наша героиня, Диана (Галь Гадот) - принцесса амазонок, выросла и обучилась всему на Темискире - ограждённом от внешнего мира райском острове, куда одним днём неожиданно угодил британский лётчик-шпион Стив Треверс (Крис Пайн), а с ним полчище враждебно настроенных немцев. Пилот и рассказывает о серьёзном конфликте, бушующем во внешнем мире.Так над солнечным островом неожиданно нависла серьёзная угроза, исходом которой стали потери среди амазонок, а также окончательное решение Дианы вмешаться в ход мировых событий с целью положить конец этой страшной войне, по её мнению, развязанной самим богом войны – Аресом. Сражаясь бок о бок с человеком в войне за мир, Диана обнаружит всю полноту своей власти… и своё истинное предназначение.

Разумеется, не только костюмированные супергерои, но и супергероини бывали и раньше - каждый помнит подружку Бэтмена или соратницу Капитана Америки - Черную Вдову. Но до сих пор в сексистском мире киноэкранизаций комиксов не существовало фильмов, посвященных конкретной одной героине, которая была бы в центре - чтобы она всех спасала, наказывала злодеев, восстанавливала справедливость.

Но одно дело - биться за идеалы добра в компании дюжих мужчин, включая Бэтмена и Супермена, и совсем другое - отстаивать их в одиночку, среди простых смертных. В этом смысле «Чудо-женщина» - уникальный фильм. И ставить его позвали особенного режиссера - опять же, первую постановщицу в мире кинокомиксов: Патти Дженкинс - та самая, которая получала телепремии за американскую версию детективного сериала «Убийство», в котором, напомним, запутанное дело расследовала женщина; а до того ее нашумевший криминальный фильм «Монстр» принес Шарлиз Терон «Оскара» за лучшую женскую роль. То есть перед нами - настоящая феминистская команда, которая, в соответствии с нуждами современности, восстанавливает гендерное равенство на экране.

Тут можно отметить, что Дженкинс неслучайно снимает второй фильм, пропагандируя женскую силу и выносливость. Видимо эта тема сидит внутри нее самой, ведь фильмы действительно получились очень внушительными, будто бы кто-то закадровым текстом говорит о том, что слабый пол, определенно не женский, и если ты не сражаешься за то, во что веришь, то на самом деле ты ни во что не веришь. И Дженкинс отчасти права, как собственно и сама Диана Принс, которая не могла поверить в то, что люди плохи. Так и хочется сказать словами классика: «Плохи не люди, плохо то, что в людях сгнил человек».

Поразительный факт: главная героиня - Чудо-женщина - воплощение женственности. Израильтянка, бывшая Мисс Израиль и претендентка на титул Мисс Вселенная, невероятная красавица Галь Гадот, лучше всего известная зрителям по нескольким боевикам франшизы «Форсаж», от природы невероятно хороша собой - тут и данные, и лицо, и природная харизма, обаяние, особенная стать, какая была присуща в стародавние времена первым голливудским звездам, но при этом - и современная свободная сексуальность. И никаких стереотипов. Ведь Чудо-женщина по сюжету комикса - амазонка. Она сражается с войной, воплощенной греческим богом Аресом, и в этом сражении готова положить на лопатки хоть любого мужика, хоть целую армию.

Поначалу, в декорациях костюмной Древней Греции, фильм кажется несколько картонным и чересчур условным. Но потом Диана попадает в Англию, а затем - и Германию времен Первой мировой. Предметный мир восстановлен Патти Дженкинс так подробно, богато и любовно, а современная сказка о химическом оружии помещена в его контекст настолько органично, что героине удается соблюсти свою стать и величественную красоту, при этом становясь источником нескольких симпатичных комических ситуаций: а там, где есть юмор, прекрасная актриса и как минимум трое выдающихся партнеров - красавчик Крис Пайн, нелепый и милый Юэн Бремнер и хитроумный Дэвид Тьюлис, - фильм уже сложился.

Крис Пайн и Галь Гадот завораживающе смотрятся вместе, им удаются и драматические и комедийные сцены, в их любовь веришь, а главное сочувствуешь при каждом трогательном моменте.

У Пэтти Дженкинс получилась очень олдскульная, но неимоверно тёплая и уютная лента, увлекательный кинокомикс в лучшем воплощении этого жанра и попросту очень качественное кино с огромным сердцем, о котором большинство блокбастеров даже и не слышали. Секрет успеха прост — «Чудо-женщина» проста, наивна и бесхитростна, как и сама героиня. В кои-то веки в фильме от DC нас не нагружают массой сюжетных арок и поворотов, а подают довольно бесхитростную историю. И — надо же! — это работает.

