Описание (клик - развернуть/свернуть):
6 апреля 1917 года, разгар Первой мировой войны, Западный фронт на севере Франции. Британский генерал поручает капралу Блэйку и его сослуживцу смертельно опасную миссию. Они должны пересечь вражескую территорию, вроде бы оставленную германскими войсками, и доставить приказ об отмене наступления во 2-й батальон Девонширского полка, иначе 1600 солдат попадут в ловушку противника, в том числе и брат Блэйка.

Этот фильм — своего рода реверс спилберговского военного эпика «Спасти рядового Райана», и в основу обоих положены реальные события, только для Мендеса это еще и личная история, рассказанная ему дедом, капралом Альфредом Х. Мендесом, который из-за невысокого роста (такому безопаснее продвигаться в окопах, особенно наспех вырытых) был на Первой мировой связным. Мендес несколько лет собирал документальные материалы, прежде чем нашел подходящий фоновый исходник, и написал сценарий к фильму вместе с Кристи Уилсон-Кернс, занимавшейся военной историей.

По сюжету, аэрофотосъемка показала, что противник прибегнул к хитрому маневру, заставив британский корпус поверить в отступление немцев; на самом деле готовилась смертельная ловушка, в которую должны были попасть наступающие части британцев. Эту информацию необходимо передать командиру второго батальона полковнику Маккензи, который собирается атаковать предполагаемый арьергард противника. Вынужденное стояние у линии обороны раздражает начальство, ему не терпится бросить людей в атаку, чтобы переломить наконец мучительное бездействие.

Генерал Эринмор (Колин Фёрт) из-за экстренной важности поручения лично отдает приказ младшему капралу Блейку (Дин Чарльз Чэпмен), у которого есть особая мотивация исполнить его как следует — в том батальоне служит его старший брат, лейтенант Блейк. Напарником боец выбирает Скофилда. Вдвоем им предстоит пройти по ничьей земле, через загородки колючей проволоки, болота и затоны, усеянные гниющими трупами, через оставленные «Гансами» (и гораздо более благоустроенные, чем у «Томми», траншеи, больше похожие на регулярные казармы), оснащенные к тому же заготовленными специально для незадачливых лазутчиков ловушками; пройти через артиллерийские залпы и прицельный снайперский огонь...

Рискну предположить, что Brexit выдал индульгенцию на изображение врага. Нет необходимости искать в нем проблески человечности. В итоге рациональная упорядоченность быта гротескно контрастирует в фильме с варварской дикостью продуманной стратегии: вырубить на занятой территории плодовые деревья, истребить скот — только чтобы противнику не доставалось, можно будет измором взять. Первая мировая навсегда покончила с остатками рыцарского представления о ведении войн — на ней немцы впервые применили газовые атаки.

Мендес не поражает художественными новациями и ухищрениями, он пользуется классическим набором сюжетно-нарративных приемов. Напряженность действия нагнетается ограниченным временным сроком — в распоряжении капралов считаные часы. Более опытный, даже слегка циничный Скофилд предлагает для какой-никакой безопасности дождаться темноты, но страх не успеть подогревает пыл горячего по молодости Блейка — ведь в числе 1600 обреченных на гибель солдат окажется его брат.

Сойдясь клином на порученцах, Мендес ведёт их по полям и траншеям, сквозь взрывную волну и свинцовый ветер, скрывающие от глаз изъяны маловыразительного сюжета с обесцвеченными главными героями, которые, вроде бы есть, а вроде бы их и нет, вроде живые, а вроде безжизненные – всё оттого, что Мендес припал к одномоментному действию, исключающему любые оглядки в прошлое или разговоры по душам – так хитро он уходит в сторону от психологических тонкостей и духовных материй, оправдывая свою хитрость банальной уловкой – «Время не ждёт!».

Дойти до цели удастся только одному. Генерал Эринмор как в воду глядел, цитируя балладу Киплинга: «К вышнему ль трону, к аду ль глубин доедет быстрее, кто едет один».
Мендес не раскрывает психологических переживаний этих ребят. Актеры не изображают ужас, решимость и что там еще входит в боевой комплект солдата, нас не знакомят с предысторией их жизни, и это в придачу к военной форме их как будто обезличивает, а может быть, напротив, выдает символический героический статус рядовому труженику войны, которых так любил Алексей Герман. Играют младших капралов незнаменитые актеры — в отличие от командиров, в ролях которых кроме Колина Фёрта Эндрю Скотт и Бенедикт Камбербэтч. И этот ход, напоминающий «Тонкую красную линию» Терренса Малика, пожалуй, более ловкий трюк, чем иллюзия одного дубля (что тоже не новость). Во всяком случае, никогда не лишне сказать, кто на самом деле выигрывает войны.

Надо отдать должное - картина получилась действительно красивой. Отлично сделаны декорации, видна работа художника по костюмам, а тот, кто готовил нейтральную зону в начале вообще заслуживает Оскара. Но как только глаза начинают фокусироваться на чём-то кроме красивой картинки сразу наступает грусть и тоска.

Два молодых парня отправляются вдоль линии фронта доставлять письмо. Один из них уже повоевал, даже получил медаль, второй же не имеет "военного бэкграунда". Их отправляют на важное задание, провал которого может повлечь за собой потерю двух батальонов.

Они выходят из своих траншей и начинается...

Штурм окопов в полный рост, размахивание винтовкой, бег рядом друг с другом. Актеры явно не знают как сыграть солдат времен траншейной войны. Люди, пробывшие в окопах больше недели уже никогда не будут выпускать винтовку из рук, не будут выскакивать, опять же, в полный рост из-за угла. И эти моменты не всплывают иногда, из этого состоит весь фильм.

Вот парень зачем-то решает пожалеть врага на войне - мгновенно за это платит. Вот через тридцать минут при штурме здания солдат решает пожалеть гранату - мгновенно за это платит. Из этого состоит весь фильм. В конце так вообще смех - сидит рота солдат, слушает пение и при этом у них нет ни караула, ни дозора. Какой-то парень из реки просто берет и приходит к ним. Неужели никто из причастных к съёмке не заметил такой глупой условности?

Из-за съемки одним кадром иногда непонятно как вообще выглядит фронт. Вот они спокойно едут на автомобилях, но перейдя через реку сразу упираются в стрелка. Потом немного пробежав - ещё несколько. Поплавал немного в реке - вот он уже на линии соприкосновения. Как это происходит? Мы же слышали про шесть часов пути, почему он добрался за два часа реального времени? Потому что телепортировался по реке? Потому что лежал в отключке? Это так не работает. Когда начинаешь задумываться об этом - сразу пропадает вся та магия, в которую был вложен бюджет. Выглядит потрясающе, но не верится от слова совсем.

В целом - типичный визуальный аттракцион и ничего более. Верить этому у меня не получилось, желание сопереживать пропало в первые полчаса. Может далёкий от ведения боевых действий человек и не заметит этих грубых ошибок, но я досматривал лишь потому что начал, а не потому что было интересно чем это всё закончится.

Интересные факты:

Для съемок фильма было вырыто более полутора километров траншей.

6 месяцев потребовалось на репетицию всех сцен перед началом съемок.

В районе Лоу Форс, на реке Тис, Тисдейл, где снимался фильм, были установлены знаки, предупреждающие людей, что разбросанные вокруг участка тела – это манекены.

Полноценная позиционная война велась как раз на Французском фронте, куда попали герои фильма Сэма Мендеса «1917». Чтобы помочь зрителю ощутить эту бесконечную длительность войны, оператор Роджер Дикинс имитировал съемку одним дублем в гиперреалистичном единстве места и времени без смены плана. Фильм снимали длинными отрывками (до 8 с половиной минут), а затем смонтировали так, чтобы он выглядел одним целым дублем.

Специалисты по охране природных ресурсов, обеспокоенные тем, что съемки на равнине Солсбери, что неподалеку от Стоунхенджа, могут навредить гипотетическим местам захоронения, попросили провести археологические исследования до начала строительства какого-либо объекта.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Потомственный полицейский Андре Дэвис с самыми высокими показателями раскрываемости преступлений находится под внутренним расследованием, но, тем не менее, его привлекают к поимке двух опасных преступников. Те совершили дерзкое ограбление на Манхэттене и, оставив после себя семь мёртвых полицейских, пустились в бега. У Дэвиса есть только одна ночь, чтобы поймать убийц, и первым делом он распоряжается перекрыть все выходы с острова Манхэттен, в том числе 21 мост.

Перекрыть мосты, ведущие на Манхэттен – идея великолепная и интересная для воплощения на большом экране. К сожалению, реализована она здесь не полностью и не столь масштабно, как звучит в теории. Равным образом, все претензии к постановщикам компенсируются более чем удачно нагнетаемым напряжением, связанным с риском получить пулю в лоб на просторах каменных джунглей, где понятия хаоса и порядка сегодня сильно размылись.

«21 мост» Брайана Кирка – это крепкий полицейский боевик, комфортно расположившийся в нише развлекательного кино, без замахов на престижные награды, но с неплохим сценарием и отличным экшеном. Сценаристы Мелвис и Карнахан постарались разнообразить сюжет и насытить его яркими моментами, усиливающими состояние триллера. Коп с не самой чистой репутацией, смерть нескольких служителей порядка, жестокие убийцы, оказавшиеся пешками в конкурентной игре наркоторговцев, продажные копы и двойные агенты. В «21 мосту» собран неплохой сюжетный набор для криминального фильма о полицейских. Смотреть действительно интересно. Все клише, какие здесь есть, разложены посреди действия равномерно и в разумных дозах, отчего и нет ощущения предсказуемости, какой-то вторичности, предугадывания наперёд.

Сюжетная особенность «21 моста» - наличие двух персонажей (Тейлора Китча и Стефана Джеймса), которых первоначально можно считать главными героями (или скорее антигероями). Со временем они уходят на второй план, а на первый выходит герой Боузмана, получающий больше экранного времени и превращающийся в охотника за убийцами полицейских.

Кандидатура Боузмана на роль детектива Девиса по мне так была ошибочной. Нет в чертах его лица решительности, присущей честному копу, да и играет актер как-то пресновато, без особых эмоций и огонька в глазах.

«21 мост» - это вполне не плохой представитель "осовремененного" олд-скулного боевика 90-ых годов, который строится на принципе этих самых боевиков. Но преподносится с современными правилами жанра. Картина получилась достаточно динамичной, цельной и вполне интересной. Что странно учитывая то, что сюжет данной ленты далеко не нов и предельно предсказуем, а актерам достались достаточно картонные образы.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Компания «Дисней», как известно, всерьез взялась за переделку собственных хитов. Недавно второе рождение, в виде сиквела оригинальной истории, пережил мюзикл «Мэри Поппинс». А мультфильмы, в конце 80-х – начале 90-х ставшие визитной карточкой студии, сегодня один за другим превращаются в полнометражные фильмы. Так, вслед за «Красавицей и чудовищем» выходит «Аладдин» (а впереди – «Король Лев» и «Русалочка»), режиссером которого стал британец Гай Ричи. Еще большей сенсацией стало то, что самого любимого персонажа – синего волшебного Джинна, которого в оригинальном мультфильме озвучивал Робин Уильямс, в этот раз сыграл, и не менее виртуозно, Уилл Смит.

«Аладдин» — достойный преемник мультфильма 1992 года, который берет от него все самое лучшее и подает под нужным соусом. Сюжет остался практически неизменным: уличный воришка Аладдин (Мена Массуд) знакомится на улице, где он промышляет вместе со своей ручной обезьянкой Абу мелкими кражами, с красавицей из дворца султана. Она представляется служанкой принцессы, хотя на самом деле и является самой принцессой Жасмин (Наоми Скотт), – свободолюбивой девушке не сидится в «золотой клетке», в которой отец пытается уберечь ее от опасностей окружающего мира. После прогулки, а точнее, пробежки по крышам Аграбы, Аладдин пробирается во дворец, чтобы вновь встретиться с Жасмин, – там-то его и хватает стража коварного визиря Джафара (Марван Кензари). Злодей мечтает захватить трон, и для этого ему нужно попасть в волшебную пещеру и вынести оттуда лампу с исполняющим желания Джинном – а сделать это, как выясняется, под силу только Аладдину. Только вот, выполнив приказ визиря, герой – спасибо его непоседливому компаньону Абу – нарушает несколько других правил и в итоге сам становится обладателем волшебной лампы, а следовательно, хозяином Джинна, который теперь готов исполнить любые три его желания.

Римейки, особенно если дело касается такой безоговорочной классики, как диснеевские мультфильмы, – проекты рискованные и амбициозные. И еще до просмотра волей-неволей начинаешь гадать, что же с новым фильмом будет не так. На деле же оказывается, что большой бюджет, хорошо подобранный актерский состав и сохранение ключевых узнаваемых деталей оригинала способны-таки сотворить если не чудо, то проект, за который по крайней мере не будет стыдно. В новом «Аладдине», например, звучит все та же музыка, за которую анимационная версия была удостоена премии «Оскар» и без которой вообще невозможно представить эту историю. Все персонажи на местах. В особенности радует реинкарнация дуэта животных-антагонистов, обезьянки Абу и попугая Яго, которые благодаря развитию анимационных технологий и их внедрению в художественное кино выглядят предельно натуралистично, но при этом не лишены своего магического, сказочного очарования – и в случае с Яго язвительного голоса. Актеры – что приятно, в большинстве своем лица новые (но похожи!), а костюмы стилизованы под те, которые носили их мультяшные прототипы. Так же сохранилась ценная идея оригинала, - что стремление к богатству и власти губительны, а любовь и верность себе — самое важное. А нужно ли большее?

Удачной трансформации подверглись и музыкальные номера – танцуют герои этакий арабский хип-хоп с элементами брейк-данса, и не выявленная до конца в мультфильме, но зазвучавшая в полную силу в фильме идея о гендерной революции в живущей по жестоким традициям Востока арабской стране. Конечно, внутреннее освобождение Жасмин и ее всю дорогу проговариваемое на все лады желание стать свободной и независимой женщиной, а то и следующим правителем Аграбы (все-таки законная наследница) может показаться не более чем данью кинематографическим тенденциям. Однако развитию сюжета эта линия только помогает, да и песня про «сильную, смелую» получилась красивой.

Единственное, в чем можно упрекнуть «Аладдина», – в отсутствии ярко выраженного режиссерского почерка Гая Ричи, от которого студийная машина оставила лишь пару-тройку узнаваемых монтажных ходов, легкий социальный подтекст и любимую тему художника – тему судьбы. Окончательно лица постановщика, конечно, не лишили – в экшен-сценах, а точнее, в их скорости, ритме, изобретательности и монтаже легко угадывается «криминальное» прошлое автора «Карт, денег, двух стволов», «Большого куша» и «Шерлока Холмса» (в большей степени, конечно, последнего – все-таки сказка).

Что до комедийной составляющей, то тут практически все лавры, как и положено в «Аладдине», достаются Джинну. И Уиллу Смиту выпала роль, пожалуй, труднее остальных: пришлось мало того что стать в кадре синего цвета, так еще и не посрамить во многом созданный не только голосом, но и актерской харизмой Робина Уильямса образ. В итоге новый Джинн не только не утратил своих способностей менять форму, размер, не разучился преображаться в кого и во что угодно и хулиганить, но и подарил Смиту одну из самых изобретательных и, как ни странно, трагикомических ролей в карьере. Восток – дело тонкое, и свобода здесь нужна не только женщинам и принцессам, но и простому синему Джинну из лампы.

Интересные факты:

Роль Джафара мечтал исполнить сэр Патрик Стюарт. Когда-то актёр отверг предложение поработать в анимационном фильме компании Walt Disney Pictures «Аладдин» (1992), о чём с тех пор искренне жалеет.

Абу и Пещеру Чудес вновь озвучил Фрэнк Уэлкер, как и в мультфильме 1992 года «Аладдин». Он стал первым актёром диснеевского мультфильма, который озвучивает тех же персонажей в ремейке, где мультипликация чередуется с игрой актёров.

Когда Джин показывает Аладдину карту, на ней можно заметить парки развлечений Диснея – «Fantasyland», «Tomorrowland», «Adventureland» и «Magic Kingdom».

Начало съёмок было запланировано на июль 2017 года, но его пришлось перенести, т.к. авторы фильма никак не могли найти актёров на роли Аладдина и Жасмин.

Авторы фильма специально подыскивали для съёмок актёров с определёнными родословными. В конце концов на роль Аладдина взяли канадского актёра с египетскими корнями Мену Массуда, Жасмин сыграла английская актриса индийского происхождения Наоми Скотт, роль Джафара исполнил нидерландский актёр тунисского происхождения Марван Кензари, ирано-американцы Навид Негбан и Назим Педрад сыграли соответственно султана и Далию, а актёр турецко-германского происхождения Нуман Аджар появился на экране в роли Хакима.

Съёмки в Великобритании начались 6 сентября 2017 года и закончились 24 января 2018. Некоторые сцены снимали в Иордании. Пересъёмки прошли в августе 2018 года.

В январе 2018 года стало известно, что во время съёмок белым актёрам массовки накладывали грим, чтобы они не выделялись из толпы, что вызвало скандал. Продюсеров обвинили в том, что они наняли недостаточно актёров ближневосточного и североафриканского происхождения.

Во всех прежних проектах Яго неизменно озвучивал Гилберт Готфрид, а теперь Яго заговорил голосом Алана Тьюдика.

Колдун Джафар превращает Яго в гигантскую птицу, чтобы тот отобрал у Жасмин и Аладдина волшебную лампу. Это отсылка к птице Рок (Рух), огромному орлу из средневековой арабской мифологии. Птица Рок также появляется в сказке о Синдбаде-мореходе и в книге «Тысяча и одна ночь».

Описание (клик - развернуть/свернуть):
«Алита: Боевой ангел» появилась в результате причудливого сплава фантазий автора оригинальной манги Юкито Кисиро, режиссера Роберта Родригеса, продюсера Джеймса Кэмерона и не только. Мир получился странным, узнаваемым в каждой отдельной детали, но, на первый взгляд, похожим на перепутанный пазл. Манга о воинственном киборге в итоге превратилась в эдакий небезынтересный гибрид: шумный и беззаботный родригесовский стиль сочетается с эпиком исключительно кэмероновского масштаба.

XXVI век, после серии ядерных войн над Землей парит последний летучий город Залем (Салем), а под ним расположено грязное рабочее гетто Айрон-Сити. Жители традиционно разделены: верхний и нижний мир почти не встречаются. Наверх по киберпанковским гигантским пневмотрубам поступают товары и техника, из Салема сбрасывается мусор на гигантскую помойку. Алита (Роза Салазар) как раз низвергнутый ангел, последний свидетель катастрофической войны, забытый и выброшенный на свалку, где ее подбирает добрый доктор Идо (Кристоф Вальц). Он киберхирург, умеющий сшить живую плоть со смертоносной сталью, — человек в городе незаменимый.

Жизнь на земле непростая: железный век, железные сердца. Киборгизированные люди и обыкновенные друг друга недолюбливают, а иногда даже кромсают на части. Кто может, выплескивает агрессию в жестоком спорте моторболе, которым заведует злодей Вектор (Махершала Али). Но днем этот мир не так уж мрачен: апельсиновый солнечный свет заливает муравейник фавел и обветшавших небоскребов, люди всех рас и модификаций ведут бойкую жизнь мегаполиса.

Открыв огромные глаза, искусственная девочка начинает дарить свою любовь названному отцу, встреченному мальчишке и всему городу. Однако со временем спящая память Алиты пробуждается. Тело киборга лучше всего умеет убивать, а душа велит сражаться за справедливость. Ее в свою очередь хотят уничтожить все злодеи, включая незримого наблюдателя из небесного города (долгожданное и законспирированное возвращение на большой экран Эдварда Нортона).

33-летняя актриса Роза Салазар не просто выглядит моложе лет на 15: огромные «анимешные» глаза производят гипнотическое впечатление. Сперва умиляешься, когда юное создание открывает такие удивительные вещи, как апельсины и шоколад, затем восхищаешься, когда она демонстрирует владение боевыми искусствами и кромсает маньяков. Трудно согласиться с теми, кто находит внешность Алиты неестественно-пугающей. Скорее, это логичное развитие эстетической моды последних десятилетий на «невинность», заставляющая вспомнить в том числе о женщинах-кошках из «Аватара» Кэмерона — тот много лет хотел поставить «Алиту» сам, но в итоге выступил продюсером фильма.

Мимика героини не механическая, и джокондовская улыбка совсем не напоминает робота. Тем более поражает контраст лица и нечеловеческого тела. Точнее, тела она меняет дважды: первое похоже на иллюстрацию из старинного анатомического атласа, второе, с борта затонувшего космолета пришельцев, — на текучую плоть Терминатора.