Технически фильм не разочаровал: ландшафтные планы, кадры военных действий, а также локальные бои, графика, костюмы и грим — все выполнено с особой четкостью, вкусом и стилем.

Хорошо, что мужчины - на вторых ролях; наконец-то дошло и до этого. Радостно, что у «Чудо-женщины» будут продолжения. Жаль, что в них рядом с ней придется терпеть еще и Супермена с Бэтменом: вот они точно постараются оттянуть все внимание на себя. Хотя рядом с Галь Гадот это будет непросто.

Интересные факты:

Придумавший в 1941 году персонаж Чудо-женщины Уильям М. Марстон (1893-1947) является изобретателем детектора лжи.

Работа над фильмом продолжалась с 1996 года, когда контракт на написание сценария и съёмки фильма был подписан с Айваном Райтманом. В январе 2001 года с предложением написать сценарий фильма о Чудо-женщине Silver Pictures компания обратилась к Тодду Элкотту. В августе 2003 года Элкотта сменила Лаэта Калогридис. В марте 2005 года за написание сценария, с условием затем снять по нему фильм, взялся Джосс Уидон, однако в феврале 2007 года он покинул проект из-за творческих разногласий со студией. 24 ноября 2014 года на роль режиссёра утвердили Мишель МакЛарен, а 13 марта 2015 года из-за творческих разногласий ушла и она.

Первый фильм с супергероиней в главной роли с 2005 года, когда на экраны вышел фантастический боевик Роба Боумена «Электра».

В то или иное время на роль Чудо-женщины рассматривались Кейт Бекинсейл, Сандра Буллок, Миша Бартон, Рэйчел Билсон, Сара Мишель Геллар, Джессика Бил, Ева Грин, Кристина Хендрикс, Кристен Стюарт и Коби Смолдерс, озвучившая Чудо-женщину в анимационном фильме «Лего Фильм» (Фил Лорд и Крис Миллер, 2014).

В 2005 году предложение сыграть Чудо-женщину сделали Анджелине Джоли, но актриса его отклонила. Десять лет спустя кинокомпания подумывала о том, чтобы предложить Джоли снять этот фильм.

На роль Стива Тревора рассматривали актёров Лиама Хемсворта и Александра Скарсгарда.

В начальных версиях сюжета фигурировала волшебница Цирцея, на роль которой утвердили Еву Грин. Впоследствии, однако, этот персонаж заменили на доктора Яд, которую сыграла Елена Анайя.

Интерес к работе над фильмом проявил режиссёр Николас Виндинг Рефн, который видел в роли Чудо-женщины актрису Кристину Хендрикс.

Было организовано несколько кампаний в поддержку того, чтобы в эпизодической роли в фильме сыграла Линда Картер, исполнительница роли Чудо-женщины в одноимённом сериале (1975-1979), но ничего из этой затеи так и не вышло.

Пэтти Дженкинс стала первой женщиной-режиссёром в супергеройском боевике, в главной роли которого выступает женщина.

Сцены периода Первой мировой войны снимали на Базе Королевских ВВС в Бичестере, графство Оксфордшир, Великобритания.

Все решения по облику столицы амазонок города Темискира принимались режиссёром Пэтти Дженкинс и дизайнером и модельером Линди Хемминг.

Некоторые сцены фильма, включая трюки в исполнении главной героини, пришлось переснимать, когда Галь Гадот была на 6-м месяце беременности.

Фильм запрещён к показу в Ливане, так как главную роль исполняет Галь Гадот из Израиля, которая служила в армии, а Ливан официально находится в состоянии войны с Израилем.

Подготовка к съёмкам в роли Чудо-женщины заняла у Галь Гадот 9 месяцев. За это время актриса нарастила мышечную массу почти на 8 кг.

Часы Стива представляют собой карманные часы с ремешком для ношения на руке. В то время все пользовались карманными часами с цепочкой, однако в действующей армии, где зачастую необходима синхронность и координация действий в манёврах и крупных операциях, часы удобнее было носить на руке. После войны ношение часов на руке стало модным и у гражданских лиц.

Эпизоды на острове снимали на юге Италии — в провинции Матера региона Базиликата и в замке Кастель-дель-Монте неподалёку от города Андрия.

Стив Тревор (Крис Пайн) в шутку называет родной остров Дианы Темискиру «Райским островом». Это отсылка к оригинальному названию родины Дианы (Остров амазонок) в комиксах. Когда в 1980-х годах авторы комиксов существенно изменили персонаж Чудо-женщины, название Остров амазонок сменили на Темискиру. С тех пор во всех появлениях Чудо-женщины на экране или в печати её родину называли исключительно Темискирой.
Саркастическое замечание Стива является в действительности данью уважения поклонникам, не забывшим старое название, которое повсеместно использовалось в сериалах и комиксах вплоть до 1980-х.

В самом начале фильма на номерном знаке грузовика от корпорации Wayne Entertainment можно разглядеть буквы JL. Они означают Justice League, или «Лига справедливости».

Режиссёр Пэтти Дженкинс признавалась, что при съёмках фильма черпала вдохновение в работах создателя Чудо-женщины Уильяма М. Марстона (1893-1947) и сценариста и художника комиксов Джорджа Переса.

Кинотеатр сети Alamo Drafthouse в Остине запретил мужчинам приходить на два сеанса «Чудо-женщины», обозначив их как показы «только для женщин». Ограничение посетителей по половому признаку стало причиной негодования и одной из причин призывов в Твиттере к бойкоту фильма.

Эпизодическую роль солдата первой мировой войны сыграл кинорежиссёр, сценарист и продюсер Зак Снайдер.

Согласно комиксам перезапущенной в 2011 году серии под названием The New 52, Чудо-женщина является полубожеством и дочерью Зевса.

По комиксам, Стив Тревор и Чудо-женщина знакомятся во время Второй мировой войны (1939-1945). В фильме их знакомство происходит в годы Первой мировой войны (1914-1918). Создатели фильма сознательно пошли на это изменение, чтобы акцентировать внимание зрителя на бессмертии Чудо-женщины и на тех переменах, свидетельницей которых она становится.

Первые слова Юджина «Храброго Камня», обращённые к Чудо-женщине, произносятся на языке индейцев племени черноногих (названы так по цвету мокасин). Переводятся они как «Здравствуй, меня зовут Напи». Напи в легендах этого народа — божество, известное своей изобретательностью.

В сцене прыжка Дианы к башне, где хранится меч «Убийца богов», на утёсе позади неё появляется бык. В древнегреческих мифах Зевс нередко принимает облик быка.

Эпизод, в котором Диана спасает Стива от пули в Лондоне, позаимствован из первого фильма о Супермене, где Кларк точно так же спас Лоис в Вашингтоне.

В конце фильма Диана узнаёт, что её отцом является царь всех богов Зевс. Таким образом получилось, что Арес приходился Диане единокровным братом. В греческой мифологии, однако, Ипполита была дочерью Ареса и, соответственно, внучкой Зевса.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Действие второго приквела к вышедшему в 1979 году «Чужому» происходит (за исключением пары неизбежных флэшбэков) спустя десять лет после истории, рассказанной в «Прометее». Космический корабль «Завет» везет колонистов и эмбрионы на планету, где близкие к земным условия позволят создать новый форпост человечества. По дороге, ремонтируя поврежденные нейтринной вспышкой солнечные паруса, экипаж принимает невнятный, но определенно осмысленный сигнал с планеты, которая не значится ни на каких картах, однако кажется гораздо более привлекательной, чем первоначальная цель путешествия. Недолго думая, новоиспеченный капитан, который заступил на пост вместо погибшего в аварии персонажа Джеймса Франко, решает изменить маршрут и основать колонию в этом райском, на первый взгляд, месте, так похожем на родную Землю.

Разумеется, это только первый из череды глупых поступков, которые приведут экспедицию к неизбежной катастрофе. Этого требуют даже не законы жанра — поведение космонавтов кажется безумным даже по меркам голливудской фантастики, — а сама сущность человека, создания слабого и бессмысленного. Люди предстают в «Завете» такими, какими видит их разочарованный Бог, или те, кто придет нам на смену, — прекрасные, сильные и отважные создания с выдвижными челюстями. Можно воспринимать все происходящее с членами экипажа как божью кару за нарушение всех заветов, ветхих и новых: люди лгут, прелюбодействуют, убивают и курят в неположенных местах, — но главная проблема в том, что человек глуп и нежизнеспособен. Космонавты бродят по чужой планете без скафандров, оставляют посадочный модуль с открытым люком под присмотром занятого ремонтом пилота, не смотрят под ноги и трогают непонятные предметы. Ничего, кроме раздражения, это не вызывает, и постепенно мы начинаем понимать, почему человечество должно быть уничтожено.