Героиня фильма оказалась где-то между Галатеей и невестой Франкенштейна. Фильм же ссылается на десяток фантастических сюжетов сразу. Город Залем — это, конечно, Лапута из книги Свифта и также из вдохновленного ею мультфильма Миядзаки. Недостижимая небесная столица, угрозой и мечтой нависшая над земным миром, скрывает тайну прошлой окончательной катастрофы, разделившей общество. Подобно корчевщикам и жестянщикам из «Неукротимой планеты» Гарри Гаррисона, жители двух миров существуют в странном симбиозе и неприятии друг друга. Но какой именно социальный комментарий предлагает фильм? Мир будущего будет раем, но не для всех, — это довольно мелко. Алита из «Союза Республик Марса» явно отсылает к Советскому Союзу — но почему? Темы, образы, отсылки словно собраны чудаком-коллекционером на научно-фантастической свалке. Вдобавок возникают определенные трудности перевода с японского языка на голливудский. То, что в манге или аниме может смотреться как поэзия, в пересказе фильма часто похоже на бред. Поэтому всерьез разбирать мотивацию едва прописанных героев, постоянно меняющих стороны и действующих невпопад, совсем не хочется.

Конечно, поэту китча Родригесу сходило с рук и не такое. Он использует самые форсированные приемы, самые грубые мазки, чтобы нарисовать очередную свою страну чудес без тормозов. Вот закат на свалке и покалеченная кукла на руках у доктора в широкополой шляпе. Вот милую собачку давит железным кулаком злобный гангстер, и Алита размазывает собачью кровь по своему невинному лицу, как боевой окрас. В одной из ключевых сцен Алита (актриса Роза Салазар, играющая с помощью технологии motion capture, но при этом – редкий случай – почти не похожая на героиню мультика) буквально отдает свое сердце возлюбленному. Раскрывает грудь, вынимает его и говорит: «Бери! Это уникальное сердце, ему нет цены, ты его продашь и вырвешься из нищеты, а я уж как-нибудь вставлю себе новое!» Прелесть что такое: сентиментальность Кэмерона сталкивается с ироничным цинизмом Родригеса, прекрасно осознающего, насколько это наивная слезовыжималка для пионерок и пенсионерок. Он не смеется впрямую, но его чеширская улыбка в этой сцене ощущается будь здоров. (Кстати, ближе к финалу есть откровенная цитата из «Титаника» – но тут уж Родригес чуть-чуть посерьезнее.) «Алита» в некотором роде смесь любимых кэмероновских тем. Киборги, не знающие страха. Сильные женщины вроде Сары Коннор или лейтенанта Рипли, способные на все из чувства долга и / или ради любви, неважно, к сыну, бойфренду или человечеству. Наконец, грубоватая, в лоб, мелодраматичность.

Видимо, дело как раз в том, что пафос фильма не мелодраматический и не традиционно-фантастический. Это абсолютно фетишистское кино: Родригес пробуждает в нас сочувствие неживому, вернее — ожившему (вплоть до ассоциаций с фильмами Кроненберга). Да, рейтинг R формально соблюден, но если из ран брызжет не алая, а голубая кровь, это еще не значит, что в нас не отзывается боль покалеченных киборгов. Японское происхождение оригинала «Алиты» особенно отчетливо вспоминается, когда героиня, разделанная металлическими щупальцами монстра, корчится на полу без рук без ног — человеческим обрубком. Такое вот техногуро, немного ночных кошмаров для впечатлительных детей.

Пусть вас не удивляет спокойное вытаскивание из груди сердца. Лютая «Алита» – вообще невиданный (по крайней мере, в крупнобюджетных фильмах с американским рейтингом PG-13) чемпионат по расчлененке. В Айрон-Сити запрещено огнестрельное оружие, но не запрещены лезвия – и на протяжении фильма персонажей бесконечно разрубают пополам (вдоль и поперек), срезают им пол-лица, оставляют от них всего лишь голову, шею, плечо и руку (причем то, что осталось, продолжает сражаться). Бывает, что расчленяют полностью и упаковывают в аккуратный сундук, причем все части тела продолжают функционировать. Но в этом мире легко отрезать живому человеку голову, потом пришить ее на металлопластиковое тело – и человек будет бегать быстрее прежнего. Родригеса, обожающего все это мочилово, выручает только то, что половине расчленяемых персонажей как бы не больно и кровь из синтетических тел хлещет не красная, а синяя.

У Родригеса уже была тема сверхмощных сменных тел — в «Детях-шпионах». Там подростки (а также дедушка героя) становились киборгами в виртуальном пространстве. В целом ясно, что «Алита» — не столько экранизация комикса, сколько метафора видеоигры. Здесь можно получить любое тело лучше прежнего, ты — это только твой разум. Возможно поэтому без внимания оставлены некоторые нескромные вопросы: как обстоит дело с физическим проявлением чистой любви Алиты и ее бойфренда. Любовь во влажном блеске глаз, а тело — для вечной войны игрушечных роботов. Залем буквально хочет получить твой мозг (в таком виде иных умников отправляют наверх, своего рода социальный лифт). Мозг, сердце и смелость — невидимому Гудвину.

Мотив отчуждения от тела в эпоху постоянно возникающих революционных технологий, возможно, еще окажется пророческим. Поэтому сиквелов истории хочется ждать, несмотря на некоторую легкомысленность исполнения. А если отбить сюжет не удастся — что ж, наверное, мы просто подзабыли, как плакали по пластиковым куклам и солдатикам, когда те ломались.

«Алита» - это действительно яркое, сочное, живое и талантливое кино, как минимум – с незабываемыми злодеями, гонками, драками и бешеной фантазией. Это честное кино. Где-то наивное, где-то чересчур схематичное, но та искренность и увлеченность, с которыми его создавали, чувствуется в каждом кадре.

Интересные факты:

Фильм основан на манге «Gunnm» Юкито Кисиро (1990-1995). В США манга была издана под названием «Боевой ангел Алита» («Battle Angel Alita»).

Этот фильм Джеймс Кэмерон собирался снимать ещё в начале 2000-х, однако так увлекся созданием «Аватара», что желание занять режиссерское кресло постепенно сошло на нет.

Продюсер Джеймс Кэмерон и режиссёр Роберт Родригес рассматривали на главную роль четырёх актрис — Зендею, Розу Салазар, Майку Монро и Беллу Торн. В конце концов на роль утвердили Салазар.

Рассмотреть кандидатуру Кристофа Вальца на роль доктора Дисона Идо Роберту Родригесу предложил их общий друг Квентин Тарантино.

В начале декабря 2005 года на сайте компании Mali Finn Casting был объявлен набор кандидаток на главную роль в фильме. Позже выяснилось, что произошла ошибка, и актриса требовалась на роль в фантастическом фильме Джеймса Кэмерона «Аватар» (2009).

На роль Хьюго претендовали актёры Эван Джогиа, Дуглас Бут, Джек Лауден и Ной Сильвер.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Люк Бессон явно тяготеет к женским образам, при том, очень сильным и независимым образам. Бессон начал снимать фильмы про таких вот сильных женщин ещё до того, как подобное успело стать мейнстримом. Сейчас сильных и независимых пихают в каждый третий фильм, но наверно только сам Бессон всегда умел показать это наиболее верным образом, и от его видения тебя не выворачивало наизнанку. Вот и в «Анне» всё именно так, и речь пойдёт про очередную молодую девушку, которая по воле стечения обстоятельств попала на службу в КГБ. При том Анна вовсе не сидит за удобным столом, перебирая бумажки, она находится в буквальном смысле на передовой, а всё за счёт её умения великолепно устранять свои цели, и делать работу чисто, без каких-либо проколов.

Тридцать лет спустя после «Никиты» (1990) и «Убийцы» (1993) он воплощает на экране свой любимый концепт — хрупкая девушка, превратившаяся в безжалостную машину для убийства, и делает это, все так же бесхитростно объективируя свою героиню и лишая ее всего человеческого. В 2019 году, конечно, за такое можно и огрести, поэтому к «Анне» белыми нитками пришита модная нынче идея женского empowerment, озвученного героиней Миррен: хватит, мол, делать то, что велят нам эти недалекие мужики. Сама Анна сравнивает себя с матрешкой: она женщина внутри женщины внутри женщины, и кто знает, что скрывается внутри. Однако режиссеру явно гораздо интереснее не докапываться до ответа на этот вопрос, а демонстрировать бесконечную смену нарядов, париков и любовников обоего пола прекрасной шпионки.

В Москве 1985 года — отчего-то среди стеклопакетов, собянинского благоустройства и лебедевской навигации в метро — идет охота на людей. Неизвестные хватают нескольких человек (на улицах, в научных лабораториях, кабинках переводчиков-синхронистов на каком-то важном съезде и прямо у подъезда американского посольства) и привозят в мрачное помещение с портретом Дзержинского на стене. «На кого ты работаешь? — спрашивает суровый мужик в костюме у одной из зареванных жертв — Передай им мое сообщение». После чего в американском посольстве получают коробку с надписью «Главная почта», а в ней лежит отрезанная голова той самой жертвы. Понятно, что принявший посылку молодой и красивый дипломат, а на самом деле агент ЦРУ Леонард Миллер (Киллиан Мёрфи) этого никогда не забудет.

Проходит пять лет, и перестроечная Москва прирастает памятником генералу де Голлю у гостиницы «Космос» (установлен в 2005 году, но волею режиссера и сценариста Люка Бессона перенесен в 1990-й). В отеле квартирует скаут международного модельного агентства, который ищет красивых русских девушек. Найти такую удается, как в сказке про Золушку и в биографии Натальи Водяновой, на рынке, у прилавка с матрешками. И вот уже блондинка с высокими скулами по имени Анна (Саша Лусс) отправляется в Париж, где снимается у капризных модных фотографов, заводит роман с соседкой по квартире (Лера Абова), привлекает внимание русского олигарха и спустя два месяца целомудренных свиданий убивает его. Потому что на самом деле она работает на КГБ, детка!

В этом месте зрителю вроде как полагается удивиться, но если он видел хотя бы один фильм про смертоносных блондинок — из относительно свежей продукции можно вспомнить «Взрывную блондинку» (2017) или «Красного воробья» (2018),— то сюрприз получится довольно предсказуемым, как и все последующие сюжетные твисты и их занудные объяснения, которых в фильме наберется с полдюжины. Остается только расслабиться и попробовать получить удовольствие от того дикого антуража, в который Бессон помещает свои шпионские игры, неуклюжей метафорой которых служит шахматная партия (и это даже приятно: в кои веки русские не только пьют, но и в шахматы играют, при случае цитируя наизусть Каспарова).

Помимо прочего здесь есть мистер Популярность российского кино Александр Петров в роли покрытого татуировками бандита-абьюзера-наркомана; попытка ограбления западного туриста в Москве 1988 года путем снятия с его карточки денег в банкомате «Банка Советского Союза»; драка в ресторане «Главпивторг» (все в том же 1988 году), в которой участники применяют стаканы, тарелки и пепельницы на ножках, а финальное убийство совершается вилкой; серпы, молоты и советские гербы на всех доступных поверхностях; цитаты из чеховской «Чайки»; сцена вербовки, в которой агент КГБ Алекс (Люк Эванс) произносит сакраментальное «Верить в наши дни нельзя никому…», но, когда ждешь продолжения «мне — можно», оказывается, что верить надо только в себя; Хелен Миррен, с нескрываемым удовольствием играющая этакую советскую М, вечно кутающуюся в шубу и не выпускающую изо рта сигарету; отрезание пальцев особым, запатентованным советскими спецслужбами методом, по которому можно в случае чего отсеять двойных агентов. А также жаркий секс в подсобке на Лубянке и множество здоровых мужиков, которых хрупкая Саша Лусс раскидывает, кажется, в основном силой мысли (по крайней мере, наносимые ею удары далеко не всегда вступают в прямой контакт с их телами).

Уже по прологу, где после титра «1985 год» по лужковско-собянинской вылизанной гастарбайтерами Москве агенты КГБ гоняют на «гелендвагенах», можно понять, что гонятся они не за исторической достоверностью. Да и кому она нужна; если Люку Бессону как сценаристу удобно, чтобы у всех были мобильные телефоны, — они у всех и есть. И все же в «Анне» попадаются особенно удачные в этом смысле места. Скажем, квартира молодых наркоманов в 1987 году: посреди горы грязной посуды стоит современная микроволновка, ходит полуголый артист Петров с татуировкой Gott mit uns на всю грудь, а Анна тем временем на ноутбуке заполняет онлайн-заявку в советский флот.

Все это можно было бы счесть увлекательной стилистической игрой со штампами шпионского жанра и постироничным ответом на новую холодную войну, не будь Бессон так смертельно серьезен. Он, кажется, действительно верит, что снимает круто сваренный боевик с элементами мелодрамы, и если сюжетные ходы, диалоги и мизансцены вызывают смех, то происходит это совершенно вопреки замыслу автора, из-за несоответствия между его намерениями и их реализацией.

Все это, еще раз, никоим образом не претензии, а просто смешные детали — беда в том, что, если от них отвлечься, обсуждать будет особенно и нечего. «Анна», как ясно уже на стадии постера, — очередная бессоновская фантазия о сильной женщине, написанная методом автоматического письма, вольный римейк «Никита». Тот же оператор Арбогаст, тот же композитор Серра. Узнать создателей этого фильма можно по красивейшей картинке. Видение городов Люком Бессоном и его командой - визуальное удовольствие высшего уровня.

Но те, кто встретит допущения Бессона с улыбкой, и кто не будет напыщенно гундеть про «очередную фемпропоганду» посмотрят и получат своё удовольствие. Нужно лишь выдержать лишь первых 20 минут допущений, несоответствий исторической правде и прочих условностей, чтобы окунуться в необычно притягательную атмосферу аккуратной расправы добра над злом. Получению удовольствия от просмотра способствуют и актеры, задействованные на главных ролях.

Наверно порой очень сложно подобрать актрису для главной героини того или иного фильма, тем более когда полностью весь сюжет завязан на этой самой героине. Но Бессон всегда отличался умением подбирать действительно талантливых актрис на главные роли. Именно он разглядел потенциал и открыл двери в большое кино для таких исполнительниц как Натали Портман, Милла Йовович и Анн Парийо. Что ж, на мой взгляд, после выхода «Анны» в кинотеатрах мира, можно смело считать, что у Бессона появилась ещё одна такая актриса, которая вполне может получить билет в большой кинематограф. Саша Лусс очень талантлива, она не просто какая-то там картинка, которая нужна только лишь для привлечения мужской аудитории. Девчонка действительно оказалась крайне способной, и при просмотре «Анны», складывается впечатление, что все актёрские премудрости даются Саше как нечто естественное и совершенно неотъемлемое. Будь это уровень серьёзных диалогов, отчаянных погонь и жёстких перестрелок, Саша справляется великолепно. Она очень органична в этой роли, и словно бы всё тут писалось именно под эту актрису. Девушка исключительной красоты, чья универсальная внешность как нельзя лучше подошла к этому шпионскому фильму. На протяжении двух часов мы видим Аню и жутко растрепанной, с болячками по всему изнеможенному лицу, обломанными грязными ногтями, так и с идеальной красоткой с безупречным маникюром и легкой укладкой, на придание небрежности, которой наверняка ушло пару часов и много пыхтения опытного парикмахера. Волнительные и ошеломляющие перевоплощения, как внешние, так и внутренние, происходящие с героиней, не дают зрителю даже опомнится. Нет топорности, которая практически всегда читается на лице у молодых протеже, вырвавшихся в киноиндустрию. То ли это идеальное попадание в саму роль (вроде как в жизни Саша и сама – модель), то ли это и правда зачатки хорошей актерской тренировки, но она была страсть как органична во всем. К тому же её очень неплохо дополняют признанные мастодонты мирового кинематографа – Люк Эванс, Киллиан Мёрфи и Хелен Миррен. Образы вышли вполне убедительными, а взаимодействие действительно проработанным. Характеры героев хорошо выдержанны. Не обрывается сюжетная линия. Не обрывается история действующих лиц. Нет провисаний сюжета.

В фильме есть детектив и есть объяснения для тех, кто не понял. Объяснения вплетены в сюжет годной режиссёрской подачей. Их не увидят те, кто просто смотрит кино не морочаясь, они не раздражат тех, кто что-то понимает в кино.

В фильме есть место доблести и… достоинству. Причём это достоинство, в итоге, разрешает ситуацию, кажущуюся безвыходной. Такую, которую в шахматах назвали бы патом. Да, кстати, в фильме красной линией проходят шахматы и мораль – играть в шахматы это вообще-то круто. Думать в них приходится вперёд. Умение хорошо играть в шахматы вообще многое сглаживает в этой истории.

Ещё один сильный момент - постоянные перескоки во времени действия. То есть показывается какой-то эпизод. Он не совсем понятен, потому что нам не рассказали его предысторию. Но спустя какое-то время этот эпизод показывают еще раз, но уже с присказкой. И все встает на свои места - происходящее становится понятным и логически ооснованным. Хороший прием! Создаёт остроту и насыщенность сюжета. Отвлекаться нельзя, потеряешь нить. Поэтому фильм смотрится на одном дыхании и сам по себе напоминает пышущий паром, грохочущий, несущийся вперед локомотив, который на своем ходу как подбирает новых пассажиров, так и без сожаления сметает их на своем пути. Конечно, есть и забавные пробелы, но в большинстве своем они не нарушают этот бег, скорее, добавляют все того же колорита. «Анна» - это стильное кино, нацеленное на публику, которая любит сильные женские образы, боевики и шпионские игры. Обожаю Бессона и то, как бесстрашно и ярко он врывается на экран, как лихо закручивает, казалось бы, банальный сюжет. Здесь дьявол – в каждой детали, будь то авоська с овощами или же номер с видом на Эйфелеву башню. Эх, люблю красивые вещи!

Интересные факты:

В фильме показано большое количество устройств, которые не соответствуют своему времени:

На третьей минуте показана сцена, где Мерседес Гелендваген W463 врезается в ВАЗ. В 1985 году, когда происходили события фильма его быть не могло, потому что данную модель внедорожника стали выпускать лишь в 1990 году.

В сцене погони после неудачного ограбления банкомата указаны несуществующие на тот момент автомобильные номера: действие фильма происходит в СССР в 1987 году, а номера имеют вид, которые используются в России с 1993 года. Более того, 97-й код (Москва) введён в 2002 году, а 197-й — в 2010.

После убийства Васильева Анна копирует данные на USB-флэшку. Однако формат USB появился лишь в 1995 году.

Анна заполняет заявление на ноутбуке в интернете (действие происходит в СССР в 1985 году); туристы в Париже ходят с сотовыми телефонами, часть фотоаппаратов и устройств для фотосъёмки.

В конце фильма (1990 год) Ольга смотрит досье Анны на ноутбуке КГБ. Под фотографией Анны находится российский триколор.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
The Beatles внесли огромный вклад в мировую культуру. Сейчас без ливерпульской четверки невозможно представить музыкальную индустрию — да и не только музыкальную. Но создатели фильма «Yesterday» все-таки решили пофантазировать о том, каким был бы мир без «Битлов», и как их песни приняли бы в наше время.

Снимать фильм о национальном достоянии доверили лучшим из лучших. Лауреат "Оскара" Дэнни Бойл в девяностых взорвал мир героиновой драмой «На игле», а в нулевые очаровал «Миллионером из трущоб» — он один из самых титулованных британских режиссеров. Сценарист Ричард Кертис — гений легкого жанра, автор популярнейшего рождественского фильма «Реальная любовь» (во всем мире его смотрят в конце года так же запойно, как у нас — «Иронию судьбы»), а еще — «Рок-волна», «Бойфренд из будущего» и других. В Англии выход в прокат фильмов Кертиса, как замечают местные острословы, — почти национальный праздник: вся страна марширует в кинотеатры.

Главный герой картины по имени Джек Малик (Химеш Патель) — типичный музыкант-неудачник. Безуспешно выступал на сельских ярмарках с незапоминающимися песенками под гитару. После того, как во всем мире отключается свет, и все люди, кроме него, забывают о существовании The Beatles, он решается исполнять песни ливерпульской четверки, выдавая их за свои.

Авторы решили вовсе не объяснять, какова природа глобальной амнезии, накрывшей Землю (иначе бы приятно-легкая картина выродилась в сложную научно-фантастическую).«Yesterday» — очень наивная, но при этом неожиданно трогательная и забавная история о неудачнике, который в одночасье превращается в селебрити, но не все рождены чтобы стать звездами, и люди часто находят счастье не на сцене, а в обычной жизни и любви.

Хоть и подается «Yesterday» как романтическая комедия, юмор в основном строится на любви к музыке и стебе трендов современного музыкального производства. Пока люди в первый раз сходят с ума с «Let It Be» и «I Want to Hold Your Hand», корпорации запрещают название альбома «White Album» за неполиткорректность и меняют «Hey, Jude» на «Hey, Dude». Малику, как истинному «битломану», такие перемены не по душе. К тому же ему еще придется выбирать между любовью и славой. Теплые отношения между людьми здесь все же на втором плане. Не скажу, что романтическая сюжетная линия между Джеком и его подругой Элли (Лилли Джеймс) вышла какой-то необычной, но за счет химии между актерами и действительно хороших шуток смотрится все очень позитивно и органично.

Чтобы до конца понять это любовно сделанное кино, нужно быть битломаном (для таких зрителей оставлено немало отсылок). Но, с другой стороны, центральная мысль «Yesterday» незамысловата: песни ливерпульской четверки настолько прекрасные, что они ни в коем случае не должны исчезнуть. Здесь не рассказывают историю жизни The Beatles, но напрямую затрагивают их наследие. Такой подход как бы говорит зрителю: не важно, что было в прошлом, во «вчера», важно как это повлияло на «сегодня». Дэнни Бойл показывает, что, если вытащить ливерпульскую четверку на свет, то окажется, что она все так же актуальна, зажигательна и очень трогательна. И ее место — не в темном сундуке, а в мире, среди людей, которые нуждаются в красоте не меньше, чем полвека назад.

Но интереснее всего показана скорость появления современных музыкальных звезд, то, как огромные компании раскручивает и выжимают таланты. Персонаж Химеша «взорвал» музыкальные чарты за пару недель благодаря интернету, чужим текстам и знакомству со знаменитостью, хотя до этого он годами пытался пробиться традиционным способом, а о его существовании никто и не подозревал.

Для сравнения с битлами (в их пользу, конечно) приводится и современная поп-музыка: в фильме звучат отрывки композиций Эда Ширана. Он, самая трогательная поп-звезда наших дней, до сих пор выглядящий как музыкант из подземного перехода, весьма самоиронично сыграл самого себя.

С другой стороны, новой волной «битломании» авторы, возможно, хотели показать, как людям не хватает хороших, осмысленных текстов и душевных мелодий. И что такие вещи не способен убить даже корпоративный маркетинговый денежный станок. Режиссер заражает современный мир битломанией, словно по заявкам всех, кто в силу возраста тех времен не застал.

Кроме этого, в фильме особенно запоминается душераздирающая сцена с Джоном Ленноном. В другой галактике он не стал известным, его не убил безумный поклонник, он прожил долгую счастливую жизнь, о которой мечтал, и удачно расстался с Йоко Оно. Можно заметить, что в наши непростые времена многие режиссеры мыслями утопают в прошлом. Эта сцена очень напоминает картину «Однажды в... Голливуде» Тарантино, где он тосковал по и возвращал к жизни невинно убиенную актрису Шэрон Тейт.

«Yesterday» – фильм простой, трогательный и глубоко лиричный. По большому счету он поднимает самые обычные вопросы, в первую очередь противопоставляя стремление к успеху и поиск настоящего счастья в жизни, которые далеко не всегда пересекаются. Яркие цвета и почти клиповый монтаж, которые делают действие очень динамичным и задорным, обрамляют классический сюжет о популярности, а заодно и очень милую историю любви.

Интересные факты:

Основной концерт снимали на пляже в Горлстоне, графство Норфолк. В массовку в первую очередь отобрали местных жителей.

Одной из идей для фильма было сделать так, что среди всего, исчезнувшего из мира, был фиолетовый цвет, и мельком упомянуть в фильме, что группа Deep Purple теперь носит название Deep Orange. От этой мысли отказались – никому не хотелось каждый день перед съёмками проверять, чтобы ни на ком из массовки не было ничего фиолетового цвета.

Химеш Патель сам играл на музыкальных инструментах и пел.

Группа The Beatles к работе над фильмом не привлекалась, не считая использования в фильме их песен. По словам режиссёра Дэнни Бойла, МакКартни и Стар, а также поместья Леннона и Харрисона просто дали добро на съёмки.

Авто сценария и продюсер Ричард Кёртис поинтересовался у Пола МакКартни, нравится ли тому название фильма. Маккартни ответил утвердительно, но в шутку предложил назвать фильм «Яйца всмятку». В своё время прежде, чем написать текст к песне «Yesterday», Джон Леннон (1940-1980) и МакКартни использовали шутливый текст в качестве заготовки.

Стюардессу в частном самолёте Эда Ширана сыграла его жена Черри Сиборн.

Имена некоторых героев фильма повторяют имена из песен «Beatles» – персонаж в исполнении Джоэла Фрая получил имя в честь героя песни «Rocky Raccoon», Элли названа в честь «Eleanor Rigby» из песни, которую Джек никак не может вспомнить, соседка Элли по комнате Люси носит имя в честь лирической героини песни «Lucy in the sky with diamonds».

В сцене, где Джек впервые исполняет песню «Yesterday», его друзья утверждают, что группа Coldplay поёт лучше. Роль, которую исполнил Эд Ширан, изначально предполагалась фронтмену Coldplay Крису Мартину, но того не устраивал съёмочный график, так что роль передали Ширану, а шутливую ссылку в сценарии оставили.

В фильме Джека на велосипеде сбивают, в результате чего он разбивает себе губу и ломает передний зуб. То же самое случилось с Полом МакКартни в Ливерпуле в 1966 году, когда он упал с мопеда.

По словам режиссёра Дэнни Бойла, в фильме предполагалось использовать порядка 20 песен The Beatles (разрешения были уже оплачены), но в действительности использовали только 17.

Создателям фильма на использование песен The Beatles требовалось только разрешение Sony/ATV Music Publishing, так как правами на них обладает компания Sony, однако они ещё получили разрешения у Пола МакКартни, Ринго Старра, Йоко Оно и Оливии Харрисон.

Одну из сцен фильма снимали в туннеле в Биркенхеде (это город в графстве Мерсисайд в Великобритании), где проходили съёмки фильмов «Гарри Поттер и Дары Смерти: Часть I» (Дэвид Йейтс, 2010), «Форсаж 6» (Джастин Лин, 2013), «Джек Райан: Теория хаоса» (Кеннет Брана, 2014) и британского телесериала «Пуленепробиваемые».

В какой-то момент Джека называют «Шекспиром написания песен». Поклонники теории заговора утверждают, что знаменитые творения Уильяма Шекспира (1564-1616) писал не он сам.

Ближе к концу фильма Джек с близкими съезжают по спиральной горке, которая была весьма популярна на ярмарках в Великобритании и носила название «Helter-Skelter». Это же название носит песня The Beatles 1968 года.

Вначале в фильм предполагалось включить сцену, в которой Джек встречает в пабе Джорджа Харрисона (1943-2001) и Ринго Старра. В конце концов, однако, было решено, что этот эпизод только смажет эффект от его встречи с Джоном Ленноном.

Кроме группы The Beatles во вселенной фильма «Yesterday» (2019) отсутствуют Гарри Поттер, группа Oasis, «Кока-Кола», а также вся концепция курения сигарет. Кроме того, передача «Субботним вечером в прямом эфире» выходит по четвергам и имеет соответствующее название.

Единственным из состава группы The Beatles, кто ни разу не показан в фильме, стал Джордж Харрисон. Наряду со сценой, где фигурируют Джек и постаревший Джон Леннон, есть также сцена сна, где показаны ноги Пола МакКартни и Ринго Старра. Ноги МакКартни показаны без обуви, что является отсылкой к обложке альбома «Abbey Road» (1969). Отсылкой к этой же обложке служит костюм Леннона.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
В современной Америке рулит компания «Каслан», снабжающая искусственным интеллектом все, что угодно — от игрушек до автомобилей. До недавних пор хитом продаж была кукла Бадди, которую можно подключить к смартфону и чьи электронные мозги обладали способностями к самообучению. Правда, они часто глючили и потихоньку снимались с производства, уступая дорогу новым моделям. Однажды затырканный сборщик, обидевшись на крикливого босса, в отместку поотключал в одном из Бадди все протоколы безопасности. Разумеется, именно эта кукла попадает в руки мальчика Энди, у которого нет друзей, зато есть непутевая мамаша с непостоянными кавалерами и слуховой аппарат. Так у Энди появляется новый приятель по имени Чаки, обожающий своего хозяина и готовый ревностно отстаивать его внимание, пускай для этого придется чуток поорудовать ножом.

Серия ужасов «Детская игра» понятна будет наверно только тем, кто застал её в 80-е и 90-е годы. Новому зрителю покажется нелепостью тот факт, что ожившая кукла убивает людей, да ещё и умудряется делать это крайне успешно. И если тридцать лет назад это ещё как-то пугало, то сейчас нужно очень постараться, для того чтобы впечатлить зрителя. Начинающий режиссёр Ларс Клевберг даже и не стал пытаться напугать хоть кого-то. Он превратил «Детскую игру» в этакую чёрную комедию, да и посудите сами, что ещё можно было сделать с подобным контентом? Основная же проблема римейка заключена в том, что по причине большого количества сиквелов оригинальной картины, да и архаической тематики, из истории про Чаки выжато всё, что только можно, и потому сильно увлечь, удивить, и, тем более, напугать новодел почти не в силах. Это вполне крепкое кровавое развлечение, не лишенное искорки, но запомнится надолго оно вряд ли. И как не стараются авторы фильма соригинальничать, многие ходы угадываются на два шага вперед, а сценарные благоглупости и наив вызывают глумливые смешки (особенно провоцируют на пошлые реплики в зале кадры, где Энди учит Чаки правильно открывать рот).

Итак, прежде всего в сюжет были внесены ключевые изменения. Одинокий ребёнок по имени Энди получает самую желанную игрушку в подарок от своей мамы Карен. Игрушка — кукла по имени Чаки. Души маньяка на этот раз нет; дело в том, что с робота сняли ограничения безопасности. Чаки слетает с катушек и начинает кровавую резню.

В этот раз всё играет на модной цифровой форме, как отражения современной эпохи. При этом, что интересно, сюжет не скатывается в подражание «Черному зеркалу»; видно, что создатели не особо мудрствовали и просто использовали современные тренды как зеркало текущего дня, чтобы концепт воспринимался свежо. Честно говоря, авторы преуспели. Первая половина фильма, безусловно, сильнее второй (где и начинается кровавая оргия) и не случайно, ведь она смешная и искренняя. Одинокий подросток встречает нового другого из «виртуального» мира и тот оказывается опасен. Это интересный поворот, потому что сценарий играет на детском страхе, растерянности и эмоциональном развитии. Дети в этом фильме стараются изо всех сил сориентироваться в мире взрослых. Тот факт, что Чаки является им проводником в мир жестокости (и, по сути, представляет собой аллегорию интернета) является весьма хитрой уловкой. Вероятно, создатели не закладывали подобного, но бытие формирует сознание, так что параллели можно легко провести.

Новую «Детскую игру» - есть за что хвалить, ибо оригинальный сюжет 1988 г — это лишь мотив, все остальное хорошо продуманное зрелищное сценарное решение, пусть и с характерными клише. Технически кино снято вполне пристойно. У него неплохая динамика и есть даже саспенс, действие старается быть непредсказуемым (иногда это получается), наличествует атмосферная картинка со смачным световым и цветовым решением, в репликах и ситуациях проскакивают удачные приколы, а персонажи пытаются быть живыми и полнокровными. Интересно становление Чаки как персонажа. Фильм не сразу кидает зрителя в бессмысленную кровавую баню, как это было в оригинале. Он постепенно объясняет все поступки куклы, указывает на аспекты, из-за которых он стал кровожадным маньяком, показывает зарождение дружбы между мальчиком и роботом и ее конец. Такое повествование делает его полноценным персонажем, даже не смотря не то, что он механическая игрушка. Не удивительно, что одна из главных мыслей фильма: у каждого ребенка должен быть друг.

Где-то во втором акте «Детские игры» начинают всё сильнее злоупотреблять слэшер-составляющей. После того, как Энди обнаруживает сильные склонности Чаки к насилию, последний вообще уходит в разнос. Обидно, что в насилии в «Играх», при всем том креативе, что был задействован, нет ничего интересного. Вряд ли фильм ориентирован на фанатов ужасов, а случайный зритель будет, скорее всего, брезгливо морщиться.

Ну и отдельный вопрос к создателям нового дизайна самого антагониста — если в фильме 1988 года Чаки до его пугающих метаморфоз, случившихся под влиянием потусторонних сил, был вполне милой игрушкой, то неужели вы всерьез думаете, будто ваша жуткая резиновая Зина, которую словно клепали в одной мастерской вместе с приснопамятной Аннабель, является пределом мечтаний для каждого ребенка?

Интересные факты:

Куклу Чаки озвучивает актер Марк Хэмилл, больше известный миру по роли Люка Скайуокера и голосу Джокера в мультфильмах о Бэтмене.

Отдельное удовольствие — сравнивать «Детскую игру» с «Историей игрушек 4», которые умудрились выйти в прокат в один день и даже обменяться ёрническими постерами. В обоих фильмах речь идет про игрушку мальчика Энди (!), задумавшуюся о своем предназначении (!!) и выходящую за рамки своей «программы». В фильмах даже есть почти полностью совпадающие сцены — когда бывшая любимая игрушка отправляется в шкаф, откуда с тоской смотрит за играми тех, кому повезло больше. Так что два фильма оказываются практически двумя путями разработки одного и того же сюжета — что предпримет игрушка, когда поймет, что больше не нужна, а ее «хозяин» — не царь и бог, а скорее рабовладелец?

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Готэм, начало 1980-х годов. Комик Артур Флек живет с больной матерью, которая с детства учит его «ходить с улыбкой». Пытаясь нести в мир хорошее и дарить людям радость, Артур сталкивается с человеческой жестокостью и постепенно приходит к выводу, что этот мир получит от него не добрую улыбку, а ухмылку злодея Джокера.

В «Джокере» соавтор сценария Тодд Филлипс предлагает на суд публике собственное видение одного из самых культовых злодеев в истории. По-настоящему его Джокера зовут Артур Флек – это выдуманное режиссёром имя, поскольку как такового каноничного имени у персонажа никогда и не было. Да и в целом, Джокер не имеет устоявшейся и однозначной истории. Интерпретаций его зарождения много, где-то он и вовсе выступает таинственной фигурой без предыстории. И с одной стороны, идея снять фильм про то, как, собственно говоря, Джокер стал зловещим клоуном-убийцей безумно интересна, а с другой – окутывающая персонажа завеса тайны лучше всего всегда работала на его пугающий образ. В этом вопросе режиссёру было важно найти баланс, который, отчасти, он нащупал в Артуре Флеке.

Сам же Артур Флек, в грандиозном перформансе гениального (теперь уже навеки) Хоакина Феникса, одновременно напоминает всех тех Джокеров, которых большой экран уже видел, и нечто совершенно другое, пришедшее скорее из комиксов. Основа персонажа осталась такой же, как и всегда. Джокер в фильме Филлипса всё такой же сумасшедший психопат, представляющий из себя главную опасность не только для Готэма, но и для всех членов семьи Уэйнов. Кардинально отличается Артур Флек лишь тем, что его трансформация в Джокера занимает не просто центральную роль во всём фильме, но ещё и возведена в такой уровень абсолютного зла, что смотреть за ним становится по-настоящему страшно.

Джокер вызывает не симпатию в отношении себя, а скорее жалость. Он не говорит заведомо культовыми цитатами, он не развлекается, он не пытается кому-то что-то навязать или доказать, он просто действует, исходя из своих личным мотивов и целей. А мотивы у него весьма простые и по-человечески трагические: всю жизнь Артура никто не слышал, об него вытирал ноги Готэм, он был никому не нужен, забыт и осуждён общественном, относящимся к психически больным людям с неким скептицизмом. В этом вопросе режиссёр кидает Джокера не в чан с химикатами, а в общество, живущее в городе, в котором процветает капитализм, чьи идеи и старается подрывать Филлипс, показывая, что из всего этого может родиться и выбежать на улицы, заведомо разукрасив себя.

Готэм в фильме не выглядит как мануфактура, которую смог выстроить давным-давно Бёртон, и что отчаянно старался, но так и не смог создать Нолан. У Филлипса Готэм, из-за не самого большого бюджета, выглядит как Нью-Йорк, но с жёсткими социальными рамками. В районах, где проживают обычные люди и сам Артур, на улицах постоянно валяются мусорные мешки в таких неисчислимых количествах, что горожане день за днём устраивают акции протеста. Более того, через призму самого Артура режиссёр подчёркивает безразличие или скорее даже привычку города к насилию. Никого не смущают крики женщины ночью в переулке, никто не замечает стрельбу и уж тем более никто не придёт на помощь, поскольку из-за временных рамок картины, будущий Бэтмен ещё ребёнок. А это значит, что полиция как бы есть и как бы её и нет, ловить преступников она предпочитает уже после совершения преступления или же тогда, когда под угрозой находится жизнь богатого и влиятельного человека вроде Томаса Уэйна.

Идеальные условия, чтобы в них появился Джокер – человек с вагоном психологических и физических заболеваний. Авторы старались сделать своего героя как можно реалистичнее, логично объяснив даже самые комиксовые детали героя. Так, например, фирменный смех Джокера – это болезнь, недуг, портящий жизнь и с которым Артуру Флеку приходиться справляться раз за разом, из чего он напоминает всем фрика и, как следствие, грушу для битья. Сама же трансформация Артура в Джокера преподнесена с немного нестандартного для персонажа подхода. Артур не совсем превращается в клоуна-убийцу.

Режиссер переписал всю историю Джокера на свой лад. Его герой - хронический неудачник. Обиженный дядька с интеллектом ребенка, страдающий неконтролируемым приступом смеха во время стресса. Из-за таких особенностей он регулярно получает по голове ни за что и постоянно ощущает давление окружающего мира. Таким образом режиссер хотел показать, до чего такая несправедливость может довести маленького человека. Пожалуйста. Имеет право. Но вот проблема. Его персонаж, практически до самого финала, не борется с ситуацией. Даже после первой поворотной точки изменения не происходит. Джокер всё тот же инфантильный, наивный персонаж без намека на критический склад ума. Утопая в депрессии, он часто ведом ситуацией. Но мы-то с вами знаем. Он не такой. Он криминальный гений, яркий психопат-убийца, и режиссер пользуется этим пролепсисом. Потому мы смотрим фильм до конца. Чтобы увидеть эту окончательную трансформацию. Увы, но весь путь героя-это набор случайностей и роялей в кустах, где сюжет двигает персонажа, а не персонаж – сюжет. Кульминация же вообще выглядит нарочито искусственно, где выпуклость конфликта оказывается важнее здравого смысла. И всё для того, чтобы уже дать наконец-то зрителю того, что он хочет.

Если бы фильм назывался не «Джокер», мы бы видели перед собой затянуто-скучную драму. С финалом, где неудачник случайно оказывается символом массовых беспорядков, абсолютно ничего не осознав. Да и плевать он хотел. У клоунов и лузеров своя аудитория.

А играет это лицо тот, кто по-хорошему, как и Филлипс, заслужил и для себя самого приз в Венеции, но не смог получить его из-за спорных правил фестиваля: фильм-победитель не может учувствовать в актёрских номинациях. От Хоакина Феникса все ждали чего-то великого, и это великое получили. В энергетике Джокера есть что-то от главного героя «Мастера», исполненного так же Фениксом, которого он усовершенствовал, доведя местами до абсурда и полнейшего безумия. То, как говорит Феникс, двигается, жестикулирует и смотрит на окружающий мир – завораживает, но отнюдь не привлекает. Артуру хочется помочь, но память о том, что лучше этого не делать, берёт вверх каждый раз, когда Хоакин Феникс начинает смеяться в кадре – что-то больное и дьявольское в этом всём есть.

Джокер – это чуть ли не одна из лучших работ Феникса в его карьере. Он удерживает всё внимание зрителей на себе, не позволяя им отвернуться от экрана даже тогда, когда персонаж с особой жестокостью начинает расправляться со своими жертвами. Его Джокер особо не разглагольствует, он просто берёт и делает, делает со всей аморальной искренностью и наслаждением, превращая лицо человека в кровавое месиво. Языком ультранасилия и раскрывается в первую очередь Артур – он человек, который хочет быть услышанным. У него огромное количество проблем. Самое страшное в этом то, что он это понимает, но не окружающие. И здесь режиссёр проводит черту между крайностями общества: психически больных людей либо затыкают, предпочитая сбрасывать их со счётов, или возводят к культ, позволяя им становиться лидерами мнений.

По своей структуре «Джокер» – это кино про антигероя сегодняшнего дня. Артур антигерой лишь потому, что в нём есть светлая сторона, которую из раза в раз подавляет окружающее его общество. Но она всё же есть, хоть и проявляется в весьма агрессивном ключе. В этом плане очень сильно заметен Мартин Скорсезе – главное вдохновение Филлипса. Из наиболее очевидных референсов в «Джокере» мелькает несколько раз «Таксист», которого персонажи фильма чуть ли не языком жестов цитируют. На огонёк так же записывается и сам визуальный стиль раннего Скорсезе с его зелёно-жёлтыми тонами и мрачными улицами грязного города. А соединяет «Джокера» с работами Скорсезе сам Роберт Де Ниро, напоминающий наиболее коммерциализированный вариант самого себя из «Короля комедии».