Такого же мнения придерживается и Дэвид — сыгранный Майклом Фассбендером андроид из «Прометея», который, пусть и с оторванной головой, но отправился вместе с Элизабет Шоу искать родину Инженеров, расы гигантов, сначала создавших, а потом решивших истребить людской род. Теперь на этой пустынной планете, где в атмосфере бушует вечная буря, он живет одиноким волшебником Просперо и выводит новых, совершенных, существ, в свободное время ухаживая за могилкой Элизабет. Он последний оставшийся в живых член экипажа «Прометея», и, хотя андроида хочется сравнить с дьяволом — поселился он явно в аду, да и само имя Дэвид напоминает слово devil, — на самом деле, он и есть титан из древнегреческих мифов. Прометей, известный в широких кругах воровством и многострадальной печенью, — прежде всего, создатель человека. Причем титан сотворил только тело, мясную машину, а душой людей наделила уже богиня Афина.

Точно так же и Дэвид заворожен плотью. Конечно, он выбрал себе имя в честь статуи Микеланджело, играет Вагнера, любит фильм «Лоуренс Аравийский», однако Байрона он все-таки путает с Перси Шелли, да и вообще все это искусство меркнет на фоне чуда жизни, рождающейся благодаря ему. Дэвид мечтает любить и быть любимым — он действительно восхищается и доктором Шоу, и Дэниэлс, вдовой капитана «Завета», а нежность и бесстыдство сцены, где он позволяет играть на своей флейте неопытным губам андроида Уолтера, своего alter ego, просто не поддаются описанию, — однако сам он лишен плоти. Зато он может ее создавать, и все десять лет, проведенных в одиночестве на планете Инженеров, он творил эти зубки, хвостики, пальчики и острые коленки. Дэвид страдает, когда капитан Орам стреляет в изысканного бледного неоморфа, и светится от счастья, когда у него на глазах рождается хрупкий и еще мокрый от слизи Чужой.

Самым удачным расчетом стало как раз то, что главным чудовищем фильма сделали вовсе не легендарного ксеноморфа, а героя Майкла Фассбендера. Противостояние двух Фассбендеров, нового чуткого Уолтера и прежнего самовлюбленного Дэвида, — лучшее, что есть в «Завете».

Ридли Скотт снял самый страшный фильм из эпопеи про Чужих. Пугают в нём не столько клыки, слюни и длинные нервные пальцы ксеноморфов, сколько бесчеловечность и даже античеловечность всего происходящего. Кажется, что люди разочаровали не только своих создателей — Инженеров, найденных экипажем «Прометея» в предыдущей картине, — но и самого режиссера. Чужими, как догадывалась еще Эллен Рипли, теперь стали мы, и нам больше нет места во вселенной.

Ксеноморфы всегда были слишком похожи на людей. Есть, убивать, паразитировать, совокупляться и, следовательно, выживать — не в этом ли сущность человека? Когда-то казалось, что высшей ступенью человеческой эволюции будут большеголовые глазастые карлики с тоненькими ручками и ножками, вся энергия которых уйдет в интеллект и духовность. Но венцом творения во вселенной Ридли Скотта оказываются Чужие, взявшие у людей самое главное, отбросив лень, слабость и глупость. Единственными достойными соперниками ксеноморфов оказываются женщины с необычайно развитым инстинктом самосохранения — Рипли с ее клонами, Шоу, Дэниэлс. Сага о Чужих — это гимн плоти, жизни и красоте: и Дэвид, и сам режиссер откровенно любуются своими созданиями, которые призваны положить конец неудачному и затянувшемуся проекту под названием «человечество». Завет из названия картины — это не только название корабля, но и новый договор между Богом и его творениями, где место создателя занял завороженный красотой андроид, а людей сменили более совершенные существа, которые наследуют и земное, и небесное царство. В ближайшие годы нам обещают еще пару фильмов о событиях, предшествовавших приключениям лейтенанта Рипли на «Ностромо», и едва ли стоит удивляться, если дальнейшая история будет показана глазами ксеноморфов. На этом празднике жизни мы явно чужие.

Интересные факты:

Ридли Скотт объявил 27 ноября 2015 года, что фильм «Чужой: Завет» станет первой частью новой трилогии «Чужой», и что сюжетно эта трилогия будет ближе к первому фильму «Чужой» (1979).

Название фильма поменяли с «Чужой: Потерянный рай» на «Чужой: Завет».

Некоторые сцены были сняты в Сиднее, Австралия, в студии Fox.

На главную роль изначально планировали пригласить Ребекку Фергюсон, но в конечном счёте утвердили Кэтрин Уотерстон.

Андроидов Дэвида и Уолтера назвали в честь продюсеров Дэвида Гайлера и Уолтера Хилла.

Дэвид поднимает щипцами испорченный эмбрион, под ним видно лужицу крови. В следующем кадре место для эмбриона чистое.