«Джокер» – ультразверское авторское кино, обречённое на культовый статус. Лучший фильм Тодда Филлипса в его карьере уже перевернул вверх дном кинематографическое сообщество, показав то, чем комиксы были и должны быть всегда. Сегодня супергеройское кино больше старается походить на детское развлечение, в то время как у их истоков стояли серьёзные темы и проблемы. И если смотреть на работу Филлипса с этой стороны, тогда получится с оскалом на лице закричать, что «Джокер» – идеальный супергеройский кинокомикс, доказывающий, что этот жанр продолжает развиваться на больших экранах и что с ним ещё можно экспериментировать и экспериментировать.

Интересные факты:

Боссы студии хотели, чтобы роль Джокера исполнил Леонардо ДиКаприо. Среди других потенциальных исполнителей этой роли были Брэдли Купер, Джейк Джилленхол, Адам Драйвер, Джеймс Франко, Уилл Поултер, Дэн Стивенс, Пол Дано, Калеб Лэндри Джонс, Иван Реон и Билл Скарсгард.

Для роли Джокера Хоакин Феникс похудел на 24 килограмма и месяцами репетировал разные виды смеха.

На Венецианском кинофестивале демонстрировалась версия фильма продолжительностью 118 минут. По окончании показа фильма зрители устроили ему 8-минутную стоячую овацию.

Меньше чем за месяц с начала мирового проката «Джокер» стал самым кассовым фильмом с рейтингом R в истории.

Шутка Джокера: «Когда я был маленьким мальчиком и говорил людям, что собираюсь стать комиком, все смеялись надо мной, а теперь никто не смеётся», вдохновлена высказыванием покойного британского комика Боба Монкхауса: «Люди смеялись надо мной, когда я говорил, что хочу стать комиком. Теперь они не смеются».

При подготовке к роли Джокера Хоакин Феникс изучил движения и мимику звезд немого кино Бастера Китона и Рэя Болджера.

Чтобы сохранить производство фильма в секрете, во время съёмок рабочим названием картины было «Ромеро». Возможно, это отсылка к Сесару Ромеро, который тоже сыграл Джокера.

Готовясь к роли, Хоакин Феникс читал про различные расстройства личности. Он хотел показать Джокера так, чтобы даже психиатры не смогли бы определить, что с ним.

Хоакин Феникс взял за основу смеха своего героя неврологическое расстройство, которое вызывает у людей неконтролируемые приступы смеха. Он старался изобразить персонаж, с которым публике будет трудно себя ассоциировать.

Грим Джокеру сделали таким, чтобы он походил на Джона Уэйна Гейси-младшего (1942-1994), американского серийного убийцу 1970-х, который подрабатывал на детских праздниках и вечеринках в образе клоуна по имени Пого.

В целях экономии компьютерная графика в фильме практически не применялась. Одной из немногих сцен с применением компьютерной графики стала та, в которой Артур направляется к зданию лечебницы «Аркхэм», чтобы посмотреть историю болезни матери.

Героиню актрисы Шэрон Вашингтон зовут Дебра Кейн. Фамилию героине дали в честь Боба Кейна (1915-1998), соавтора комиксов о Бэтмене.

Вымышленное жилище Джокера находится по адресу 10452, Андерсон Авеню, 1147, Бронкс, Нью-Йорк.

В сцене убийства в метро Артур стреляет 8 раз из шестизарядного револьвера.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Джон Уик со своим четвероногим другом бежит под проливным дождем по залитому неоновым светом ночному городу. Через считаные минуты на него будет пытаться напасть примерно каждый второй прохожий, потому что, как мы помним из второго фильма, за убийство в стенах отеля "Континенталь" его заказали сразу всем киллерам мира. Куда же направится преследуемый выскакивающими из-за каждого угла врагами герой по прозвищу Баба-Яга?

Естественно, в библиотеку, за сборником русских народных сказок Афанасьева. Тем самым, с жуткими иллюстрациями Билибина. Из сборника он достает массивный православный крест, несколько монет и еще кое-какую штуку, после чего, оседлав коня, скачет к русским цыганам, которые заправляют дворцом творчества с балетной школой и секцией самбо. Там выясняется, что Джон Уик - "дитя Белоруссии" и звать его Дженнарди Йованович (Геннадий Иванович, наверное). Но мы же с вами понимаем, что именно хотели до нас донести, да потеряли в густом лесу клюквы, который разросся из-за неспособности разобраться в хитросплетениях особенностей далеких и загадочных для американцев народов.

Мы и раньше это знали, но теперь все официально: Джон Уик - наш. То есть носитель русского культурного кода (даже костюмчик пуленепробиваемый у него точь-в-точь как у Харатьяна в «На Дерибасовской хорошая погода»). Поэтому он такой крутой. И поэтому ему вечно приходится сражаться со всеми подряд. И поэтому нет ему нигде и никогда покоя. Незавидная, согласитесь, доля. Кац, например, из вышеупомянутой комедии Гайдая давно бы уже предложил сдаться. Какой смысл этой бесконечной беготни? Зачем так жить? На этот вопрос Джон Уик дает простой и четкий ответ: он живет, чтобы помнить. Слова истинного мудреца. Ведь жизнь - она вся в памяти и заключена.

Кроме того, жизнь, как сказал другой великий мудрец, - это всякие штуки, которые происходят. В «Джоне Уике 3» происходит много всяких штук. В основном здесь дерутся и стреляют. Но еще много раз произносят слово "последствия". Потому что штуки, которые происходят, происходят по какой-то причине и влекут за собой эти самые последствия, зачастую непредсказуемые. Даже у той меметичной реплики Лоуренса Фишборна "Дайте этому человеку оружие!" есть последствия, внезапные и суровые для его персонажа. А убийство собачки, с которого все началось, в конечном итоге должно привести к настоящей войне: у оригинального названия фильма имеется подзаголовок - Parabellum, ненавязчиво намекающий на то, как события будут развиваться дальше.

Однако все же в основном здесь дерутся и стреляют. И это непередаваемо красиво. Каждая боевая сцена - произведение высокого искусства. То же было справедливо и для предыдущей части, но каким-то образом Чаду Стахелски удалось опять задрать планку еще метра на два.

В одной сцене он, представьте себе, задействовал бронированных дрессированных овчарок: Киану Ривз и Холли Берри, кувыркаясь, отбиваются от лезущих со всех сторон ассасинов, что само по себе завораживающе, но к этому прекрасному макабру присоединяются еще и песики, движения которых столь же хореографически точны и грациозны. Блеск, одним словом. Помимо ассасинов есть ниндзя, аутентичные такие, обладающие навыком становиться невидимыми. Прямо из ниоткуда посреди кадра выскакивают, кинжалом в голову - хоба! - и снова пропадают, как будто и не было. А главаря их играет Марк Дакаскос, и его стоит выделить особо, так как этот уникальный актер умудрился за пару лет отметиться в худшем и лучшем боевиках всех времен (кто не знает, в «Максимальном ударе» его побил Александр Невский).

Серия «Джон Уик» эволюционирует не только в плане зрелищности разборок, она с каждой следующей частью прирастает новыми качествами. Первый фильм был брутальным. Второй - брутальным и ослепительно красивым. Третий - брутальный, ослепительно красивый и смешной. Джон Уик научился шутить. Делает он это редко, но так же метко, как стреляет, с использованием разнокалиберного арсенала в диапазоне от лапидарных уан-лайнеров до совсем тонкого юмора - в частности, завершая самую эпичную в истории поножовщину оммажем «Андалузскому псу» (да, имеется в виду тот неприятный крупный план).

На этом оммажи, кстати, не заканчиваются: пометавшись по Нью-Йорку, Джон перемещается в Касабланку - чтобы отдать дань уважения одноименной классике. А также чтобы расширить географию вселенной и снять последние вопросы о том, как устроено глобальное подпольное государство организованной преступности. В триквеле, наконец, появляются судебный чиновник и верховный правитель, а с экономикой и прочими органами власти и управления мы и так знакомы. Система, стало быть, выстроена (только не нужно проверять ее на прочность логикой), осталось систему разрушить. Судя по всему, именно это ждет нас в квадриквеле: он будет брутальный, ослепительно красивый, смешной и, вероятно, беспрецедентно размашистый.

«Джон Уик 3», к сожалению, утрачивает понимает логики и смертности главного героя. Пусть и динамично, и круто, и эмоционально, но бессмертный Киану, словно Нео, разрывает пространство пулями и рассекает воздух ножами. Финальный аккорд, который только подтверждает неуязвимость мистера Потрясающего, вплотную раскрывает войну предателей и льстецов. Тем не менее, на Киану Ривза смотреть приятно. Шикарный убийца нового поколения. В конечном счете «Джон Уик» не то кино, из которого выносят мысли. Это кино, из которого выносят тела.

Интересные факты:

Холли Берри сломала три ребра на съемках фильма.

На сооружение стеклянной структуры, где Джон Уик дерётся с двумя противниками, было потрачено $4 миллиона.

Название 3-го фильма франшизы взято из латинского выражения «Si vis pacem, para bellum» или «Хочешь мира – готовься к войне». В самом фильме фраза появляется три раза: она вытатуирована на спине балерины в начале фильма, написана на двери автобуса возле отеля, и позже её произносит Уинстон (эту роль исполнил Иэн МакШейн).

Лэнс Реддик появлялся во всех фильмах франшизы, но здесь его впервые называют по имени.

Киану Ривз, Лоуренс Фишбёрн, Тайгер Чэнь и Рэндолл Дак Ким снимались в фильмах франшизы «Матрица». Режиссёр фильмов о Джоне Уике (2014, 2017, 2019) Чад Стахелски был в трилогии «Матрица» координатором боевых искусств, а также каскадёром, подменявшим Киану Ривза.

Книга, которая фигурирует в сцене в библиотеке, это русские народные сказки Александра Афанасьева (1826-1871). Она содержит первые известные записанные сказания о Бабе-яге, на которую в фильмах этой франшизы постоянно ссылаются.

Джон Уик пользуется пистолетами Glock 34 и STI 2011.

Двух псов Софии изображали пять собак. Натаскивал их Эндрю Симпсон, который тренировал волков для сериала «Игра престолов» (2011-2019). Собак натаскали в особой форме боевых искусств, которую для фильма разработал Чад Стахелски.

Чтобы подружиться с собаками, Холли Берри занималась с ними по три часа в день четыре дня в неделю.

На шее судьи наколото слово «einfhlung». В переводе с немецкого это означает «сочувствие».

Когда Джон Уик в последний раз пронзает саблей Зеро, тот лежит на полу, следовательно, сабля не может пройти тело насквозь полностью. Однако, когда Зеро поднимается на колени, сабля выходит из его спины сантиметров на 15-20.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Со времени событий «Зова джунглей» прошло три года: друзья из прошлой части разбрелись кто куда, жить своей жизнью и радоваться новому дню. Не радуется один Спенсер (Алекс Вульф), который учится в холодном Нью-Йорке, подрабатывает на ужасной работе и из-за своей скованности потерял отношения с Мартой (Морган Тёрнер). Вернувшись домой на каникулы, он — вместо того чтобы встретиться с друзьями — решает сам, в одиночку, запустить «Джуманджи», которую он, вопреки обещанию, не уничтожил. Поняв, что случилось, друзья отправляются за ним и случайно (консоль-то неисправная) захватывают с собой дедушку Спенсера Эдди (Дэнни ДеВито) и мистера Майло (Дэнни Гловер) — некогда близкого друга Эдди, с которым они давно разругались из-за некоего бизнес-конфликта.

Обновлённое «Джуманджи», согласитесь, — франшиза очень странная. В век, когда даже культовые серии не могут перезапустить так, чтобы не получить очередной катастрофический провал (посмотрите на «Терминатора», с ним уже третий раз обламываются), вдруг появляется фильм, основанный на кино двадцатилетней давности, которое не было ни большим коммерческим или критическим успехом, ни даже, собственно, франшизой. И вдруг оказывается огромным хитом, собирает почти миллиард в мировом прокате и на пару с беспроигрышным «Человеком-пауком» выводит киноподразделение Sony из череды кассовых неудач.

И ведь совершенно не ясно, откуда взялся такой успех: «Зов джунглей» не особо работал как ностальгическая адвенчура (уж точно не на фоне «Пробуждения силы» или «Первому игроку приготовиться»), а самая его любопытная часть — осмысление игровых условностей в формате кино — едва ли могла зацепить молодую аудиторию хотя бы потому, что сделана с довольно устаревшей оптикой. Это была стерильная экшен-комедия на 3,6 рентгена — не хорошо и не ужасно, — и, кажется, причину её выдающейся популярности не поняли даже авторы. А потому в сиквеле на всякий случай решили снять примерно то же самое — и даже без всяких привычных сиквельных «больше, лучше, сильнее». Просто то же самое. Броские визуальные эффекты, демократичный юмор, качественно выстроенный баланс смехотворного и правдоподобного, доходчивая утешительная мораль — все эти компоненты делают «Джуманджи: Новый уровень» достойным рождественским развлечением для любого состава зрителей.

Единственное разительное отличие «Нового уровня» — включение двух персонажей - стариканов, обаятельных Дэнни ДеВито и Дэнни Гловера. С ними связаны самые удачные сцены фильма (и единственный по-настоящему смешной гэг, в котором ДеВито, уже выйдя из игры, использует «испепеляющую харизму») и внезапно появившаяся в милом блокбастере тема принятия смерти. Которая, конечно, проста и банальна, но в теории могла завести кино в интересные моральные дебри — вот только обращается с ней «Джуманджи» очень странно: слишком нелепо, чтобы счесть это мелодраматичным, и уж очень слёзно, чтобы воспринять как тонкую иронию.

Обаяние своих старичков фильм эксплуатирует максимально неумело: большую часть времени герои ДеВито и Гловера спрятаны под кожей кривляющихся Дуэйна Джонсона, Кевина Харта, а затем ещё и Аквафины, одинаково ужасно пытающихся передать их колоритные ужимки. Так интересный в теории сдвиг перспективы превращается в объект однообразных скучных шуток в жанре «ок, бумер» — которые при этом сами звучат очень по-бумерски и явно без особого понимания предмета (то бишь видеоигр).

Оно и понятно: режиссёру Джейку Кэздану самому уже под полтинник, и его насмотренности (наигранности?) хватает только на повторение знакомых шуток про NPC (в первой части это было даже забавно) и стереотипный подзаголовок «Новый уровень» (очередная часть, видимо, будет «Гейм овер»). На самом деле никакого «нового уровня» тут, конечно, нет — всего лишь смена декораций и унылый бэктрекинг по сработавшим когда-то гэгам и повторенным смыслам об обретении себя через проживание реальных эмоций в виртуальном пространстве. Классно, конечно, что от морали «игры — зло» мы перешли к сентенции «игры — норм, если из них выходить», но, простите, илберг это сделал лучше, драйвовее и гораздо красивее.

Интересные факты:

Сцена, в которой герои спасаются от обезьян, перепрыгивая с одного подвесного моста на другой, является отсылкой к классической компьютерной игре Super Mario Bros 1985 года (занесена в «Книгу рекордов Гиннесса» как самая продаваемая игра в истории).

Некоторые герои фильма не в состоянии вспомнить, что было в оригинальном фильме, потому, что все те события были стёрты, когда игра перезагрузилась и вновь пошла с того момента, когда в ней оказался Алан. Точно так же только некоторые персонажи помнят временную линию, в которой Алекс отсутствовал в течение 20 лет.

В конце фильма Спенсер показывает деду, как нужно играть в игру, в которую он играл в начале предыдущего фильма франшизы.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Прошло много лет с тех пор, как мальчик с паранормальными способностями Дэнни Торранс пережил кошмарный сезон в отеле «Оверлук», где стал свидетелем безумия и гибели своего отца. (Речь идет о фильме «Сияние»). Повзрослев, Дэн вёл жизнь маргинала-алкоголика, а теперь пытается завязать и даже устроился на работу в дом престарелых. Там он безошибочно определяет, кому из постояльцев подошла очередь покинуть этот мир, за что и получил прозвище Доктор Сон. Однажды с Дэном устанавливает связь невероятно одарённая «сияющая» девочка Абра. Вскоре ей потребуется его помощь, чтобы противостоять членам организации «Истинный узел» – группы охотников за особенными детьми, для которых детское «сияние» — питание, гарантирующее вечную жизнь.

Еще вчера сиквел «Сияния» Стэнли Кубрика — самого совершенного (не обязательно лучшего) хоррора в истории, неизменно возглавляющего наряду с «Психозом» и «Ребенком Розмари» жанровые топ-листы, — казался святотатством и априори самоубийственной затеей, пусть сам Стивен Кинг, выпустив в 2013 году пухлый роман про выросшего Дэнни, автоматически ее санкционировал. Вдобавок Майк Флэнаган, 40-летний режиссер, поставивший успешные оккультные хорроры «Окулус» и «Уиджи. Проклятие доски дьявола», эффектный триллер «Тишина» (который очень хвалил Кинг) и не очень удачную «Игру Джералда» (по Кингу), известен широкой публике разве что по Netflix-сериалу «Призраки дома на холме» и уж точно не Кубрик. Поэтому главная новость такая: экранизация «Доктора Сна» может нравиться или нет — мнения в данном случае наверняка разделятся, — но в том, что этот фильм имеет право на существование - никаких сомнений не остается.

«Доктор» как бы состоит из двух частей, и косплей Кубрика, на самом деле, является частью не только меньшей по объему, но и менее значительной. Да, адептам придется проявить немного выдержки: Флэнаган самовольно вселяется в отель «Оверлук», врубает знаменитую музыкальную тему по мотивам «Dies Irae», буквально перерисовывает по клеточкам какие?то фрагменты и — что, наверное, пережить сложнее всего — использует похожих актеров, играющих маленького Дэнни, мудрого повара, бедняжку Вэнди, голую бабку из номера 237 и даже старину Джека (забавный факт: двойник Николсона тут — актер по имени Генри Томас, который примерно во времена «Сияния» играл главную роль в спилберговском «Инопланетянине»).

Но если поначалу это детское копирование, естественно, раздражает, то когда мы отправляемся на территорию «Сияния» повторно, экскурсия выглядит уже и более оправданной, и по-своему остроумной, а местами даже и вдохновенной. Кинг в этих сценах практически ни при чем — Флэнаган разговаривает напрямую с Кубриком, и в этой почтительности, переходящей в неслыханное нахальство, определенно что?то есть.

«Сияние» Кубрика — фильм про то, как человек медленно сходит с ума в изолированном пространстве. Фильм тесный, неуютный, давящий своей неестественной симметрией, мрачными образами и жуткой атмосферой. «Доктор Сон» даже не пытался подхватить дело Кубрика и просто пошёл в другом направлении. Он не развивает старых персонажей, а даёт новых. Он не продолжает старые темы, а рассказывает другие.

Основной же массив фильма едва напоминает о предшественнике — скорее уж о вампирской классике Кэтрин Бигелоу «С приходом тьмы». Бесподобная злодейка Фергюсон в образе фолк-певицы из 70-х и ее дружки, разъезжающие в затемненных фургонах по проселочным дорогам, могли бы спеться и с хиппи-сатанистами из «Мэнди». Лучшее в «Докторе» — это кочевая жизнь пожирателей «сияния», подгоняемых, как вурдалаки, вечным голодом.

Что касается нытика Дэнни, его дружбы с паранормальной девочкой (они смешно обмениваются телепатическими эсэмэсками на грифельной доске) и их общей борьбы, то эта линия как раз слабовата. Она — вполне в кинговском, впрочем, духе — приторна, слишком демонстративно лишена внутренней логики с правилами, которые придумываются у нас на глазах, и чем дальше, тем больше напоминает средний супергеройский комикс. Еще и с какой?то грошовой моралью, от которой у Кубрика бы пошла кровь носом: сияй, мол, деточка, никого не слушай.

И все же со всеми своими многочисленными несовершенствами «Доктор Сон» заслуживает внимания и уважения. Он длинноват (хотя эти два с половиной часа пролетают быстро), где?то глуповат и, главное, почти не страшен. Все, что и по сей день пугает в «Сиянии», в «Докторе Сне» теряет налет тревожности и оказывается пустышкой. Нет того гнетуще-мистического ощущения... нет, не ужаса, скорее, психологического давления. Но это отчаянно амбициозный, весьма изобретательный и необычный фильм, который не паразитирует на чужих идеях, как может сослепу показаться, а пытается придумать из них что?то новое. Даже если получается с переменным успехом, Флэнаган все равно и честнее, и смелее, чем его бесчисленные коллеги, потихоньку растаскивавшие паркет «Оверлука» на сувениры последние 40 лет.

Интересные факты:

Как и персонаж, которого он здесь сыграл, Юэн МакГрегор является алкоголиком в завязке.

«Когда фильм закончился и пошли титры, Стивен Кинг положил руку мне на плечо и сказал: «Ты чудесно поработал». Я чуть не умер от счастья», — вспоминает режиссер Доктора Сна Майк Флэнаган.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
По всем правилам детектива в первых же кадрах прислуга находит труп хозяина дома на кушетке. Покойный — успешный автор криминальных историй, изданных на десятках языков, 85-летний Харлан Тромбли (Кристофер Пламмер) — перерезал себе горло на следующий день после приема по случаю своего дня рождения. Или не перерезал?

На место преступления в особняк Тромбли в Массачусетсе приезжают двое полицейских и один частный детектив Бенуа Бланк (Дэниэл Крэйг), заказанный неизвестным, — он пудрит семье Тромбли мозги, что будет молчаливо наблюдать за происходящим, но сразу же подключился к расследованию с самыми неудобными вопросами. Суицид 85-летнего — не самый частый случай, так что под подозрением все обитатели дома, а семья у Тромбли очень большая. Никто из его родственников не был особенно близок к покойному, зато всех интересовали его деньги.

На кресле перед огромной инсталляцией ножей (весь сеттинг похож на «Игру престолов» с железным троном) по очереди сидят его старшая дочь (потрясающая стальная женщина Джейми Ли Кёртис) и ее муж (Дон Джонсон), средний сын (Майкл Шеннон), вульгарная невестка (Тони Коллетт) и внучка-тинейджер. Самая невинная по первому впечатлению фигурантка дела — молодая медсестра Марта Кабрера из Парагвая (Ана де Армас), единственный человек в доме, которая тепло общалась с мистером Тромбли и не тянула из него деньги. К тому же у Марты есть очень удобное свойство — практически встроенный детектор лжи: ее рвет каждый раз, когда она говорит неправду, так что медсестра быстро становится союзницей Бланка в сложном расследовании.

«Достать ножи» — без всяких «но» потрясающая черная комедия с кровью и слезами (часто неискренними), которая шустро разворачивается с первых кадров и не отпускает до финала, кстати, блистательного. Про такое кино принято говорить crowd pleaser — фильм снят про все и для всех одним из самых сильных голосов в Голливуде. Райан Джонсон, дебютировавший «Кирпичом», прославился «Петлей времени» и вдохнул воздух в «Звездные войны». Именно он не только поставил, но и написал динамичный злой нуар о лицемерии и двойной игре в лучших традициях детектива — кажется, этот сценарий скоро будут проходить в киношколах, как «Обычных подозреваемых» или «Убийство в Восточном экспрессе».

«Достать ножи» можно назвать довольно нетривиальным детективным триллером в духе романов Агаты Кристи. Это чистый постмодерн, поскольку подход к детективной составляющей оказался самым главным твистом этой картины. Сюжетно Джонсон обыгрывает многочисленные и приевшиеся клише не скатываясь в буффонаду, создавая тем самым сценарные крюки, чтобы двигать действие вперёд. Как в хорошей шутке - он обманывает наши ожидания, создавая и разрушая их. Развитие сюжета получается фактурным и крайне вовлекающим.

В остальном фильм пытается быть умнее, чем он есть на самом деле. А может быть это постирония, скрытое издевательством над жанром. В пользу этой теории играет тот факт, что Дениэл Крейг играет невероятного вычурного и намеренно пафосного детектива, гениальность которого, вроде как обусловленная жанром, крайне сомнительна.

Остальной звёздный капустник раскрыт крайне пунктирно, как единое целое они работают практически без шероховатостей. Семейство Тромбли, искореженное амбициями и предрассудками, узнаваемо до боли и колик в животе, олицетворяя собой чистейший злобный капитализм и пороки этого закостенелого общества, который можно без зазрения совести высмеивать, но как отдельные персонажи они не представляют никакой глубинной проработки. Что в данном случае является незначительным. Здесь есть оголтелый трампист и «ультраправый тролль и мразь», предприниматель-подделка и почивающий на лаврах бездельник. Паразиты, присосавшиеся к патриарху семьи, будут бесконечно путать латиноамериканскую страну, из которой приехала жившая с ними годами медсестра, и не вспомнят, сколько лет молчаливой прабабушке в меховой шапке. Публичное чтение завещания ожидаемо вызовет у них больше интереса, чем похороны. Поминальное сборище закончится чуть ли не дракой, где прозвучат оскорбления «либеральная снежинка» и «чертов марксист».

Джонсон нашпигует сценарий злой иронией о приметах времени: вспомнят и «Радугу тяготения» Томаса Пинчона, и профеминистские поэтические кружки, и «Нетфликс», и сериал «Она написала убийство», которое мама Марты запоем смотрит по дешевому телевизору. Сюжет «Ножей» обманет зрителя много раз, разбив жанровые клише об убийце-дворецком: перевертыш Джонсона внезапно обернется историей о том, что самое важное в жизни — доброта, а честность — единственный нож, который можно воткнуть в холодное сердце негодяя. «Ножи» - очень ладно скроенное кино, одновременно пытающиеся с уважением отнестись к жанру и придать ему новое звучание. Игривый тон и закрученная интрига, выверенная режиссура и необходимый финальный твист - это все на месте.

Интересные факты:

Название фильма и его рабочее название «Утренний звонок» («Morning Bell») позаимствованы у названий композиций с альбома «Amnesiac» (2001) британской рок-группы Radiohead.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Фильм завершает невероятную историю семьи Скайуокеров, длящуюся уже более сорока лет, и обещает дать ответы на все загадки из предыдущих серий. Зрителя ожидают старые и новые герои, уникальные миры, увлекательные путешествия на край Галактики и грандиозный финал фантастической саги.

Вроде бы давно покойный император Палпатин (Иэн МакДермид), как выясняется, не совсем умер, а готовит на какой?то печальной планете реванш ситхов. Ключевая роль в нем отведена Кайло Рену (Адам Драйвер), который с тех пор, как узурпировал власть в Первом ордене, стал еще мрачнее прежнего и снова начал носить маску. Палпатин велит Кайло поскорее добраться до Рей (Дейзи Ридли), которая под руководством принцессы Леи (Кэрри Фишер) проходит интенсивную джедайскую подготовку на базе Сопротивления. Но когда повстанцы узнают от шпиона в Первом ордене о воскрешении Палпатина, они сами решают отыскать императора: в путь на «Тысячелетнем соколе» вместе с Рей отправляются Финн (Джон Бойега), По (Оскар Айзек), C3PO (Энтони Дэниелс) и Чубакка (Йоонас Суотамо). Теперь
«Тысячелетнему соколу» не потребуется куча времени на расчёт сверхсветового прыжка – его экипаж явно подсмотрел каскад прыжков где-то в сиквеле «Стражей Галактики».

Перед Дж.Дж. Абрамсом стояла задача ещё более, сложная, чем в VII эпизоде, когда ему нужно было ввести в историю новое поколение героев. После «творчества» Райана Джонсона в эпизоде VIII, режиссёру требовалось не только закрыть новую трилогию и подвести итог под тремя (!) трилогиями, но и разгребать все те завалы, что оставил после себя предыдущий постановщик, не удосужившийся дать хоть какое-то объяснение о возникшей из ниоткуда силе Первого ордена, происхождении Сноука и родителях Рэй. Абрамс не стал наступать на эти грабли дважды, делая жест джедая и заверяя слабых духом, что это не те дроиды, которых вы ищете (зачёркнуто) ответы на эти вопросы вас не интересуют. Впрочем, его ответы оказались вполне себе формальными (а при ближайшем рассмотрении вызывают лишь новые вопросы, но спасибо хотя бы за то, что вопросы в принципе не были проигнорированы), ведь куда важнее было довести до логического завершения все многочисленные арки персонажей: свалить это неблагодарное дело на следующий фильм не получилось бы – следующая трилогия Star Wars наконец-то перестанет эксплуатировать семейство Скайуокеров и подарит нам абсолютно новых героев.

«Скайуокер. Восход» расколол зрителей так же, как и его предшественник, но всё же стоит признать, что Абрамс провёл работу над ошибками. Назвать новый фильм калькой с какого-то предыдущего эпизода уже не получается. Сюжет развивается стремительно, чередуя драматические и сентиментальные сцены с привычно качественным действием – вы можете не оценить фильм высоко, но скучать на сеансе точно не придётся. Раздражающие второплановые и третьеплановые персонажи, заявленные в «Последних джедаях» получили что-то около тридцати секунд экранного времени на всех, а почти весь остальной хронометраж отдан на откуп выяснению отношений Рэй и Кайло Рена, из которых получился действительно интересный и противоречивый дуэт (справедливости ради, их взаимоотношения были единственным светлым пятном и в фильме Джонсона). Возрождённая силой CGI Лея не режет глаз и нареканий не вызывает, хотя очевидно, что будь Кэрри Фишер жива, роль была бы существенно расширена, а её героиня получила бы куда больше крупных планов. А вот нарисованная на компьютере молодая Лея выглядела куда неестественнее, что особенно странно на фоне вполне себе реалистичного молодого Люка.

В целом спецэффекты выдерживают высочайший стандарт качества, заданный предыдущими частями, но графика наряду с дизайном – как раз те элементы, за которые в «Звёздных войнах» переживать не приходилось никогда. В этот раз, впрочем, особенно хочется отметить и звук, создающий, наверное, львиную долю атмосферы скрытой планеты ситхов, чьи координаты стали главной загадкой и катализатором сюжета фильма. Как и ожидалось, «Скайуокер. Восход» показал ещё несколько новых кораблей, обитаемых – и не очень – миров (снова не обошлось без пустыни – доколе?) и форм инопланетных рас. За юмор привычно отдувается C-3PO, которому не привыкать разряжать грозящую стать уж слишком пафосной обстановку. А непривычным стало отсутствие новых забавных зверюшек, чьи фигурки затем можно было бы активно продавать детишкам в магазинах. Помните неуклюжих поргов и кристаллических волков из «Последних джедаев»? Здесь же, если не считать маленького подпольного хакера, есть лишь буквально один кадр с мелкими ушастыми лисичками, который можно пропустить, просто моргнув. Видимо, для мерчандайзинга в этом году Диснею с лихвой хватило мини-Йоды из «Мандалорца».

Абрамс не прыгнул выше головы и не создал идеальные «Звёздные войны», но сделал почти всё, что было в его силах, учитывая непростое положение, в которое завёл франшизу предыдущий постановщик со своим «авангардным» взглядом. Увы, хоть хореография дуэлей на световых мечах и превзошла Оригинальную трилогию, но она даже не пытается дотянуться до динамизма и элегантности трилогии приквелов. Никуда не делся и каноничный «шахматный» принцип, при котором победа в войне достигается не при разгроме основной части армии противника, а лишь при ликвидации одной важной фигуры на доске, но это уже слабое место не только «Звёздных войн», а вообще всех фильмов про инопланетные вторжения. Зато однозначной удачей можно назвать обильный фансервис, наблюдаемый на протяжении всей ленты – от старины Лэндо Калриссиана до Красного-5. И пусть кто-то скажет, что культовые элементы саги подаются излишне в лоб, не слушайте. Ведь если у вас не ёкает сердце при виде припаркованных рядом классических X-Wing и TIE-Fighter, значит, вы никогда по-настоящему не любили Star Wars.

Интересные факты:

Первый фильм серии, снятый на 65-миллиметровую плёнку.

Изначально режиссёром картины должен был стать Колин Треворроу, однако из-за творческих разногласий со студией он покинул пост режиссёра, оставшись сценаристом, а его место занял Джей Джей Абрамс, уже работавший вместе с LucasFilm над седьмым эпизодом саги — «Звёздные Войны: Пробуждение силы».

В картине использованы материалы с участием Кэрри Фишер, снятые для фильма «Звёздные войны: Пробуждение силы».

25 ноября 2019 года появилось известие о том, что сценарий к фильму появился в интернете. Кто-то из актёров (впоследствии Джон Бойега признался, что это был он) якобы забыл сценарий под кроватью, когда перебирался в другой номер. Во время уборки сценарий обнаружили и попытались продать его на eBay. Режиссёр Джей Джей Абрамс подтвердил, что «Дисней» и Lucasfilm выкупили его.

Вместе с эпизодической ролью в виде голограммы в фильме «Звёздные войны: Эпизод 5: Империя наносит ответный удар» Палпатин является самым известным злодеем вселенной «Звёздных войн», появившимся на экране шесть раз.

Энтони Дэниелс, исполнитель роли C-3PO, – единственный, кто сыграл во всех 9 официальных фильмах франшизы «Звёздные войны» (не говоря уже о множестве спин-оффов). Начал он с появления в самом первом фильме «Звёздные войны: Эпизод 4. Новая надежда» (Джордж Лукас, 1977).

Исполнитель роли Кина британский актёр Доминик Монахэн попал в актёрский состав фильма благодаря выигранному у своего друга и режиссёра Джея Джея Абрамса пари. Абрамс, который был одним из авторов сценария, написал эту роль специально для Монахэна.

Джей Джей Абрамс назвал планету Киджими в честь японского синтезатора.

Вначале Джордж Лукас думал снять 12 серий, но затем сократил количество до 9 и заявил, что единственными персонажами, которые появятся во всех 9 сериях, станут дроиды. Так и вышло. Энакин Скайуокер и Оби-Ван Кеноби, единственные, кто сыграл во всех фильмах оригинальной трилогии и трилогии приквела, в трилогии сиквела уже отсутствовали. Во всех девяти сериях сыграл только Энтони Дэниелс, исполнитель роли C-3PO.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Надо немного погрузиться в прошлое, дабы зритель, ещё не успевший узнать, что же за блюдо такое этот «Зомбилэнд» и с чем его ели. По сути, в 2009-ом году, когда и вышел комедийный боевик «Добро пожаловать в Зомбилэнд» все были уверены, что тема зомби-апокалипсиса жёвана-пережёвана и ничего нового в поджанр внести невозможно, только снять очередной шаблонный трэшак. Но снабжённый добротным юмором, выпуклыми, хорошо прописанными персонажами, и интересной текстурой всей истории «Добро пожаловать в Зомбилэнд» понравился не только зрителям, но и критики внезапно оказались удовлетворены увиденным, что на них не похоже. Так что несколько номинаций в экшн-секторе кинофорумов были заслужены всей командой фильма, в том числе и актёрским квартетом, где каждый что-то привносил от себя и добавлял к другому, если уж проявлялись некие слабости. В общем, «Добро пожаловать в Зомбилэнд» действительно интересный и оригинальный проект, который можно смотреть даже несмотря на лютую ненависть к жанру.

И 122 миллиона кассовых сборов при бюджете в 42, одобрение публики и критиков, справедливо указывали на появление сиквела. Но, как уже все поняли, его создание было десять лет в подвешенном состоянии, и всё же мы дождались. И вот Тэллахасси (Вуди Харрельсон), Коламбус (Джесси Айзенберг), Вичита (Эмма Стоун) и Литтл Рок (Эбигейл Бреслин) обосновались в Белом доме, но их терзают внутренние распри вроде семейных. И как бы они нашли наконец-то где им жить, да добра наживать, но Литтл Рок в свой пик пубертатного периода отправилась к пацифистической мечте в обитель последователей хиппи. Оставшееся трио и внезапно примкнувшая к ним "типичная блондинка" Мэдисон (Зои Дойч) вновь отправляется в путь. А на нём они, естественно, встретят немало зомби, некоторые из которых мутировали и стали куда более выносливыми, злыми и кровожадными.

Если центральной сюжетной аркой первой ленты было путешествие в парк аттракционов в целях поиска убежища от зомби и попутного поиска пирожных Твинки, то в данной ленте всё сводится к поискам сбежавшей Литтл Рок. Что также выливается в настоящее дорожное путешествие по всей Америке, сдобренное многочисленными словесными перепалками героев друг с другом и различными комичными ситуациями в духе Saturday Night Live.

Безусловно одним из главных достоинств картины является возвращение практически всей производственной команды оригинальной ленты. Что пожалуй и позволило авторам максимально точно воссоздать дух, атмосферу и колорит оригинала. Творческая команда постаралась на славу: все герои блещут харизмой и юморесками, параллельно изничтожая зомби самыми оригинальными способами под забойный саундтрек, на первой строчке которого гордо расположилась Metallica. И выглядит всё это месиво эффектно и зрелищно, однако сюжет картины не раскрывает ничего нового или потенциально интересного, благодаря чему картина функционирует по правилу "экшн ради экшна". Однако, если в пору выхода первого фильма эта сама атмосфера и задор смотрелись достаточно оригинально, то спустя десять лет и ряда фильмов аналогично хулиганского характера фильм уже не способен сильно удивить. Разве что, куда большим количеством крови и кроваво убиваемых на экране живых мертвецов. Когда как в остальном режиссура Рубена Фляйшера оказалась чуть слабее и стерильней.

Сиквел бережно сохраняет всё достигнутое ещё в первом фильме. Это и грубый, едкий, мужланский, если угодно, говор Тэллахасси, который как никому идёт именно Харрельсону с его устоявшимся экранным типажом. Это и добродушный, но скользкий Коламбус. Это и пробивная Вичита. Сцены потасовок в зомби сняты в той же манере и не лишились напряжения вкупе с тонкой балансировкой юмора. Шуток много и определенная их часть отсылает к истории Америки. Поэтому не зная местный фольклор - рискуете потерять большую долю иронии.

Новоприбывшие персонажи не провалили свои задачи. Пусть героиня Дойч дико выводила из себя, но это и нужно было создателям - потешиться над глупостью девочек из группы поддержки. А Доусон всегда хорошо на вспомогательном плане, делая образы выразительными и запоминающимися. Конечно, некоторые черты слишком повторяют язык оригинала, но всё равно хуже от этого «Контрольный выстрел» не становится.

Выстраивая история по канонам дорожных приключений, создатели смогли насытить сюжет множеством локаций и неожиданными звездными появлениями. Занимательно прописанная связь новой истории борцов за выживание во время зомби-апокалипсиса с наследием Элвиса Пресли добавляет исключительности сюжету. Отель-музей имени Элвиса Пресли получился колоритным и запоминающимся, в нем прям чувствуется атмосфера рок-н-ролла. Хорошо, что изрядная часть фильма прошла именно здесь, но все в меру - дольше положенного сюжет на одном месте не тормозит.

«Контрольный выстрел» вышел не идеальным, но классным. Рубен Фляйшер все-таки держал все под своим контролем и постарался сделать по меньшей мере очень веселый фильм, который неплохо развлекает, смешит и просто позволяет нам насладиться еще одной встречей с полюбившимися ребятами.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
В 1990 году на то время уже зарекомендовавший себя как грамотный мультипликатор Эндрю Стэнтон становится сотрудником бурно развивающейся в руках Стива Джобса компании Pixar. А в 1995-м имя Стэнтона значится в списке сценаристов первого созданного полностью на компьютере фильма – той самой оригинальной «Истории игрушек». Дальше мультипликатор отправится в режиссерское плавание как с мультпроектами: «Приключения Флика», «В поисках Немо» (а затем и Дори), «ВАЛЛ-И», так и с киноисториями: «Джоном Картером» и парой эпизодов второго сезона «Очень странных дел». Но все эти годы Стэнтон, как и, например, создатель «Тачек» Джо Лассетер, преданно работал над многолетней «Историей игрушек». Наверное, из-за бережной любви сценаристов франшизе удалось на протяжении всех 24 лет существования остаться трогательной и качественно сделанной сказкой для тех, кто никак не может выпустить из рук своего заплаканного мишку.

Первая «История игрушек» заслуженно принесшая Джо Лассетеру и его команде почетный «Оскар», — начиналась с ревностного сражения двух любимых игрушек мальчика Энди за его сердце и заканчивалась тем, что ковбой Вуди и астронавт Базз становились лучшими друзьями. Во второй серии (1999 год) Вуди похищал безумный коллекционер, а Базз и остальные игрушки его спасали, возвращая домой, к безутешному Энди. Наконец, в третьей части (2010) Энди становился взрослым, и игрушки сначала попадали в детский сад, что едва не кончалось для них катастрофой, а потом — к новой владелице, девочке Бонни. На этом сюжет казался исчерпанным. Но не тут-то было.

Бонни идет в школу, брать с собой игрушки запрещается. Это мнимая завязка: сюжет взросления исчерпан, речь пойдет о другом. Домой Бонни возвращается с новой игрушкой, которая и дает толчок неожиданной интриге. Это Вилкинс — корявая и непрочная самоделка, изготовленная девочкой из пластиковой вилки и других подручных средств. Смастерив Вилкинса случайно, Бонни привязывается к нему больше, чем ко всем своим игрушкам, отныне он — ее любимец. Беда в том, что Вилкинс отказывается признать себя игрушкой. Он твердо знает: его судьба — стать бытовым отбросом. Он не игрушка, а мусор, место ему на помойке. Суицидальные действия Вилкинса не только вносят сумбур в размеренный быт игрушек, но и пробуждают в них страшные подозрения: а что, если все они в конечном счете мусор, какой тогда смысл делать вид, что у них есть душа? Перед нами ни много ни мало фильм о потере смысла жизни и его обретении.

При этом, даже при всей любви создателей, «История игрушек 4», – вообще-то, предприятие крайнего риска. Ведь, казалось бы, вся франшиза не то чтобы зашла в тупик, но благополучно закончилась – точно. Первые две серии уверенно в детство погружали, а третья – помогала выросшим мальчикам и девочкам с ним расстаться. Но так вышло, что во взрослую жизнь надо еще и вступить. Причем проблема отказа от принятия условий игры, которые предлагает окружающий мир, – история регулярная. Неслучайно позволяющие стать на новую жизненную ступень обряды инициации проходили все народы во все времена. Стоит вспомнить греческую мифологию или средневековый эпос, где зачастую герой становился героем лишь после ряда заложенных чуть ли не в коллективном бессознательном действий – именно оттуда, по всей видимости, и идет, к примеру, препоясывание мечом, проходимое каждым рыцарем.

Подобным обрядом видится и финальная «История игрушек». В ней герои уже не пытаются вернуть своего ребенка или хотя бы принять его утрату, а ищут способы жить дальше. Иными словами, дают зрителю своего рода руководство к действию в мире взрослых. Книжку, в которой довольно прямым текстом говорится, что в самостоятельности, если она не превращается в одиночество, ничего плохого нет; что любовь не проснется, даже при отсутствии недостатков, а чувства можно испытывать и к человеку того же пола; что собственное восприятие в большинстве случаев расходится с восприятием окружающих... Не случайны в данном контексте и изменение характера ставшей «сильной и независимой» пастушки Бо, и появление новых героев: условного антагониста фильма – дефектной куклы Габби Габби, к примеру, или привязанных друг к другу мальчиков Заи и Ути. Ну и вскользь упомянем, что в ленте, помимо прочего, есть аллюзии на современные политические реалии и тенденции – те же вопросы гендера и «трампзима» поднимаются знакомым анимации иносказанием.

Перед нами драма, в которой кто-то оставит (или не оставит) семью, кто-то не сможет (или сможет) смириться с выходом на пенсию, а кто-то предпочтет (или не предпочтет) чужое счастье своему. Это абсолютно «взрослая» драматургия — но донесенная до зрителя в детских ладошках. Если предыдущие серии «Истории игрушек» отсылали зрителя к «Винни-Пуху» или «Путешествию „Голубой стрелы“», хрестоматийным сказкам о связи ребенка с игрушками, то новый фильм явственно наследует шедевру Ганса Кристиана Андерсена «Пастушка и трубочист» (Бо Пип пришла будто прямиком оттуда), дважды экранизированному великими аниматорами: французом Полем Гримо в 1952-м и россиянином Львом Атамановым в 1965-м. Там две фарфоровые фигурки, влюбившись друг в друга, сбегали из дома, но на крыше их охватывал страх перед огромным миром, и они возвращались обратно. Прошло больше полутора столетий, а страх перед свободой и независимостью никуда не исчез. В своем блистательном мультфильме студия Pixar по меньшей мере пытается его победить — ее герои преодолевают стереотипы и берут судьбу в собственные, пусть даже фарфоровые или тряпичные, руки.

Молодой режиссер Джош Кули, дебютирующий здесь в полном метре, не чужак, а человек Pixar. Со времен первой «Суперсемейки» он работает на студии раскадровщиком, сам снял два отличных коротких метра — «Джордж и ЭйДжей» по мотивам «Вверх» и «Первое свидание Райли» в продолжение «Головоломки», на которой он был соавтором сценария. Кули виртуозно владеет тем, за что миллионы зрителей любят Pixar: авантюрной интригой, неожиданными трюками, драматургическими поворотами, точным балансом между главной и второстепенными сюжетными линиями, способностью дать слово неочевидным персонажам и влюбить публику в них. Еще важнее то, что у Кули есть свой почерк, интонация, зона интересов, позволяющие моментально отделить «Историю игрушек 4» от предыдущих серий.

И все же «История игрушек 4» не забывает быть такой, какой ее все ждут, то есть как погружающей в детство бессчетным упоминанием ностальгической фразы Базза Лайтера «Бесконечность – не предел», атмосферой вечного карнавала и приятным запахом пыльных полок (здесь эту функцию здорово выполняет антикварный магазин), так и развлекающей остроумием и милыми визуальными аттракционами. Удивительно, но столь позднее возвращение к франшизе оказалось не как обычно необязательным (привет новым «Людям в черном»), а действительно важным, умело завершающим цикл, в котором жили миллионы детей, подростков и взрослых.

Интересные факты:

Создателя студии Pixar и оригинальной «Истории игрушек» (в следующем году ей исполнится 25 лет) Джо Лассетера уволили в рамках кампании по борьбе с домогательствами, а задуманную им новую серию в результате делали другие люди.

Аниматоры нанесли на игрушки царапины и потертости, чтобы показать их старение.

Для сцен в антикварном магазине было воссоздано более 10 тысяч уникальных предметов, прототипы которых команда искала по всей стране. На это ушло более двух лет.

Несмотря на то, что Дон Риклз, озвучивший мистера Картофельная Голова в американской версии фильма, умер в 2017 году, его голос звучит в картине, благодаря архивным записям.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Далёкое будущее. Человечество запустило программу поиска внеземной жизни «Проект Лима», во главе которой стоял капитан Клиффорд МакБрайд. Последний сигнал экспедиции был зафиксирован в районе Нептуна, и с тех пор о её судьбе ничего не было известно. Сам капитан Макбрайд стал героем и самым известным космонавтом, вдохновившим многих на исследование космоса.

Через 16 лет после исчезновения «Проекта Лима» на Земле начинают происходить странные вспышки энергии, выводящие из строя электросистемы и сеящие хаос и разрушения. Мощные космические импульсы уже несколько раз становились причиной тотального блэкаута и, по расчётам учёных, через некоторое время могут уничтожить всё живое на планете. Импульсы эти движутся откуда-то со стороны Нептуна, и их источником, скорее всего, является затерянный корабль Клиффорда МакБрайда. Теперь сыну знаменитого космонавта, майору Рою Макбрайду, поручается ответственная миссия. Он должен добраться до марсианской базы и оттуда попытаться связаться с предположительно живым отцом.

Космос, как пространство абсолютного вакуума, давно и регулярно рифмуется в искусстве с вакуумом личным, становится идеальным местом для всяческого рода интроспекций — не так уж сложно обратить свой взгляд внутрь, когда снаружи нет ничего, кроме безжизненной холодной пустоты. Об этом «Гравитация» Куарона и «Луна 2112» Дункана Джонса, о том же частично «Интерстеллар» и низкобюджетная «Любовь» Уильяма Юбэнка, с этой позиции «Солярис» Тарковского уничижил «неестественную» «Космическую одиссею» Кубрика. В последние годы Голливуд как-то особенно зачастил в космос — то ли политическая обстановка заставляет заниматься настолько далёким эскапизмом, то ли никак не отпустит куароновско-нолановский наградный успех. В том году был «Человек на Луне» Дэмьена Шазелла, в этом помимо «К звёздам» выйдут «Проксима» и «Бледная синяя точка» на ровно одну тему: астронавты возвращаются домой, стремятся обратно вверх, но снится им совсем не рокот космодрома и не эта ледяная синева.

«К звёздам», правда, никак не получится приписать ни политическую конъюнктуру, ни желание влиться в космический тренд: во-первых, сценарий фильма Джеймс Грэй начал писать ещё лет семь назад, во-вторых, слишком уж идеально картина встраивается в его фильмографию. Герои Грэя — вечные иммигранты, которых он сначала настойчиво пытался примирить с домом, затем — отправить от него куда подальше. Мечтой свалить с любимой в Сан-Франциско горит Хоакин Феникс в конце «Любовников», сбегает из неблагополучной Польши в поисках лучшей жизни Марион Котийяр из «Роковой страсти», раз за разом отказывается от спокойной семейной жизни Чарли Ханнэм, пытаясь найти «Затерянный город Z». С последним фильмом «К звёздам» так вообще ближайшие побратимы: обе картины рассказывают о людях, которые одержимо бегут от дома туда, сами не знают куда (или знают, но помогает это не сильно), в поисках того, сами не знают чего.

В обоих случаях Грэй в неожиданных пропорциях мешает глубокую метафизику личностной драмы с совершенно авантюрными сюжетами: в «Затерянном городе Z» открыто цитируется первопроходческая героическая поэзия Киплинга, а «К звёздам», если пересказать сюжет без психологических деталей, будет звучать как экранизация бульварной фантастики. Все эти космические пираты, базы на Марсе, сбрендившие звёздные приматы и полёты через астероиды с металлическим щитом наперевес вроде как совсем не подходят депрессивному фильму о бесконечно несчастном человеке. Но в них и есть, пожалуй, особый греевский шарм: модернистский вайб режиссёра, использующего жанровые тропы так, будто до него про космос не снимали вообще ничего, и потому не имеющий представлений о «низком», «высоком», «нелепом» и «неподходящем». Только у него «Солярис» в секунду может стать «Ковбоем Бибопом».

Есть в этой модерновости Грэя, конечно, и негативная сторона — в «К звёздам» он как-то совсем по-литературному сентиментален и постоянно дублирует визуал монотонным закадром, бубнящим риторические экзистенциальные вопросы. Наложенные поверх фильма речи Брэда Питта звучат так, будто их приделали продюсеры где-то на поздних стадиях производства — примерно как это было с театральной версией «Бегущего по лезвию», — а то вдруг глупый зритель не поймёт, что ощущает герой и что им движет. Это обидно, ведь «К звёздам» всё прекрасно объясняет без слов: во взгляде и аскетичных маньеризмах Питта психологии несравнимо больше, чем в сухом тексте, а великолепная камера Хойте Ван Хойтема — похожая то на Диккинса в сиквеле всё того же «Бегущего по лезвию», то на Любецки в «Гравитации» — фиксирует отчуждённость и тотальную дезориентацию героя в миллиарды раз лучше его монологов. Чисто кинематографически «К звёздам» — один из самых впечатляющих фильмов последних лет, удивительно совмещающий грандиозность космического эпика с камерной теплотой зернистой плёнки. И сложно, глядя на его формальные достижения, не думать о том, насколько фильм был бы лучше, если б чуть реже открывал рот.

Ближе к концу, впрочем, закадр успокаивается и даёт волю кинематографической поэтике Грэя, который в финале молчаливо и без всякого надрыва подытоживает собственные философские искания из «Затерянного города Z». «Человек всегда должен тянуться к звёздам. Иначе зачем нам небо?» — утверждала одна из героинь его прошлого фильма. «Да, в общем-то, незачем», — уверенно отвечает ей «К звёздам». На небе, утверждает Грэй, нет ничего, что вы не смогли бы найти на Земле — везде, куда проникли люди, будут одинаковые лавки «Сабвэя», одинаковые радости и одинаковые проблемы. Тянуться туда совершенно незачем: человеку в конце концов нужен только человек. А вы и дальше идите, свищите, летайте в свои далёкие галактики, а я пойду наслаждаться прекрасным осенним закатом на берегу тёплой южной реки.

Зритель, который будет ожидать драйва, саспенса, гонок, перестрелок, суеты - будет жестко разочарован. Точно не советую этот фильм тем, кто хочет весело и задорно провести время. Фильм похож на сеанс аутопсихотерапии, и полон доброй грусти и созерцания. Это фильм - медитация, аналог «Интерстеллара» или «Марсианина». В нем много тишины, по меркам больших студийных американских проектов. В нем идет размышление о времени, о балансе жизни и смерти. О том что мы несем в себе на протяжении своего отрезка проживания - какие страхи, какую боль, какую любовь.

Грэй периодически выводит зрителя из состояния глубокой задумчивости, которая у многих рискует перетечь в скуку, и подкармливает бойней на одной из планет, крупным планом Брэда и просто фантастическими съемками открытого космоса.

На выходе получается вещь в себе. Герметичный фильм, полный рефлексии автора, чарующе красивый, с потрясающей музыкой. Возможно, это самый красивый фильм за последние годы. И, конечно, в нем солирует один из лучших актеров в истории, вернувшийся на Олимп в прекрасной физической и профессиональной форме - Брэд Питт.

Когда мы видим Питта в кадре, в его глазах слышно больше, чем в его словах. Они как будто постоянно в поиске, находят одну звезду и сразу же смотрят куда-то дальше, за неё. Они наполняются космосом, который больше того, который он бороздит на корабле. Его внутренний мир и есть космос, и он, по сути, есть в каждом из нас. С нашими бедами, нашими проблемами, переживаниями. Эта метафора нужна для того, чтобы напомнить нам о том, что мы не просто люди, мы нечто большее. И естественно, нам тяжело удержать это в одиночку, а значит нам нужен кто-то. Финальный акт картины Грэя это подтверждает, а Питт демонстрирует. И делает это так, что выдает одну из лучших ролей в своей карьере, гипнотическую, завораживающую и искреннюю.

Вся эта личностная драма разворачивается огромным полотном, на котором рисует оператор Хойте Ван Хойтема. Долгие широкие планы, красивые панорамные виды планет. Хойтема грамотно дает масштаба всему этому и подчеркивает, что на фоне таких масштабных локаций, всегда есть место чему-то живому, что способно заполонить собой все вокруг. Камера правильно двигается за героем, как будто проходя вместе с ним путь от начала до конца. Она летит за ним к земле, стремится с ним ввысь, парит рядом в открытом космосе. Это позволяет максимально четко прочувствовать те изменения, которые происходят с нашим героем.

Простая истина, что всегда стоит пытаться, вновь и вновь, здесь подается не как жизненный девиз, а как помощь самому себе. И это, пожалуй, самое главное — желание помочь себе, желание изменить что-то в себе. Не стереть это из памяти, а сделать иным. И можно долго судачить на тему того, что законы физики не соблюдены, что реалистичность сцен в открытом космосе оставляет желать лучшего, но какая к черту разница, когда незнакомые тебе люди, режиссер, оператор, актеры, целенаправленно залезают к тебе в голову, чтобы помочь, чтобы подсказать, чтобы поговорить.

Интересные факты:

Фотографии молодого героя Томми Ли Джонса в оранжевом скафандре — это кадры из фильма «Космические ковбои».

В фильме задействованы Дональд Сазерленд, Томми Ли Джонс и Лорен Дин. В последний раз они вместе играли у Клинта Иствуда в приключенческом фильме «Космические ковбои» (2000).

Перед сценой поездки на луноходах Рою Макбрайду сообщают, что скоро полнолуние. Но во время поездки в небе Луны видна Земля, более чем наполовину освещённая Солнцем, что значит, что недавно было новолуние, следовательно полнолуние наступит ещё не скоро.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
В виду того, что комиксами практически в равной степени интересуется как мужская, так и женская аудитория, издатели не могли обойти стороной достойное представление слабого пола на страницах графических новел, наделив его особыми силовыми способностями, которые позволяли составить признанным героям наподобие Тора или Халка достойную конкуренцию. И в подобном контексте выражение «слабый пол» стало менять свою сущность, преобразуясь в энергию и мощь, с которой невозможно не считаться. Обладая практически безграничным запасом интересных женских персонажей, ребята из Marvel тем не менее хотели создать одну особенную героиню, которая могла бы дать фору целой команде «Мстителей», укрепленной мутантами профессора Ксавьера и Фантастической четверкой. В некотором смысле подобный образ мог конкурировать даже с самими Суперменом или же Зеленым Фонарем, появившимися в лоне издательства DC, но сравнение по силам и умением совершенно не волновало Marvel, ведь они планировали создать свою особенную историю, способную кардинальным образом повлиять на всю рисованную Вселенную. Поручено столь ответственное задание было писателю Рою Томасу и художнику Джину Колану, которые под присмотром самого Стэна Ли в 1968 году наконец-то создали одну из самых известных женских героинь комиксов, получившую звание майора ВВС и имя Кэрол Дэнверс. Наделив ее нечеловеческими силами и умением накапливать в своем теле энергию неимоверных объемов, создатели первым делом отправили ее на знакомство с аудиторией в серии «Супер-герои», где с ней познакомились миллионы вдохновленных читателей, потребовавших более тесного знакомства со столь неординарной и соблазнительной особой женского пола. И уже спустя год Кэрол Дэнверс, или же Капитан Марвел получила свою именную линейку графических новелл, успев тесно поработать с Росомахой и прочими героями Marvel, включая тех самых «Мстителей», с которыми не обошлось без ссор и драматических примирений. В популярной культуре Капитан Марвел встала на одну ступень с Чудо-Женщиной от DC, появилась в играх и мульт-сериалах, и на протяжении многих лет оставалась неизменным ориентиром и примером для девушек, которым был необходим пример для героического подражания. А это в свою очередь означало, что Кэрол Дэнверс просто обязана была появиться на больших экранах в рамках зародившейся в 2008 году Кино-Вселенной Marvel.

Проложив путь к сердцам зрителей посредством полномасштабной экранизации историй таких неординарных персонажей, как Железный человек, Халк, Капитан Америка и Тор, продюсер серии Кевин Файги тем не менее всегда думал о том, чтобы внедрить в Кино-Вселенную целый ряд сильных женских героинь, первыми из которых стали Пеппер Поттс и Черная вдова Наташа Романофф. Однако когда речь зашла о постановке первого фильма с женщиной во главе истории, Файги захотел продемонстрировать миру ранее невиданную икону, которая рассказала бы свою историю в отрыве от прочих картин Marvel и затем постепенно влилась в единый канон. На определенном этапе развития Кино-Вселенной было невозможно внедрить в историю именно Кэрол Дэнверс, чьи силы превосходили всех «Мстителей» в несколько раз, но когда на арену наконец-то поднялся неимоверный титан Танос, наконец собравший все Камни бесконечности, сделавшие его самым сильным существом, когда либо рожденным в нашей реальности, настало время пригласить на огонек и Капитана Марвел, без которой шансы на победу в противостоянии были практически ничтожными. Проработка сольного проекта о Кэрол Дэнверс стартовала для Marvel в один год с выходном третьей части «Железного человека» и велась на протяжении нескольких лет, подстраиваясь под художественные изменения Кино-Вселенной. И в конце концов после длительных переговоров и консультаций на пост главной героини заступила лауреат «Оскара» Бри Ларсон, а в режиссерском кресле оказались Анна Боден и Райан Флек, пришедшие из области сериалов и убедившие Кевина Файги, что им вполне можно поручить столь ответственный проект.

Сама история, представленная на экране, переносит нас в середину 90-х годов прошлого века и отчетливо демонстрирует, что слова агентов «Щ. И. Т.» Ника Фьюри (Сэмюэл Л. Джексон) и Фила Коулсона (Кларк Грегг) относительно того, что Тони Старк отнюдь не первый супер-герой в истории, подтверждаются конкретными фактами. Наша встреча с Кэрол Дэнверс (Ларсон) происходит в непростые времена становления героини, которая должна в полной мере осознать свои невероятные силы и дать отпор расе Скруллов во главе с генералом Талосом (Бен Мендельсон), рыщущим по Галактике в поисках некоего артефакта, способного подарить ему ключевой элемент в борьбе с противниками. Оказавшись на Земле, которая практически неизвестна Дэнверс при том, что является ее истинным домом, героиня раскрывает для себя совершенно незнакомую человеческую цивилизацию и шаг за шагом приближается к раскрытию тайны собственного сознания, которое решило запрятать в глубины сознания ключевые этапы ее жизни. Но вместе с осознанием себя, Кэрол не стоит забывать о приближении противника, который может оказаться куда более коварным, нежели изначально казалось. А в такой ситуации верить нельзя никому. Ну разве что за исключением Ника Фьюри.

Перенеся действия за полтора десятилетия до открытий первого «Железного человека», создатели фильма показывают нам совершенно другую Землю, которая еще не знала нашествия легионов Локи и не стала свидетелем пришествия всадников Таноса. И вместе с тем «Капитан Марвел» демонстрирует нам, что затишье на самом деле предваряет настоящую бурю, которая куда более пестрая, нежели мы представляли по всем прошлым фильмам Кино-Вселенной. Перепрыгнув границы земной атмосферы в результате чрезвычайного происшествия, Кэрол Дэнверс и создатели картины раскрывают перед нами ранее неизведанные галактические границы, в которых ведутся не менее кровопролитные войны, нежели те, что некогда вели на своем участке безграничного космоса властители Асгарда. Но все же фильм не собирается вдаваться во все тонкие детали масштабного противостояния, сосредоточившись именно на образе Кэрол Денверс, которой предстоит понять себя и принять то, кем она является. В связи с этим зрителям не получится сполна насладиться всем боевым великолепием героини, так как все самое поразительное авторы, по всей вероятности, оставили для последующих фильмов Кино-Вселенной. А данная картина лишь условно возвращает нас в прошлое, когда свою историю становления показали Тони Старк и прочие изначальные члены «Мстителей», играющие по первоначальным правилам Marvel, исключающим глубинное проникновение в историю персонажей в угоду ненавязчивому развлекательному элементу. Конечно нельзя сказать, что подобный подход обесценивает величие одной из самых известных женских героинь в истории комиксов, но в некотором роде можно сказать, что первое появление Кэрол Дэнверс получилось не столь эффектным, как многим бы хотелось.

«Капитан Марвел» — это вполне себе неплохой супергеройский фильм на один раз для неискушенного зрителя. В нем по минимуму имеются все плюсы современного развлекательного кино: обилие юмора разного калибра, хорошая картинка и спецэффекты, красочный экшен, лёгкая атмосфера и неплохая идея. Казалось бы, стандартный ориджин от Марвел, и это, по сути, так и есть. К сожалению, это и стало главной причиной того, что картина оказалась одной из самых неинтересных в местной вселенной. Оставить в восторге она может разве что НЕ фаната, или людей, НЕ знакомых с жанром кино-комиксов.

Все качества, стороны и аспекты данного творения либо сделаны на слишком обыденном уровне, либо на уровне ниже среднего. Взять, хотя бы, главную героиню. Вроде бы у неё имеется какая-никакая драма из-за потери памяти. Вроде мы узнаем о ней информацию, и понимаем, кто она такая. Однако, в том-то и беда, что нам это только рассказывают, а не показывают. Прошлое Кэрол Денверс раскрывается только посредством фотографий и рассказов других персонажей. Кроме роли в сюжете, мы о ней ничего не узнаем. О её отношениях с семьей и интересах имеются только намёки. Достаточно сложно проникнуться к персонажу, если о ней известно слишком мало.

Отдельно стоит остановиться на её силе. Перед нами одна из самых мощных персонажей во вселенной. Так может нам покажут эпическую битву с ордами врагов, или с существом ей равной?… К сожалению, нет. Кэрол Денверс бьется с противниками, которых, при желании, могла бы уложить одним пальцем. К слову, сам экшен здесь получился скучным и неинтересным. Банальные пиу-пиу, отбрасывания, удары сзади, швыряние предметов… в общем слишком обыденно. Местами проскакивали проблемы с постановкой, когда видно, что актёры падают специально, или когда пространство слишком затемняется, чтобы не было видно невысокую силу ударов.

Фильм не считает нужным рассказать более подробно о новых расах во вселенной. Если Скруллов хоть как-то успели раскрыть, то о расе Крии не рассказано почти ничего. Они воюют со Скруллами и все на этом. Как устроена их жизнь? Кто такой Высший Разум? Как они пришли к такому строю? И много других вопросов, ответы на которые мы не получим.

Кроме того, кино откровенно халтурит в плане сценария. Главная героиня попадает именно на тот корабль, который находится над Землей. Затем оказывается именно в том месте, где её найдет Щ. И. Т. К ней придет именно тот человек, который нужен по сюжету… в общем, понятно. На это можно было закрыть глаза, не будь более серьезных допущений. Особенно выделяется момент приобретения героиней своих способностей. Она должна была просто погибнуть после подобного инцидента. Однако, с ней происходит то, что выгодно по сценарию. Это сложно описать без спойлеров — это нужно видеть.

Еще одним сильным недостатком является то, что картина плохо влияет на саму кино-вселенную Марвел, оставляя сюжетные дыры и вопросы к предыдущим лентам. Если как-то можно смириться с тем, что Ник Фьюри был когда-то веселым шутником, то момент, из-за которого он потерял глаз, смотрится смехотворно и даже как-то издевательски, учитывая устоявшийся образ Фьюри. Эти аспекты лишний раз подчеркивают, что данное кино изначально не входило в планы студии. Оно было создано, чтобы подогреть интерес к четвертой части «Мстителей», объяснить сцену после титров «Войны бесконечности», а так же увеличить аудиторию лент студии за счет первого женского сольного фильма.

У данного творения имеется только одна безусловно мощная и интересная находка — это идея, которая подается через сюжет. Опять же, сложно говорить без спойлеров, но картина ясно, чётко и понятно доносит одну очень важную мысль. Она состоит в том, что зачастую мировоззрение человека крайне ограничено. Любое существо, называющее себя разумным, хочет видеть себя таким таковым и боится признаться даже в потенциальной возможности своей ошибки. Кроме того, прекрасно показано, как это помогает манипулировать подобными людьми тем, кому это выгодно. Противостояние расы Скруллов и Крии наглядно демонстрирует правдивость этой идеи.

И все же у фильма есть несколько неоспоримых достоинств наподобие неожиданно жизнерадостного Ника Фьюри, растиражированного во всех рекламных материалах рыжего котика, великолепного Бена Мендельсона и парочки отсылок к 90-м, которые не то, чтобы очень существенны, но вызывают улыбку. Да, фильм далеко не идеален, но для общего знания Кино-Вселенной с ним можно ознакомиться.

Интересные факты:

Анджелине Джоли предлагали 20 миллионов долларов за постановку фильма.

У Бри Ларсон аллергия на кошек, поэтому в сценах с Гусей использовалась кукла или компьютерная графика.

Действие фильма разворачивается в 1990-х годах, это прелюдия к историям таких героев кинематографической вселенной Marvel, как Ник Фьюри, Фил Колсон, Корат Преследователь и Ронан Обвинитель.

В комиксах кошку капитана Марвел зовут Чуи в честь Чубакки из «Звёздных войн» (Джордж Лукас, 1977). Здесь она названа Гусей в честь лейтенанта Ника Брэдшо по кличке «Гусь» из драмы Тони Скотта «Лучший стрелок» (1986).

Готовясь к роли, Бри Ларсон в течение 9 месяцев училась дзюдо, боксу и борьбе. Она также посещала базу ВВС США «Неллис» в штате Невада и беседовала с пилотами, включая бригадного генерала Дженни Левитт и майора Стивена дель Баньо.

Играя Талоса, Бен Мендельсон говорил с родным австралийским акцентом и переключался на американский выговор, только когда его герой маскировался под человека.

Писатель, актёр и автор комиксов Стэн Ли (1922-2018) появляется на экране в двух эпизодических ролях. Его показывают в логотипе Marvel Studios и затем ещё в поезде, читающим сценарий комедии Кевина Смита «Тусовщики из супермаркета» (1995), в которой он тоже сыграл небольшую роль.

В основу фильма положена сюжетная линия войны между Крии и Скруллами.

Униформы членов элитного отряда «Звёздная сила» сочетают в себе броню зелёного и белого цветов и элементы комбинезона капитана Марвел из комиксов 2012 года.

За первые сутки с момента появления трейлер фильма набрал 109 миллионов просмотров, став 11-м самым просматриваемым трейлером.

Кэрол Денверс приходит в бар «У Панчо», и зритель видит флешбэки, в которых она показана пилотом-испытателем ВВС. Бар «У Панчо» действительно работал неподалёку от базы ВВС США «Эдвардс» в штате Калифорния в 1940-х гг. Его нередко посещали такие известные пилоты-испытатели, как Чак Йегер, Роберт Андерсон, Джек Ридли, Джеймс Дулиттл и Базз Олдрин. Этот же бар фигурирует в приключенческой драме «Парни что надо» (Филип Кауфман, 1983), отсылки к которой есть и в этом фильме.

Имя Капитан Марвел появляется в фильме только во время финальных титров.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
У пловчихи Хэйли день не задался: сначала она проиграла заплыв, уступив доли секунды, а затем на Флориду обрушивается ураган 5-й категории. Но что ещё хуже, отец не выходит на связь, поэтому Хэйли отправляется в уже эвакуированную зону и находит его тяжелораненым и без сознания в подвале их старого дома. Пытаясь вытащить отца из сырого подвального помещения, девушка обнаруживает, что тут засел огромный агрессивный аллигатор. Неудачный день продолжается — вода прибывает, помощи ждать неоткуда, а зубастая рептилия готова напасть при любой возможности.

В «Капкане» нашла своё воплощение одна из излюбленных тем в творчестве Александра Ажи — укрепление семейных уз на фоне творящегося вокруг ночного кошмара. До того режиссёр использовал в работе с ней побочные мотивы, меняющие жанровое направление на ходу. Комический окрас трэш-вечеринки с доисторическими рыбами в «Пираньях» перетягивал на себя внимание с лирического сближения матери-шерифа и её сына настолько, что в памяти в первую очередь оставался Винг Реймс, использующий мотор от лодки для перемалывания зубастых мальков. За пытками в «У холмов есть глаза» кроется крах клана в несколько поколений, не вовремя застрявшего посреди пустыни. Но бесчинства жестоких мутантов приводили к проблематике скорее морального толка. Сделав римейк одной из ранних картин Уэса Крейвена, постановщик переосмыслил вопрос праведной мести, задав тренд на последующие обращения к схожим социальным конструктам «Дня женщины» или «Последнего дома слева».

На этот раз материал оригинальный — Ажа мастерит честный водный аттракцион. Он не заявляет претензий на проработанный психологизм персонажей или реализм, тогда бы арсенал используемых метафор оказался излишне банальным. Завладеть вниманием зрителя можно с помощью одной собачки, перебирающей лапами по воде, лишь бы не быть съеденной. Реальность в прямом смысле кусается. Чтобы перебороть себя и былые обиды, нужно взять верх над природой. Все флешбэки касаются профессиональных успехов на тренировках, от которых одни проблемы. А обветшалый дом выступает своего рода лимбом, в котором отец с дочерью наконец-то находят время поговорить в перерывах между нервическим поколачиванием крокодилов лопатой или попавшимися под руку ящиками и изматывающими играми в догонялки вплоть до следующего укромного уголка, куда не дотянутся морды пресмыкающихся.

Всё, что произносят герои, — поверхностная болтовня про драмы в прошлом, что не позволяет отвлекаться от самоидентификации с Хейли. Случайные проходимцы за окном — не что иное как мимолётный фон, закуска к основному действу. Здесь важно отметить, что Ажа мастерски работает со светотенью, не позволяя «Капкану» склониться в сторону бюджетного триллера про битву в замкнутом пространстве с пиксельными крокодилами. Наоборот, он заявляет улицу, но лишь как новый уровень опасности, в котором умереть гораздо проще, чем в родовом гнезде.

Саспенс в большей степени построен на звуковом оформлении, и напряжение нагнетается за счёт редких всплесков воды, ударов по трубам, так, чтобы редкие смерти имели мощный эффект. Аллигаторы — часть природного ландшафта, колорит Флориды и не слишком заезженная в голливудском кинематографе агрессивная живность. Для Ажи этот выбор достаточно условен. Ему важнее, чтобы на приборной панели в автомобиле Хейли покачивалась игрушечная акула с ногами безымянного пловца в пасти, с самого начала указывая на настоящего альфа-хищника. А вообще, кажется, что главная прелесть фильма скрыта в холодно-голубых глазах Кайи Скоделарио. Для победы порой нужно не только жалить как пчела или порхать как бабочка, но и ползать. А уж в том, что в беде такая девушка способна высечь искры и разжечь пламя, сомнений никаких.

Режиссёр умело оперирует клишированными ситуациями, ожесточая условия выживания: на помощь никто не приходит; телефон выпадает из кармана, потом его ломает аллигатор; подвал начинает отчаянно заполняться водой; дождь, идущий на руку героям, внезапно перестаёт капать. Все эти неудачные стечения обстоятельств кажутся дичайше несправедливыми, однако прибавляют фильму «хардкорных» красок и делают его жёстче, напряжённее и оригинальней прочих survival-хорроров.

Если присутствуют клише, то значит есть и ляпы. Например, героине аллигатор прокусывает сначала ногу, бросая её из стороны в сторону. Затем рептилия ей прокусывает руку. В реальной жизни, Хейли потеряла бы сознание от болевого шока, но не здесь. Ей даже хуже не становится. Лишь похрамывает, но это не мешает ей бегать и плавать, как здоровому человеку.

Нам демонстрируют очень сильный ветер с дождём, верхушки пальм и деревьев развиваются в потоке как бешеные, в то время как кустарники находящиеся внизу почти не шевелятся. Наша парочка застряла в подвале в который открыто стекает вода с улицы, которая в свою очередь заполнена водой, так что по ней плавают на лодках, но подвал словно бездонный бассейн, заполняется только по воле режиссёра. Город затоплен, ещё и сброс дамбы, но вода довольно прозрачная и ясная, лишь с незначительными 'крошками' для придания эффекта.
В сюжете на словах присутствуют ещё два персонажа, это супруга главного героя и его вторая дочь, но ни какого смысла в сюжете они не несут, только лишь ради того, что бы наши герои могли потрепаться об них в самых неподходящий момент и поплакать. Отважному папаше, главному герою с его серьезнейшими ранами и переломами позавидовал бы сам Джон Рэмбо, да и дочка его тоже не далеко ушла в этом плане.

Абсурд повсюду, начиная с диалогов и продолжая сюжетной последовательностью и всё это безобразие разворачивается на территории всего лишь одного подвала. Какого чёрта главная героиня, когда впервые спустилась в подвал поползла по всем этим отходам на четвереньках? Неужели было нельзя идти на корточках или полуприсядом? Безумный папаша всегда отправляет свою дочь в самое пекло, говоря её напутственные слова "Ты справишься!", зная что подвал кишит аллигаторами и при этом продолжает орать на все его окрестности переговариваясь с дочкой, которой так же в ответ приходится кричать ему, а когда всё идёт не по плану, наш папаша задаёт нелепые вопросы через стенку, что то вроде: "Всё в порядке?, Ты жива?". Уже во второй половине фильма я устал слушать кряхтение наших героев корчащихся от боли, но отважно продолжающих идти в перёд, через минуту уже забывая о своих глубоких кровоточащих ранах.

И даже если откинуть в сторону всё выше сказанное и поговорить непосредственно об аллигаторах в этом фильме, об их нападениях на людей и мочилове, то здесь нет чего то нового и впечатляющего. Если папка с переломанной ногой и его дочка плавчиха в течении всего фильма круче десятка аллигаторов, ещё и отвешивают тем, о чём здесь можно ещё говорить? Да неплохой грим, есть несколько неплохих сцен нападения ну и всё в целом. Сюжет высосан из пальца, интриги нет. Крокодильчики сыграли свою роль хорошо.

Тем не менее, правильно построенный сценарий и прекрасная Скоделарио не дают посреди фильма поворчать, высказав недовольство, что «вот этого-то точно быть не может» — просто об этом не успеваешь подумать, глубоко погрузившись в пугающее знакомство с капканом для людей. И несмотря на привычную сто раз проработанную схему, есть куча поворотов, которые сложно сходу предсказать, потому что занят волнением; есть куча клаустрофобных кадров, когда задерживаешь дыхание — совсем как героиня перед очередным погружением — и надеешься на благоприятный исход; есть куча ловушек и захватывающих моментов. Даже при условии, что в созданных режиссёром условиях в реальной жизни стопроцентно никто бы не выжил — ну разве что чудом, — зрелище и своевременно сконструированные по ходу сюжета капканы заставляют следить за действом неотрывно, а напряжение не оставляет ни на минуту.

«Капкан» - это достойный фильм жанра «катастрофа» с отличной графикой, напряжённым драйвом и воодушевляющей моралью. Несмотря на наличие клише и ляпов, крепкий и самоуверенный триллер, который однозначно достоин внимания любителей жанра.

Интересные факты:

Crawl по английски означает "ползком".

Хотя в фильме показано крайне агрессивное поведение миссисипских аллигаторов, в реальности они (в отличие от крокодилов) редко нападают на людей.

В основе фильма лежит реальный случай, произошедший во время урагана Флоренс (август-сентябрь 2018 года).

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Около двадцати лет назад маленькая чернокожая девочка Молли стала свидетелем зачистки появления инопланетян неподалеку от ее дома. Саму Молли попросту не заметили, а значит, память не стерли, да еще и позволили помочь милому и пушистому пришельцу сбежать от надзора организации. Уже в наше время героиня (Томпсон) одержима «Людьми в черном»: она пытается устроиться в ФБР, ЦРУ и еще несколько ведомств, которые, по ее мнению, должны навести на след Людей в черном. И вот мечта Молли сбывается – она отслеживает агентов, направляющихся с места происшествия в офис организации, в котором позже ее глава О (Эмма Томпсон) присвоит Молли букву «М» и отправит на задание в Лондон, где та вместе с британским агентом Эйч (Хемсворт) должна будет вычислить крота.

Нельзя сказать, что облик новых «Людей в черном» диктуется столь же непривычным для франшизы актерским составом. Несмотря на блиставших раньше Уилла Смита с Томми Ли Джонсом, так и сбежавшей из «Тора» парочки Хемсворта с Томпсон, на самом деле эту масштабную продюсерскую историю всегда двигал режиссер. Бессменным руководителем киноверсии очень непопулярного комикса «Люди в черном», как мы знаем, долгие годы был Барри Зонненфельд, до того перенесший на большие экраны «Семейку Аддамс», а после адаптировавший, наоборот, для ТВ историю про детишек Бодлеров «33 несчастья». В двух словах, его работы всегда (по крайней мере, до последних лет) несколько походили на фильмы Тима Бертона: в них так же изобретательный комизм граничил с легким ужасом (ожившие кисти рук, отвратительные инопланетяне и так далее).

Забавно, что в последние годы, когда Бертон своим «Дамбо», например, показал, что теперь снимает неплохое, но не такое, как раньше, то есть «повернутое» и удивительное, студийное кино, индустрия начала искать потерянную эстетику в других местах. Симптоматичным выглядит обращение к работам Зонненфельда. Так, осенью нас ждет мультверсия «Семейки Аддамс», а сейчас мы наблюдаем возрождение «Людей в черном». Своеобразную реанимацию франшизы доверили Феликсу Гэри Грею, который, конечно, задал совсем другие правила игры.

Если посмотреть на фильмографию Грея, где выделяются и давний «Переговорщик» с Сэмюэлом Л. Джексоном, и «Законопослушный гражданин» с Джейми Фоксом, и байопик про N.W.A. «Голос улиц», нельзя не отметить, что у режиссера довольно внятный и непритязательный почерк. Обычно он рисует зрительское, драйвовое, местами ироничное кино не без оглядки на свой народ – афроамериканцев то есть. К этому добавляются и тонны снятых им клипов, да еще и исключительно для чернокожих исполнителей, среди которых, к примеру, Ice Cube, Dr. Dre или Jay-Z. Довольно типичными для Грея, хоть и без одного из главных нынешних афроактеров Смита, вышли и «Люди в черном: Интернэшнл».

Не изменяя себе, Грей буквально заталкивает в фильм бессчетное количество разного качества шуток, часть из которых, наглые и постмодернистские, конечно же, срабатывают. Ну невозможно не посмеяться над тем, как герой Хемсворта пытается рукой дотянуться до молота. А довольно объемный и чуть ли не разрывающийся изнутри, во многом за счет желания авторов охватить как можно больше персонажей и событий, сценарий режиссер превращает не в поклон первым частям франшизы, не в гетто-драму, а в скучноватый двухчасовой клип. Причем он проявляется как в эпизодах – подбор костюма для героини Томпсон, например, вполне можно было бы увидеть лет десять назад на MTV, а во втором плане нетрудно заметить танцевальный дует Les Twins, не забывающий продемонстрировать свои способности, – так и в общем повествовании, у которого идейности и ума для полнометражной ленты явно не хватает. Проблемный сценарий мог быть хотя бы частично компенсирован ярким зрелищем, однако и в этой части новые «Люди в чёрном» не впечатлят взыскательного зрителя. Экшен-сцен в картине не так много, да и масштабом они не поражают. От одной сцены к другой фильм двигается быстро и бойко, но явно по инерции. Показателен в данном ключе факт отсутствия внятного антагониста, которого дарили зрителям фильмы Зонненфельда и который мог бы прибавить картине смысловой вес.

Фильм пусть и расширил географию, но он не смог даже на йоту уловить тональность оригинала. Это типичное «студийное кино» со всеми недостатками. В надежде понравиться зрителю фильм полагается на химию между исполнителями главных ролей. Томпсон и Хемсворт играют вместе уже не первый раз (чего стоит их дуэт в «Торе: Рагнарёк»), между ними в самом деле пробегают искры. Но экранная химия работает на все сто только при детально проработанных характерах, а агенты Эйч и Эм этим похвастать не могут.

Фактически главной героиней фильма стала Эм, она же Молли. У девушки есть предыстория и свои мотивы мечтать о вступлении в организацию, а следить за попытками Молли выйти на след Людей в чёрном действительно любопытно. Но как только она добивается своей цели и надевает чёрный костюм, на месте целеустремлённой и немного наивной девушки появляется даже не стажер Эм, а агент Мэри Сью со всеми вытекающими.

В то, что до появления Эм в лондонском отделении работали одни придурки, поверить ещё можно. А вот в то, что пришедший с улицы новичок так легко впишется в ряды организации, играючи уделает опытных профессионалов и, не имея никакого опыта в общении с пришельцами, в принципе не будет совершать ошибок, поверить уже сложнее.

Проблема в том, что обучение и подготовка М остались за кадром. Создаётся впечатление, что она превратилась из новичка в агента в мгновение ока. А ведь в оригинальном фильме отборочные экзамены Джея в ряды агентов были одним из самых смешных моментов. Да и потом герой Уилла Смита то и дело влипал в истории: то палить из сверчка начнёт почём зря, то инопланетянина с человеком перепутает. Хотя его наставником был опытнейший агент Кей, а Молли достался всего лишь агент Эйч.

Мало того, что Крис Хемсворт играет Тора в галстуке, — причём помесь Тора-шутника из «Рагнарёка» с Тором-раздолбаем из «Финала». Главная проблема — всё, что нам рассказывают о персонаже Хемсворта, не совпадает с тем, что мы видим в его исполнении. Нам говорят, что Эйч — ведущий оперативник лондонского отделения, надежда и опора начальства, лучший агент своего поколения, спаситель мира и прочая, и прочая.

На деле же перед нами предстаёт разгильдяй-неудачник, который косячит на каждом шагу, — и лишь по счастливой случайности из-за его косяков пока никто серьёзно не пострадал. Самый опытный агент Лондона похож на салагу, и на его фоне настоящий зелёный новобранец в лице Эм выглядит профессионалом. Как будто их экземпляры сценария перепутали!

И ведь в фильме встречаются интересные задумки, но самые перспективные сюжетные идеи создатели умудрились свести в никуда. Удели сценарий больше времени попыткам Эм найти Людей в чёрном — сюжет бы от этого только выиграл. К примеру, раз нынче в ряды организации принимают первого встречного, почему бы героине просто не выдать себя за одного из Людей в чёрном, не впутаться случайно в серьёзные неприятности и не обратиться за помощью к настоящим агентам? Это было бы куда интереснее.

Практически с самого начала нам намекают на две вещи: во-первых, в лондонском отделении действует крот, а во-вторых, агент Эйч изменился и ведёт себя как-то не так. Но детективная интрига расходуется впустую, а перспективная сюжетная линия со странностями в поведении Эйча вообще никак не раскрывается. Как он поменялся, почему, поменялся ли вообще или это домыслы — подобные вопросы создателей не интересуют. А ведь усиль сценарий романтическую линию, появись в повествовании намёки, что Эйчу промыли мозги и он, сам того не зная, шпионит на каких-нибудь пришельцев, — и вуаля, сюжет заиграл бы совсем иными красками.

К сожалению, «Люди в чёрном: Интернэшнл» состоят из упущенных возможностей. Характеры персонажей недоработаны, потенциальные сюжетные повороты не исследованы, а насыщенный событиями сюжет никак не развивает вселенную. Казалось бы, действие не останавливается ни на минуту. Сюжет зайцем скачет из города в город, подбрасывает один сюрприз за другим, не напрягает и не заставляет скучать. Но при этом на экране не происходит ничего по-настоящему значимого. Выйдя из кинотеатра, ты тщетно пытаешься вспомнить хоть одну яркую сцену, кроме раскрытой ещё в трейлерах шутки про молот. За высокими темпами скрывается вторичный, полный клише сценарий. Второстепенные персонажи не проработаны, а о злодеях и вовсе без слёз не вспомнишь, настолько жалкое зрелище они собой представляют.

Самое же печальное, что в фильме, призванном расширить вселенную «Людей в чёрном», эта вселенная сжимается до размеров напёрстка. Здесь нет ни одной запоминающейся новой расы пришельцев, а отсылки к предыдущим фильмам сведены к минимуму. За исключением агента О в исполнении Эммы Томпсон, появятся лишь мопс Фрэнк да черви, и все они мелькнут в кадре на пару секунд. А Кея и Джея и вовсе разглядят только самые внимательные. Более того, «Интернэшнл» ещё и рушит канон. В первом фильме чётко сказано, что первый контакт с пришельцами случился в 1961 году и «Людей в чёрном» основало американское правительство. А теперь вдруг выясняется, что по ту сторону Атлантики Густав Эйфель общался с инопланетной жизнью ещё за семьдесят лет до того.

«Не было достаточно сильной идеи в истории», — признался президент Sony Том Ротман в ответ на вопрос о не самом удачном прокате «Люди в черном: Интернэшнл».

Простое, незамысловатое и совершенно необязательное продолжение выдохшейся франшизы с тупыми, но симпатичными персонажами, которое смотрится на одном дыхании и вроде даже развлекает, но забывается сразу после выхода из кинотеатра.

Но все-таки, может быть, из-за приятных глазу актеров, может быть, ввиду чрезмерной веселости, а может, хитро используя купленное еще в нулевых Зонненфельдом топливо, «Люди в черном: Интернэшнл» своей цели добиваются. Они действительно становятся неплохим блокбастером, который порадует детей всех возрастов и оставит приятное впечатление, которое так нужно в эти очень черные дни. А подходит ли напяленное режиссером и сценаристом черное новым агентам – наверное, не так важно.

Интересные факты:

Вначале предполагалось сделать кроссовер телесериала «Мачо и ботан» (1987-1991) и фильмов франшизы «Люди в чёрном», где Ченнинг Татум и Джона Хилл снова появятся в тех же ролях.

Первый фильм франшизы «Люди в чёрном», режиссёром которого не стал Барри Зонненфельд.

Первый фильм франшизы, полностью снятый «на цифру» камерами ARRI Alexa 65.

Костюмы мужчин и женщин-агентов сшиты из шерстяной ткани дизайнера Пола Смита, морщины на которой сами разглаживаются, так что агенты всегда выглядят безупречно вне зависимости от того, куда их занесёт служба.

Исполнитель роли Вунгуса Кайван Новак поначалу был актёром на замену, но так понравился авторам фильма, что его ввели в основной актёрский состав.

Островную крепость Ризы снимали на вулканическом острове Искья в Тирренском море, в северной части входа в Неаполитанский залив. Искья – один из городов-побратимов Лос-Анджелеса.

Сцену, в которой агент О встречается с агентами Эйч и М в Париже, снимали во дворце Трокадеро. Статуи, которые видит зритель, называются «Женщина» и «Мужчина».

Тессе Томпсон очень понравился персонаж Пешкин, она знала, что Кумэйл Нанджиани подойдёт на роль актёра озвучивания идеально. Этот персонаж был полностью сгенерирован на компьютере, но Нанджиани специально летал из Лондона, чтобы его озвучивать в компании Томпсон и Криса Хемсворта.

Вооружение автомобиля Jaguar XJ6 – заслуга художника фильма Чарльза Вуда. Арсенал включает в себя встроенные в окна пистолеты (пять штук), огнестрельное оружие в крышке топливного бака и пулемёт в заднем бампере.

Агенты ходят в солнцезащитных очках марки Police от компании De Rigo.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Во время спасательной операции в космосе отряд Людей Икс попадает в сложную ситуацию. Экипаж замечает надвигающуюся из космоса субстанцию с энергией. Это и оказывается так называемой силой Феникса, которую не по своей воле впитывает Джин Грей (Софи Тёрнер), после чего девушка становится самым сильнейшим мутантом во Вселенной. Не в силах сдерживать эту мощь, Джин решает покинуть команду Людей Икс, всё более становится неуправляемой и поддаётся влиянию предводительнице пришельцев, желающая повергнуть в хаос планету.

За Джин охотятся наследники внеземной империи, которую энергия когда-то уничтожила. За Джин охотятся люди и мутанты, которые пострадали из-за её гнева. Джин преследуют её собственные воспоминания, которые Ксавье (Джеймс МакЭвой) пытался от неё скрыть.

Сюжет интересный и захватывающий. Динамика есть, сочная картинка есть, музыка эпична в меру. Смысл же следует особо выделить. Главную героиню потрепало морально. На её долю выпало тяжёлое испытание. Трудно поставить себя на её место, да и не хочется конечно. Она встала перед сложным выбором. Казалось бы, ей уже не спасти свою душу. Но любовь и здесь сотворила чудо. И сила духа. И друзья. В фильме присутствует надежда. Когда Феникс борется со своими демонами, не отступает надежда. Феникс не знает где правда, а где ложь. Борьба с демонами и со своими скелетами у Феникса великолепно разыграна. Современное общество считает, что сознание можно изменить. Ну, а как поведёт себя Феникс? Изменение сознания, собственные демоны Феникса, таинственная космическая сила — всё это раскрыто через мощный монтаж.

Особенно понравилась картинка и стиль повествования. Хоть происходящее на экране далеко не всегда позитивно, но это не удручает, но и не веселит конечно. Просто приятно смотреть. Нам демонстрируется линейное повествование без каких-то лишних ответвлений. Мы наблюдаем историю одного персонажа, вокруг которого вращаются другие маленькие истории, которые, так или иначе, имеют к нему отношение. Немного драматизма, чуточку эмоций, отсылки к темам психиатрии и травм детства. А в остальном - набор ярких картинок о том, как мутанты защищают этот мир. Ни разу не правдоподобно, зато живописно и содержательно. Замечательный подбор актеров и точное попадание в части главных ролей Фассбендера и МакЭвоя делают этот фильм лишенным явных недостатков блокбастером. Судить его можно лишь в категориях субъективных. А это всегда вкусовщина.

Агония впечатлительных спецэффектов, нестандартный переход к ключевой битве, прекрасная демонстрация сил мутантов. Это то, за что мы и любим серию «Людей Икс» - их фильмы всегда сочетали в себе отборную драму и прекрасный экшен. Я не советую смотреть картину тем, кто недостаточно знает и любит франшизу. Чтобы вникнуть во все тонкости, чтобы прочувствовать все заложенные в фильм эмоции, нужно очень быть в теме и любить этих персонажей. Немало людей идут в кино просто потому что это марвел, не смотрев прошлых частей, не зная кто есть кто и что с чем связано, а потом недовольны тем, что многого не понимают.

В этом фильме много сильных персонажей. Таких разных, со своими проблемами, терзаниями. И в своей значимости они не уступают главной героине. Никто не ушёл в тень. Все выделялись. И так органично их раскрыли, так драматично. Супергерои здесь не просто супергерои, а предстают перед нами и с другой стороны, со своими ошибками, изъянами и проблемами.

Эффекты качественные. На протяжении всего фильма происходят зрелищные схватки супергероев на любой вкус. Хочешь природной мощи, будут тебе и молнии, и порывы ветра, сшибающие с ног. Чего-нибудь погорячее пожелаешь, то и тут насмотришься вволю на испепеляющий огонь и взрывы. Тут стреляют вертолётами, летают как ходят, бегают словно пуля и т.д. и т.п. Очень зрелищно.

Фильм подарил различные эмоции, натолкнул на глубокие мысли, ну и глаз порадовал. Хотя и запутал немного. «Люди Икс: Тёмный Феникс» - это фильм, который должен был стать грандиозным финалом полюбившейся некогда франшизы, доказавшей в свое время, что экранизации комиксов могут быть серьезными и достойными. Однако на деле получился довольно таки странный фильм, который разрывается из-за огромного количества творческих промахов и недоведенного до конца потенциала. Если предыдущие фильмы были хорошо структурированы, выстроены логически и переход к каждому последующему эпизоду вытекал из уже показанного, в «Темном Фениксе» все это выглядит несколько сумбурно. Как например сцена с космосом, переход к убежищу Магнето, стремительный перескок к месту схватки на городской улице и такой же переход на движущийся поезд. Такое ощущение, будто в окончательный монтаж фильм ушел без ряда эпизодов, которые как раз и моли сгладить все шероховатости. Все таки - это заключительная часть и она должна быть фееричной с глубоким смыслом и действительно стоящим логическим завершением, а по сути мы получили развлекательное поп-корновое кино.

Интересные факты:

Режиссёрский дебют сценариста и продюсера Саймона Кинберга.

Фильм неоднократно подвергался пересъёмкам, из-за чего дата премьеры откладывалась несколько раз. Сначала «Темный Феникс» был назначен на апрель 2018-го, потом перенесен на ноябрь 2018-го, далее был перенос на 14 февраля 2019-го. Наконец, финальную дату релиза установили на 7 июня 2019-го.

Характер Ксавье — возможно, единственное, что уцелело от первоначальной концепции режиссёра и автора сценария Саймона Кинберга, который почти двадцать лет ждал шанса снять историю о Фениксе. Времени и денег у Кинберга было достаточно, но пожелания продюсеров Fox и Marvel менялись слишком часто. Последнюю треть фильма пришлось целиком переснять, пришельцев-скруллов заменили на безликих Д'Бари, чтобы не смешивать «Феникса» и «Капитана Марвел» Реплики Джессики Честейн, которая из неоднозначной героини превратилась в холодную машину для убийства, переозвучили заново: почти все они произносятся за кадром.

При подготовке к роли Феникса, актриса Софи Тёрнер занималась изучением психических заболеваний.

После нескольких неудачных тест-показов продюсеры подумывали о том, чтобы отказаться от широкого проката в пользу премьеры на стрим-сервисе Hulu, принадлежащему The Walt Disney Company.

Это первый фильм во франшизе, в котором никак не был задействован персонаж Росомахи в исполнении Хью Джекмана, потому что актёр настоял на том, чтобы «Логан» (2017) стал финальным аккордом для Росомахи.

Тай Шеридан, исполнивший роль Циклопа, признался, что не качался для фильма, а просто надевал на съёмки специальный костюм.

Этим фильмом планировали начать новую серию картин о Людях Икс с молодыми героями (Джин Грей, Циклоп, Ночной Змей, Шторм, Мистик, Зверь, Ртуть, Джубили, Ослепительная), уже представленных публике в прежних фильмах, однако из-за неудовлетворительных результатов проката от этих планов пришлось отказаться.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
История одного из самых масштабных и стратегически важных морских сражений на Тихом океане Второй мировой войны. После разгрома японской авиацией большей части флота США в Перл-Харборе до этого придерживавшаяся нейтралитета Америка вступает в войну. В июне 1942 года остатки американского флота под командованием адмирала Честера Нимица сражаются с Императорским флотом Японии у атолла Мидуэй.

7 декабря 1941 года, японцы атакуют Перл-Харбор. Об этом исходе сотрудник разведки Эдвин Т. Лэйтон говорил ещё давно, но никто к нему не прислушался. Теперь, когда война Японии официально объявлена, а руководство сменено, именно его стратегические советы станут определяющими в грядущих сражениях. Правда, на этот раз он утверждает, что следующий удар японцы нанесут по базе Мидуэй, причём единственный его аргумент — неоднозначные расшифровки вражеских передач.

Роланд Эммерих хотел снять фильм о битве за Мидуэй ещё в 90-х, но финансовые ограничения вынудили отложить проект аж на 30 лет. Чтобы кино всё-таки состоялось, в 2017 году режиссёру пришлось искать инвесторов, способных вложить в «Мидуэй» 100 миллионов долларов (это, кстати, сделало его одним из самых дорогих независимых фильмов). Эммерих, как известно, обожает истории пафосные, монструозные по размаху, но в то же время человеческие — такие, где на фоне смерти городов или даже планеты показаны судьбы простых людей. Конфликт американцев и японцев в этом плане казался идеальным материалом для типичного эммериховского сюжета, но подход режиссёра — как бы это иронично ни звучало в контексте военного фильма — дал осечку.

«Мидуэй» принадлежит к тому числу художественных военных фильмов, которые скорее являются высокобюджетной кинохроникой с сюжетом, чем непосредственно типичной для жанра "истории маленьких людей на фоне больших событий". В этом плане он очевидно проигрывает знаменитому «Перл-Харбору», которой несмотря на довольно сомнительную историчность, был очень богат на художественные и эмоциональные изыски.

«Мидуэй» же больше напоминает дорого-богато поставленную игровую кинохронику к какому-нибудь документальному фильму на канале History, что особенно бросается в глаза из-за очень схематично изображённых персонажей и механической последовательности событий. В этом фильм можно сравнить со страдающей теми же проблемами дилогией «Великая Французская Революция», но если французы таким образом пытались соблюсти нейтральность, американцы, скорее всего, просто старались максимально красиво показать одну из самых легендарных морских битв в истории.

«Мидуэй» не работает как гигантское эпичное полотно о величайшей американской победе. Эммерих пытается создать цельную историю — чтобы все персонажи и события в синергии образовывали единый портрет войны, — но нарратив скорее напоминает рассказы видавшего виды (в том числе и в небе над Мидуэйем) старичка-ветерана, который отвлекается на воспоминания о старых товарищах и перескакивает с темы на тему. Особенно это заметно во второстепенных линиях: ведь не рассказать о фигуре Джеймса Дулиттла или случайных экипажах авианосца, даже если в рамках сюжета их важность сомнительна, судя по всему, видится Эммериху и сценаристу Уэсу Туку величайшим преступлением перед американским патриотизмом. Но скорее это преступление перед динамикой фильма.

Нельзя сказать, что автор с этой проблемой сталкивается впервые. В «Годзилле» — мягко говоря, не самом удачном проекте режиссёра — сюжет тоже ударялся в крайности и гряз в своей несобранности, но это компенсировалось батальными эпизодами с гигантским чудовищем, разносящим Нью-Йорк. В «Мидуэй» же самые масштабные сцены выглядят наиболее вымученными. Тут уже дело не в Эммерихе: мастерство постановки никуда не делось, зато сказался то ли недостаток бюджета, то ли непрофессионализм художников по эффектам. Нападение на Перл-Харбор (в потенциале один из важнейших моментов сюжета, где взрываются огромные корабли и гибнут тысячи американцев) превратилось в кат-сцену из посредственной компьютерной игры. И в начале фильма этот тревожный звонок пугает даже сильнее, чем графика «Дня независимости» при пересмотре.

Но после Эммерих обращается к излюбленным локальным историям, и экшен тоже становится скромнее. Все достоинство «Мидуэйя» — в приземлённом, незначительном. В воздушных боях, где внимание приковано к разудалому Дику Бесту (даже по имени можно понять, что с ним шутки плохи), в кабинетных спорах, ожидании сражений — во всём, на чём авторы вдумчиво фокусируются дольше 10 минут, не желая снова посмотреть, «а что там у японцев». Даже в антураже — фактурных актёрах, одетых в максимально аутентичные костюмы и бродящих (за исключением сцен с ужасным хромакеем) по максимально аутентичным декорациям.

«Мидуэй» в плане «достоверности» вообще не вызывает вопросов. Очевидно, Эммерих и Тук ловко манипулируют зрителем (в госпиталях после Пёрл-Харбора людей собирают по кусочкам, пока японцы попивают саке у себя в квартале), но пафос и компромиссные титры — посвящение военным как американским, так и японским могут смирить даже придирчивого любителя докапываться до художественной правды. Хотя «Мидуэй», конечно, не столько о виновных в войне, сколько о безумцах, которые в ней побеждают. Американцы Эммериха — нация авантюристов, чудаков и просто тех, кто «не трусил и вёсел не бросил». Потому что только у них дешифровщиками работают бывшие музыканты, ныне круглые сутки коряво переводящие вражеские передачи, а офицер разведки на основании этих неточных данных может убедить командование сместить все силы на Мидуэй. Эммерих в какой-то степени тоже авантюрист, ведь он рискнул всем и снял проект мечты. Не зря он вводит в историю образ безумного режиссёра, который, находясь в эпицентре сражения, когда вокруг взрывы и трупы, продолжает искать лучшие кадры для фильма. Но, в отличие от этого персонажа, военная кинематография Эммериха, судя по всему, провалилась.

Интересные факты:

После унизительного расстрела японцами Перл-Харбора, победа при Мидуэе стала для Америки символом мощи, успеха и удачи. В горячке они тут же зачали на верфях обойму новых кораблей, в которой первому дали имя славного острова. Впоследствии помеченный счастливым именем авианосец кочевал по разным заварушкам: отирался у берегов Вьетнама и Кореи, кружил в Персидском заливе, поднимая «Бурю в пустыне». У тотемного старичка много раз меняли заклёпки, не давая уйти на покой, и только на пределе усталости металла списали на берег, пришвартовав у пирса в Сан-Диего, оставив висеть на якоре плавучей медалью отваги.